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더 킹 (The King, 2016)

거짓된 우상의 가짜 충고에 대해


한재림 감독의 신작 '더 킹 (The King, 2016)'은 대한민국의 근현대사를 되짚으며 그 가운데 권력의 정점에 서 있었고 또 서고자 했던 이들의 이야기를 들려준다. 흔히 말하는 상위 1%의 권력. 이미 우리가 다른 여타의 한국 영화들을 통해 봐왔던 검사가 중심에 선 이야기가 '더 킹'에서도 다시 한번 반복된다. 사실 영화를 보기 전 이 영화의 시놉시스와 예고편을 보았을 땐, 그 어떤 영화보다 더 극적이고 상상을 뛰어넘는 현재의 국정농단 시국 탓에 '대한민국에서 과연 누가 왕이냐?' '왕이 한 번 되어보자!'라는 식의 이 영화가 과연 현실의 판타스틱함을 넘어설 수 있을까 싶었다.


더 정확히 말하자면 현재의 시국 상황이 '더 킹'이 늘어놓으려는 대한민국의 어두운 역사를 너무 시시하게 만들어 버리진 않을까 싶었다. 하지만 이번 국정농단 사건을 겪으며 한층 성숙(?)해진 탓인지 오히려 영화 속 인물들의 행동 하나하나에 일희일비 하기보다는 차분한 자세로 영화 곳곳을 느껴볼 수 있었다. 아마 다른 때 같았으면 '저건 좀 심한데'라던지 '저건 너무 극적이다'라고 했을지도 모를 장면들이 '그럴 수도 있겠네'정도로 받아들여진 건 극적인 재미 요소 측면에서는 조금 아쉬운 점일지 모르나, 영화가 전하고자 한 메시지 전달에 있어서는 더 깊이 느껴볼 수 있는 기회가 되기도 했다.



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일단 영화 자체에 대해 얘기해보자면 대한민국의 최근 역사를 직접적인 배경으로 활용하고 있지만 그 역사의 이면을 진지하게 들춰 내려는 시도보다는, 좀 더 가볍고 친절한 방식을 통해 이야기하듯 소개하고 있다. 조인성이 연기한 박태수라는 캐릭터의 내레이션을 통해 영화는 아주 상세하고 설명적으로 이야기를 전개해 나가는데, 좀 더 대중적인 측면은 있지만 확실히 관객이 스스로 생각해볼 수 있는 여지는 줄어든 것이 사실이다. 정작 영화의 마지막은 아주 직접적으로 질문을 하는 방식인 것에 반해 실제로는 다른 영화들보다도 더 가능성은 덜한, 일방적 서사에 가까운 편이다. 영화를 보는 내내 '15세 관람가'라는 등급에 대해 조금 갸우뚱하게 되는 장면들이 많았는데, 폭력이나 노출 수위를 떠나 영화가 선택한 친절한 소개 방식은 확실히 15세 관람가에 더 적합한 편이긴 하다. 


대한민국 사회를 배경으로 검사와 조폭이 등장하며 개천에 용 나는 서사가 갖고 있는 장점과 단점을 이 영화는 모두 갖고 있는데, 만약 이 영화에게 그럼에도 검사와 조폭이 나오는 아주 새로운 것을 기대했다면 당연히 실망하겠지만, 이미 그런 기대감이 없었다는 점에서는 제법 괜찮은 점들이 있었다. 즉, 커다란 줄기의 서사에는 유사한 구성의 영화들과 다를 것이 없지만, 그 전개 과정에 있어서 이 영화가 선택한 유쾌한 요소나 자조적인 풍자는 확실히 대중적인 측면에서 (15세 관람가라는 이유와 더불어) 장점이 될 만한 것으로 느껴졌다. 


앞서 서두에 현재의 국정농단 사태가 오히려 이 영화를 관람하는 데에 득이 된 점들도 있다고 말했었는데, 이를 테면 박태수나 권력 최상위에 있는 한강식(정우성)으로 대표되는 검사와 권력자들이 유흥을 즐기는 장면들에서의 낯설 정도의 유치함과 가벼움이 그렇다. 보통 같았으면 이러한 유치한 그들의 행동이 영화마저 가볍게 만들어 버리는 단점으로 지적되었을 텐데, 최근의 사건을 겪으며 알게 된 실제 권력자들의 민낯과 수준 낮음의 경험이 영화 속 권력자들의 유치함을 '그럴 수도 있겠네'라며 바라보게 만들었달까. 겨우 저런 놈들 한테 지배당하고 있는 현실의 대한 씁쓸한 자조가 드는 장면들이었다.



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내가 이 영화에서 발견한 부분은 오히려 영화보다 현실에서 더 자주 겪게 되는, 그러니까 실제 하는 어떤 문제에 대한 부분이었다. '더 킹'은 주인공 박태수의 삶을 통해 그가 어디서부터 어떻게 잘못되기 시작했는지를 아주 직접적이고 친절하게 설명해 나가는데, 이는 영화의 말미에 박태수의 삶을 '만약... 그랬다면..'하는 식의 되짚는 방식으로 또 한 번 그가 뒤틀리기 시작한 순간을 관객에게 인지시킨다. 한재림 감독의 '더 킹'은 다소 친절하고 여지가 많지 않은 서사라 아쉬운 점도 있지만, 메시지를 전달하고자 하는 목적에서는 더 선명한 영화가 아닐까 싶다. '그럼에도 불구하고'라는 메시지 말이다.


사실 직장 생활을 비롯해 사회에 나와 이런저런 인간관계들을 겪고 조직이나 사회 속에서 성장해 나가고 또 성공하려면 반드시 부딪히게 되는 순간들은, 이 영화 속 박태수가 맞닥 들였던 그 순간과 크게 다르지 않다. 단지 검사라는 직업 혹은 위치가 더 표면적인 욕망의 끝에 쉽게 다다를 수 있다는 점이 다를 뿐이다. 누구나 더 큰 사회에 나와 어떤 지점에 이르게 되면 자신의 소신과 현실이 직접적으로 부딪히게 되는 순간이 있다. 그때 만나게 되는 존재가 바로 이른바 선배 혹은 어른이라고 불리는 자들이다. 여기서 말하는 어른들은 사회에서 지탄받는 이들도 아니고 더 나아가 영화 속 한강식 같은 이처럼 교활하고 악한 이도 아니다. 오히려 현 사회를 살아가는 데에 있어 센스 있고 지혜롭고 능력 있는 이들로 평가받는 경우가 대부분이다. 그들은 바로 그 현실과 소신이 맞닥들인 그 순간에 '현실은 달라, 적당히 봐가면서 하는 게 잘하는 거야'라며 충고를 건넨다. 그리고 그 충고는 실제로 현실에서 제법 도움이 되는 충고가 되기도 한다.



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하지만 그것은 엄밀히 말하자면 거짓된 우상의 가짜 충고에 가깝다. 이미 많은 타협을 통해 스스로가 세뇌되고 무뎌져 버린 이들이 다음 사람에게 전하는 더 빨리 타협하고 순응하는 노하우 그 이상도 이하도 아닌 경우가 많다. 영화 속 한강식과 그 주변의 인물들이 박태수에게 전하는 충고가 바로 이것과 같다. 그가 그토록 원했던 바를 진짜 이뤄낼 수 있는 방법을 (어쩌면 유일한 방법) 알려주기는 하지만 그런 결정과 선택들이 어떤 것들을 포기하고 또 앗아가는지에 대해서는 설명하지 않는다. 그리고 그로 인해 돌이킬 수 없게 되는 것들에 대해서도 설명하지 않는다, 아니 엄밀히 말하자면 우리는 대부분 이러한 얘기들을 듣고 싶어 하지 않는다. 


'더 킹'의 박태수는 이러한 거짓 우상의 가짜 충고를 통째로 흡수해 더 이상 돌이킬 수 없게 된 지경까지 몰아넣는다. 만약 이 영화가 더 현실적이고 공포스럽고 또는 장르적인 냄새를 풍겼더라면 아마 박태수를 그대로 놔두는 채 영화를 마무리했을 것이다. 그것이 누군가에겐 더 큰 메시지로 와 닿을 수 있기 때문이다. 하지만 좀 더 대중적인 방식을 택한 이 영화는 박태수에게 한 번의 기회를 더 제공하기로 한다. 그것이 성공했느냐 실패했느냐는 사실 이 영화에서는 크게 중요하지 않다. 여기서 중요한 건 박태수가 한 번의 기회를 더 갖게 되었다는 점이다. 이 영화는 아주 직접적인 역사를 배경으로 하고 있지만 반대로 많은 부분에서 판타지적인 요소를 담고 있는데, 어쩌면 박태수에게 가능했던 그 한 번 더의 기회야 말로 현실에서는 불가능한 판타지일지도 모르겠다. 그래서인가, 영화 속 박태수가 처음 가짜 충고를 듣던 그 순간이 더 오래 기억에 남는다. 



1. 류준열의 연기가 인상적인 가운데 김소진 배우가 연기한 안희연이라는 캐릭터가 가장 매력적이었어요. 사투리를 다른 의도로 활용하지 않고 자연스러움과 아우라를 동시에 보여준 캐릭터. 가장 눈에 띄는 역할과 배우였음.


2. 이 영화가 정우성이라는 배우를 활용하는 방식도 좋았어요. 캐릭터가 아닌 정우성이라는 배우가 갖고 있는 이미지로 관객을 최대한 현혹시키고 또 반대로 그가 연기하는 캐릭터에게는 한 없이 가벼움을 줘서 그 이중성을 관객들이 생각해 보도록 만드는 방식.


3. 그리고 전반적으로 한 세대 어린 배우들로 세대교체된 듯한 느낌도 좋았어요. 류준열을 비롯해 박정민, 정은채, 고아성까지.


4. 솔직히 약관의 나이로 검사가 되어 권력의 끝까지 승승장구하는 한강식이라는 인물을 보며 현실의 누군가를 떠올리지 않을 수 없더군요. 현실의 그분도 사전 구속영장이 청구되었죠.





글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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춘몽 (A Quiet Dream, 春夢, 2016)

꿈처럼 유령처럼 살아있는 존재들


장률의 신작 '춘몽 (A Quiet Dream, 春夢, 2016)'은 제목 그대로 꿈이라는 구조를 현실에 녹여낸, 소소한 에피소드 같지만 사실은 쓸쓸한 영화였다. 익준과 종빈, 정범 이 세 남자는 예리라는 인물과 그녀가 있는 고향주막을 중심으로 엮여, 아니 모여 있다. 이 세 남자와 한 여자의 관계는 쉽게 홍상수 영화의 그것을 떠올리게 하고 실제로 그들이 나누는 대화 내용은 얼핏 그런 듯도 보이지만, 조금만 들여다보면 이들의 관계는 전혀 다른 성격이라는 걸 쉽게 알 수 있다. 마치 세 감독의 전작에서 자신들이 연기했던 캐릭터의 연장선처럼 보이는 이들과 그 중심에 있는 한예리가 연기한 예리라는 캐릭터는 모두의 공통점이라면 각자의 이유들로 사회에 섞이지 못하고 (포용되지 못하고) 주변에 머물고 있는 인물이라는 점이다. 




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그들이 존재하고 있는 수색이라는 공간도 특별한 의미를 지닌다. 실제로 수색은 내게도 어렸을 때부터 머물지는 않았으나 종종 지나치는 동네로 익숙하지는 않아도 어색하지는 않은 공간인데, 영화 속에 등장하는 것처럼 쓰레기 더미로 가득 차 있는 상암이 디지털시티라는 이름의 화려함으로 거듭나면서 오히려 수색이라는 공간의 그늘짐은 더 짙어진 경향이 있다. 장률 감독은 인터뷰를 통해 수색을 떠올렸을 때 컬러 이미지는 떠오르지 않고 흑백으로만 기억이 되는 공간이라 흑백을 선택했다고 말하기도 했는데, 나 역시도 적은 기억이지만 수색이라는 동네를 떠올리면 흑백과 전신주, 송전탑 등의 차가운 느낌만이 남아있다는 걸 이 영화를 보며 새삼 떠올려 볼 수 있었다.


근래에는 어떤 동네보다도 첨단을 달리고 있는 상암동의 바로 옆, 지하로 연결되는 다리 하나만 건너면 갈 수 있는 수색동의 이미지는 주인공 네 사람의 이미지와 그대로 겹쳐진다. 그들은 각자의 이유로 사회에서 소외되고 중심이 아닌 주변에 머물고 있는 이들이지만, 마치 수색동이 그런 것처럼 화려함과 사회의 중심에서 아주 먼 곳에 동떨어져 있는 것이 아니라 바로 옆, 주변에 살아가고 있다는 점이다. 나는 이 영화를 보며 '유령'과 '살아있다'라는 두 단어가 떠올랐는데, '춘몽'은 단지 사회의 중심에 들어오지 못한 이들이 유령처럼 떠돌고 있다는 얘기를 하고 싶은 것이 아니라, 이 유령처럼 느껴지는 존재들이 바로 곁에서 살아있다 라는 이야기를 하고자 하는 것처럼 들렸다. 




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예리를 비롯해 이들의 삶은 항상 죽음 혹은 위험과 맞닿아 있는 긴장감이 느껴지는데 (그렇게 고요하고 평온하게 묘사하는데도 말이다), 그러한 긴장감을 오히려 현실로 느끼게 해주는 장치가 바로 꿈이 아닐까 싶다. '춘몽'은 꿈과 현실의 경계를 명확하게 하고 있지는 않지만, 중간중간 마치 꿈과 같은 장면들이 현실에 개입하는 것을 통해, 이들 삶의 위태로움을 쓸쓸하게 바라보는 한 편 위로하는 듯한 시선도 느낄 수 있었다. 


장률 감독의 영화 중에서 가장 좋아하는 작품은 '두만강'인데, 그 이유는 경계인이라는 장률 감독 자신의 정체성이 가장 직접적으로 드러난 작품이기 때문이다. 다시 말해 다른 한국 출신 감독은 소화하기 어려운, 그 만이 할 수 있는 이야기를 영화라는 매체를 통해 가장 효율적으로 묘사했다고 여겨지기 때문이다. '춘몽' 역시 많이 유연해지기는 했지만 내면에는 여전히 이방인으로서의 정체성과 이야기가 짙게 깔려 있다.


이방인으로서 정체성의 관한 이야기가 관객에게 각자 다른 방식으로 쓸쓸하게 받아들여질 수 밖에는 없는 것이, 지금의 우리 사회가 처한 유령 같은 또 다른 정체성이 아닐까 싶다. 그래서인가, '춘몽 (春夢)'이라는 이 영화의 제목은 왠지 더 쓸쓸하다.




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1.  양익준, 윤종빈, 박정범 이 세 감독의 메소드 연기는 이 영화를 재미있게 즐길 수 있는 가장 큰 포인트에요. 이 세 명이서 만드는 짧은 대화 시퀀스들의 재미는 앞서 이야기했던 홍상수 영화의 그것과 비교해도 뒤지지 않는 빅재미가 ㅋㅋ


2. 아, 세 감독의 메소드 연기 못지않은 이준동 대표의 연기도 빼놓을 수 없겠네요 ㅎ 왠지 현장에서는 많이 즐거웠을 듯한 ㅎㅎ


3. 이주영 배우도 인상적이었어요. 어서 '꿈의 제인'도 보고 싶네요~




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr

  
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부산행 (Train To Busan, 2015)

세월호 이후, 혐오의 시대에서 생존하려면



연상호 감독의 첫 번째 실사영화 '부산행 (Train To Busan, 2015)'은 그의 전작 '돼지의 왕'이나 '사이비'를 통해 보여주었던 것처럼 한국사회를 배경으로 한 인간 군상들의 이야기를 담아낸다. 좀비들의 확산으로 마비가 되어가는 짧은 시간 동안, 부산으로 향하는 KTX열차 안을 배경으로 현재 대한민국이 처한 막막한 현실과 특수한 재난 상황에 놓인 각기 다른 이해 관계의 인물들의 충돌을 빠른 템포로 그려낸다. 물론 '부산행'의 주요 모티브가 되는 것 중 하나는 좀비가 맞지만 이 영화를 좀비 영화라고 보긴 어렵다. 좀비라는 설정은 말 그대로 이 재난을 가져온 소재와 장르적인 요소로만 활용되고 있고, 영화의 구성은 오히려 전형적인 재난 영화에 가깝다. 좀비와 재난. '부산행'은 이 두 가지에서 떠올려 볼 수 있는 흐름을 크게 벗어나지 않는다. 오히려 전형적인 것에서 오는 장르적 쾌감을 만끽하는데에 더 신경을 쓰는 것처럼 보인다. 그럼에도 이 영화가 단순한 장르 영화 이상의 인상을 주는 이유는 어쩔 수 없는 현실의 무게 때문이다.



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지금은 시간이 많이 흘러 거의 색이 바래지기는 했지만 한 때 미국 영화는 9/11 테러 사건을 전후로 나뉜 다고 말할 수 있을 정도로, 9/11 이후의 미국 영화들을 직간접적으로 또는 스스로가 인지하지 못했더라도 무의식적으로 9/11의 기억과 충격에서 자유로울 수 없었는데, 최근의 한국 영화들에서도 이러한 경향이 도드라지고 있는 것을 발견할 수 있다. 이 이야기를 본격적으로 하기 전에 미리 말하고 싶은 점은 '부산행'을 세월호 참사와 전혀 연결 짓지 않아도 영화는 장르 영화로서, 그리고 연상호 감독이 꾸준히 해오던 테마의 발전으로서 충분히 성립 가능한 영화라는 점이다. 다시 말해, 처음부터 세월호 사건을 염두에 두고 만든 작품은 아니라는 점이다 (앞서 언급한 9/11 이후 미국 영화들의 다수도 직접적으로 연관 지어 제작된 영화는 아니었다). 


하지만 '부산행'은 세월호 참사를 이제 그만 좀 얘기하자고 주장하는 이들이 아니라면 어쩔 수 없이 세월호 참사를 떠올릴 수 밖에는 없는 이야기다. 많은 이들이 좀비들에게 공격을 받고 사회 시스템이 붕괴되기 시작할 때 정부와 언론은 일부 과격 시위 단체가 문제를 일으키고 있다며 국민들에게 전한다. 또한 실상은 기하 급수적으로 늘어나는 좀비들의 확산을 막지도, 문제의 원인을 밝혀내지도 못한 상황에서, 현재 모든 상황을 완벽히 관리하고 있다며 안심하라는 기자회견을 연다. 영화에는 나오지 않았지만 아마도 완전히 좀비들을 막아낸 이후에 상황에도 현실과 비슷한 대처를 하지 않았을까? 끝까지 좀비는 없었다고 부정하다가 나중에야 천천히 진실이 밝혀져도 또 딴소리와 책임 소재를 묻는 공방으로 시간이 흘러 잊혀지기 만을 바랬을 것이다. 세월호 때도, 메르스 때도 정부는 모두 구조 했다고, 완벽하게 관리하고 있다는 거짓말로 안심시키는 동안 누군가는 목숨을 잃거나 피해를 입게 되었었다. '부산행'의 시작은 너무 현실적이어서 '영화네, 영화!'라고 웃어 넘길 수가 없을 정도다. 



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(그나마 마동석이 연기한 '상화'같은 영화적인 캐릭터가 없었더라면 이 영화는 더 현실같아서 비참 했을지도 모른다)



그렇게 철저하게 고립된 KTX 안의 상황은 더 지옥과도 같다. 말도 안되는 영화적인 캐릭터인 상화를 앞세워 좀비들을 물리치고 아직 좀비들을 직접 경험하지 못한 승객들이 대피하고 있는 열차 간으로 이동해왔지만 상황은 더 절망적이다. 상대적으로 안전한 곳에 머물러 있던 승객들에게 주인공 일행은 감염 되었을지도 모를 위험한 존재이자, 생존을 걱정해야 하는 상황에서 생존의 확률을 낮추는 변수인 동시에, 정반대로 버팀막이 되어 주었으면 하는 존재이기도 하다. 사실 이 상황에서 가장 중요한 것은 이 칸의 승객들이 처음 부터 전체적으로 나서서 이들을 막고 못들어 오게 하자고 했던 것이 아니라는 점이다. 어떻게 해야할지 모르겠고 스스로의 양심과 갈등을 겪고 있을 때 앞으로 나서서 큰 목소리를 낸 용석 (김의성)의 행동 이후에야 함께 목소리를 내게 되었다는 점이다.


여기에는 두 가지 포인트가 있다. 하나는 다른 대부분의 승객들 모두 저들이 감염 되었으면 어쩌지 하는 걱정을 조금씩 갖고는 있었으나, 차마 이 상황에서 그들을 내치는게 양심에 걸리기도 하고 또 자신만 너무 나쁜 이가 될 것 같아 주저하고 있던 바를 용석이라는 매게체로 인해 자신들의 욕망을 타인의 손을 통한 방식으로 해결할 수 있었다는 점이다. 다시 말해 모두가 자신이 피해나 손해를 입을 수 있는 상황에 놓이게 되었을 때 이기적인 마음을 갖고 있지만, 그와 동시에 내가 나서서 혹시라도 몰매를 맞기는 싫은 또 다른 이기적인 생각 또한 갖고 있다는 점이다. 한편으론 전면에 나서서 생존을 위해 이기적인 자신을 드러내는 것에 주저함이 없는 이성적인 용석 보다도 용석의 등 뒤에 숨어 목소리를 보태며 주인공 일행을 배척한 승객들이 더 나쁜 이라고 말할 수 있다는 것이다.


다른 하나는 만약 용석이 아니라 다른 이가 용석과 다른 목소리로 주인공 일행을 다 같이 구하자고 외쳤더라면 이 상황이 바뀔 수도 있지 않았을까 하는 희망이다. 앞서 언급했던 것처럼 그 칸에 타고 있던 대부분의 승객들은 적어도 처음에는 양심에 가책을 느껴서 선뜻 어떻게 하자는 말이나 행동을 주저하고 있었는데, 그렇기 때문에 누군가가 마치 용석이 그랬던 것처럼 '자, 여러분 저들을 빨리 도웁시다. 이리와서 함께 도와주세요!'라고 외쳤다면 아마 전혀 다른 상황이 벌어졌을 수도 있었다는 것이다.  




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만약 이 영화같이 장르 영화의 구성에 충실한 재난 영화를 세월호 참사 이전, 아니 자신에게 깊이 각인 된 어떠한 현실의 인재나 사건 등의 발생 이전에 보았다면, 장르 영화의 쾌감에만 충실하게 즐겼을지도 모르겠다. 재난 상황 속에서 국가나 정부가 뉴스 등에 나와 하는 말은 '뭐 영화 속 정부 모습이 다 저렇지'하고 그냥 넘어갔을 것이고, 열차 속에서 벌어지는 여러 갈등 들도 '아..이거 너무 뻔한데'라며 조금은 전형적인 측면에 심심해 했을 수도 있었을 것이다. 하지만 이 영화는 어쩔 수 없이 세월호 참사라는 실제 재난을 느껴야만 했던 그 이후의 영화다. 떠올리지 않을 래야 떠올리지 않을 수 없을 정도로. 

그렇기 때문에 다들 안전한 열차 안에서 대기해 달라는 안내 방송이나 정부의 브리핑을 들었을 땐 '아, 만약 나에게도 저런 상황이 닥치면 그냥 하라는데로만 해서는 안되겠다'라는 생각이 들고, 또 세월호 이후 그 유가족들과 이 참사를 두고 벌어지는 대한민국 사회의 만연한 혐오를 지켜 보았기에 부끄럽지만 내 가족들에게 '혹시 저런 일이 생기면 절대 나서지 말고, 남들 생각하지 말고 너만이라도 꼭 살아야 돼'라고 가르치거나 당부할 수 밖에는 없는 현실이 씁쓸했다. 


예전 같았으면 이런 재난 영화를 보고는 희생하는 캐릭터들을 보면서 '나도 저렇게 되어야지'혹은 누군가에게 이야기할 때 '우린 저런 사람이 되자'라고 말해왔는데, 이번에 보게 된 '부산행'의 느낌은 조금 달랐다. 이 영화 속 재난이 더 이상 스크린 안에서만 벌어지는 일이 아니라는 것을 최근 몇 년간 실감할 수 있는 일들이 많았기에, 마치 영화 속 용석이 재수 없고 화가 치밀지만 실제 상황이라면 저렇게라도 나와 내 가족은 살아 남아야 하지 않을까 하는 생각마저 하게 되어 더욱 가슴이 아팠다. 더 나아가 세월호 참사 유가족들과 그 참사 속에서 영웅적인 면모를 보인 이들이 겪게 되는 고통과 사회의 무시를 넘어선 질타를 보며, 누군가에게 '그래도 영웅이 되어야 해'라고 선뜻 말하기가 주저 될 수 밖에는 없었다 (말이 라도 말이다). 



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마지막으로 '부산행'을 보고 나서 죄책감이라는 단어를 떠올렸다. 더 큰 잘못을 한 이는 따로 있으나 양심을 가진 이들이 겪어야만 했던 커다란 죄책감들. 그래서 차라리 스스로 좀비가 되기를 선택하다시피 한 어떤 장면은, 처연함도 들었지만 최소한의 양심을 가진 이들을 죽거나 죽지도 못하는 자가 되도록 만드는 현실이 떠올라 더 안타까웠다. 



1. 저는 어쩔 수 없이 세월호를 떠올렸지만 본문에도 썼던 것처럼 이 영화는 애초부터 의도를 갖고 만들어진 영화도 아닐 뿐더러, 그렇게 읽히지 않아도 충분한 상업 장르 영화입니다.


2. 혹시나 중간에 공유가 카누 마시는 장면이 나오면 어쩌나 걱정했는데 다행히 ㅎ


3. 마동석이 연기한 상화라는 캐릭터는 '베테랑'에 등장하는 아트박스 사장 캐릭터의 연장선이라 해도 전혀 이상하지 않은데, 만약 마동석=아트박스 사장 캐릭터가 수 많은 한국 영화에 조금씩 다 등장하는 일종의 신개념 캐릭터를 구현해 보면 어떨까 하는, 말도 안되는 상상을 해보았어요 ㅎㅎ 무슨 영화에 나오든 마동석이 연기한 캐릭터는 덩치 좋고 힘좋은 아트박스 사장인데, 각 영화마다 분량이 조금씩 다른거죠. 마치 마블 시네마틱 유니버스에서는 모든 캐릭터가 동일한 시대를 사는 것처럼, 코리안 시네마틱 유니버스에서는 마동석 캐릭터가 모두 동일하게 존재하는. 말도 안되는 ㅋㅋ


4. 아, 스크린X 극장에서 보았는데 확실히 좀비 나오는 장면들에서는 몰입도가 더 좋더군요. 특히 모든 장면이 스크린X면 좀 정신 없을 것 같다 싶었는데, 다행히 좀비가 나오는 액션 장면들만 활용되고 있어서 좋았어요. 


5. '서울역'도 곧 개봉인데, 더 기대됩니다!



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  
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소수 의견 (2013)

피고 대한민국에게 진실을 묻다



용산 참사와 관련된 영화가 제작되었다는 소식은 이전에 들었었는데, 아니나 다를까 이 영화의 개봉도 그리 순탄한 과정은 아니었나 보다. 2013년에 제작된 이 영화는 2015년 6월이 되어 서야 극장에서 만나볼 수 있게 되었는데, 어쩌면 영화의 제목인 '소수 의견'과 같은 대우 혹은 처분을 영화 스스로가 받았던 것은 아닌가 싶기도 하다. '소수 의견'이 용산 참사를 배경으로 하고 있다는 사실을 알았을 때 가장 궁금했던 부분은 좀 더 실화 자체에 바탕을 둔 영화인지 아니면 배경으로 픽션을 그려낸 것인지 하는 점이었는데, 김성제 감독의 '소수 의견'은 후자의 방식을 택한 작품이었다. 결론적으로 이와 같은 방식은 영화가 본래 말하고자 했던 바를 관객에게 전달 하는 것에 있어서 더 영리하고 현명한 선택이었다고 말할 수 있겠다.



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이미 용산 참사를 배경으로 했다는 사실 만으로도 이 영화는 정치적인 시선에서 자유로울 수 없는 작품이었다. 그것이 정치적으로 응원을 받든, 질타를 받든 간에 말이다. 물론 지금의 결과물을 가지고도 충분히 이런 논란을 벌일 수는 있겠지만, 느끼기에 '소수 의견'은 최대한 이를 직접적인 방식 보다는 간접적이고 은유 적인 방식으로 풀어내고자 한 영화로 느껴졌다. 일단 아직 그리 오래 되지 않은 사건을 배경으로 하고 있다는 점에서 굳이 '이 작품은 실화입니다'라는 방식의 영화를 만들기 보다는 오히려 이 영화의 경우처럼 '영화 속 인물은 존재하지 않는 허구입니다'라고 말하는 편이 훨씬 결과적 효과를 만들 수 밖에는 없었다. 왜냐하면 실화가 아니라고 아무리 말해도 이 사건을 알고 있는 관객들은 실제 인물과 사건에 빗대어 생각할 수 밖에는 없는 구조였기 때문이다. 여기서 실제 실화 임을 강조하는 방식은 오히려 사실을 늘어 놓는 것 이상의 효과는 없었을 텐데 (물론 제대로 된 사실을 설명하는 것만으로도 충분한 의미가 있는 시대다. 김일란, 홍지유 감독의 '두 개의 문'이 그랬던 것처럼), 이보다는 관객들이 영화로서 객관적으로 바라볼 수 있는 기회를 제공함으로서, 이 사건의 진짜 문제와 이로 인해 알게 된 진실이 무엇인지 다시 생각해 보도록 하는 계기를 마련하고 있기 때문이다.



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대한민국 사회의 어두운 면, 혹은 누군 가가 숨기고 싶어하는 진실에 대한 영화들을 요 근래 심심치 않게 만나게 되는데, 그 가운데서도 '소수 의견'이 말하고자 했던 것은 가해자는 없고 피해자들 만이 서로 원망하고 다투고, 결국 용서하고 눈물 흘리게 되는 잘못된 사회와 진짜 가해자에 대한 추적이 아니었나 싶다. 사실 이 영화는 대부분의 분량을 차지하고 있는 법정 공방 과정 관련하여 기술적으로 보았을 때 아주 뛰어난 작품이라고 말하기는 어려울 듯 하다. 물론 그랬다면 더 좋은 영화가 되었을지도 모르겠지만, 이 작품이 주고자 했던 것은 법정 공방에서 오는 서스펜스와 통쾌함은 아니라는 점에서 크게 문제가 되지는 않는다.


앞서 이야기했던 것처럼 이 작품의 법정 드라마는 진짜 가해자가 누구인지를 추적하는 과정으로 존재한다. 그런데 다른 법정 드라마와 다른 점이라면 진짜 가해자는 원고 측에도 피고 측에도 존재하지 않는다는 점일 것이다. 한 소년과 한 청년을 죽음으로 몰아간 비극적인 사건을 통해 농성자와 용역 깡패, 더 나아가 작전을 수행한 전경과의 대립 구도는 이 사건의 진정한 프레임이 아니다. 법정 공방은 이들 사이에서 이뤄지지만 진짜 주목해야 할 구도는, 작게는 이런 사건에 큰 관심이 없었던 두 변호사 윤진원과 장대석 같은 사람들과 앞선 프레임 대로 흘러가길 원하는 권력과의 구도, 크게는 이 사건을 그저 남의 이야기로 큰 관심을 두지 않았던 국민들과 그랬으면 하는 권력과의 구도가 이 영화가 말하고자 하는 바 일 것이다.



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그 구도로 이 영화를 바라보게 되면 사실 영화는 더 답답해 진다. 왜냐하면 영화 내내 매달렸던 사건과 법정 공방의 결과 얻게 되는 건 결국 진실이 아직은 소수 의견일 수 밖에는 없다는 사실을 깨닫게 되는 것 뿐이기 때문이다. '뿐이다'라고 썼지만, 그리고 이 영화는 스스로도 자신이 말하고자 하는 바가 소수 의견이자 '뿐'이라는 걸 알고 있지만, 그럴 '뿐'인 이 이야기를 더 많은 이들이 알게 되는 것 만으로도 정말 큰 의미가 있다는 것을 영화가 끝나는 동시에 알 수 있었다.


소수 의견을 내는 것은 여러 모로 부담스럽다. 특히 그것이 어떤 불안과 공포를 담보로 해야 할 땐 더더욱 주저하거나 포기하게 된다. 그것은 잘못이 아니다. 그래도 영화는 묻는다. 피고 대한민국에게 진실을.




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 
  
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자유의 언덕 (Hill of freedom, 2014)

홍상수의 시간



홍상수 감독이 최근 작품들에서 관심을 가졌던 형식적인 측면은 '시간'이었고, 내용적인 측면은 '착함' 그리고 '관계' 그 자체에 대한 것들이었다. 가장 현실적인 이야기 속에서 우주를 발견해 내는 그의 영화 답게, 이번 신작 '자유의 언덕'은 더 직접적인 시간에 대한 묘사를 통해 시간이라는 것을 형식 그 이상의 주제로 이끌어 내며, 이를 영화 안에 머물지 않고 영화 밖 현실로까지 끌어내는 야심을 엿볼 수 있는 작품이었다.



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앞서 이야기했던 것처럼 최근 작들에서 홍상수 감독은 의도적으로 시간의 재배열, 그리고 꿈과 현실의 모호함과 관계에서 오는 각자의 기억을 통해 매번 같은 이야기 같지만 전혀 다른 이야기를 들려주었었는데, '자유의 언덕'은 '생활의 발견' '극장전' 등 김상경이 주연을 맡았던 작품들이 담고 있었던 남녀간의 이야기까지 결합한 버전의 또 다른 시간의 관한 작품이었다. 이전 작품들에서 홍상수 감독은 가끔은 무심한 듯 이것이 꿈이어도 상관없고 현실이어도 상관 없으며, 또한 누구의 이야기가 맞고 틀려도 상관 없다는 식으로 화자를 통해 이야기를 전달했었는데, 이번 작품은 이런 모호함 보다는 아주 직접적인 방식으로 시간의 재배열에 대해 형식적으로 표현하고 있다.


각 장의 형식으로 이야기를 나누거나 중간 중간 화자가 등장하여 이야기를 나누거나 다시 시작했던 것과는 달리, 이번 작품에서는 극중 서영화가 연기한 '권'이 '모리 (카세 료)'가 남긴 편지를 읽는 장면들을 중간 중간 삽입하여 그 때마다 이야기가 새롭게 전개된다는 것을 영화적으로 설명하고 있다. 그러니까 구체적으로 이야기하자면 거의 첫 장면에서 '권'이 모리가 남긴 편지를 가지고 어학원 계단을 내려오다가 떨어트려 그 편지의 순서가 바뀌게 된 것은 이 영화가 갖게 된 형식의 직접적인 원인이 되는 것이다. 이렇듯 '자유의 언덕'은 상당히 친절한 방식으로 이 시간의 재배열, 아니 각각의 시간에 대해 시작과 끝을 분명히 설명해 준다.




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처음에는 이 뒤 섞여 버린 편지 속 일기 같은 이야기의 순서를 제대로 맞춰보려는 노력도 해보았으나, 사실 이렇게 시간의 흐름대로 이야기를 재조합 하는 것은 큰 의미가 없겠다 싶었다. 물론 그렇다고 해도 이 영화는 홍상수의 세계 속에서 또 다른 자연스러운 영화가 되었겠지만, 이렇게 직접적으로 시간의 뒤 섞임을 설명하고 있는 데에는 분명한 의도가 있을 것이라 생각되었기 때문이다.


여기에는 감독의 의도는 물론 보는 이에 따라 다른 해석을 할 수 있을 텐데 나는 일종의 인과관계의 무상함에 대한 이야기로 느꼈다. 처음 이 이야기가 뒤섞인 줄 모르고 어떤 에피소드를 보게 되면 저 인물들이 왜 저런 대화를 하는 지 잘 이해가 가지 않지만, 그 다음 이 이야기가 본래는 이 에피소드 이전 시점의 이야기라는 것을 알게 되면서 '아, 저런 일이 있었기 때문에 그랬었구나'하고 알아차리게 되는 것이 이 영화를 보게 되는 첫 번째 방법인데, 이건 크리스토퍼 놀란의 '메멘토'처럼 미스터리를 풀어가는 자체가 중요한 작품이 아니기 때문에 이렇게 읽게 되면 너무 심심한 영화일 것이다.



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외국인이라는 설정. 그렇기 때문에 거의 모든 대사가 영어로 진행되는 설정은 구성적으로 보았을 때에도 그 전달 되는 어감 때문에 다른 분위기를 전달하는 것은 물론, 홍상수 감독이 이 영화를 통해 (아마도) 말하고자 했던 것 중 하나인 일상 속에서 번번히 벌어지는 '무례함'에 대한 배경이 되기도 한다. 일본인으로서 북촌에 위치한 게스트하우스에 머무르게 된 모리는 처음 만나는 한국 사람들로 부터 매번 같은 질문을 받게 된다. 일명 호구조사 라고도 하는 이 일반적인 질문들을 던지는 사람들의 자세는 친해지기 위한 선의인 경우도 있고, 무언가 의심스러움으로 인한 경계심도 있으며, 정말 별다른 감정 없이 의례 던지는 경우도 많을 것이다. 하지만 이 무덤덤히 다루고 있는 모리의 에피소드를 보고 있다보면 별다른 동기 없이도 모리의 입장에서서 약간의 불쾌함이나 피곤함이 느껴진다.


모두들 각자의 방식이 있고 바라는 바가 있을 텐데, 외국인인 모리의 상황을 빌려 보게 되는 사람들의 모습은 상대의 대한 배려보다는, 혹은 배려하려는 마음으로 그러했다 하더라도 결국 온전히 홀로 의지에 따라 있고 싶은 사람을 그냥 두지 않는 무례를 범한다. 여기서 '무례함'이란 단순히 극 중 이민우가 연기한 캐릭터의 경우처럼 직접적인 불쾌함을 주는 경우 외에도, 불쾌함을 주지 않았을지라도 극 중 '상원 (이의성)'이 연기한 캐릭터가 모리를 대하는 경우처럼 그것이 나쁘지 않은 결과를 가져왔을 지라도 100% 내 의지로 행해진 결과는 아니었다는 것까지 포함된 의미로 봐야 할 것이다. 뭐랄까. 우리는 언제부턴가 (특히 영화에서) 우연과 운명에 대한 기대감에 고취되어 있는데, 한 편으론 그저 스스로가 처음 원했던 계획대로만 끝까지 (그것의 성공여부와는 상관없이) 진행하기 어려운 사회와 관계라는 존재의 피로감을 '자유의 언덕'은 홍상수 식으로 표출하고 있는 듯 했다. 그것과 연결지어 이번 작품에서 특히 많이 등장한 '행복해요?'라는 질문은 이렇듯 나 자신을 오롯이 제어하지 못하는 사회 속 인물들에게 던지는 질문 같아 보였다.



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다시 이야기를 처음 꺼냈던 '인과관계의 무상함'으로 돌아가보자. 우리는 이 뒤섞인 이야기를 이해하게 되면서 극 중에 펼쳐진 일종의 에피소드들의 인과관계를 맞춰보고 논리를 완성하게 되는데, 앞서 이야기했던 것처럼 홍상수 감독이 전달하려는 바는 물론 이것은 아니었을 것이다. 오히려 만약 이 이야기들이 정상적인 시간의 순서대로 벌어졌다고 하더라도 그 뒤섞여 있을 때 불쾌하거나 무례하다고 느꼈던 순간들이 과연 문제가 없다고 할 수 있는가?라는 질문에 가까울 것이다. 그리고 관객이 이 인과관계의 퍼즐을 맞춰가고 있을 때 쯤 몇 가지는 맞추었다는 착각을 하도록 힌트나 (관객 스스로가 생각하는) 답을 던지고 있지만, 일부는 제대로 설명하지 않은 채, 더 정확히 이야기하자면 그 인과관계를 설명하는 데에 무관심한 채 그냥 내버려둔다 (마지막 시퀀스에서 모리가 누군 가와 싸웠다는 것만 알 수 있도록 하고 그에 대한 자세한 이야기는 하지 않는 것처럼).


즉, 홍상수 감독은 관객이 일반적으로 생각하는 방식을 이용해 관객들이 오해하고 착각하도록 만들고, 너희 들이 틀렸어 라는 답을 짠~ 하고 내어 놓으며 반전을 선보이는 것이 아니라, 그냥 그렇게 영화를 끝내고는 관객들이 스스로 돌이켜 생각해 볼 수 있도록 공간을 남겨두고 있다. 만약 '자유의 언덕'이 더 재기발랄하고 형식을 강조하는 작품이었다면 아마도 편지에 쓴 거의 모든 이야기가 끝난 마지막 게스트 하우스 장면에서 영화가 끝났을 것이다 (사실 여기서 끝날 줄 알았다). 하지만 홍상수 감독은 편지의 이야기가 다 끝난 뒤의 이야기를 조금 더 남겨둠으로서, 이 이야기를 영화 안에서 끝내는 것이 아니라 더 적극적으로 관객에게 던지고 있었다. 그러니까 지금까지는 '이런 이야기가 있어'라고 마무리 지었었다면, '자유의 언덕'에서는 '자 이런 이야기가 있는데 너는 어떻게 생각해?'라고 직접적으로 묻고 있는 듯 했다.


홍상수의 영화는 이번에도 참 놀랍다. 그리고 더 놀랍게도 계속 더 발전하고 있다.



1. 영화 속에 등장한 북촌 코스는 한 번 쭈욱 돌아봐야 겠네요 ㅎ





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북촌방향 (The Day He Arrives, 2011)

시공간 속 가능성을 얘기하는 홍상수



홍상수 감독의 열 두 번째 장편영화 '북촌방향'을 보았다. 홍상수의 영화를 보고 있노라면 항상 '영화'라는 것 자체에 대해 깊게 생각해볼 기회를 갖게 되는데, 언제부턴가는 여기에 '마법'과도 같은 '순간'에 대해서도 생각해보게 되는 것 같다. 물론 마법과도 같은 순간이 곧 영화로 직결된다고 볼 수 있겠지만. '북촌방향'은 그의 전작 '옥희의 영화'와 짝을 이루는 점이 많은 것이 사실인데, 개인적으로는 굳이 두 작품의 연결고리를 찾지 않더라도 '북촌방향'은 정말 묘한 가운데 홍상수 영화의 정수를 잘 담아내고 있는 멋진 작품이라 하겠다 (진짜 '멋진' 작품이다). 영화의 줄거리는 간단하다. 영화 감독이었던 성준(유준상)이 친한 선배 영호(김상중)를 만나기 위해 오랜만에 서울에 올라와 북촌에서 겪는 우연과 운명의 시간과 관계에 관한 이야기를 그린다. 영화는 성준의 내레이션을 통해 그의 시점으로 진행되는데, 이 시점에는 여러가지 함정과 여지가 가득하다. 1차적으로 '북촌방향'은 성준을 통해 들려주는 이야기라는 점에서 아주 흥미로운 지점에 놓이게 된다.




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(성준과 영호가 만날 때 연속으로 같은 테이크아웃 커피를 들고 있는 점도 흥미롭다. 즉, 다른 시간과 날이 아니라 같은 날의 다른 기억으로 가정할 여지도 있는 것이다)


유준상이 연기한 성준이라는 캐릭터는 본인 스스로도 불안함과 우유부단함을 많이 노출하고 있는 캐릭터다. 앞서 이야기한 것처럼 이 영화는 완전한 객관적 3자가 서술하는 방식이 아니라 성준이 1인칭으로 서술하는 방식을 택하고 있다고 했을 때 여기에 어느 정도 힌트가 있다고 생각되는데, 흔들리는 성준의 이야기를 통해 영화는 그와 만나게 되는 여러 인물들의 이야기를 반복적으로 늘어 놓게 된다. 사실 이 영화의 모호함은 이미 여러 관객들이 별다른 의심을 갖지 않고 바로 수긍해 버리는 김보경의 1인 2역으로 부터 시작되었다고 볼 수 있겠다. 한 배우가 각기 다른 두 캐릭터를 연기하는 것은 아주 원초적인 영화적 장치라고 할 수 있을텐데, 관객은 너무나 당연히 '아, 김보경이 성준의 옛 여자친구와 술집 주인 모두를 연기하는구나'라고 받아들이지만 홍상수는 이 뻔한 1인 2역의 장치를 이야기와 맞물려 매우 영민하게 활용하고 있는 것이다.


성준의 이야기 속에 김보경이 연기한 두 명의 캐릭터는 단순한 1인 2역의 범주를 넘어서는 가능성을 담아내고 있다. 영화 속에서 이 두 사람을 모두 알고 있는 사람은 성준 밖에는 없는데, 그의 시점에서 보았을 때 술집 주인의 대사와 태도는 옛 여자친구와 동일시 할만한 요소가 충분해 보인다. 갑작스레 술집 주인이 성준을 '오빠'라고 불렀을 때 1차적으로는 영호가 들려준 그녀의 이야기들에 빗대어 무척이나 외로운 존재여서라고 인식할 수 있지만, 2차적으로는 아니 이미 옛 여자친구와의 관계에서 완전히 자유롭지 못한 성준의 입장에서 보았을 때에는 '그래, 내 새끼'하며 둘을 동일 인물로 받아들일 수 있는 근거가 충분한 것이다.



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(소설의 여주인은 매번 어딜 갔는지 자리를 비우는 것도 이상하지만 - 마치 1인 2역을 마치고 돌아온 사람처럼! - 테이블에 앉아있는 영호 무리를 대할 때마다 매번 처음 만나는 사람처럼 인사하는 것도 흥미롭다. 여러번 같은 대답을 하는 영호의 대답도 그렇고)


또 하나 흥미로운 점은 흑백 영화로 인한 날과 시간의 모호함 혹은 분명함이다. '북촌방향'은 '오!수정'에 이은 홍상수 감독의 두 번째 흑백영화인데, 이번 작품에서 흑백영상이 갖는 의미는 시각적으로 오는 아름다움과 영화다움 그 이상의 의미를 갖는다. 이 영화는 흑백 영상으로 인해 날과 날의 경계가 흐려짐과 동시에 낮과 밤의 경계도 흐려졌다. 처음 성준이 서울에 올라온 뒤 북촌을 기웃거리다 낮술을 한 잔 하고는 다시 젊은 영화하는 남자 세 명과 택시로 자리를 옮겼을 때는 이미 아주 늦은 밤인줄로만 알았었는데, 옛 여자친구와 헤어져 나온 뒤 만나게 된 영호의 첫 마디는 '너 술마셨구나'다. 즉, 이 하루가 아직 끝나지 않았다는 것으로 볼 수 있는데 (물론 하루가 지나고 그 다음날도 혼자 술을 한 잔 하고 영호를 만났다고 할 수도 있으나, 이쪽이 더 가깝다) 흑백 영상에서는 이러한 경계가 잘 드러나지 않는다. 즉, 이렇게 되면 성준이 옛 여자친구의 집에서 얼마의 시간 동안 머물렀는지에 대한 추정이 어려워지는데, 나중에 다시 얘기하겠지만 '북촌방향'은 크리스토퍼 놀란의 '메멘토'처럼 사실을 추론하는 이야기가 아니기 때문에 크게 중요한 점은 아니지만, 그래도 이 모호함의 여지는 매우 흥미롭기만 하다.



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(성준은 소설의 여 주인과 이별하며 그녀를 위한 세 가지 좋은 충고를 약속받고 떠난다. 이 약속은 과연 누구에게 하는 것일까?)



날과 시간의 경계가 모호해진 가운데 공간적인 장소의 개념은 더욱 선명해진다. 영화 속 성준의 동선은 매우 한정적이다. 영호를 만나기 위한 길, 그리고 영호와 만나서 함께 가는 '소설'이라는 술집. 그 외에 등장하는 공간들도 반복되는 곳들이 많다. 같은 공간, 모호한 시간의 경계 속에 성준은 극 중 대사를 통해 운명론에 가까운 인연에 대해 이야기 한다. 지금까지 영화가 보여준 태도로 보았을 때 이 인연에 관한 이야기는 역시 또 다른 가능성에 대한 이야기로 풀어볼 수 있겠다. 뭐랄까, 영화 속 주인공들이 가능성에 대해 이야기하는 것에 그치는 것이 아니라 영화 스스로가 그 가능성을 함축하고 있는 텍스트라는 점이 '북촌방향'의 가장 큰 매력 중 하나가 아닐까 싶다. 영화 속 성준의 얘기와도 같이 주인공을 통해 들려주는 이야기로서의 인연과 가능성도 흥미롭지만, 영화 스스로가 막연히 모호한 것에 머무르는 것이 아닌 다양한 가능성의 활로를 열어두고 그 안에서 또 다른 인연들의 관한 이야기를 풀어가고 있는 구성은 생각하면 할 수록 놀라운 구조라 하겠다. 누군가 '북촌방향'을 '인셉션'과 연관지은 제목을 스치듯 본 기억이 있는데, 홍상수 감독은 '나도 몰라'하며 허허 웃지만 이 영화의 구조는 '인셉션'의 그것처럼 깊이와 가능성이 농후하다.



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'북촌방향'이 보여준 '가능성'에 흠뻑 빠져있다보니 너무 이 이야기만 한 것 같은데, 이 와중에도 홍상수는 자신이 그 동안 지속적으로 보여준 남녀상열지사, 아니 인간 관계에 대한 매우 섬세한 과정 역시 담아내고 있다. 전작인 '하하하'에 대한 글을 쓰면서 '좋은 것' '좋은 것만 보는 것'에 대해 깊게 생각해볼 수 있었는데, '북촌방향'은 '착한 것'에 대한 또 다른 이야기가 아니었나 싶다. 사실 '좋은 것'에 대해서도 그러했지만, 홍상수가 화두를 던지는 방법은 너무나도 본편적인 것, 그래서 오히려 단 한 번도 제대로 생각해 본 적이 없는 것에 대해 다시금 (혹은 처음) 생각해보게끔 하는데, 이번 작품 역시 대중들이 흔히들 사용하는 유행섞인 '착하다'와는 본질적으로 다른 근본적인 의미로서의 '착하다'에 대해 떠올려 보게 했다. 홍상수 영화에서 처음 이런 대사를 만났을 때만 해도 '큭'하며 코웃음 치는 것으로 그치곤 했는데, 이제는 '넌 너무 착해'라고 이불 속에서 얘기해도 '야, 저런 속물이 다있네'라고 생각하기 보다는 '그렇다면 착하다는 것은 진정 어떤 것인가?'라는 걸 떠올려보게 되니, 이렇든 저렇든 결과를 떠나서 참 대단한 작가가 아닌가 싶다.



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배우들에 대한 이야기를 마지막으로 안할 수가 없는데, '성준' 역할을 맡은 유준상의 경우 이미 '잘알지도 못하면서'를 통해 홍상수 세계에서의 무한한 가능성을 보여주었던 터라 이번 작품이 처음부터 기대되었던 경우인데, 역시나 김상경과는 다른 그 특유의 깔끔하면서도 나태한(?) 목소리는 '성준'이라는 캐릭터를 더욱 빛나게 했다. 기존 TV드라마 출연을 통해서는 알 수 없었던 배우 유준상의 가능성은, 이제 더 이상 가능성에 머물러 있지 않고 이 작품을 통해 충분히 발휘되고 있다. 그와 반대로 마치 '잘알지도 못하며서'의 유준상 처럼 '북촌방향'을 통한 개인적 발견이라면 '보람' 역할의 송선미를 들 수 있겠다. 기존 TV를 통해 접했던 그녀의 이미지는 사실 와닿는 것이 없는 평범한 연예인의 그것이었는데, 이 작품에서 그녀가 보여준 캐릭터는 '잘알지도 못하면서'의 고현정이 그러하였듯, 새로운 가능성과 동시에 홍상수 세계에도 썩 잘 어울리는 모습이었다. 더불어 '이렇게 목소리가 좋았던가'라고 느껴지는 부분이 많았으며, 그 미소 역시 그간 TV를 통해 보았던 얼굴이었으나 처음보는 미소였다.

1인 2역을 연기한 김보경의 이미지도 좋았다. 그녀 역시 발견이라 할 만한 것이었으며 여배우가 가질 수 있는 매력을 거의 대부분 이 작품에서 보여주고 있다. '영호'를 연기한 김상중은 마치 계속 홍상수 세계에 존재했었던 인물 마냥 그 자리에 떡 하니 있는데, 정신을 차리고 생각해보면 이제야 자신의 몸에 맞는 옷을 입은 게 아닌가 싶을 정도로, 김상중 역시 발견 또 발견이었다.


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(제자가 물었다. '선생님, 이 일은 몇 일 간의 이입니까 아니면 하루 동안의 일입니까?' 그러자 선생이 대답했다. '허허, 그걸 내가 어떻게 알아!')


홍상수의 열 두 번째 장편영화 '북촌방향'은 나로 하여금 다시 한 번 '홍상수! 홍상수!'를 외치게 한 마법 같은 작품인 동시에, 왜 영화라는 예술을 사랑하고 기다리고 빠져들게 되는지를 새삼 실감하게 했던 경험이었다. 그의 가능성 더 나아가 영화의 가능성은 어디까지일까.

1. 적어도 극장에서 한 번은 더 볼 작정입니다. 반복으로 이뤄진 작품임에도 또 무엇이 있을까 또 보고 싶은 작품이라서요!

2. 이 영화를 시간의 의미로 풀어낸 글 가운데는 씨네21 정한석 님의 글이 가장 흥미로웠습니다. 영화 만큼이나 흥미로운 글이었어요!
(http://www.cine21.com/do/article/article/typeDispatcher?mag_id=67246&page=1&menu=&keyword=&sdate=&edate=&reporter=)

3. 언젠가 한적한 날을 골라 북촌방향으로 발길을 돌리고 싶네요. 물론 '소설'에 가서 맥주도 한 잔 하구요 ㅎ



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 
  
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