the Real Folk Blues

몬스터 콜 _ 누구도 해주지 못했던 위로

아쉬타카 — Thu, 21 Sep 2017 14:29:19 +0900

몬스터 콜 (A Monster Calls, 2016)

누구도 해주지 못했던 위로

많은 이야기들이 있다. 현실과 환상, 진실과 거짓을 넘나들며 존재하는 수많은 이야기들은 여러 가지의 은유를 통해 전달되곤 한다. 그것은 직접적인 방식을 택할 때도, 간접적인 방식을 택할 때도 마찬가지다. 장르적으로 보았을 때 현실에 더 가까운 드라마도 그렇고, 비현실적인 것들을 배경으로 하는 판타지도 그 이야기 속에는 많은 숨겨진 의미와 목적들이 있기 마련이다. '오퍼나지 - 비밀의 계단 (The Orphanage, 2007)'과 '더 임파서블 (The Impossible, 2012)'을 연출했던 후안 안토니오 바요나 감독의 신작 '몬스터 콜 (A Monster Calls, 2016)'은 바로 그 '이야기 (storytelling)'관한 영화다. 병으로 고통받는 엄마를 지켜봐야만 하는 어린 소년 코너에게, 어느 날 밤 나타난 몬스터는 세 가지 이야기를 들려주겠다 말한다. 그리고 세 번째 이야기를 다 전하고 나면 네 번째에는 코너가 직접 이야기를 들려줘야 한다는 말도 반복한다. 코너가 처한 현실과 전혀 무관한 것만 같았던 이 세 가지 이야기는 결국 네 번째 코너의 이야기가 시작되기 위한 설득과 배려의 과정이었다는 걸 뒤늦게 깨닫게 된다.

부모의 이혼, 가정의 불화, 가난으로 인한 고통, 친구들로부터의 따돌림과 폭력 등 어린 주인공이 어떤 결핍이나 상실로 인해 고통받고 혼란을 겪는 과정 속에서 꿈이나 환상을 통해 현실을 잠시나마 벗어나는 경험을 그린 이야기들은 많다. 대부분 이런 종류의 이야기들은 앞서 언급했던 그 결핍의 대상들이 환상 속에서 겪는 모험을 통해 극적으로 해결되거나 극복되는 해피엔딩으로 끝나는 것으로 연결되곤 한다. 이야기를 전달하는 측면에서 보았을 때, 특히 그 대상이 아직 어린 나이의 소년이라 했을 때는 더욱, 긍정적이고 발전적인 앞으로의 삶을 위해 그것이 설령 영화적이고 판타지에 가깝다고 하더라도 최대한의 설득력 있는 내러티브를 통해 해피엔딩으로 마무리하고자 하는 노력을 하게 된다.

이러한 방식도 그 의도의 선함은 의심하지 않지만 과연 더 나은 방식으로 나아갈 수는 없었을까 하는 조금의 아쉬움이 남곤 했는데, 이 영화 '몬스터 콜'은 그런 의미에서 정말 성숙한 어른의 배려와 고민, 노력이 엿보이는 이야기였다. 한바탕의 모험을 통해 순간의 해피엔딩으로 마무리되는 것에 못내 죄책감을 느낀 어른이 진심으로 고민 고민을 거듭한 끝에 내놓은 결론이랄까. 설령 이 영화의 방식이 와 닿지 않았을지언정 그 고민의 깊이 만은 공감할 수밖에 없도록 만든다.

예전에 찰리 카우프만의 야심작 '시네도키, 뉴욕 (Synecdoche, New York, 2008)'을 보고 나서 그 심연의 심연을 거듭하는 카우프만의 욕심을 넘어선 도전적 고민의 결과물에 평소 알고는 있지만 쉽게 인정하기 어려웠던 마음속을 들켜버린 듯한 부끄러움과 공감을 느꼈던 적이 있다. '몬스터 콜' 역시 그랬다. 솔직히 코너가 벼랑 끝에서 뱉어버린 속마음은 누군가에겐 아무것도 아님 잠깐의 감정이나 고민일지 모른다. 그런데 이와 비슷한 고민이나 경험을 해본 이들이라면 누구라도 공감할 수 있을 만큼, 아무도 모르고 상관도 하지 않지만 나 스스로는 견디기 힘들 정도로 괴로운 그 고민의 지점이, 영화의 대사로 상황으로 꺼내진 순간 느꼈던 정적은 다른 작품들에서는 만날 수 없었던 경지였다.

그런 생각을 하게 되는 일들이 있다. 누군가에게 그 생각을 말하거나 심지어 혼잣말로도 내뱉어 본 적은 없지만, 그런 생각이 든 사실 만으로도 혼자 죄의식을 느끼고 괴롭게 만드는 일들 말이다. 흔히 '양심의 가책'이라는 말을 하곤 하는데, 정확히 양심의 가책과는 조금 다른 괴로움이다. 누구나 좋은 사람이 되고 싶어 한다. 그렇기 때문에 어떤 행동이나 생각이 더 좋은 사람이 되는 방향인지 본능적으로 알 수 있는데, 이에 반하는 생각이 저절로 들었을 때 느끼게 되는 나 혼자만의 괴로움은 결코 별 것 아닌 걸로 말할 수 없을 것이다. 이런 고민은 특히 결핍이나 상실에서 오는 고통의 크기가 감당할 수 없을 정도로 크거나 또는 너무 오래 지속되어 역시 더 이상 견디기 힘들 정도까지 이르렀을 때 더 심해지게 되는데, 여기까지 버텨냈다는 건 다시 말해 그만큼 좋은 사람이 되고자 하는 의지가 강한 사람으로 미뤄볼 수 있다는 점에서 이 고민은 원인이 된 고통보다도 더 큰 고통으로 다가오기도 한다.

즉, 누군가에겐 아무 일도 아닌 순간의 포기 혹은 그냥 스쳐가는 생각이, 어떤 이에겐 마음속에서 일지라도 절대 하고 싶지 않은, 그런 생각이 드는 것만으로도 죄를 짓는 것 같아 괴로운 이들이 있다는 것이다.

그냥 어떤 식으로든 끝나 버렸으면. 내 잘못도 아닌데 더는 못할 것 같아, 그냥 내가 아닌 다른 누군가에 의해 끝나버리면 차라리 좋겠어.라는 생각으로 스스로를 더 괴롭히고 자책하는 이에게, '그건 네 잘못도 누구의 잘못도 아니야. 괜찮아. 괜찮아'라고 말해줄 수 있는 건 정말 어려운 일이다. 어쩌면 그 어려움을 잘 알기 때문에 누구도 섣불리 위로하려 들지 않았을지도 모르겠다. 깊은 고민 없는 위로는 말 그대로 말뿐인 위로 그 이상도 이하도 아니기 때문이다. 그런데 '몬스터 콜'의 클라이맥스에서 터져 나온 코너의 진심과 그 진심을 이끌어 내기 위해 더 큰 배려로 감싸 안은 가족과 몬스터 (몬스터를 가족과 별개로 굳이 말할 필요가 있을까 싶지만)의 위로는, 지금까지 누구도 해주지 않았던, 아니 못했던 진심 어린 위로였다.

살다 보면 수많은 위로와 충고를 겪게 된다. '사는 게 다 그렇지' '누구나 다 좋은 일만 하고 살 수는 없어' '이런 일도 있고 저런 일도 있는 거야'라는 말은 결론적으로 그렇다는 걸 모두가 수긍할 수밖에 없을지는 몰라도, 최소한 말 그대로의 의미가 진심으로 느껴져 위로가 되었다고 할 수 있는 경우는 극히 드물 것이다. 다시 말해 '사는 게 다 그렇지'라는 말도 어떤 과정과 배려를 담아 전했는가에 따라 이전까지는 경험해보지 못했던 위로가 될 수 있다는 얘기다. 내게 있어 이 영화 '몬스터 콜'은 그동안 내게 누구도 쉽게 해주지 못했던 위로를 느낄 수 있었던 영화였다. 주절이 글이 길어졌지만 이 영화는 단 한 마디로 정의할 수 있는 영화다.

'위로받는 영화'

'몬스터 콜'은 그렇게 전혀 예상하지 못한 방식으로 내 안에 들어와 아무한테도 말하지 않았던 고민을 나 스스로 꺼내 놓게 만들고 그것만으로도 위로받고 있음을 느낄 수 있었던 좋은 영화였다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

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택시운전사 _ 목격자로서 정의롭게 기록하는 법

아쉬타카 — Sat, 5 Aug 2017 10:43:51 +0900

택시운전사 (A Taxi Driver, 2017)
목격자로서 정의롭게 기록하는 법

역사를 배경으로 한 영화는 항상 위험함이 존재한다. 실제로 있었던 일이라는 사실 만으로도 흥미를 자극하는 장점이 있기는 하지만, 그렇기 때문에 더더욱 조심스럽게 다뤄야 할 필요가 있기 때문이다. 특히 가까운 과거의 경우, 또 그 역사적 사실의 피해자가 존재하는 경우는 섣불리 접근해서는 안될 정도로 앞서 언급한 장점에 비해 위험성의 부담이 더 큰 장르가 바로 과거사를 배경으로 한 영화라고 할 수 있을 텐데, 그런 측면에서 장훈 감독의 신작 '택시운전사'는 아직 그리 오래되지 않은 80년 광주 5.18의 시간을 배경으로 하고 있는 아주 위험한 영화다.

5.18 광주를 다룬 영화는 상업영화 가운데도 이미 여러 편이 있었는데 '화려한 휴가'처럼 제대로 된 방향성을 잡지 못해 좋지 못한 평가를 받은 영화도 있었고, '26년'처럼 많은 기대를 모은 것에 비해 영화적 완성도에 대한 아쉬운 평가를 받았던 영화도 있었다. 지금까지 내가 본 광주 민주화운동을 다룬 영화 가운데 가장 인상적이었고 가장 효과적인 영화를 꼽으라면 단연 김현석 감독의 '스카우트 (Scout, 2007)'를 주저 없이 꼽을 수 있겠다.

당시 한창 코미디 영화로 주가를 올리던 임창정 주연의 영화로 코믹한 느낌을 강조한 포스터와 홍보로 많이 알려지지는 않았으나, 이 영화는 놀랍게도 1980년 광주의 공기를 가장 잘 표현해 낸, 특히 직접적으로 개입하지 않고 간접적인 방식을 택하면서도 5.18을 대하는 태도에 있어서 가장 올바름을 보여준 영화였다. 서두에 이야기했던 것처럼 섣불리 피해 당사자의 입장으로 참혹한 역사의 중심에 서서 어설픈 공감대를 자랑하듯 전시하지 않고, 스스로 최대한 한 발 물러섬으로써 광주를 바라보는 진심을 느낄 수 있었던 좋은 영화였기 때문이다 (스카우트는 광주 얘기가 나올 때마다 추천하는 영화다).

장훈 감독의 '택시운전사'는 '스카우트'에서 조심스럽게 한 발 더 접근한 영화다. 영화는 이번에도 제삼자의 시선으로 이야기를 다루고 있지만, 좀 더 당시의 현실을 전달하는 목적을 달성하기 위해 조심스럽게 한 발 내딛는 것을 선택한 영화다. 그리고 이 영화는 잘 알려졌다시피 실제 존재했던 인물들에게 아주 많은 빚을 지고 있는 영화이기도 하다. 당시 완전히 통제되었던 언론 탓에 광주의 참혹한 현실은 외부에 전혀 알려지지 못하고 있었는데, 독일 기자 위르겐 힌츠페터 (토마스 크레취만 분)는 한 택시운전사의 도움으로 광주에서 취재를 할 수 있었고, 영화 '택시운전사'는 이 과정을 중심으로 1980년 5월 광주를 바라본다. 즉, 서울 택시를 몰던 소시민으로 우연히 광주에 오게 된 김만섭 (송강호 분)과 독일 기자 피터의 목격자적 입장이 이 영화의 시선이자 목적으로 볼 수 있다.

사실 많은 재난 영화 혹은 특수 상황을 배경으로 한 드라마들이 이런 비슷한 방식을 취하고 있기는 하다. 영화에서 벌어지는 커다란 재난 혹은 사건과는 전혀 무관했던 평범한 인물이 우연히 사건에 휘말리게 되면서 사태의 본질을 파악하고 관객들에게도 공감대를 유도하는 방식 말이다. 이런 구조는 또한 대부분 평범했던 인물이 영웅적 면모를 보여주면서 문제의 중심에 도달, 해결하는 이야기로 귀결되곤 하는데, 일반적인 액션, 재난 영화에서는 오락적인 측면으로 쉽게 수용되는 부분이지만 실제 역사를 배경으로 하는 경우에는 아무래도 주저해야만 하는 방식이기도 할 것이다.

'택시운전사'는 분명히 '스카우트'와 비교해서는 물론이고 이 한 편만 두고 보아도 제삼자가 역사의 중심에 더 많이 접근해 있는 영화다. 하지만 그럼에도 이 영화가 이런 실수를 범했던 다른 역사 배경 영화들에 비해 좋았던 건 접근에 주저함이 보일 정도로 조심스럽고, 최대한 제삼자이자 목격자임을 망각하지 않으려고 노력하고 있기 때문이다.

아슬아슬한 부분이 없었던 것은 아니다. 만섭이 피터의 탈출을 위해 벌이는 자동차 추격 장면이나 그 이전에 금남로 현장에서 보여주는 장면들은 자칫 타자의 영웅적 면모로 비칠 수 있는 (그저 장르적 장치로 소비될 수 있는) 면이 없지 않지만, 그래도 결과적으로 만섭과 피터는 목격자임을 잊지 않고 목격자가 할 수 있는 최선의 것을 고민하는 것에 집중한다. 만섭은 집에 홀로 남겨진 어린 딸에 대한 걱정으로 하루빨리 서울로 돌아가고 싶지만 직접 목격한 참혹한 현실 앞에 보통의 인간으로서 양심의 가책을 느끼게 된다. 만섭이 느끼는 죄책감이나 양심의 갈등은 거대한 정의나 영웅적 면모와는 거리가 멀다. 그저 인간이라면 누구라도 느껴야 할 것들로 인한 지극히 현실적인 갈등이다.

사실 여부와는 상관없이 만섭이 광주로 다시 돌아갈 것이냐 말 것이냐를 깊이 갈등하는 장면은 그래서 더 인상적이었다. 만약 만섭이 다른 재난 영화의 주인공들처럼 이 문제의 심각성을 깨닫고 사태의 중심으로 들어가 해결하려고 했다면, 설령 그것이 역사적 사실이라고 하더라도 현재의 관객들에게는 더 큰 울림을 주지 못했을 것이다. 하지만 자신은 이미 할 바를 다했고, 누구 하나 돌아가지 않는다고 해서 욕하는 이도 없을 것이고, 더군다나 홀로 남겨진 어린 딸을 위해서라도 서울로 가야 할 이유가 충분한 상황을 알기에 눈물로 결심하는 이 장면은 정의롭지 못한 일을 맞닥들이게 되었을 때 목격자로서, 제삼자로서 그럼에도 어떻게 행동해야 하는지에 대해 더 큰 설득력을 가질 수 있었던 장면이었다. 할 수 있는 최소한의 것을 하는 것에서 한 발만 더 나아가 행동할 수 있다면 어떤 세상이 또 어떤 인간이 될 수 있는지를 생각해 보게 만드는 순간이었다.

그리고 '택시운전사'를 보며 또 하나 생각해 보게 된 건 직업인으로서의 윤리랄까, 역할에 관한 점이었다. 최근 종영한 드라마 '비밀의 숲'에서도 이와 비슷한 인상을 받을 수 있었는데, 거대한 음모와 부정의가 판치는 가운데 이를 해결하기 위해서는 거대한 힘도 필요하겠지만 그보다는 직업인으로서 각각의 개인이 각자의 맡은 바를 제대로 하기만 해도 막을 수 있는 일이 아니었을까 하는 메시지를 이 영화에서도 발견할 수 있었다.

독일 기자 피터는 실제 인터뷰에서도 밝혔던 것처럼 엄청난 사명감으로 당시 광주로 향했던 것이 아니라 기자이기 때문에, 기자로서 알려야 할 일이 있다면 취재를 해야 한다는 직업윤리에 기반해 행동했던 것이고, 영화 속에 등장하는 여러 광주 택시운전사들의 대사에서도 '택시운전사가 손님을 가려 받으면 되나'처럼 기본적으로 택시운전사로서 자신들이 할 수 있는 바를 충실히 했다는 것을 영화는 놓치지 않는다. 직접 데모에 나서지 않는 이들도 데모에 참여한 이들을 위해 먹을 것을 내주고, 쉴 곳을 내주며 응원의 힘을 불어넣었던 것처럼, 당시 광주는 광주 시민 모두가 각자 자신의 방식대로 민주주의와 정의를 위해 할 수 있는 최선의 것들을 너무나 당연하게 행동으로 옮겼던 현장이었다는 것 또한 잊지 않는다. 이 역시 최대한 있는 그대로, 하지만 목격자의 입장에서 바라보고자 하는 것이 이 영화의 시선이다.

장훈 감독의 '택시운전사'는 역사적 비극을 당사자가 아닌 목격자로서 어떻게 바라보고 행동해야 하는 가에 대한 고민의 결과물이자 호소가 담긴 질문의 결과물이다. 1980년 5월 광주에서 벌어진 일들에 대해 아직도 많은 이들이 제대로 알고 있지 못하고 있는 것이 현실이다. 이 영화는 당시를 기억하고 5.18에 대해 잘 알고 있는 이들보다는 아직 제대로 광주의 의미에 대해 알지 못하는 더 많은 이들을 위한 영화다. 그래서 철저하게 목격자의 입장을 취하고 있지만, 반대로 목격자만이 할 수 있는 일들에 대해 메시지를 던지는 영화다.

1. 이 영화에서 가장 판타지스럽다고 생각되었던 후반부 검문 장면은 사실을 배경으로 한 장면이라고 하더군요.
2. 자동차 추격 장면은 확실히 조금 이질적인 시퀀스였어요. 이 부분이 조금만 더 세련되었다면 더 좋은 영화가 되었을 듯.

3. 초반부 만섭이 광주로 향하기 이전 장면들에 여러 복선들이 있더군요.

4. 이렇게 5.18 광주를 다룬 영화들은 조금씩 한 발씩 나아갔으면.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

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군함도 _ 영화와 영화 외적인 것들의 필연적 충돌

아쉬타카 — Tue, 1 Aug 2017 14:28:49 +0900

군함도 (The Battleship Island, 2017)

영화와 영화 외적인 것들의 필연적 충돌

류승완 감독의 신작 '군함도'는 처음 제작 사실이 알려졌을 때부터 기대와 걱정, 바꿔 말하면 반가움과 못마땅함이 존재했었던 논란의 영화였다. 흥미로운 건 기대하고 못마땅해하는 이유가 각각의 것이 아니라 동일한 점이었다는 거다. 화려한 캐스팅은 더 많은 대중들에게 기대를 갖게 하는 동시에 영화가 원했든 원치 않았든 간에 천만 영화라는 타이틀이 제작 단계에서부터 얘기된 점은, 더 많은 곱지 않은 시선을 이 영화에 갖도록 만들었다. 영화가 관객을 만나게 된 지금도 이 상황은 크게 달라지지 않았다. '군함도'는 현재 가장 많이 이야기되고 있는 영화이지만 아이러니하게도 영화가 담으려 했던 메시지나 내용적인 것에 대한 담론보다는 영화 외적인 것들에 대한 이야기가 훨씬 더 비중 있게 다뤄지고 있다. 아, 물론 내용에 대한 이야기들도 논란이 되고 있긴 한데 이 부분에 대해서도 이 글을 통해 이야기해보려고 한다.

'군함도'는 큰 규모의 제작비가 말해주듯, 처음부터 대중적인 측면을 고려하지 않을 수 없었던 즉, 더 많은 관객을 대상으로 한 영화임을 결코 간과할 수 없었던 영화였다. 혹자들은 이런 경우 작가로서의 감독이 상업적인 것을 위해 많은 것을 포기했다라며 평가 절하하곤 하는데, 내가 봤을 때 '군함도'의 경우 이건 포기라기보다는 선택에 가깝다. 작은 규모로도 풀어낼 수 있는 이야기가 있고 대규모의 투자가 꼭 필요한 이야기가 있는데, 물론 '군함도'를 주제로도 충분히 훨씬 적은 규모의 영화를 만들 수도 있었겠지만, 류승완 감독이 만들고자 했던 건 기본적으로 장르 영화였고 대규모의 투자가 필요한 영화였다.

그리하여 결과적으로 지금까지 한국영화에서는 볼 수 없었던 대규모 세트 촬영과 이를 기반으로 한 스펙터클한 화면과 액션의 동선을 가능하게 해 확실히 진일보한 수준을 보여준다 (다른 얘기로 최근 논란이 되는 점을 감안했을 때, 그리고 이 영화가 애초부터 작은 기획으로 시작했다고 가정한다면 '군함도'는 지금과 같은 액션 영화가 아니라 라즐로 네메스 감독의 '사울의 아들 (Son of Saul, 2015)'처럼 만들었어야 지금의 논란을 모두 해결할 수 있었을 것이다. 그랬다면 지금과 같은 논란은 없었을 거고, 배급사가 무리한 독과점을 시도하지도 않았을 거고 그리 많지 않은 관객 만이 영화를 관람했을 거다).

이야기의 구성 측면에서 '군함도'는 장르 영화의 전형적인 모습을 보여준다. 황정민과 김수안이 연기한 이강옥과 소희의 이야기는 쉽게 로베르토 베니니의 '인생은 아름다워'를 연상시킨다. 참혹함 속에서도 현실적인 생존을 위해 노력하는 모습과 서로가 서로에게 반드시 탈출해야만 하는 (특히 이강옥에게) 이유가 되는 이야기는 가장 전형적인 구조이지만 그와 동시에 가장 보편적 정서로 많은 대중들에게 쉽게 어필할 수 있는 장점이 되기도 한다. 소지섭이 연기한 최칠성의 이야기는 '군함도'의 또 다른 줄기 이야기라고 할 수 있는데, 이후 등장하는 박무영(송중기)의 이야기와 마찬가지로 커다란 하나의 이야기에 잘 묻어나지 못하는 양상을 보여준다.

박무영의 이야기는 전개상 반드시 필요한 것으로 볼 수 있으나 최칠성의 이야기는 필요보다는 선택 측면으로 개입되었다고 볼 수 있는데, 결과적으로 하나의 이야기에 더 집중하기 어렵도록 만드는 장치가 아니었나 싶다. 박무영이 개입되는 시점부터 영화는 빠르게 탈출(재난) 영화로서 전개되기 시작하는데 개연성을 위해 몇 가지 장치들을 마련해두기는 했지만 아무래도 조금은 급작스럽게 장르 영화로서 탈바꿈되어 달려 나간다는 인상을 지우기 어렵다.

사실 '군함도'는 장르 영화로서만 보았을 때 그리 나쁘지 않은 영화라고 볼 수 있다. 대규모의 촬영 현장에서 만들어낸 (CG가 아님을 확인시켜주는) 장면들은 그 자체로 압도되는 측면이 있고, 그만큼 볼거리 측면에서도 러닝 타임 내내 지루하지 않게 몰입할 수 있다. 하지만 이 영화가 아쉬움을 남기는 측면은 아이러니하게도 바로 그 배경이 '군함도'라는 점 때문이다. 결과적으로 생각해보면 '군함도'라는 역사적 사실을 배경으로 대규모 장르 영화를 만든다는 것은 여러 가지 측면에서 (예상하지 못했던 반응들까지 더해서) 참 어려운 도전이었구나 싶다. 결론적으로 이 영화는 군함도라는 역사적 사실에 대한 인식과 이를 통해 전달하려던 메시지에 대한 부분은 물론, 탈출 영화로서의 스펙터클 모두 최대한으로 뻗지 못하고 아쉬운 지점에서 그치고만 느낌이 강했다.

특히 아직도 청산되지 않은 역사의 아픔을 제3 국의 시선이 아닌 당사국의 입장에서 그리고 있는 만큼 강제 징용 피해자들에 대한 묘사에 (그것이 허구라 해도) 더 신중을 기하는 것이 필요했는데, 장르적 전개를 위해 총, 칼과 폭발에 스러져 가는 모습을 전쟁영화의 방식으로 잔인하게 묘사한 것은 그 참혹함을 부각하기 이전에 상처를 더 짓누르는 효과가 크지 않았나 싶다. 보통의 전쟁 영화에서 우리 편 혹은 우리 군이 죽음을 맞을 때의 묘사도 이와 크게 다르지 않지만 관객의 심리에서는 일본에게 강제 징용된 피해자들의 죽음을 맞는 장면이 훨씬 더 감정적으로 수용하기 어려울 정도로 받아들여진 측면이 분명 존재했다. 물론 여기에는 조선인들 간에 갈등 전개에 불만을 가진 이들의 반대가 더 컸을 텐데, 그런 측면이 더해지면서 이 대탈출의 서사는 완전히 살아나지 못하게 되었다.

그리고 시기적인 정서도 무시할 수 없는 요인이라고 생각된다. 비극적 역사를 배경으로 한 영화의 경우 관객들이 그 역사적 사실을 얼마나 알고 있느냐가 영화를 감상하는 데에 적지 않은 평가 요인이 된다고 말할 수 있을 텐데, 군함도에서 벌어진 강제 징용 역사의 경우 최근 '무한도전'을 비롯해 몇몇 강의 프로그램이나 언론을 통해 이슈가 된 만큼, 관객들의 뇌리 속에는 깊은 상처와 슬픔이 최근의 기억으로 남아 있었기에 이를 장르 영화로 소화해낸 (물론 영화가 담으려던 본질은 그게 아니었다고 생각하지만) 영화 '군함도'가 더 날카로운 시선으로 또 정서적 거부감으로 다가올 수도 있었겠다는 생각이 든다.

천만 영화. 천만 관객을 목표로 한 영화들은 대부분 어느 정도의 논란을 가져오기는 했지만 '군함도'의 경우는 좀 더 양상이 복잡한 경우다. 일단 개봉일 기준으로 전체 스크린의 대부분이라 할 수 있는 숫자의 스크린을 점유한 것 자체는 한 사람의 관객으로서 참혹하고 끔찍한 심정이 들 정도로 분명 정상적인 상황은 아니었다. 설령 그것이 합법적일지라도 말이다.

더 많이 보고 싶어 해서 더 많은 상영관을 가져갔다는 말은 얼핏 보면 그럴듯해 보이지만, 이것이 문화 산업이라는 점을 감안한다면 이건 불공정 거래에 가까운 현상이라고 말할 수 있을 것이다. 점차 시일이 지나면서 '군함도'의 스크린 점유율은 줄어 가고 있지만 이후 개봉될 예정이라는 확장판의 소식까지 더해 만들어진 (만들어 내야만 하는) 천만 영화가 되어 간다는 아쉬움을 지울 수 없다. 이렇게까지 무리하지 않아도 충분히 목표로 했던 것들을 이뤄낼 수 있지 않을까 싶은데, 실패를 몹시 두려워하는 자본주의 시스템이 뭔가 억지로 무리를 하고 있는 느낌이다.

이와 별개로 이 독과점의 문제의 탓을 감독에게 돌리는 것도 정상적이지 못하다고 본다. 물론 관객이 정서적으로 받아들이기에 그 영화를 대표하는 인물은 감독이기 때문에, 더군다나 일부에서 실망하는 것처럼 류승완 감독이 평소 진보적인 태도로 스크린쿼터나 대기업, 자본에 대해 비판적인 입장을 보여주었었기 때문에 더 그럴 수 있다는 점은 어느 정도 이해하지만, 마치 이 모든 것이 감독의 의도인 양 또는 심한 말로 돈 맛을 알아 버린 감독이 투자/배급사인 CJ와 손잡고 변절 아닌 변절했다느니 하는 (사실 이것보다 훨씬 더 심한 수위의 표현들이 많다) 의견들은 수용하기 어려울뿐더러 다른 의도에 의한 것이 아닌가 하는 의심마저 든다 (물론 이런 의견을 갖는 전체를 매도하는 것은 아니다). 스크린 독과점과 관련해 가장 고통스러운 사람은 아이러니하게도 류승완 감독 본인이 아닐까 싶다.

솔직히 스크린 독과점과 관련한 부정적 의견들은 일부 의견들의 발언 수위가 너무 수준 낮다는 (욕설 수준) 문제가 있기는 하지만, 수위의 대한 정도만 걸러 낸다면 어느 정도 이해할 수 있는 선의 논의라고 생각된다. 하지만 이 영화의 내용을 두고 벌이는 논쟁은 참으로 말도 안 되는, 그야말로 저의가 의심되는 움직임이라고 밖에는 생각할 수 없다. '군함도'를 두고 일본군에 대한 참상을 고발하는 내용이 아니라 오히려 찬양하는 가운데 조선인들끼리 다투는 내용을 담은 친일 영화라는 의견들이 있는데, 이건 정말 말도 안 되는 얘기다. 영화가 담고 있는 내용에 대한 팩트부터 말하자면 '군함도'는 일본 제국주의에 대한 비판적 시각이 짙게 깔린 동시에 단 한 명의 일본군도 미화하거나 그들도 피해자라는 식의 묘사는 존재하지 않으며, 강제 징용된 조선인들 사이에 존재하는 친일파가 영화의 주된 갈등으로 등장한다.

묘한 공격 지점이 되고 있는 이 부분은 오히려 내가 이 영화에서 가장 인상적으로 본, 가장 좋아하는 지점이다. '군함도'는 단순히 제국주의 일본 군의 참상을 평면적으로 그려내는 구도가 아니라 시대를 살아 남기 위해 스스로도 피해자이면서 가해자에게 기생해 목숨을 부지하려 했던 친일파들에 대한 적대심과 비판적 태도를 적극적으로 드러낸 점이 가장 마음에 들었다. 예전 ‘지슬’에 대한 글을 쓰면서 가해자인 군인들도 사실 피해자라는 영화의 시선에 대해 아직은 시기상조라는 비판적 의견을 이야기한 적이 있는데, 그것과는 전혀 다른 것이 '지슬'의 경우는 말했다시피 가해자를 일정 부분 미화하는 (군함도의 경우로 보자면 일본군을 미화하는) 경우고, '군함도'의 경우는 피해자 가운데 자신은 피해자가 되지 않기 위해 어쩌면 가해자들 보다도 더한 악행을 저지른 또 다른 가해자인 친일파를 묘사하고 있는 경우이기 때문이다.

‘군함도’가 묘사하는 친일파 인물들의 비중은 오히려 일본군의 만행에 대한 비판의 목소리를 내기 전에, 내부에 숨어 있거나 오히려 큰소리치고 기득권으로서 여전히 권력을 행사하고 있는 친일파 세력의 청산이 반드시 필요하다는, 즉 아직도 이러한 전후 청산의 과정이 제대로 이루어지지 못한 만큼 선행되어야 할 역사적 심판에 대한 감독의 메시지를 느낄 수 있는 부분이었다. 다소 신파적이라고 지적받는 마지막 장면 (김수안 배우의 응시) 같은 경우도 나는 이러한 심판과 감시의 눈빛이라고 생각된다.

친일파들이야 말로 일본의 여러 가지 악행들이 점점 잊히거나, 친일파에 대한 존재는 지워버린 채 오로지 일본군의 악행 만이 강조되고 기록되기를 간절히 바라고 있을 텐데, '군함도'가 담고 있는 메시지는 그들에 대한 강한 심판과 감시, 다시 말해 그들의 악행을 반드시 역사에 기록해 미래로 전달해 내겠다는 의지의 표현이기 때문이다. 그래서 나는 몇 가지 아쉬운 점들이 있었음에도 많은 기득권 세력을 불편하게 만든 (더군다나 천만 관객을 목표로 한 대자본의 영화가) 메시지를 담은 영화라는 점에서 '군함도'를 응원한다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

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최적화된 환경에서 다시 본 <옥자> _ dolby atmos

아쉬타카 — Tue, 1 Aug 2017 09:51:48 +0900

최적화된 환경에서 다시 본 <옥자>

(Okja, Dolby Atmos, 2017)

봉준호 감독의 신작 '옥자'를 다시 보았다. 이미 리뷰 글을 통해 '옥자'에 대해 한 번 이야기를 했던 것처럼, 다른 넷플릭스 오리지널 영화들처럼 집에서 즐겨볼 수도 있었으나 동시에 극장 상영을 한다면야 이 기회를 놓칠 이유가 없었기 때문에 개봉일에 맞춰 다른 개봉 영화들처럼 극장을 찾아 관람을 했었다. 오히려 극장에서 한 번 보고 나서 글을 쓸 때 명확히 기억이 나질 않거나 다시 보고 싶은 장면들을 집에 와서 바로 넷플릭스로 다시 볼 수 있어서 편리한 점도 있던 옥자의 동시 상영에 대한 경험이었다.

그런데 그렇게 이미 두 번 아닌 두 번의 감상을 했음에도 또 한 번 극장에서 '옥자'를 보게 된 이유는 다름 아닌 그 영화가 상영되는 극장과 소스의 환경 때문이었다. 같은 영화를 여러 번 반복해서 보길 즐기는 입장이긴 하지만, 그럼에도 역시 영화를 볼 때 가장 중요한 것은 첫 번째 경험 그리고 어떤 환경에서 감상하느냐 하는 것이다. 그렇기 때문에 좋아하는 영화는 집에서 멀리 떨어진 곳의 극장이라 하더라도 일부러 힘들게 찾아가 관람을 하곤 하는데, 그건 모두 첫 번째 관람을 내가 선택할 수 있는 가장 최적의 환경에서 하고 싶기 때문이다. 봉준호 감독의 '옥자'의 경우 비록 첫 번째 관람 시에는 내가 선택할 수 있는 것 가운데 최적의 선택이었던 '극장 상영' 자체를 선택하는 것에 만족할 수 밖에는 없었으나, 더 좋은 환경에서 관람할 수 있는 기회가 있다니 이 기회를 뿌리치기가 어려웠던 것이 사실이다.

블루레이 타이틀 리뷰를 오랜 기간 해온 리뷰어로서 돌비 애트모스 (Dolby Atmos) 사운드 시스템은 아주 익숙한 편인데, '옥자'를 바로 이 돌비 애트모스 사운드로 감상할 수 있는 기회가 생겨서 파주에 위치한 명필름 아트센터를 지난 주말 찾게 되었다. 참고로 파주 명필름 아트센터는 지인의 사무실이 근처에 있어서 몇 번 방문해 본 적이 있었는데, 카페를 즐기거나 다른 구경을 해 본 것과는 달리 정작 영화를 관람하게 된 것은 이번이 처음이었다. 역시나 소문대로 영화 감상에 아주 쾌적한 환경이었고, 이번에 감상한 돌비 애트모스 사운드를 비롯해 상영 시스템도 깔끔해서 영화 감상에 더할 나위 없이 편안한 환경이었다. 파주라는 거리를 감안할 때 자주 방문하기는 어려운 것이 사실이나, 이번 '옥자'의 경우처럼 돌비 애트모스 사운드로 상영되는 작품을 관람하고자 할 때는 먼 거리를 달려 방문한 보람이 충분히 느껴질 만한 극장 환경이었다.

영화 상영에 앞서 간단히 돌비 관계자 분이 나와서 돌비 애트모스 사운드 시스템에 대한 설명과 상영될 영화 '옥자'의 사운드에 대해 소개하는 시간이 있었다. 돌비 애트모스 사운드가 다른 사운드 포맷들과 가장 차별되는 점이라면 스피커를 활용함에 있어 단순한 채널의 개념이 아니라, 객체 기반의 개념으로 활용 가능하다는 점이다. 즉, 5.1 채널, 7.1 채널 등과 같이 리어와 서라운드, 우퍼 등으로 이뤄져 각각의 채널에 위치에 맞는 사운드를 분리해 제공하는 것과는 달리, 천장을 비롯해 좌우 후면에 이르기까지 훨씬 더 많은 수의 스피커들 하나하나를 독립적으로 활용하여 각각의 원하는 위치에 감독이 원하는 사운드를 담아낼 수 있다는 얘기다.

아주 단순화시켜서 말하자면 화면에서 소리의 움직임이 전후 좌우로 이동할 때 다른 사운드 시스템에 비해 훨씬 더 여백 없이 자연스럽게 공간을 휘감을 수 있다는 것이고, 궁극적으로 영화를 만든 감독의 본래 의도를 현재로서는 가장 제대로, 디테일하게 구현할 수 있는 시스템이 돌비 애트모스 사운드라고 말할 수 있겠다. 실제로 봉준호 감독 역시 명필름 아트센터를 찾아 '옥자'를 관람하고는 자신의 의도에 가장 부합하는 사운드를 들려주었다며 크게 만족했다고 한다.

그렇게 돌비 애트모스로 다시 보게 된 '옥자'는 조금의 과장을 더해 처음 보았을 때와는 조금 달라진 영화였다. 확실히 사운드의 장악력이 압도적이다 보니 장면이 전하고자 하는 의도와 감정이 더 짙게 느껴졌으며, 특히 영화의 여러 추격과 액션 시퀀스를 좀 더 효과적으로 감상할 수 있었다. 이를테면, 초반 미자가 산을 내려와 미란도 본사에서 트럭을 쫓는 시퀀스는 좌우보다는 상하의 움직임이 많은 장면인데, 스크린을 기준으로 전후로 이동하는 사운드가 확실히 더 귀에 느껴졌으며, 인트로 장면에서 흐르던 수록곡 역시 전체적으로 하나의 사운드로 섞여 들린다기보다는 독립적으로 들리는 동시에 공간감 있게 펼쳐지고 있어서 오히려 더 장면에 잘 녹아드는 느낌이었다.

그리고 확실히 보통의 사운드로 감상할 때보다는 공간감과 거리감이 탁월해서 인물들이 거리를 두고 대화를 나누거나 또는 인물을 중심으로 거리를 두고 떨어져 있는 곳에서 들려오는 사운드들의 거리감이 좀 더 선명하게 전달되었다. 또한 많은 이들이 지적하지 않는 부분인데, 오히려 이렇게 전체적인 사운드의 공간감이 느껴지는 것에 비례해 센터에서 전달되는 대사 전달이 훨씬 더 선명해진 것을 느낄 수 있었다.

마지막으로 이번 상영에서는 감상할 수 없었지만 '옥자'는 돌비 애트모스로 제작된 것은 물론, 돌비의 새로운 이미지 기술인 돌비 비전 (Dolby Vision)으로도 제작되었다. 2017년 출시된 LG OLED TV 모든 모델, 마찬가지로 올해 출시한 LG의 스마트폰인 LG G6이 돌비 비전을 지원하고 있으며 넷플릭스 프리미엄 요금제를 이용하고 있다면 돌비 비전으로 스트리밍이 가능하다. 참고로 돌비 비전은 HDR 기술을 통해 더 선명한 색상과 명암, 밝기 그리고 깊은 블랙과 입체감을 제공하는 포맷으로 마치 돌비 애트모스가 그러했듯이 돌비 비전까지 더해진 '옥자'를 경험해 본다면 또 어떤 감흥을 선사할지 기대가 되지 않을 수 없다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

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덩케르크 _ 무엇이 그들을 생존하게 만들었나

아쉬타카 — Fri, 21 Jul 2017 15:17:40 +0900

덩케르크 (Dunkirk, 2017)

무엇이 그들을 생존하게 만들었나

크리스토퍼 놀란의 신작 '덩케르크'는 1940년 덩케르크 해변을 배경으로 벌어졌던 영국군의 대규모 탈출 실화를 배경으로 한다. 놀란의 전쟁 영화라는 점에서 어떤 영화일까 몹시 궁금했었는데, 아이맥스 카메라를 최대한 활용한 기술적 시도는 놀라울 만큼 압도적이지만 보통의 전쟁 영화 혹은 대탈출 영화가 보여주는 극적인 요소와 전쟁의 참혹함을 자극적으로 묘사하는 장면들은 거의 찾아볼 수 없을 정도로, '덩케르크'는 조금 다른 방향성을 가진 전쟁 영화다.

영화는 탈출을 돕는 구축선과 해변의 병사들을 공격하는 적기들을 막기 위해 전투를 벌이는 전투기 조종사의 시점, 포위된 상황을 벗어나 본국으로 탈출하려는 병사들의 시점 그리고 이 병사들을 돕기 위해 덩케르크 해변으로 향하는 어선에 올라 탄 평범한 이들의 시점으로 각각 나누어진다. 놀란의 영화가 자주 그런 형태를 취하듯이 이 같은 공간에서 벌어지는 다른 시점의 이야기들은 이번에도 절묘한 편집을 통해 하나의 이야기로서 완성도를 갖는다.

커다란 사건을 배경으로 한 세 가지의 다른 이야기를 하나로 풀어내는 방식은 독립적인 동시에 유기적이다. 알레한드로 곤잘레스 이냐리투의 예전 영화들처럼 흩어져 있던 인물들이 한 지점에서 반드시 만나기 위해 존재하는 필연적인 이야기가 아니라, 서로 직간접적으로 영향을 시공간을 통해 주고받는 느슨한 동시에 매우 끈끈한 관계라 할 수 있겠다. 다시 말해 이 세 가지 이야기에 등장하는 인물들이 연결되는 자체가 중요한 것이 아니라 영화가 왜 그들을 연결시키고 있는 가가 중요하다는 말이다.

예전 '인셉션'과 '인터스텔라'에 대해 이야기하면서 크리스토퍼 놀란이 대중들에게는 기술적인 부분과 디테일과 지적 호기심을 자극하는 장치들로 유명하지만 사실은 인간의 감정과 드라마를 풀어내는 것에 재능 혹은 애정이 있다고 했었는데, '덩케르크'를 보면서 재차 이 생각을 굳힐 수 있었다. 결국 크리스토퍼 놀란이 덩케르크 구출 작전을 통해 말하고자 했던 메시지는 전쟁이라는 비 인륜적이고 비이성적인 상황 속에서도 순수한 선의를 갖고 있던 인물들로 인해 승리보다도 값진 생존을 얻어낼 수 있었다는 것일 텐데, 그런 측면에서 한 편으론 영화 자체가 담고 있는 시선이 순수하기보단 순진한 것으로 그려질 수 있지만 놀란은 이번에도 자신이 믿는 순수한 선의를 전달하기 위해 다양한 영화적 장치들로 이를 설득해 낸다.

만약 이 영화가 끝내 러닝 타임 동안 이 상황과 인물들의 선의를 전달하는 것에 실패했더라면, 영화의 말미에 등장하는 민간 어선의 구출 장면이나 몇몇 의미 심장한 대사들이 그저 간지러운 것으로 그쳤을 것이다. 하지만 영화는 일일이 인물들의 동기를 다 설명하지 않았음에도 관객을 설득해 내는 데 성공한다. 그것이 '덩케르크'가 성취한 가장 값진 결과가 아닐까 싶다.

# 아이맥스 레이저 상영과 한스 짐머의 음악에 대해

'덩케르크'를 이야기하면서 아이맥스 촬영과 음악에 대해 말하지 않을 수가 없는데, 왜냐하면 이 두 가지를 빼면 이 영화는 성립 자체가 불가한 정도이기 때문이다. 일단 '덩케르크'가 선택한 아이맥스 촬영의 경우 일반적인 아이맥스 화면비보다도 더 상하의 화면이 차지하는 비중이 높은 1.43:1의 화면비로 약 75% 이상이 촬영되었는데, 이는 일반 디지털 아이맥스 관에서도 상하 레터박스가 생기는 화면비로서 국내에서는 최근 용산 CGV에 도입된 아이맥스 레이저 상영을 통해서만 손실 없이 관람할 수가 있다.

이렇듯 보통의 아이맥스 화면비보다도 아래 위로 더 많은 정보량이 담긴 영상을 영화는 적극 활용하고 있는데, 그만큼 상하의 움직임이 인상적인 장면들이 많고 일부 전투기 장면에서는 흡사 파노라마 방식을 좌우가 아닌 상하로 구현하는 듯한 느낌을 받을 정도로 인상적인 것을 넘어서는 최초의 체험을 할 수 있었다. 즉, 단순히 1.43:1의 화면비로 대부분 촬영되었으니 아이맥스 레이저 상영을 가능하면 관람해야 되는 것이 아니라, 이 화면비로 감상해야만 제대로 된 장면의 의도가 파악되는 장면들이 다수 있었다는 얘기다.

이 외에 장면들은 2.2:1의 화면비로 촬영되어 아이맥스 레이저 상영관에서 관람할 경우 레터박스가 생기게 되는데, 레터박스가 감상을 방해해서가 아니라 2.2:1로 촬영된 장면들을 굳이 1.43:1로 찍지 않아야만 했던 이유가 부족해 보였던 터라, 좀 더 편안한 감상을 위해 하나의 포맷으로 촬영을 했다면 어땠을까 하는 생각도 든다 (1.43:1의 화면비를 제대로 감상할 수 있는 환경이 사실상 국내에 하나밖에 없다는 환경적인 이유는 별개의 문제로 하고).

한스 짐머와 놀란의 작업은 이제 별개로 생각할 수 없을 정도로 꾸준히 이어지고 있는데, '덩케르크'의 영화 음악은 '다크 나이트' 이후 가장 인상적인 한스 짐머의 결과물이 아닌가 싶다. '덩케르크'에서 영화 음악은 거의 러닝 타임 내내 강약을 조절해 가며 깔리고 있는데, 마치 러닝 타임과 같은 길이의 긴 한 곡을 연주하고 있는 느낌이 들 정도로 영화의 내용과 완전히 결합되어 있다. 영화 속에 등장하는 모든 소리들이 영화 음악으로 활용되고 있다는 것도 알 수 있는데, 이러한 모든 실제의 사운드를 이질감 없이 음악으로 소화해 내는 점이 이번 한스 짐머의 음악에서 가장 인상적인 점이었다.

# 놀란 다운 전쟁 영화가 나왔다

대규모 제작비가 투여된 전쟁 영화로서 기존의 박진감 넘치는 대규모 전투 장면이나 카타르시스가 극적으로 치닫는 탈출 영화로서의 묘미를 기대했다면 이 영화는 조금 실망할 수도 있겠다. 이 문장에서 가장 중요한 단어는 '기존의'다. 즉, '덩케르크'는 박진감 넘치는 전투 장면이나 극적인 탈출 영화로서의 묘미가 없는 것이 아니라, 다른 느낌과 방식으로 전하는 영화다. 리얼리티를 고집하는 크리스토퍼 놀란 답게 과연 이런 장면들을 CG 없이 어떻게 완성해 냈는가 궁금한 장면들도 많고, 전쟁을 다루는 과정 속에서도 인간의 마음을 결국 그려내고자 했던 순수함과 인간에 대한 굳은 믿음을 이번에도 발견할 수 있었다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

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박열 _ 박열, 아니 가네코 후미코에 대해

아쉬타카 — Wed, 5 Jul 2017 14:36:52 +0900

박열 (Anarchist from Colony, 2017)

박열, 아니 가네코 후미코에 대해

'이 영화는 고증에 충실한 영화입니다.’

‘이 영화에 등장하는 인물은 모두 실존인물입니다’

이준익 감독의 신작 ‘박열’은 이렇게 시작한다. 이것은 굉장한 자신감을 드러내는 일종의 선언이자 이 영화가 실화를 어떤 마음 가짐으로 다루고자 했는지 관객에게 전하는 메시지다. 최대한 고증에 신경을 쓴 영화들 조차 ‘실화를 바탕으로 했습니다’ 정도로 언급하는 것이 보통인데, 이 영화는 고증에 ‘충실’했음을 영화의 무엇보다 가장 먼저 알리고 있다. 실화를 바탕으로 한 영화들은 극소수의 경우를 제외한다면 실화 속 이야기나 인물에게 깊은 감동이나 인상을 받고 그 감동을 더 많은 이들에게 전하고자 영화로 제작하게 된 것이 대부분일 것이다. 그럼에도 대부분의 실화를 기반으로 한 영화들은 그 가운데서 그 메시지를 좀 더 극대화시키기 위해서, 또는 좀 더 대중적인 언어로 관객들에게 극적 요소를 더하기 위해서 허구의 장치를 정도에 따라 가미하는 것이 일반적인데, ‘박열’은 그런 여지를 영화 스스로가 배제하고 있다. 꼭 실화를 있는 그대로 만드는 것만이 미덕은 아닐 것이나, 영화가 고증에 충실했음을 강하게 어필하고 있는 이유에는 주목해볼 필요가 있다.

앞서 이야기했던 것처럼 그 이유를 통해 이 영화가 갖는 가치관과 태도를 엿볼 수 있기 때문이다. 이준익 감독의 ‘박열’은 마치 가네코 후미코가 자신의 자서전의 원고를 동료에게 전하면서 절대 화려하고 포장하는 말들로 꾸미지 말라고 했던 것처럼, 우직할지언정 외적 요소를 최소화하려고 노력한 영화다. 바로 그것이 박열과 가네코 후미코를 제대로 알리는 방법이라고 생각했기에.

이 영화를 보며 가장 놀랐던 건 ‘아니, 겨우 몇십 년 밖에 되지 않은 이들의 이야기를 왜 전혀 몰랐던 거지?’하는 무지로 인한 것이었다. 실제로 일제 시대 독립운동 과정 중에 민족을 위해 자신을 바쳤던 인물들에 대한 후세의 평가는 잘못되거나 숨겨져 온 경우들이 적지 않은데, 대부분은 그들이 해방 이후 납북되거나 북으로 전향했기 때문에 정치적인 이유로 이들의 삶을 가리고자 했던 경우들이었던 것 같다. 영화를 보고 난 뒤 찾아본 결과 박열의 경우도 해방 이후 납북되었는데, 다른 이들 (예를 들면 김원봉 같은)과는 성격이 좀 다르긴 하지만 (참고로 박열은 이후 건국훈장을 받고 북에서의 죽음이 알려지자 남한에서도 사회장 수준의 추도식을 치르기도 했었다) 어찌 되었든 다른 독립 운동가들에 비해 후세에 덜 알려진 경향이 있다 할 수 있겠다.

이 영화의 제목은 ‘박열’이지만 영화의 내용이나 실존 인물들의 삶을 비춰보자면 가네코 후미코의 비중이 절반, 혹은 절반 이상이라고 감히 말할 수 있을 것 같다. 반대로 말하자면, 이 영화는 페미니즘 적인 측면에서 보았을 때도 다른 보통의 영화들에 비해 훨씬 진일보한 시각을 갖고 있기는 하지만 (물론 여기에는 실존 인물의 삶 자체가 그렇게 만들었다고 해야겠지만) 만약 성별이나 국적이 반대의 경우였다면 이 영화의 제목과 비중은 당연히 지금의 가네코 후미코가 우선되었을 정도로 후미코의 삶은 한 인간으로서, 제국주의 시대를 살던 아나키스트로서 압도적인 삶이었다.

영화 ‘박열’은 박열과 후미코 두 사람의 이야기를 일종의 로맨스로 그리고자 한 것도 사실이지만 그럼에도 그들의 삶에 누가 되지 않는다고 말할 수 있는 건, 보통의 로맨스가 아닌 그들 만이 가능했을 방식의 로맨스로 그려냈기 때문이다. 대역죄인으로 억울하게 몰려 심문과 재판 과정에 놓이기 되는데, 둘을 심문하는 검사를 가운데 두고 두 사람이 서로의 (동지로서의) 진심을 확인하는 시퀀스는 영화적으로도 몹시 매력적이다. 또한 그저 돌아이처럼 묘사되는 과정 속에서도 그들의 자신의 논리를 정색하며 펼칠 때 순간적으로 다시 집중하게 만드는 것이 가능했던 것도 이 영화 만이 갖는 독특한 리듬이라고 할 수 있겠다. 보통 같으면 나라를 위해 모든 것을 바친 이들을 어떻게 돌아이처럼 묘사할 수가 있냐고 되묻게 될지 모르겠지만, 이 영화는 앞서 말했던 것처럼 고증에 충실한 영화다. 그들은 20살, 22살의 청춘이었다. 그래서 이 영화가 던지는 또 다른 메시지는 청춘에 관한 것이다. 조금, 아니 많이 쓰라리지만 비켜나갈 수 없는 송곳 같은 질문을 스스로에게 던지게 된다. 나의 스무 살은 그만큼 뜨거웠는가에 대해 말이다.

사실 영화 한 편을 보고 나서 짧은 시간 박열과 가네코 후미코의 삶에 대해 찾아본 것이 전부이기 때문에 단언할 수 없는 것들이 많지만, 그럼에도 정보를 찾아보고 난 뒤 더 분명해진 점이라면 박열보다는 가네코 후미코의 삶에 더 주목할 필요가 있다는 점이다. 실제로 해방 이후 박열의 행보를 보면 아쉬운 행보가 없지 않은 것, 즉 좀 더 가치 판단이 필요한 부분이 있는 것에 비해, 가네코 후미코의 삶이 주는 메시지는 ‘도대체 어떻게 그럴 수 있었지’ 싶을 정도로로 인상적인 것을 넘어 경의로운 삶이었기 때문이다. 그래서, 나는 영화를 보고 난 뒤 가네코 후미코의 삶이 더 궁금해졌다. 가네코 후미코라는 아나키스트를 알게 된 것만으로도 이 영화 ‘박열’이 주는 의미는 결코 적지 않다.

1. 가네코 후미코를 연기한 최희서 배우는 ‘동주’에도 출연했고 ‘옥자’에도 잠깐 출연하는데, 오랜만에 제대로 된 발견이네요. 다음 작품이 정말 기다려집니다.

2. 이 영화에서 가장 잘못된 홍보 포인트라면 이제훈 배우의 얼굴과 함께 '나는 조선의 개새끼로소이다'라고 써있는 메인 포스터라고 할 수 있겠는데, 이것만 보면 일제 시대 일본에서 살았었던 좀 특이한 조선인에 대한 이야기 정도로 보이거든요. 제국주의에 맞선 아나키스트들의 이야기로는 보이지 않아요. 실제로 그래서 못 볼뻔 했던 영화이기도 했구요.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

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옥자 _ 부조화의 조화까지는 도달하지 못한 아쉬움

아쉬타카 — Mon, 3 Jul 2017 14:10:24 +0900

옥자 (Okja, 2017)

부조화의 조화까지는 도달하지 못한 아쉬움

넷플릭스를 통해 제작되어 더 큰 화제, 아니 영화 외적인 요소로 더 많은 말들이 먼저 오갔던 봉준호 감독의 신작 ‘옥자’. 결론부터 말하자면 ‘옥자’는 봉준호 감독의 필모그래피를 종합하는 성격이 강한 동시에, 전작 ‘설국열차’가 그러했듯이 근본적으로 해외 시장을 기반으로 만든 한국영화라 할 수 있겠다. 어떤 감독의 세계관을 집대성한 성격의 작품들의 경우 아주 분명하게 장단점이 드러나곤 하는데 ‘옥자’ 역시 그러하다. 전체적으로 스토리와 구성 측면에서 ‘괴물’, ‘플란다스의 개’와 겹쳐지는 부분이 상당히 많은데, 아무래도 장점들만 (꼭 장점들만 가져왔다고 보기는 어렵지만) 뽑아 하나로 다시 합쳐지는 과정을 겪다 보니 각각의 깊이는 떨어질 수 밖에는 없고, 순간순간의 매력은 여전하지만 큰 그림으로 보았을 때 헐거워지는 측면이 발생한다. 재료가 너무 다양한 탓에. 그리고 그 재료들이 너무 매력적이었던 탓일까. 그 재료 하나하나는 다른 완제품의 맛과 대등할 정도로 매혹적이었지만, 모두를 버무린 ‘옥자’라는 요리의 맛은 오히려 조금 싱거운 맛이었다. 차라리 섞어 먹지 말고 따로 하나 씩 먹어볼까 하는 생각이 들 정도로.

본인은 별로 좋아하지 않는 것으로 알고 있지만 ‘봉테일’이라는 그의 별명은 그의 팬들과 관객들로 하여금 그의 영화를 볼 때 무의식적으로 디테일을 찾는 것에 집중하게 만들었고, 이점 역시 초반에는 봉준호라는 감독의 세계관에 매력을 느끼게 하고 더 관심을 갖게 하는 장점으로 작용했지만 오히려 시간이 갈수록 그의 작품을 제대로 감상하는 것을 막는 걸림돌로 작용하는 듯하다. ‘옥자’라는 제목과 슈퍼돼지 그리고 글로벌한 세계관은 그 자체로 이질감을 주는데, 이건 봉준호 영화가 항상 선호하는 방식이다. 어울릴 것 같지 않은 것들의 조화를 억지로 만들어 내기보다는 부조화 그 자체를 아슬아슬하게 버무려내는 기술, 그리고 크기로만 따지자면 비교가 되지 않는 거대한 음모 혹은 이야기 속에 원치 않게 놓여 버린 소시민 주인공. 마지막으로 그 주인공이 거대한 이야기 속에서 선택 혹은 마주하게 되는 극도로 현실적인 결말. 이러한 봉준호 세계관의 익숙함은 ‘옥자’에도 그대로 반영된다.

이러한 봉준호의 영화적 구조가 반복되었음에도 매번 매력적인 스토리텔링이 가능했던 것은 그 커다란 구조적 세계관과 디테일한 설정들의 유기적인 연결 고리와 조화 때문이었다. 봉준호의 이야기들은 ‘그래서 결국 어떻게 될까?’를 궁금하게 만드는 영화라기보다는 순간순간에 흥미를 느끼는 중에 나도 모르게 결론에 달해 있을 정도로 그 과정의 리듬과 긴장감을 즐길 수 있었다. 관객의 대부분이 이미 결말을 알고 있는 ‘살인의 추억’과 같은 영화가 대표적이다. 대한민국에서 가장 유명한 미제사건을 주제로 했지만 관객은 자기도 모르는 사이에 ‘이거 혹시 범인이 잡혔었나?’라고 착각을 하게 될 정도로 과정의 치밀함과 영화 만의 스토리텔링에 완전히 빠져들게 된다.

‘옥자’ 역시 영화가 시작하고 얼마 되지 않아 이야기의 구조를 파악하게 되면 어렵지 않게 전개 과정을 예상할 수 있게 된다. 더군다나 ‘옥자’는 가축이 아닌 가족으로서 등장하는 ‘옥자’라는 슈퍼돼지 캐릭터를 통해 아주 직접적으로 자본주의 시스템과 이를 소비하는 방식에 대한 메시지를 드러내고 있는 영화이기 때문에, 숨은 메시지를 어렵게 찾아낼 여지도 많지 않다. 그렇다면 결국 봉준호의 영화들이 매번 그래 왔던 것처럼 그 과정에서 다시 한번 다 알고 있는 얘기라고 생각하고 있는 관객들을, 알지만 사실 모르는 미지의 세계로 끌어당겨야 하는데 이 영화는 그 유혹의 강도가 솔직히 그리 강하지 못하다. 익숙한 이야기들은 익숙한 대로 마무리되고 그 과정의 리듬 감도 많이 떨어지는 편이다.

오프닝 크레디트를 보며 유명한 배우들의 이름과 스텝들의 이름들 가운데서 개인적으로 더 주목했던 이름은 음악을 맡은 정재일이었는데, 본래 그의 팬이었기에 그가 맡은 영화 음악에 대해서도 기대가 컸다 (크레디트 상으로는 정재일 외에 젬마 번즈가 함께 참여한 것으로 되어 있다). 하지만 ‘옥자’의 음악은 무엇을 말하고자 하는지는 너무도 분명해 보였으나, 그래서 너무 직접적이고 오히려 장면 자체를 설명하려 드는 아쉬운 부분이었다. 흔히 장면의 감성과 정반대 되는 음악을 선곡해 그 감정을 더 극대화시키곤 하는데, ‘옥자’의 음악 역시 그러한 시도를 하고 있으나 결과는 ‘그런 시도를 하려 했구나’라는 것을 알게 되는 것에 그칠 뿐이었다.

앞서 봉준호의 영화들이 어울리지 않는 인물들, 세계관들을 동시에 가져와 균열에 가까운 부조화를 만들어 내는 것이 매력이라고 했는데, ‘옥자’의 몇몇 장면들과 음악은 아쉽지만 그저 균열과 이질감에서 멈춰버린 경우가 많았다. 이건 아마도 더 많은 관객, 그러니까 더 다양한 나라의 관객들을 상대하고 있다는 걸 감독은 물론 모든 스텝들이 인지한 상태에서 제작되었기 때문에 발생하게 된 일종의 부담감의 산물이 아닐까 싶다. 이러한 부담감(기대감)이 없을 땐 오히려 본인이 원하는 100%의 색깔을 내는 것에 더 집중하게 되는데, 좀 더 대중적인 색깔, 더 많은 색깔을 포용해야 된다는 의도가 오히려 한 두 가지 색을 분명히 낼 때보다 여러 측면에서 흐려진 결과물을 만들어 낸 것이 아닌가 싶다.

‘옥자’에는 몇 번의 빠른 전개 시퀀스가 등장한다. 수평으로 수직으로 인물들이 추격의 형태로 이동하는 장면들은 이 장면 이전까지 끌고 오던 이야기의 긴장감을 배가 시키며 그대로 속도감을 더해 단 번에 다음 단계로 이동시키는 기능을 해야 하는데, ‘옥자’의 경우는 그 이전에도 확실한 매력을 보여주지 못한 탓도 컸지만 결정적으로 빠른 속도로 진행되는 추격의 장면들이 그리 인상적이지 못했다. 그 사이사이에 들어 있는 빛나는 유머들이 오히려 안타까울 정도로, 그 시퀀스가 끝나고 난장판이 된 채 남겨진 배경을 보면 ‘휴~’하며 잠시 가슴을 쓸어내리며 숨을 돌리기보다는 조금 허무한 감정이 들뿐이었다. 캐릭터들의 경우도 만화 속에 등장하는 인물들이 연상될 정도로 전형적으로 과장된 인물들이 많았는데, 본래 좋아하던 배우들이어서 더 아쉬움이 느껴졌다. 배우들의 연기가 아쉬웠던 것도 아니고, 그 과장됨을 통해 무엇을 말하고자 하는지도 이해되었지만, 서두에 이야기했던 것처럼 그 의도가 영화 전체와 자연스럽게 녹아들지는 못하는 것 같았다.

아쉬운 마음에 이야기를 하다 보니 어째 느끼는 것보다 더 별로라고 하는 것 같은 글이 되어버렸지만, 그건 진심으로 별로여서라기보다는 더 좋을 수 있었는데 하는 아쉬움 때문이다. ‘옥자’에서도 여전히 장면의 디테일, 설정의 디테일 하나하나는 매력적이다. 그리고 봉준호가 이 이야기를 통해 영화에서 결론을 낸 방식 역시 여전히 의미 심장하고 앞으로의 고민과 옅은 희망을 동시에 느끼게 만든다. 모두를 계몽하려고 노력하다가 실패하는 것은 오히려 쉽다. 하지만 긍정적인 변화를 위해 현실적인 (그것이 절반 이상의 실패 혹은 극소수의 승리라 할지라도)한 걸음 걷는 것을 택하는 봉준호 세계관의 결말은 이번에도 많은 것을 생각해보게 만든다.

마지막으로 영화를 봤던 이 날, 삼겹살을 저녁으로 먹자는 말에 단호히 거절할 수 있었던 건 순전히 ‘옥자’ 때문이었다. 적어도 한 동안은 어쩔 수 없이 먹지 못하지 않을까. 바로 채식주의자가 되기로 결심하지는 못해도, 적어도 한동안은 고기를 먹지 않는(못하는) 것이, 이 영화와 마찬가지로 내가 선택할 수 있었던 가장 현실적인 선택일 것 같다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

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에이리언 : 커버넌트 _ 프로메테우스로부터 에이리언으로의 귀환

아쉬타카 — Thu, 11 May 2017 23:00:11 +0900

에이리언 : 커버넌트 (Alien: Covenant, 2017)

프로메테우스로부터 에이리언으로의 귀환

리들리 스콧의 전작 '프로메테우스 (Prometheus, 2012)'는 에이리언의 세계관을 가져와 좀 더 근원적인 질문과 답을 꺼낸 몹시 흥미로운 작품이었다. 반대로 그렇기 때문에 '에이리언'을 기대했던 관객들에게는 떡밥만 뿌리 고만 아쉬운 작품으로 평가되기도 하지만, 내게 있어 '프로메테우스'는 이 세계관을 더 매력적으로 만들고 더 많은 것을 생각해 보게 만드는 아주 애정 하는 작품이기도 하다. 그렇게 1979년작 '에이리언 (Alien)'의 프리퀄이자 전작 '프로메테우스'의 속편 격인 이 영화 '에이리언 : 커버넌트 (Alien: Covenant, 2017)'는 앞서 말한 관객들의 아쉬운 평가가 신경 쓰인 탓인지, 프로메테우스 보다는 79년작 '에이리언'과 더 맞닿아 있는 작품이었다.

그렇게 아쉬운 점부터 말해보자면 그 이유는 아마 다 '프로메테우스' 때문일 것이다. 이 영화를 너무 재미있고 흥미롭게 즐긴 입장에서 '커버넌트'는 그 연장선에 있다고 말하기 민망할 정도로 전작에서 언급했던 창조주와 피조물의 관계를 통한 철학적 화두는 희미한 배경 정도로만 존재할 뿐이다. 쇼 박사와 데이빗이 엔지니어의 행성으로 떠났을 때의 마음 가짐을 떠올려 보자면, 아마도 그들이 관심을 갖고 탐구했던 바에 대한 내용은 '커버넌트'의 시점까지 10년이라는 시간 동안 벌어졌을 것이다. 하지만 '커버넌트'는 그저 데이빗의 대사 한 마디로 이 10년의 기간이 있었다는 것을 암시할 뿐이다.

데이빗의 회상 장면으로 미뤄볼 때 그들이 처음 이 행성에 도착하고 수많은 엔지니어들을 마주하게 되고, 또 쇼 박사가 어떻게 죽음을 맞고 그 이후 데이빗은 어떤 일들을 경험하게 되었는지를 짐작할 수 있게 하는데, '프로메테우스'의 관점에서 볼 때 이십 년 간의 이야기가 더 흥미로운 이야기가 되지 않았을까 싶다. 그래서 전작에서 던졌던 근원에 대한 물음과 창조주와 피조물 간에 서로 얽히게 되는, 한편으론 어리석은 굴레의 과정을 더 깊이 있게 다뤄볼 수도 있었을 텐데, 그 세월을 완전히 건너뛴 점이 못내 아쉽다.

하지만 '프로메테우스'의 모호함을 버리고 '에이리언' 본래의 공포와 긴장감의 장르 영화의 성격을 띠게 되면서 '커버넌트'는 더 심플하고 오락적인 영화가 되었다. 기존 1979년작 '에이리언'을 처음 보았을 때의 긴장감을 떠올려 본다면 쉽게 예상할 수 있을 텐데, 그때의 충격과 떨림을 넘어서지는 못하지만, 혹여나 79년작을 못 본 이들이라면 비슷한 첫 경험을 이 영화를 통해 할 수 있을지도 모르겠다. 그만큼 '에이리언 : 커버넌트'는 '에이리언 (1979)'과 장르적으로나 구성면에서 매우 닮아 있고, 더 나아가 제임스 카메론이 연출했던 '에이리언 2 (Aliens, 1986)'과도 상당 부분 닮아있다. 미지의 공간, 그리고 그 공간에서 하나둘씩 죽음을 맞는 대원들, 그리고 에이리언과 사투를 벌이는 여주인공의 모습까지, 전작들을 본 이들이라면 반복적인 요소가 다분하기는 하지만 그럼에도 충분히 긴장감 넘치고 재미를 느낄 수 있는 내용을 담고 있다.

2시간 넘게 충분히 재미있게 즐겼으나 전작의 매력적인 세계관과 연장선에 있을 수 있었던 구조와 재료들을 거의 사용하지 않은 것이 못내 아쉽다. 리들리 스콧은 '프로메테우스'와 관련해 여러 가지 인터뷰들을 한 것으로 아는데, 시리즈의 정통성이나 '에이리언'과의 연관성 등과 무관하게, 결과적으로 완전하게 심플해진 새로운 '에이리언' 영화는 아쉬움을 남긴다.

1. 영화를 보고 든 잡생각 중 하나는, 이 탐사대원은 무슨 부부동반 우대 조건이라도 있었나 싶었던 ㅋㅋ

2. 전작 '프로메테우스'에 대한 리뷰는 여기로. (프로메테우스 _ 근원에 대한 선문답)

3. 근래 본 15세 관람가 영화 중에 가장 수위가 높은 듯하네요.

4. 사실 여기 등장한 배우들이 에이리언한테 호락호락당할 캐릭터들이 아닌데 말이죠. 마법사(캐서린 워터스톤, 카르멘 에조고)도 있고, 매그니토 (패스벤더)도 있고, 무엇보다 닥터 맨해튼 (빌리 크루덥)도 있잖아요 ㅎ

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

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가디언즈 오브 갤럭시 vol.2 _ I am Groot!

아쉬타카 — Fri, 5 May 2017 21:51:53 +0900

가디언즈 오브 갤럭시 vol.2 (Guardians of the Galaxy Vol. 2, 2017)

I am Groot!

전작 '가디언즈 오브 갤럭시 vol.1'은 정말 끝내줬다. 어벤져스 멤버들이 중심이 된 마블 시네마틱 유니버스에서 어쩌면 변방의 녀석들 정도였던 가디언즈 오브 갤럭시의 선전은 그들을 자연스럽게 이 세계관의 중요한 일원으로 흡수시키는 동시에 좀 더 큰 덩어리의 세계관 흡수를 통한 확장성을 갖게 되었다. 마치 '데드풀'이 그랬던 것처럼 기존의 마블 시네마틱 유니버스의 영화들과는 결을 달리하는 성격의 영화는 8,90년대에 향수를 갖고 있는 이들의 정서를 끌어안으며 관객층 역시 더 넓게 확장시키기도 했다. 본격적으로 우주를 배경으로 하고 있는 스페이스 오페라라는 점에서도 기존 시리즈들과는 다른 화려한 볼거리를 선사하며, 마블의 새로운 가능성이자 기대주로 떠오르게 되었다.

아마도 전편을 만족스럽게 본 관객들이 공통적으로 갖게 된 호기심이라면, 과연 가디언즈 오브 갤럭시 멤버들과 어벤져스 멤버들이 하나의 스크린에 등장하게 되면 어떤 일들이 벌어질까 하는 점일 것이다. 마블 시네마틱 유니버스의 작품들을 보게 되면 가끔 독립적으로는 완성도가 떨어지면서 이 세계관에서 어떤 역할을 하게 될지 커다란 퍼즐의 조각으로서의 역할만 수행해 내는(수행하는 것만 목적인 것처럼 보이는) 영화들이 있는데, '가디언즈 오브 갤럭시 vol.2'는 과연 이들이 어떻게 기존 세계관에 녹아들게 될까 라는 궁금증에 대한 답을 내기보다는, 아직은 더 자신들의 독립적인 이야기, 즉 캐릭터에 대한 이야기를 발전시켜 나가고자 한다. 이 선택은 길게 봤을 때 괜찮은 선택이라고 생각되지만, 역시 아쉬운 점들도 발견할 수 있었다.

일단 기대했던 팬들에게는 아쉬울 수 있겠지만 이번 작품에는 기존 어벤져스 캐릭터들의 깜짝 등장이나 콜라보 등은 존재하지 않는다. 앞서 이야기했던 것처럼 전편에서 그들이 어떻게 가디언즈 오브 갤럭시가 되었는지에 대한 군더더기 없는 과정을 소개했다고 본다면, 이번 속편은 좀 더 그들 각자의 이야기, 그 가운데서도 주인공 스타로드의 이야기를 발전시켜 나아간다. 사실 피터 퀼의 아버지에 관한 떡밥은 전편에서 그럴싸하게 풀어놓았던 터라 속편에서 풀어낼 것이라고 충분히 예상된 바였는데, 이번 작품은 사실상 이 이야기가 메인 테마라고 볼 수 있겠다. 다시 말하자면 '가디언즈 오브 갤럭시 vol.2'는 그렇게 궁금하던 피터 퀼의 아버지의 존재가 직접적으로 드러나면서 가족이라는 메인 테마를 아주 강한 메시지로 끌어들인다. 그리고 피를 나눈 가족이지만 거의 유대를 갖지 못한 가족이라는 테마에서 어느 정도 예상할 수 있듯이 유사 가족의 이야기 역시 중요한 주제로 등장하는데, 결론부터 말하자면 이 전개는 유사 가족의 형태가 등장하는 대부분의 이야기가 전개되는 방식과 동일하지만 매력적인 캐릭터로 인해 (그럼에도)한 번 더 감동을 받는 것이 가능했다.

'가디언즈 오브 갤럭시 vol.2'가 아주 강하게 전하고 있는 가족에 대한 메시지는 전형적이기는 하지만 그래도 충분히 (또) 감동적인 이야기이기도 한데, 그럼에도 조금의 아쉬움이 남는 건 다름이 아니라 이 영화가 바로 '가디언즈 오브 갤럭시'이기 때문이다. 쿨함이라는 성격이 강조된 캐릭터들에게 갑작스레 전형적인 감동의 메시지가 개입할 땐 상당히 조심스러울 필요가 있는데, 전편의 마지막 장면에서는 그 조화로움이 완벽에 가까웠다면 속편에서는 조금은 과하고 가끔은 당황스러울 정도로 섞여 버렸다는 느낌도 없지 않다. 실제로 몇몇 장면은 아마도 전편 같았다면 분명 유머러스한 뉘앙스나 반어법의 형태로 연출되었을 장면인데, 너무나 진지하게 (그래서 어색하게) 연출된 터라 당황스럽기도 했었다. 물론 이런 쿨한 캐릭터들일 수록 감정의 폭발력이 더 세기 때문에 언젠가는 이 반전을 꺼내 들고 싶은 유혹이 작가나 연출자 입장에서는 매력적일 수 밖에는 없을 텐데, 조금은 빠르게, 아니 속도보다는 그 강도가 조금 지나친 듯한 감이 있다.

그런데 그럼에도 이 영화를 끝까지 재미있게, 즉 뻔하고 다소 진부한 전개에도 여전히 흥미롭게 볼 수 있었던 건 바로 캐릭터 때문이다. 캐릭터로만 놓고 보자면 기존 마블 시네마틱 유니버스에서 아이언맨을 제외하고 가장 (앞으로도) 인기를 끌게 될 캐릭터가 바로 그루트가 아닐까 싶다. 그 정도로 전편의 마지막에 다시 베이비 그루트로 시작하게 된 그루트는 (아, 이 설정이 정말 환상적이다) 이번 속편에서 거의 주인공에 가깝게 자신이 등장하는 모든 장면을 자기 것으로 만들어 버린다. 욘두의 표현에 따르자면 그저 '나뭇가지'인 그루트가 이렇게 귀엽고 사랑스러운 캐릭터로 영화 전체를 이끌어 갈 정도의 매력을 보여줄 줄 누가 알았을까.

그리고 더 흥미로운 건 바로 그루트가 계속 성장한다는 점이다. 어른으로 시작해 베이비가 되고 사춘기를 거쳐 다시 어른의 모습이 될 그루트는 그 단계마다 전혀 다른 이야기를 할 수 있는 가능성을 갖고 있으며, 그 성장에 맞춰 '가디언즈 오브 갤럭시' 시리즈도 시리즈 전체의 분위기를 달리 가져갈 수 있는 여지가 충분해졌다는 얘기다. 예를 들어 전작에서 그루트가 활약했을 땐 아주 큰 감동이나 공감대는 없었지만, 만약 앞으로 속편이나 그다음 속편에서 어른이 된 그루트가 또 다른 활약을 하게 될 땐 전혀 다른 감동과 공감대를 가질 수 있다는 얘기다. 그런 이유에서 이번 영화는 전작에서 한 발 뒤에 물러나 있던 그루트라는 캐릭터가 완전하게 전면에 나선 것만으로도, 전편의 쿨한 재미 못지않은 재미를 선사하는 나쁘지 않은 속편이라고 말할 수 있겠다.

결론적으로 전체적인 완성도나 깊이에 있어서는 조금 옅어진 감이 있지만, 한 번 더 반복해도 (아직은) 충분히 재미있는 이야기로서의 가능성도 발견할 수 있었던 속편이었다. 수면 위로 완전히 부상한 그루트라는 캐릭터의 매력과 마블 시네마틱 유니버스의 다른 작품들과의 콜라보 이전에 자신만의 확장성을 더 기대하게 만드는 전개도 아직은 충분히 유효한 선택이라 볼 수 있겠다.

1. 데이비드 하셀호프와 관련된 대사들을 모두 다 찰떡같이 흡수한 저는 역시 아제 세대일까요 ㅠ

2. 쿠키는 총 5가지가 나오는데 직접적으로 다른 영화들과 연관되는 얘기들은 없지만, 속편에 대한 암시와 원조 가디언즈 오브 갤럭시에 대해 엿볼 수 있는 장면들이 나옵니다.

3. 실버스타 스탤론의 출연한다는 사실은 알았는데, 양자경과 빙 레임스도 나오는 줄은 몰랐네요. 속편에서 이들의 조합을 다시 만나볼 수 있을지 모르겠네요.

4. 하워드 덕도 전편에 이어 다시 등장합니다 ㅎ

5. 어썸 믹스 vol.2도 좋지만 역시 vol.1에 임팩트에는 조금 못 미치는.글

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

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나는 부정한다 _ 진실은 왜 승리해야 하는가

아쉬타카 — Tue, 2 May 2017 23:25:14 +0900

나는 부정한다 (Denial, 2016)

진실은 왜 승리해야 하는가

홀로코스트 연구의 권위자 데보라 립스타드 (레이첼 와이즈)와 홀로코스트 부인론자 데이빗 어빙 (티모시 스폴)간의 소송과 재판 과정을 다룬 영화 '나는 부정한다 (Denial, 2016)'는 동명의 실존 인물들의 이야기를 바탕으로 하고 있다. 이미 홀로코스트 연구자와 부인론자의 소송이라는 것에서 알 수 있듯이, '나는 부정한다'의 이야기는 치열하게 진실 공방을 벌일 만한 미지의 무엇의 관한 이야기라기보다는 이미 역사적으로 드러난 사실에 대해서 이를 부정하는 이를 대상으로 입증해야만 하는 입장에 놓인 주인공의 이야기를 그린다.

우린 흔히 상식적으로 말도 안 되는, 그야말로 억지 주장을 펼치는 이들과 맞닥들이게 되었을 때 'x가 더러워서 피하지 무서워서 피하냐'라는 식의 말을 하며 상대를 하지 않는 것으로 상대를 하게 되는 경우가 많다. 그리고 실제로 많은 일들은 상대를 하는 것 자체로서 그들에게 도움이 되고 내게는 득이 될 것이 전혀 없는 경우가 대부분이기 때문에, 더럽다는 이유로 피하는 것이 더 상책이기도 하다. 하지만 그것이 역사에 관한 진실 혹은 피해자가 존재하는 인권과 관련된 사안이라면 그것이 단지 억지 주장이거나 상대하는 자체로 손해를 보는 것일지언정 그저 무시할 수만은 없는 일일 것이다.

어쩌면 여기까지가 상식적으로 쉽게 생각할 수 있는 수준일 텐데, 이 영화 '나는 부정한다'는 바로 그렇게 피하지 않고 맞서게 되는 어떤 이의 실제 사례를 들어 간접 경험을 하게 되는 관객들로 하여금 이 과정이 얼마나 정서적으로 고통스럽고 또 냉정을 유지해야만 의미 있는 결과로 이어질 수 있는지를, 역시 냉정하고 담담한 말투로 들려준다.

데보라 립스타드가 처한 상황을 한 번 정리해볼 필요가 있다. 그녀는 홀로코스트 연구의 권위자로서 이 참상과 진실을 더 널리 알리는 데에 일종의 사명감을 갖고 있는 인물로 볼 수 있을 텐데, 그런 그녀에게 이를 완전히 부정하는 데이빗 어빙의 명예훼손 소송은 쉽게 무시하기 어려운 도발이었을 동시에, 무죄추정 원칙의 유무와는 무관하게 어빙의 잘못된 주장을 입증하는 데에 (이 정도의) 큰 어려움이 있을 것이라고는 미처 생각지 못했을 것이다. 왜냐하면 많은 이들이 홀로코스트를 인식하고 있는 것 보다도 더 전문가인 그녀의 입장에서 보았을 때 어빙의 주장은 완전히 터무니없고 말을 섞을 가치 조차 없다고 여겼을 것이기 때문이다.

그런데 재판에 들어가 진실 공방이 아닌 철저한 법적 공방에 놓이게 되면서 그녀는 더 큰 부담을 느끼게 된다. 왜냐하면 그녀는 유태인이자 이 문제에 전문가이기는 하지만 그렇다고 자신이 모든 홀로코스트 피해자의 입장을 대변할 수 있는 입장은 아니었을 뿐더러, 자칫 자신이 이 재판에서 지게 될 경우 모든 홀로코스트 피해자들과 역사적 진실이 훼손될 수 있다는 부담은, 쉽게 가늠할 수 없을 정도의 큰 무게였을 것이기 때문이다. 그렇기 때문에 더 필사적으로 이 재판에 임하게 되는데 역으로 그렇기 때문에 감정적으로 접근할 수 밖에는 없는 한계를 드러내기도 한다.

그렇게 감정적으로 공감되는 데보라에 비해 영화를 보다 보면 중반에 이를 때까지도 그녀를 변호하는 변호인단의 진심에 대해서는 의문을 갖게 한다. 즉, 변호인단이 쉽게 말해 너무 비즈니스 적으로 이 문제에 접근해 실제 진실이 밝혀지는 것 그 자체에는 큰 비중을 두고 있지 않은 듯 한 뉘앙스를 남긴다. 이후 영화는 톰 윌킨슨이 연기한 변호인 리처드 램튼의 캐릭터를 통해 이들도 정서적으로 충분히 공감을 하고 있었고, 그렇기 때문에 더더욱 냉정을 잃지 않고 전략적으로 대한 것이라는 전개가 등장하기는 하지만, 또 다른 변호인인 앤드류 스콧이 연기한 줄리어스의 경우 그 진심이 어느 정도 입증된 이후에도 드라마틱하게 이 부분이 표현되는 장면이나 전개는 등장하지 않는다.

더 나아가 이 재판의 판결이 나는 장면의 경우도 보통의 법정 영화였다면 과연 판결이 어떻게 될지 긴장감과 극적 요소를 최대로 끌어올려 클라이맥스를 연출했을 텐데, 이 영화의 판결 부분은 얼핏 연출력의 부제로까지 느껴질 정도로 아주 덤덤하게 묘사되고 있다. 변호인단의 캐릭터 묘사나 영화가 클라이맥스를 다루는 방식으로 미뤄봤을 때, '나는 부정한다'의 메시지는 승리 자체에 있다기보다는 오히려 승리를 위해 어떤 과정을 감내해야만 하는 가에 더 있다고 볼 수 있겠다.

첨예하게 진실을 다투는 공방이 아닌 상식적으로 말이 되지 않거나 억지에 가까운 극단적인 주장과 진실을 다투어야 할 때, 어떻게 하는 것이 더 나은 결과를 얻는 방법인가에 대해 생각해볼 수 있었던 '나는 부정한다'는, 아주 가깝게 현실에서 벌어지는 일들을 자연스레 떠올려 볼 수 있었다. 예를 들면 대한민국에서 완전히 청산되지 않은 친일 역사와 또 일제 시대 벌어진 위안부 문제를 비롯한 참혹한 인권 문제들이 가장 먼저 떠올랐다. 독도 영유권 관련해서도 그렇고 우리는 당연히 우리 땅이고, 당연히 침략과 지배 과정 중에 사실로 벌어진 위안부 문제에 대해 그저 '당연하다'라고 쉽게 생각하고 넘기는 경우가 많은 반면, 일본과 일부 친일파 세력의 경우 이 역사를 본인들이 원하는 역사로 다음 세대에 전하기 위해 치밀하고 전략적으로 대응하고 있는 현실을 볼 때, 다시 한번 우리는 어떤 방식으로 이 당연하다고 여겨지는 진실을 실제 하고 더 확고한 진실로서 후세에 전할 수 있을 것인가를 생각해 보게 만든다.

또한 최근 가장 뜨거운 대선 판에서도 그저 웃어 넘기기엔 너무나 저급하고 모욕적이며 진실을 왜곡하는 상대를 마주하게 되는 경우가 있는데, 과연 같은 땅에 살고 있는 이런 세력들을 그저 말이 안 통하는 이들이라 칭하며 무시하는 것으로 해결이 될 것인지, 또 그것이 진정 옳은 방법인지 새삼 떠올려 보게 만들었다.

그렇다면 진실은 왜 승리해야 할까. 그것은 역설적으로 진실은 꼭 승리해야만 할 이유가 있기 때문일 것이다. 그렇게 거짓들로부터 꼭 지켜내야만 할 진실들에 대해 외면하지 않는 사회와 내가 되길 바라고 또 경종을 울리게 만드는 의미 있는 작품이었다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

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