the Real Folk Blues

이별 가운데는 언제나 예상치 않았던 이별들도 있기 마련인데, 일주일 전 쯤 갑작스레 듣게 된 한 소식 역시 이런 이별에 관한 이야기였네요. 광화문에 위치한 예술영화 전용관 씨네큐브와의 이별은 그렇게 갑작스럽게 유난히도 떠나보내는 이가 많았던 2009년, 8월의 어느 날 또 하나의 이별로 찾아왔습니다. 지금까지 많은 추억을 함께 했던 극장들 가운데 아쉽게 이별을 맞아야 했던 경우가 종종 있긴 했지만, 이번 씨네큐브의 이야기가 더 특별하게 느껴지는 첫 번째 이유는 그 갑작스러움 때문이 아닌가 싶습니다. 사실 대형 멀티플렉스들도 장사가 안된다며 티켓 값을 올리고 팝콘 가격을 올리는 마당에 예술영화 전용관으로서 살아남기란 여간 어려운 일이 아니었겠지요. 그래도 다른 극장들처럼 영화보러 온 사람들보다 여가 시간을 즐기러 온 사람들이 많지 않아 좋았고, 각종 넘쳐나는 먹을 거리들로 부스럭 거림과 음식 냄새가 나지 않아 영화에만 집중할 수 있어 좋았었고, 그 공간에만 들어서면 절로 차분해 지는 분위기가 참 좋았었는데, 극장을 떠나 그런 공간과의 이별을 해야 한다니 먼저 아쉬움이 듭니다.




씨네큐브 광화문을 운영하던 영화사 백두대간이 8월을 끝으로 극장 운영을 그만 둔다는 소식을 듣고 나 니 새삼 씨네큐브와 함께 했던 추억들이 떠오르더군요. 처음 씨네큐브를 찾았던 것이 언제인지는 정확히 모르겠으나 아마도 본격적으로 즐겨찾기 시작한 것은 2004년 무렵이 아니었나 싶네요. 위의 사진 속 티켓처럼 프랑소와 오종의 <8명의 여인들>도 씨네큐브에서 보았었고, <아타나주아>같은 독특한 작품들도 만나볼 수 있었으며, <브로크백 마운틴> <그르바비차> <도그빌> 그리고 가장 최근 작으로는 <반두비>까지. 이루 셀 수 없을 정도로 많은 영화들을 바로 씨네큐브라는 공간에서 함께 했었죠.

일반 상업영화들 외에 예술영화에도 관심을 갖게 되면서 씨네큐브 라는 극장은 자연스레 알게 되고 찾게 될 수 밖에는 없었던 극장이었고, 비슷한 예술영화전용관들 사이에서도 그 분위기 만큼은 가장 인상적이었던 극장이었음은 두말할 필요도 없을 것 같네요. 일반 멀티플렉스가 젊은 연인들, 가족 단위의 관객들이 많은 반면, 씨네큐브는 나이 지긋하신 어른분들도 자주 만나볼 수 있었으며, 작가나 감독 등 직접 현업에 종사중인 예술인들도 심심치 않게 만나볼 수 있기도 했고, 무엇보다 혼자서 극장을 찾는 이들이 멀티플렉스 보다는 훨씬 많은 극장이었죠. 저도 보고 싶은 영화가 있을 땐 주저없이 혼자서도 많이 찾았었구요. 그러고보니 정말 혼자서 가장 많이 갔던 극장을 꼽으라면 단연 씨네큐브 일 것 같네요.




어느새 부턴가 멀티 플렉스에서는 도저히 이해하지 못할 이상한 일이 되어버렸지만, 너무나도 당연하게 상영시작 시간에 정확히 영화가 시작되고, 세뇌하듯 20분 넘게 몰아치는 광고를 볼 필요도 없으며, 무엇보다 영화가 끝난 뒤에도 크레딧이 온전히 다 마무리 되기 전까지는 극장내 불을 켜지 않은 극장. 당연한거지만 크레딧이 다 끝날 때까지 자리에 남아있어도 아무도 이상하게 쳐다보지 않는 극장. 청소한다며 나가라고 하지도 않는 극장. 그래서 평소처럼 크레딧이 다 끝날 때까지 영화를 온전히 즐길 수 있었던 극장이 바로 씨네큐브였죠. 사실 이런 것은 굳이 씨네큐브가 잘했다기 보다는 다른 멀티플렉스들이 잘못하고 있는 점이죠.

극장의 분위기란 사실 매우 중요한 부분이라 할 수 있을텐데, 좋은 영화란 무릇 여운이 남기 마련. 영화가 끝나고 나서 여운을 간직하고 싶은데 극장 문을 나서자마자 복잡하고 시끄러운 광경이 펼쳐진다면 있던 여운도 달아나기 마련이죠. 이런 의미에서 광화문 씨네큐브는 영화의 여운을 집으로 까지 고스란히 가져갈 수 있었던 몇 안되는 좋은 분위기의 극장이었습니다. 자연스럽게 극장 내 의자에 앉아서 영화의 장면들을 곱씹어 볼 수 있는 분위기도 마련하고 있었던 극장이었구요.




자꾸 분위기를 언급하는 이유는 분위기란 그 구성원들이 만들어가는 경우도 있겠지만, 임의로 배려해서 끌고가는 면이 분명 존재하거든요. 아무리 극장에서 영화를 보기 전에 책 한권을 읽으며 여유를 즐겨보려해도, 주변에서 음료를 주문하는 소리, 여러 개의 관으로 입장, 퇴장하는 인파의 소음이 존재한다면 이런 여유를 즐겨볼 엄두조차 나질 않겠죠. 앞서도 잠시 언급했지만 광화문 씨네큐브라는 공간은 어느 정도 공간이 분위기를 조장하는 뉘앙스가 있는 경우입니다. 이 공간에 들어서면 바닥에 까펫이 깔린 탓에 발자국 소리들도 들리지 않고, 상영관도 2개 뿐인 탓에 입퇴장을 통한 복잡함도 거의 일어나지 않으며, 그 흔한 매점 하나 없으니 사고 먹고 하는 소리들도 들려올리 없죠. 매점이 없고 음식물이 반입되지 않으면 불편한 점도 분명있겠죠.매점이 반드시 없어야 한다거나 음식물은 반드시 반입되지 않은 것이 옳다는 것이 아니에요. 그냥 이런 공간도 하나 있었으면 했고, 그것이 씨네큐브였다는 거죠. 그래서 마음에 들었구요. 자주 찾게 되었구요.




씨네큐브라는 극장을 알게 되고 이 곳에서 좋은 영화들을 만나게 된 것만으로도 좋은 경험이었는데, 1년 전부터 (아..정말 벌써 1년이 되었네요) 좋은 기회에 백두대간에서 운영하는 씨네아트 블로그에 필진으로 참여할 수 있게 되었죠. 그 때부터 더더욱 애착을 갖게 되었던 것은 당연한 일이구요. 씨네아트 블로그에 참여하게 되면서 제 부족한 글을 블로그를 통해 소개할 수도 있었고, 씨네아트를 통해 열리는 시사회나 행사들에 초대되어 보고 듣고 할 수 있는 기회들도 있었으며, 무엇보다 씨네큐브를 찾게 될 때 그 전과는 다르게 뭐랄까, 같잖은 주인의식이 생겼다고 할까요. 마치 내 일 같아서 더 열심히 하고 싶고 애착을 갖게 되었는데, 마음처럼 행동이 따르지는 못했지만 이렇게 씨네아트 블로그로 활동한지도 이제 딱 1년이 되었네요.

그 동안 씨네아트 블로거로서 매달 '블로거 정기 상영회'라는 이름 하에 직접 상영작을 고르고 웹상에서 투표하여 상영하고, 영화가 끝나면 관객들끼리 남아 씨네토크도 하곤 하는데, 얼핏 1주년이 되었다는 생각에 그간 '아트하우스 모모'에서만 진행했던 상영회를 씨네큐브에서 영화제 형식으로 진행해 보았으면 어떨까 했었는데, 이건 이제 실행으로는 옮기기 불가능하게 되었군요.




많은 분들이 궁금해하시는 것은, 광화문 씨네큐브가 폐관하는 것이냐 하는 것일텐데, 폐관하는 것은 아니에요. 앞서 이야기했듯이 10년 가까이 극장을 맡아서 운영해오던 영화사 백두대간이 더이상 운영하지 않게 되었다는 것이고, 그간 지원을 해오던 흥국생명의 모기업인 태광그룹에서 직접 운영을 하기로 결정이 된 것이죠. 그러니까 8월이 지나 9월이 되어도 광화문에 씨네큐브는 그대로 존재할 것이며 해머링맨도 그대로 일 것이고, 아마도 예술영화관으로서 계약이 남아있는 내년 3월까지는 멀티플렉스 처럼 상업영화들이 자주 걸리거나 하지는 않을 듯 하구요.

그러면 극장이 없어지는 것도 아닌데 뭘 이렇게 이별 운운하며 난리법석이냐 할 수도 있지만, 그게 그렇지가 않죠. 계약 기간이 아직 몇년이나 남았음에도 태광그룹이 백두대간을 쫓아내듯 극장에서 내몰게 된 되는 역시 수익적인 문제가 있었을 거에요. 그 큰 멀티플렉스 들도 팝콘 팔아서 이윤을 남긴다던데 매점조차 없고, 예술영화를 주로 상영하는 극장이 수익적으로 메리트가 있었을리 없고, 이를 지원하는 회사 측에서는 어차피 비지니스인데 이런 곳을 끌어안고만 있을 수는 없었겠죠. 그렇다해도 어차피 예술영화관으로서 엄청난 수익을 내려고 했던 것은 당연히 아닐테고, 계약기간도 아직 남아있다는데 이렇게 운영주체를 쫓아내는 모습이 조금은 안타깝게 느껴집니다. 그런데 그렇다고 이들을 탓할 수도 없을 것 같아요. 말그대로 회사 입장에서는 어디까지나 이것은 수익을 내야할 사업이니까요. 태광을 탓하는게 아니라 그냥 이런 현실이 안타깝고 씁쓸하다는 거죠.




이런 면에서 보았을 때 극장은 사라지거나 하지 않는다고 해도, 3월까지는 어찌되었든 라인업에 큰 차이가 없을지도 모른다쳐도, 적어도 그 이후에도 씨네큐브가 지금과 같은 예술영화관으로서의 존재감과 분위기를 가져갈 수 있을까에 대한 가능성은 적을 수 밖에는 없을 듯 합니다. 극장이 폐관되지 않고 계속 유지된다해도 수익을 내기 위한 모델로 변경될 가능성이 높고, 그렇지 않다면 아예 더나아가서는 극장이 아닌 다른 공간으로 변모할 수도 있겠죠. 이를 반기는 사람들이 더 많을지도 모르겠네요. 어쩌면 이 공간은 앞으로 더 많은 사람들이 찾는 새로운 광화문의 메카가 될지도 모르고, 극장으로서 더 큰 성공을 거두게 될지도 모르는 일이니까요. 그것이 반드시 나쁘지 만은 않아요. 그리고 혹여 직접 운영을 맡기로 한 태광에서 백두대간이 운영할 때와 같은 영화들과 극장 분위기를 계속 앞으로도 지속해줄런지도 모르는 일이구요. 하긴 그럴려고 했다면 굳이 운영주체를 변경할 이유도 없었겠지만요.




사실 이 사실을 처음 듣고 확인하기 위해서 담당자분과 전화통화를 하게 되었을 때, 마음이 무척 아팠습니다. 목소리에 너무 힘이 없으셨는데 뭐라 딱히 드릴 말씀이 없더라구요. 사실 예술영화를 주로 수입해서 배급하는 영화사라는게 정말 영화에 대한 애정이 없으면 결코 하기 쉬운 일이 아니에요. 어디서 이런 비슷한 예기를 다른 분이 했더니 그 아래 너무 옹호하는게 아니냐 라는 식으로 말씀하셨던데, 저는 그래요. 옹호하는 겁니다. 옆에서 힘들게 일하시던 모습을 지켜봤기 때문에 이번 운영중단이 부당하다 라는 식의 논리는 물론 아니에요. 옆에서 그래도 조금이나마 알고 있는 사람으로서 '알기에' 안타깝다는 이야기입니다.

저는 개인적으로 아예 9월부터는 정말 극장 리뉴얼을 해서 새로운 모습으로 탈바꿈 했으면 차라리 좋겠다 싶은 생각도 드네요. 왜냐하면 저만 같아도 이 공간에서 쌩뚱맞은 영화가 상영된다거나 아니면 다른 분위기가 형성된다면 굉장히 당황스러울 것 같은데, 이 공간을 직접 운영하셨던 분들께는 더 이상 이 곳이 자신들의 공간이 아니라는 점이 더 가슴 아프게 다가올 것만 같아서요. 차라리 모습이 완전히 바뀌어 버리면 그런 마음이 좀 덜할 것 같네요. 극장은 그 자리에 그 모습으로 그대로 있는데, 그냥 보고만 있어야 한다면 아마 더 안타까울 것 같네요.




다른 관련 기사를 통해 이미 알고 계시는 것처럼, 백두대간은 광화문 씨네큐브에서는 손을 떼지만, 이대 내에 위치한 아트하우스 모모의 운영은 계속 해나간다고 합니다. 그 동안 씨네큐브에서 만나볼 수 있었던 라인업들을 모모에서 계속 이어서 만나볼 수 있을 것이며, 그간 광화문과 이대로 분산되었던 것을 마치고 아트하우스 모모에만 집중할 수 있게 되었습니다. 물론 아트하우스 모모는 씨네큐브에 비해 지리적으로나 공간적으로 조금 부족한 점이 있긴 하지만, 처음 집 가까운 극장들을 놔두고 씨네큐브를 찾아 갔던 것처럼, 좋은 영화들을 만나볼 수만 있다면 아트하우스 모모도 새로운 예술영화의 메카가 될 수 있지 않을까 싶습니다. 백두대간에서는 씨네큐브를 떠나는 것을 기억하며 기획적을 계획 중이기도 하구요.




저는 오늘 백두대간에서 상영하는 광화문 씨네큐브의 마지막 작품 <디스 이즈 잉글랜드>의 시사회에 참석하러 씨네큐브에 갑니다. 한 달에도 몇 번씩 가던 극장이지만 감회가 새로울 수 밖에는 없겠네요.  <비카인드 리와인드>처럼 공간이 사라지는 것에 대한 슬픔은 분명 존재합니다. 그런데 단 순히 공간이 사라지는 것만 슬픈 것은 아니라는 걸 이번에 새삼 깨달았네요. 씨네큐브라는 공간이 사라지거나 하지는 않겠지만 결국, 어쩌면 그 분위기와, 극장과 함께한 추억은 앞으로 기억 속에만 존재하게 될지도 모르니까요. 더불어 그 동안은 씨네큐브 덕에 광화문 역시 자주 가곤 했었는데, 씨네큐브 가는 김에 광화문 교보문고도 가고, 씨네큐브 가는 길에 근처 까페들도 가고 했었는데, 앞으로는 광화문 광장 때문에도 그렇고 더더욱 광화문 자체에도 갈 일이 없어지는 것 같아 아쉬운 마음이 드네요.


안녕, 씨네큐브. 수 많은 좋은 영화들을 더할 나위 없이 즐길 수 있었던 그 곳.

2009.08.10

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

악마가 너의 죽음을 알기 전에 (Before The Devil Knows You, 2007)
외로운 시대, 외로운 가족의 초상


2007년 작이긴 하지만 이번에 국내에는 처음 정식으로 선보이게 된 시드니 루멧 감독의 <악마가 너의 죽음을 알기 전에>는 <12인의 성난 사람들>, 알 파치노가 열연했던 <뜨거운 오후>, 범죄/미스테리 영화의 대표작 중 하나라 할 수 있는 <오리엔트 특급 살인사건> 등을 연출했던 거장 시드니 루멧의 작품이라는 점만으로도 일단 관심을 갖게 되었던 작품이었다. 감독의 이름을 보고 관심을 갖게 되었는데 여기에 출연한 배우들의 면면을 보니 이건 더 대단한 것이 아닌가. <카포티>와 <다우트>를 통해 새삼스럽게 연기력을 평가받고 있는 필립 세이무어 호프만과 오랜만에 스크린에서 연기하는 모습을 만나게 된(적어도 개인적으론) 에단 호크, 그리고 최근 <더 레슬러>를 통해 인상적인 연기를 펼쳤던 마리사 토메이와 대배우 알버트 피니까지. 이런 배우들과 시드니 루멧이라는 감독이 만들어낸 작품은 과연 어떨지 영화 팬으로서 기대가 되지 않을 수 없었다.



(이후부터는 내용에 관한 스포일러가 있을 수 있습니다. 원치 않는 분들께서는 맨아래 단락으로 이동해주세요~)




영화는 범죄 현장을 보여주는 것으로 시작한다. 이들에게 어떤 사연이 있는지 어떤 관계에 있는 것인지는 일단 생략한채 살인이 발생하게 되는 범죄 현장을 보여주고는 천천히 시간을 거슬러 올라가 이들의 이야기를 들려주게 된다. 그런데 이 범죄 현장에 얽힌 이들과 사연이 예사롭지가 않다. 아니 오히려 너무 일반적이고 현실적이라 예사로움 그 자체일지도 모르겠다. 형제인 에디(필립 세이무어 호프만)와 행크(에단 호크)는 각자의 경제적 사정 때문에 보석상을 털기로 계획을 세운다. 아, 계획은 형인 에디가 한 것이며 행크는 단지 실행할 뿐이다. 그런데 이 보석가게는 다름 아닌 형제의 부모님이 운영하는 가게다. 이 계획에 흥미로운 점은 결과적으로 피해자가 없는 범죄라는 것이다. 자신들은 보석상을 털어서 돈을 챙기고 부모님은 보험을 들어 놓았기 때문에 피해는 커녕 오히려 득이 될 수도 있는 상황이다. 더군다나 범행 예상시간에는 가게 내에 노인 한 명만 지키고 있을 뿐이기 때문에 별다른 몸싸움이나 인명 피해 없이 저지를 수 있는 상황이다. 또 하나 흥미로운 점은 이들이 훔치려는(얻으려는) 돈이 일확천금이 아니라 단순히 현재 자신들에게 닥친 문제를 해결할 만한 정도라는 것이다.

보통 범죄 영화와 이 영화가 가장 차별되는 점은 바로 이 목적에 있다 하겠는데, 이 계획은 에디와 행크에게는 각자 사소하다면 사소한 문제를 해결하기 위한 것일 뿐이고, 그들의 계획대로 된다면 아무도 피해받지 않고 서로의 이익을 얻을 수 있게 된다. 그들은 표면적으로 뿐만 아니라 실제로 이 정도만을 목적으로 한 범행이었으며, 더 이상은 바라지도 않는다. 하지만 이들의 이런 계획은 전혀 예상치 못했던 방향으로 전개가 된다. 에디의 계획에는 없었던 인물이 행크의 뜻에 따라 합류하게 되었고, 목숨을 잃은 사람이 2명이나 발생하게 되었으며, 무엇보다 형제의 어머니가 가게에 남아있었기 때문에 어머니가 죽음을 맞이 하게 된다. 계획대로 일이 되지 않자 이들 형제는 몹시 당황하게 된다. 평소 우유부단하고 독립성이 부족했던 동생 행크는 이 현실에 어쩔 줄을 몰라하고, 모든 일을 계획대로 이뤄 처리하던 형 에디도 자신이 예상치 못했던 변수들로 인해 틀어져 버린 이 현실 때문에 공황상태에 빠져버린다.




개인적으로 이 영화에서 가장 흥미롭게 보았던 점은 바로 이런 점이었다. 예상하지 못했던 상황이 발생했을 때 갈피를 잡지 못하고 갈팡질팡하는 인물들이 모습, 더 나아가 결국 이들이(이럴 필요도, 그럴만한 목적이나 악의를 애초부터 갖지 않았던 이들이) 얼마나 급격하게 무너져 내리는 가에 대한 묘사가 바로 그것이었다. 이 영화는 기법 측면에서 사건이 진행되고 나서 그 사이에 각 인물들이 어떤 과정을 겪어왔는가 일종의 플래쉬백을 통해 보여주고 있는데, 이를 단순히 기법 측면만으로 해석하기에는 부족함이 많을 듯 하다. 제목인 '악마가 너의 죽음을 알기전에'에서도 알 수 있듯이, '~ 뭐 하기 전에' 라는 뉘앙스와 계속 사건이 벌어지고 나서 그 전으로 돌아가는 구성 방식은, 이런 일을 겪지 않을 수도 있었던 나약한 인간들에 대한 애정어린 시선이 담겨있으며, 항상 이런 불안 요소를 잠재한 채 살아가고 있는 이 시대의 외로운 이들과 가족에 대해 이야기하려는 의도에서 이해할 수 있는 부분이라 생각된다.

바로 이 불안감에 대해 영화는 또 깊게 묘사하고 있다고 생각되는데, 겉보기에는 크게 문제가 없어 보이는 인물들, 그리고 별로 문제가 될 것 같아 보이지 않았던 일들이 결국 모두 표면 밖으로 터져나오는 걸 보여주면서, 이런 불안감을 항상 잠재하고 있는 현실을 이야기하고자 하는 듯 했다. 범죄 현장에 무엇을 남기지는 않았는지, 목격자는 없었는지 행크에게 닥달하듯 계속 되묻는 에디의 모습에서는 멀쩡해 보이는 겉모습 뒤에 어떤 불안의 잠재요소가 있는지 되묻는 것과 연관지어 생각해 볼 수 있었다. 그리고 이 불안 요소를 더 증폭시키기 위해 영화 음악이 의도적으로 사용되었는데, 이 영화의 영화 음악은 마치 사운드 시스템에 오류가 난 것이 아닌가 흠짓 착각했을 정도로 계속 불안하게 음이 끊긴 채로 전달된다. 이렇듯 관객의 심리를 불안하게 만드는 것은 영화 속 인물들의 불안한 심리를 더 극대화 시키려는 영화적 장치로 사용되고 있다.




또 하나 생각해볼 수 있었던 건 가족이라는 울타리를 통한 인물들의 해석이었는데, 아버지로 부터 이어진 가족의 불안요소와 불화가 결국 어떤 결말로 이어지는지를 보는 것도 흥미로웠지만 무엇보다 각 인물들의 상황을 겪으면서 이 가족이라는 울타리가 어떻게 작용되고 있는지를 보는 것이 더욱 흥미로웠다. 에디와 행크는 예상치 못했던 일들을 겪으면서 본인도 의도 하지 않았던 일들을 더 저지르며 상황을 악화시키게 된다. 특히 본래는 아무도 죽이지 않으려던(그래서 총도 장난감 총만 준비하고자 했던) 계획을 세웠던 에디는 사태가 급변하면서 이 사건에 관련된 이들을 거침없이 죽음에 이르게 한다. 내러티브 측면에서 왜 에디가 필요없는 사람까지 죽여야 했는가라고 묻는 다면, 이 상황에 놓인 에디는 이미 그런 맥락을 다 따져가며 살인을 저지르는 심리 상태가 절대 아니었다고 반박할 수 있을 것이다. 그는 자신 스스로도 공포스러울 정도로 일을 최악으로 몰고 가버리게 되는데, 이건 일종의 불안에 잠식되어버린 연약한 인간상의 표현이라고 할 수 있을 듯 하다.

가족으로 다시 돌아와서. 흥미로운 점은 에디나 행크의 모습이 너무도 외로워 보였다는 것이다. 일단 애초에 문제가 되었던 경제적인 문제를 나누고 들어줄 만한 친구나 동료가 이들에게는 없었으며, 사태가 최악으로 치닫았을 때도 고민을 들어줄 존재라고는 결국 자신들 밖에는 없었다. 특히 에디의 경우는 돈을 주고 마약을 거래하는 마약상에게 자신의 이런 고민을 털어놓게 되는데, 마약상은 딱 잘라 관심없음을 표현한다. 정말 자신을 잘 표현하지 않는 에디가 참다참다 못해 자신의 고민을 털어놓을 사람이 이런 남과도 같은 관계에 있는 사람이라는 점은, 가정 내에서 문제를 겪은 이들이 얼마나 다른 사람들과의 정상적인 관계를 맺는데 실패했는지를 통해 이들이 얼마나 외로운 존재인가를 보여주고 있다.  영화 속에서 에디와 행크가 끊임 없이 서로에게 전화하는 것은(특히 에디가) 단순히 이 사건에 둘이 공모했다기 보다는 이런 고민을 나눌만한 이가 서로 밖에는 없기 때문인 점도 들 수 있을 것이다.

결국 외로운 시대에 외로운 존재였던 이들이 어떤 예상치 못했던 상황에 닥쳤을 때 얼마나 쉽게 무너져 내리는지, 이들이 이렇게 까지 되어버린 데에는 가족이라는 울타리가 얼마나 큰 책임이 있었는지를 이야기하는 텍스트로 이해할 수도 있을 것 같다. 정작 감독은 이 영화를 멜로 드라마로 규정하기도 했는데, 그런 측면도 발견할 수는 있었지만 개인적으로는 지금까지 얘기했던 것과 같은 것으로 더 받아들이게 되었다.




<다우트>를 보며 '와, 연기만으로도 이렇게 공포감을 느낄 수 있구나'하는 것을 실감하곤 참 대단하다고 느꼈었는데, 이 영화에서 배우들이 보여주는 연기는 또 다른 측면으로 이해할 수 있을 듯 하다. 필립 세이무어 호프만은 이 영화 내에서 거의 감정이 폭발하지 않는다고 볼 수 있는데, 별로 폭발시키지 않고 내색을 하지 않는 듯 하면서도 이렇게 캐릭터에 무게감을 전할 수 있구나 하는 것을 이 영화를 통해 느낄 수 있었다. 전작들을 통해 필립 세이무어 호프만의 여러 종류 연기를 만나볼 수 있었는데, 이 영화에서 그가 보여준 연기는 그의 또 다른 면목을 새삼 느끼게 하는 고수의 연기였다 하겠다.

에단 호크는 자신 본인이 가지고 있는 연약함의 이미지를 이 영화에서 잘 표현해 내고 있다 하겠다. 단순히 이미지를 소비하고 마는 것이 아니라 이것을 기반으로 영화 속에 잘 녹여낸 경우로서 과하지도 부족하지도 않은 정도를 보여주고 있다. 마리사 토메이는 최근 작품들에서 연이어 노출 장면이 많아 한편으론 '괜찮을까?'하는 생각이 들기도 했는데, 그 독특한 말투는 과연 이 사람이 <더 레슬러>에 나왔던 그 사람이 맞나 싶을 정도이기도 했다. 하지만 누가 뭐래도 개인적으로 가장 인상깊은 연기를 펼친 배우는 아버지 역할을 연기한 알버트 피니였다. 복잡하게 얽혀버린 가족사를 점점 알게 되는 인물을 연기하는 알버트 피니의 모습은 현실감을 잃지 않으면서도 필립 세이무어 호프만과는 다른 측면에서 압도당하는 느낌을 관객에게 전한다. 표정 하나하나에서 그야말로 '열연'을 느낄 수 있었고, 이 영화가 좀 더 풍부한 스펙트럼을 보여주는데에 크게 한 몫을 하고 있다.




이 날은 영화가 끝나고 진중권 교수님이 함께하는 씨네토크가 이어졌다. 기존 영화 관계자나 평론가가 참가하는 씨네토크와는 달리 진교수님이 자신의 정리해온 내용을 발표형식으로 진행한 이후 토크를 진행하는 방식이었다. 개인적으로는 아무래도 영화 평론가라던가 관계자와 함께하는 방식이 아니다보니 일반적인 씨네토크와는 사뭇 다른 분위기로 진행이 되었던 것 같다. 좀 색다른 분위기의 씨네토크여서 흥미롭기도 했고, 영화 내용에 관한 토론보다는 철학적 텍스트에 관한 (아무래도 씨네토크 진행자와 참가자들의 성향에 따라 이런 방식으로 흐르게 되었던 것 같다)  이야기로 이어져 신선하기도 했다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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안토니아스 라인 (Antonia's Line, Antonia, 1995)
삶과 죽음이 반복되는 인간의 굴레


<댈러웨이 부인>을 연출핶던 마를렌 고리스 감독의 1995년작 <안토니아스 라인>은 제목은 지인들을 통해 매우 자주 접해왔을 정도로 익숙한 영화였는데, 막상 실제로 작품을 보게 된 것은 이번이 처음이었고 다행히 그 경험은 극장에서 이루어졌다. 재개봉에 앞서 위드블로그와 함께한 시사회를 통해 만나볼 수 있었는데, 역시나 많은 영화팬들에게 회자되는 작품답게 여러가지 담론을 생성해 내고 있었다. <안토니아스 라인>이 언급될 때 반드시 빠지지 않고 등장하는 단어는 다름아닌 '페미니즘'일텐데, 개인적으로는 이 영화를 단순히 페미니즘 영화로 묶어버리기에는 아쉬운 점이 많을 듯 하다. 많은 페미니즘적 요소가 담겨있기는 하지만 여성을 위한 여성의 영화라기 보다는 결국 인간의 삶과 죽음 그리고 인생에 관한 이야기를 하려는 것으로 더 느껴졌기 때문이다.




영화는 간단히 말해서 '안토니아'라는 주인공을 중심으로  한 마을을 배경으로 그 속의 사람들의 관계와 가족의 탄생 그리고 역사에 대해 이야기하고 있다. 일단 이 마을은 일반적인 가족영화에서 등장하는 마을과는 분위기가 사뭇 다르다. 마치 스릴러 영화에나 나올 법한, 매우 고립되고 날이 서 있는 구성원들이 자리잡고 있는 기묘한 공간이며, 주인공 안토니아가 이 마을에 다시 돌아와 자리잡게 되면서(그리고 안토니아와 딸이 마을 사람들과 관계를 점차 맺어가면서) 이야기는 본격적으로 시작된다.

안토니아를 살펴보기 전에 이 마을 사람들의 이미지를 먼저 살펴볼 필요가 있다. 마을에 살고 있는 이들은 단순히 남자들 뿐만 아니라 모든 구성원들이 일종의 빈자리를 저마다 하나씩 갖고 있다. 안토니아가 이들과 관계를 맺게 되는 방식은 바로 이 빈자리를 채워주는 것이며 구성원들은 더 노골적으로 (모든 것을 이미 소유한듯한) 안토니아에게 자신의 빈자리를 채워주길 기대한다. 이를 단순히 성적인 욕망이나 자손 보존의 본능만으로 이해하기에는 부족한 부분이 많다. 그러한 눈초리와 기대도 분명 있겠지만, 영화는 단순히 남성과 여성에 대해 이야기하는 것을 넘어서서 일종이 구원의 존재를 통해 삶과 죽음의 역사를 풀어놓는 것이다. 이 영화가 페미니즘 영화로 불리우는 것은 이런 것을 가능케 하는 주인공이 여자이기 때문이다. 주인공 안토니아를 비롯해 딸인 다니엘은 물론이고 영화 속에 등장하는 여성 캐릭터들은 거의 다 독립적이고 남성에게서 자유롭거나, 안토니아를 통해 이런 삶을 살게 된다.  그 반대로 남성 캐릭터들은 상당히 무능력한 동시에 여성을 이용하려고만 드는 존재로 그려져 그 상대적 비교감을 더하게 한다.

개인적으로 페미니즘 영화라면 '여성에 의한'도 중요하겠지만 '여성을 위하는' 측면이 더 중요하다고 생각하는데, 그런 면에서 <안토니아스 라인>은 페미니즘 영화로만 바라보기에는 더 큰 주제를 얘기하고 있다는 점에서 다르다 하겠다. 그렇기 때문에 사실 기존에 하도 페미니즘 영화라는 소리를 듣고서 본 영화는 조금 의외이기도 했다.



(영화 속에는 안토니아가 씨 뿌리는 장면이 두,세차례 반복적으로 등장하는데 이는 분명 상징적인 것이다. '남편이 왜 필요하죠?'라는 안토니아의 영화 속 대사처럼, 정해진 성적 역할 분담에 대해 아무 생각없이 받아들이는 것은 문제임을 이야기한다)

최근 끝까지 감상을 했던 미드 <식스 핏 언더>를 본 탓인지 두 작품에서 비슷한 분위기와 메시지를 느낄 수 있었다. <안토니아스 라인>은 영화가 중반 이후까지 전개될 때까지 뚜렷한 메시지를 전달하지는 않는다(페미니즘 적인 측면을 제외한다면 말이다). 어찌보면 이 때까지는 그저 세월의 흐름과 가족의 구성과정 관계의 확장에 대해서 차근차근 이야기하고 있을 뿐이고 사건 사건을 그저 늘어놓을 뿐이다. 하지만 영화의 마지막이 다 되어서 그리고 결말이 나고나서는 앞서 풀어놓은 긴 세월의 흔적들이 결국 이러한 것들이 반복되는 인생사를 이야기하려는 소스였다는 것을 알 수 있게 된다. 보름달이 뜨면 늑대처럼 우는 여자와 그 아랫 층에 사는 남자의 이야기를 반복적으로 등장시킨 것은, 나중에 보름달만 보이고 아무 소리도 들리지 않게 되면 관객들이 느낄 허전함과 그녀가 죽고 난 뒤 그 소리를 평생 못견뎌하던 남자가 결국 이어서 늑대처럼 우는 장면을 통해 메시지를 전달하기 위함인 것이 단편적인 예라 할 수 있겠다.




계속 새로운 인간관계를 맺고 가족을 확장시켜 나가기만 했던 영화는 조금씩 구성원들 간의 갈등을 이야기하면서 균열과 슬픔에 대해서도 관심을 보인다. 그러다가 결국 마지막에 가서는 영화의 첫 장면처럼 다시금 죽음에 대해서 이야기한다. 이 영화에서 죽음을 묘사하는 장면 중에 하나 흥미로웠던 점은 죽음을 맞게 된 혹은 그 주변 사람이 죽음의 대해 미리 알고 있다는 점이다. 영화 초반 어머니의 죽음 때문에 오랜만에 고향으로 돌아오게 되었다는 안토니아의 내레이션에는 '하지만 아직 어머니가 죽기 전에 도착했다는 점이다'라는 얘기가 나오는데, 마지막 안토니아가 죽게 되었을 때의 묘사도 그렇고 자신의 죽음을 직접 준비하는 '굽은 손가락'의 경우도 그렇고, 죽음이라는 것이 인간으로서 막을 수 없는 순리라는 것을 강조하면서도 다른 한편으로는 그렇기 때문에 삶에 더 충실해야 한다는 진리를 역설하고 있기도 하다. 이는 매우 진부한 진리를 다루는 이 영화만의 방식이며 이 역시 <식스 핏 언더>와 동일한 부분이다.

영화는 자칫 무겁게 느껴질 수 있는 삶과 죽음의 이야기를 가볍게 춤추는 것처럼 유머를 섞어가며 자연스럽게 그려내고 있다. 마치 남들은 보지 못하는 것들을 보는 다니엘의 시선처럼(이런 설정은 이런 류의 영화에서는 잘 등장하지 않는 것으로 매우 신선하게 느껴졌는데, 잘 생각해보니 초반에는 이런 것들을 보았던 다니엘이 나중에 보질 못하고 그녀의 손녀인 아이가 다른 상상을 보게 되는 것 또한 생각해볼 필요가 있을 것 같다), 감독은 이 영화를 통해 보이는 것에만 집중하지 말고 세상의 정해진 선입견들을 비판없이 수용하지 말고, 나름의 인생을 살아가라는 것은 아닐까 하는 생각이 들었다.




1. 여러가지 측면으로 읽힐 수 있는 텍스트라는 점에서 <안토니아스 라인>은 좋은 영화라 할 수 있을 것 같습니다. 가족과 여성, 삶과 죽음, 이것들을 각각의 시선으로 각자가 느낄 수 있었으니까요.

2. 그러면에서 리뷰에는 다 쏟아내지 못했지만, 페미니즘 측면에서 본 영화, 인생사로 본 영화, 가족의 탄생 측면에서 본 영화 등 각각의 리뷰를 써보거나 비교하는 재미도 있을 것 같네요;;

굿바이 칠드런 (Au Revoir Les Enfants, 1987)
한 소년의 담담한 회고록

씨네큐브에서 열린 '루이 말 감독 특별전' 3부작 상영을 통해 <굿바이 칠드런>을 처음 접하게 되었습니다.
이번 특별전의 마지막 작품이라고 할 수 있는데, <라콤 루시앙> <마음의 속삭임>을 보지 못했기 때문이기도 하고,
루이 말 감독의 가장 대표작이라 할 수 있는 영화라 1987년에 개봉했던 영화임에도 불구하고 관심을 갖게 되었던
영화였죠. 루이 말 감독의 작품이라고는 1992년작 <데미지>외에는 본적이 없었는데, 이 <데미지>조차도 예전에
어렴풋이 본 영화라 사실상 루이 말 감독의 작품은 이 영화 <굿바이 칠드런>을 통해 처음 접하게 되었다고 해도
과언이 아닐듯 싶네요.




<굿바이 칠드런>은 1944년 2차 세계대전 중 파리 근교에 위치한 카톨릭에서 운영하는 기숙 학교를 배경으로 전쟁이
만들어낸 잔혹함을 소년들의 우정으로 풀어낸 영화입니다. 2차 세계대전을 배경으로한 진한 휴먼 드라마는 여러 영화들이
있는데, <굿바이 칠드런>은 그런 영화들 가운데서도 비교적 극적인 요소를 배제하고 무덤덤하게 그려낸 영화라고
할 수 있을 것 같습니다. 보네가 유태인이라는 사실을 알게 되는 순간도, 독일군들이 기숙학교를 급습해 유태인들을
골라내는 과정도, 이를 바라보는 줄리앙의 시선도 별로 극적이지 않습니다. 영화적인 장치를 최대한 배제하고 있달까요.
그래서 이런 비슷한 류의 이야기를 담고 있는 영화들에 비해 눈물을 흘리는 관객들도, 깊게 공감하게 되는 관객들도
적을런지는 모르겠지만, <굿바이 칠드런>은 이렇게 감정선을 극대화 하지 않으면서도 무언가 아련하고 애틋한 정서를
표현하고 있습니다. 물론 1987년작을 이제 와 처음 감상하게 된 이유에서도 그렇겠지만, 그것보다는 영화 자체가 갖고 있는
사건을 바라보는 시선이(실제로 감독이 겪은 실화를 바탕으로 했음에도), 작위적이거나 영화적이지 않다는 것이 더 큰
이유라 할 수 있겠네요. 사실 영화의 마지막 장면 같은 경우, 비슷한 영화들의 다른 클라이맥스 부분에 비하면 심심하기
그지 없을 장면이겠지만, <굿바이 칠드런>을 본 많은 사람들이 이 장면에서 깊은 인상을 받게 되는 것은,
루이 말 감독만의 연출 재주라고 할 수 있겠네요. 안녕이라는 말도 못하고 헤어지는 장면이 (보네의 그 눈빛이) 쉽게
잊혀지지 않으니 말이에요.




요즘은 예전에 비해 부쩍 영화 속 행복한 장면들에 대해 더 깊이 받아들이곤 하는데, 어둡고 암울할 것만 같은 이 영화 속에도
주인공들이 아무 생각없이 웃으며 행복해 하는 장면이 한 컷 있습니다. 바로 채플린의 <이민선>을 다같이 관람하는 장면인데,
아직까지 아이들 사이의 갈등이나 관계가 완벽하게 하나가 되지 못했던 상태였음에도 다 같이 아무 생각하지 않고
즐기고 웃을 수 있음을 잘 보여준 이 장면에서는, 최근 보았던 <더 폴 : 오디어스와 환상의 문>의 마지막 장면이 떠오르기도
했습니다(이 역시 채플린의 영화가 삽입되었었죠, 두 작품을 통해 오히려 찰리 채플린의 예전 작품들이 다시 보고 싶어졌습니다)

특히 무성영화이기 때문에 직접 피아노와 바이올린으로 생음악을 배경삼아 관람하는 장면이 인상적이었는데,
예전엔 기술적인 문제 때문에 반드시 저렇게 했어야겠지만, 요즘 같아서는 가끔씩 저런 환경으로 영화를 관람하는 것도
운치있고 좋겠다 하는 생각이 들더군요.





이 영화를 통해 알아본 배우라고는 대부분이 그랬겠지만 이렌느 야곱 뿐이었습니다.
<굿바이 칠드런>은 <베로니카의 이중생활>과 <레드>를 통해 우리에게 익숙한 이렌느 야곱의 데뷔작이라고 할 수 있는데,
암울한 기숙학교에서 빛과 같은 존재에 가까운 피아노 선생님을 연기하는 그녀의 모습은, 유난히 빛이 나는 것 같습니다.
비중이 그다지 큰 것도 아니고, 연기력이 어땠다 라고 말할 정도의 캐릭터도 아니었지만, 그녀를 이미 알고 있는 이상
이렌느 야곱의 존재는 이 영화에서 또 다른 재미로 인식되더군요.




<굿바이 칠드런>은 기존에 우정을 그린 영화들과, 또 전쟁을 그린 영화들과 완전히 맞닿아 있지는 않습니다.
영화의 내용들은 전쟁과 깊숙히 관계가 되어 있는 듯 하면서도 전혀 별개의 일인듯 진행되기도 하고,
아이들의 이야기 역시 이 배경을 인식하는 듯 하면서도, 한 편으론 전혀 신경쓰지 않으려는듯 보이기도 합니다.

자신이 겪은 실화라고 봤을 때 좀 더 극적으로 이야기를 몰고 갈 수 있는 여지가 많았음에도, 빈 여백을 그대로 두는 방식으로
연출한 것이 이 영화의 미덕이 아닐까 생각됩니다. 그래서 관객들에게 좀 더 깊은 인상을 주지 않았을까 싶구요.


1. 줄리앙의 엄마와 형의 유머는 제법 재미있더라구요 ㅎ
2. 저는 왜 저 포스터를 보고 둘다 소녀인줄 알았을까요 --;;;




 

 

오랜만에 가게 된 광화문 시네큐브.

시즌을 맞아 산타모자와 부츠를 신은 해머링맨이 너무 귀엽더라 ㅎ



k100d + 21 ltd

이제 벌써 3회째를 맞는 씨네아트 블로거 정기 상영회가
12월 27일(토) 오후에 아트하우스 모모에서 개최될 예정입니다.

(지난 1, 2회 상영회 내용은 아래 링크에서 보실 수 있습니다.)
제 1회 씨네아트 블로거 상영회 - 10월 31일(금) <원더풀 라이프>
제 2회 씨네아트 블로거 상영회 - 11월 29일(토) <쥴 앤 짐>

씨네아트 블로거 정기 상영회는
관객들이 영화를 직접 고르고, 함께 보고, 이야기하는
새로운 컨셉의 상영회입니다.

또한 유명인사나 평론가 없이, 블로거들과 관객들이 동등한 시각에서
그리고 편안한 마음으로 영화에 대한 감상을 교류할 수 있는
색다른 씨네토크도 함께 진행됩니다.

상영회 일시: 12월 27일 토요일 오후
상영회 장소: 아트하우스 모모

* 상영 후에는 관객들이 영화에 대한 감상을 공유할 수 있는 씨네토크 시간이 이어집니다.
* 본 상영회는 유료 상영입니다.(7,000원)







<리컨스트럭션>은 지하철역에서 우연히 만났음에도 강렬하게 마음을 흔들어 놓은 여자, 아메에게 알렉스가 다가가면서 시작됩니다. 그러나 흔한 사랑 영화가 될 수도 있었을 이야기는, 알렉스가 아메와 꿈결 같은 사랑을 나눈 뒤로 갑자기 그를 알았던 연인과 친구, 아버지 모두가 더는 그를 알아보지 못하는 신비스러운 상황으로 전개됩니다. 물론 사랑에 빠지면서 나를 둘러싼 세상이 모두 변화하는 것은 실생활에서도 똑같이 일어나는 일입니다. 영화는 누군가를 사랑한다는 것은 그만큼 자신의 정체성을 흔들리게 하기 때문에 불안정한 본질을 가지고 있다고 말합니다. 또한 이 영화는 코펜하겐에서의 24시간 동안 만남과 이별을 반복하는 알렉스와 아메를 통해 사랑의 기억이 끊임없이 변형되는 모습도 그려냅니다. 그래서 이 영화는 트릭을 알 수 없는 마술과도 같은 사랑이 유발하는 어지러운 세계입니다. 칸영화제 황금카메라상을 받은 스타일리쉬한 영상은 작품 전체에 매혹적인 분위기를 더합니다. <리컨스트럭션>이라는 영화가 어떤 의미를 가지고 있는지에 대해 차분히 재구성할 수 있는 시간이 되었으면 합니다.


<라이너 베르너 파스빈더> 어떻게 소비되고 있을까요? 트러블 메이커, 괴짜 영화감독, 전천후 재주꾼, 겂 없는 게이, 뉴저먼시네마의 기수 등등 그의 이름 앞에 붙는 수식어들은 많습니다. 그리고 대부분 사실입니다. 짧은 시간 순탄하지 않았던 그의 작품들과 인생이 증명해주듯 말이죠. 다작을 했음에도 국내에 소개된 작품이 몇 개 되지 않고, 더구나 36살의 나이로 요절한 천재 독일의 감독이 한국땅에 이름을 알리게 된 것은 그의 영화 <불안은 영혼을 잠식한다>의 공이 큽니다. 영화를 알지 못해도 왠지 제목이 낯설지 않은 이 작품은 파스빈더가 1974년에 만든 영화이면서 그의 대표작 중 하나로 손꼽힙니다. 60세의 독일인 여성과 20대 중반의 아랍 노동자의 사랑. 두 명 모두 독일 사회에서 보호와 애정의 영역 밖에 있었던 인물이지만, 사람들은 그들의 사랑에는 유독 관심을 갖습니다. 우리들처럼 말이죠. 그 관심이 어떤 얼굴을 하고 있는지 파스빈더는 냉소적으로 비판적으로 그리고 있습니다. 영화사적으로도 굉장히 의미가 큰 작품이지만, 어려운 얘기 다 떠나서 스토리 자체 만으로도 충분히 즐길 수 있는 영화라고 생각됩니다. 영화를 본 후 과연 <불안은 영혼을 잠식한다>가 무슨 의미인지 같이 생각해보는 시간이 됐으면 합니다.


레오 까락스 감독의 1984년 장편 데뷔작입니다. 두번째 장편 <나쁜 피>는 86년에, 그리고 <퐁네프의 연인들>은 91년에 만들어졌죠. 국내에는 <퐁네프의 연인들>을 시작으로 레오 까락스 감독의 작품들이 역순으로 개봉이 되어 <소년, 소녀를 만나다>는 96년에야 정식으로 소개되었더랬습니다. 만들어진지 12년만에 국내 개봉된 작품이 다시 12년이 지나 씨네아트 블로거 상영회의 후보작으로 올라온 셈이로군요. 강렬한 시청각적 이미지를 앞세운다고 해서 '누벨 이마주' 감독들 가운데 한 명으로 손꼽히던 레오 까락스 감독이었지만 이 흑백 영상의 데뷔작은 오히려 50 ~ 70년대의 누벨 바그 영화에 좀 더 가까웠던 걸로 기억합니다.(이게 무슨 뜻인지 '들을 수 있는 자는 들을지어다!') 까락스 감독의 페르소나, 드니 라방과 당시 까락스 감독의 연인이기도 했던 미레이유 뻬리에의 젊은 시절을 볼 수 있는 건 덤입니다.


<웨스트사이드 스토리>는 너무나도 유명한 뮤지컬 영화의 고전, 아니 비단 뮤지컬 뿐만 아니라 영화계의 고전 영화이기도 합니다. 셰익스피어의 '로미오와 줄리엣'을 뉴욕의 슬럼가로 옮겨와 브로드웨이 무대에서 공연한 뮤지컬을 영화화한 이 작품은, 또 다른 뮤지컬의 고전인 <사운드 오브 뮤직>의 감독 로버트 와이즈와 <왕과 나>의 안무를 맡았던 제롬 로빈스가 공동으로 감독을 맡고, 레너드 번스타인이 음악을 맡고 있기도 합니다. 뮤지컬 고전들 가운데서도 <웨스트사이드 스토리>만의 특징을 꼽자면 안무와 음악의 합을 들 수 있을텐데, 춤추듯 노래하고 노래하듯 춤추는 이 안무와 노래의 합은 아직까지도 다른 뮤지컬 영화에서 보기 힘든 최고 수준의 경지라고 할 수 있을 것 같습니다. 팝넘버로도 널리 사랑받은 'Maria'와 'Tonight'같은 곡들을 만나는 감동은 물론이고, 뮤지컬 영화가 보여줄 수 있는 모든 것이 담겼다고 해도 과언이 아닌 이 작품을 스크린에서 만날 수 있다면 더할 나위 좋은 경험이 될 것 같네요.


'카사블랑카'는 2차 대전 당시 모로코의 도시인 카사블랑카를 배경으로 한 영화입니다. 당시 나치의 침공으로 현지 촬영이 불가능한 악조건 속에서도 세트 촬영을 통해 카사블랑카라는 이국적인 배경을 효과적으로 구현한 점이 눈에 띕니다. 하지만 이 영화가 많은 사람들에게 회자되는 것은 무엇보다도 시대적인 배경 속에서 갈등하는 인물들의 사랑 이야기라고 생각합니다. 우연히 만난 두 연인 사이에 숨겨져 있던 사연이 드러나게 되고 사랑을 위해 그녀를 보내 줄 것인지 아니면 그녀를 붙잡을 것인지 갈등하는 주인공의 모습이 인상적이라고 할 수 있겠습니다. 많은 분들이 이미 이 영화를 많이 접하셨겠지만 스크린을 통해 두 남녀의 사랑을 다시 만나보시는 것도 좋을 것 같네요.

 

오랜만에 다시 찾은 씨네큐브 (보름 넘게 못갔으니 이 정도면 오랜만이지..)
그 동안 공사중이던 해머링맨 조형물도 다시 볼 수 있게 되었고,
레드 카펫과 함께 더욱 분위기있어진듯~

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(사진은 클릭해서 보세요~)

아트하우스 모모 개관기념, 이상은의 책 읽어주는 영화관 행사에 씨네아트 블로거 자격으로 참여하게 되었다.
매니아 층에서 인기를 얻고 있는(개인적으로도 왕팬!) 이상은 씨 답게 많은 분들이 아트 하우스 모모를
찾은 모습이었으며, 그녀의 새 음반과 새로 발간한 도서 '삶은 여행'과 맞물린 개관행사여서 더욱 많은 분들이
참여하고 있었다.

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오랫만에 이상은 씨의 노래를 라이브로 들을 수 있어서 좋았다.
'삶은 여행'과 영화 <나는 인어공주>의 영상과 함께한 'Say Yes'를 라이브를 만나볼 수 있었다.

아트하우스 모모가 지향하는 바가 바로 이 날 행사처럼, 영화와 음악, 책 등 모든 문화를 아우르는
종합 예술 공간임을 미뤄봤을 때, 이번 이상은 씨가 함께 한 행사는 아트 하우스 모모라는 공간의
성격을 가장 잘 보여주는 행사가 아니었나 싶다.

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특히 본인 스스로가 돌 잔치 이후로는 사회를 처음 보신다고 아마추어임을 밝히신 북노마드의 대표분과
함께한 관객과의 대화 시간도 재미있었다. 책 속의 내용을 이상은 씨가 직접 낭독하는 시간도 있었으며,
관객과 함께하는 질의응답 시간도 마련되었다. 자칫 딱딱하게 진행될 수도 있었던 이 시간은,
편안한 분위기로 노련하게 현장을 이끈 이상은 씨와 사회자 분의 재치있는 이야기로 다함께 즐거운 시간이
되었던 것 같다.

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(사진은 클릭해서 보세요~)

이상은 씨와 함께하는 관객과의 대화 시간이 끝난 뒤 영화 <나는 인어공주>의 상영이 이어졌다.
자리를 채운 관객들의 성향과 이 영화의 예쁘고 아기자기한 분위기가 잘 어울려, 많은 관객들이 즐겁게
웃고 즐길 수 있었던 시간이었다.

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(사진은 클릭해서 보세요~)

영화가 끝난 뒤 사인 행사가 이어졌다.
모두들 손에 손에 이상은 씨의 새 앨범과 이번에 발매된 도서를 들고 사인을 받는 모습이었다.

나도 개인적으로 책과 내가 그녀의 앨범 중 가장 아끼는 두 장의 앨범 자켓에 사인을 받았다 --V

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아트하우스 모모에서는 문화 관련된 인사들을 이른바 'Wannabe'라는 이름으로 선정하여 각종 행사를
계획하고 있는데, 이번 이상은 씨와 함께한 행사를 함께 해 보니 앞으로도 또 다른 워너비와 또 다른 새로운
문화적 경험을 함께 할 생각을 하니 벌써부터 기대가 되었다.

학교 가는 길 (Buda As Sharm Foru Rikht, 2007)
남겨진 그들의 참혹한 현실

이 작품은 <칸다하르>를 통해 2001년 칸 영화제 그랑프리를 수상한 이란의 거장 모흐센 마흐말바프 감독의
딸인 하나 마흐말바프의 작품이다. 일단 무엇보다 놀라운 사실은 하나 마흐말바프의 나이가 겨우 18세라는
점인데, 10살도 안된 아주 어린 나이때 부터 영화 공부를 했다고는 하지만, 십대 소녀가 만든 작품이라고
믿기에는, 은유의 표현과 방식이 아주 매끄럽고 만족스러운 편이다.
국내에 개봉한 제목은 '학교 가는 길'이지만 본래 제목은 <부처상은 수치심으로 붕괴되었다 Buddha Collapsed out of Shame>인데, 영화의 표면적인 내용 상이나 <천국의 아이들>의 대중성에 기댄 홍보전략으로 보았을
때에 '학교 가는 길'이란 제목은 그리 나쁘지 않은 선택이라 할 수 있겠지만, 영화가 직접적이지 않고
(사람마다 다를 수 있으나 어쩌면 이런 방식이 가장 직접적일지도 모르겠다) 은유의 화법으로 얘기하고 있다는
점에서 원제인 '부처상은 수치심으로 붕괴되었다'를 결코 간과해서는 안될 것이다.


이야기의 기본적인 줄거리는 단순하다. 굴집에서 살고 있는 박타이는 학교에 가고 싶지만, 집에는 돌봐야하는
갓난 동생이 있고, 공책과 연필도 없어서 남들 다 가는 학교가기가 쉽지가 않다. 공책이 있으면 학교에 갈 수
있다는 말에 박타이는 돈을 얻기 위해 엄마를 찾아나선다. 갈라지듯 절벽에 가까운 구멍들이 많은 바위산 위에서
'엄마 어디있어요?' '엄마 나 무서워요'라고 애타게 찾아보지만 엄마는 어디에도 나타나지 않는다.
결국 달걀을 팔면 공책을 살 돈을 구할 수 있다는 말에 박타이는 달걀 네 알을 작은 손에 꼭 쥐고서,
집을 나선다. 우여곡절 끝에 공책을 사서 학교에 가게 되지만, 그렇게 고대하던 학교에 가게 되었음에도
박타이가 꿈꾸던 학교의 모습은 아닌듯 하다.


이 영화에서 가장 무서웠던 건 아이들의 눈과 그네들의 상황으로 본 현 아프카니스탄의 현실이었다.
탈레반이 폭파한 석불이 있는 동굴 집 주변에서 자라난 아이들은, 전쟁의 상처를 고스란히 물려받았고,
단순히 한 편에 대해 적대적이 되었다기 보다는, 미군에게도 탈레반에게도 똑같이 적대적이 되어버린
아이스럽지 않은 이른바 '전쟁놀이'를 하고 있다. 탈레반이 납치한 사람들에게 씌우던 종이 봉투 가면은,
그들의 전쟁놀이에서도 그대로 등장하며, 비록 나무로 만든 가짜 총이고 입으로 소리내는 총일 뿐이지만,
어린 소년들이 내뱉는 말 한 마디, 한 마디에서는 그야말로 살벌함이 느껴진다.
아이들은 형식적으로는 '전쟁놀이'를 하고 있지만, 납치하고, 돌로 쳐죽여 처형하자라는 말이 나오고,
함정을 파놓고 상대를 기다리는 모습을 보면, 이들의 놀이가 아이의 순수함이라는 말로 넘어가기에는
이미 너무 골이 깊어져버린 아프카니스탄의 현실을 뼈저리게 느낄 수 있다.


이 영화에선 어른의 존재를 찾아보기가 쉽지 않다. 공책 사려고 그렇게 엄마를 찾았건만 엄마는 끝내 나타나지
않았고, 남자아이들만을 가르치던 선생님도 박타이의 간절한 바램을 끝내 거부하였으며, 달걀을 팔기 위해
나선 거리의 어른들도 어린 소녀의 사연에 별 다른 관심없이 저마다 자신들만의 이해관계만을 따지고 있으며,
마침내 가게 된 학교에서의 선생님도 박타이의 존재를 한참동안이나 알아채지 못한데다가, 알게 된 뒤엔
매몰차게 박타이를 내쫓고야 만다. 그리고 도움을 청하러간 경찰 조차 자신은 치안담당이 아니라 교통담당이라며
어린 소녀의 도움을 역시 무시하고 만다(이 장면은 공권력, 혹은 권력을 가진 이들이, 아프카니스탄의 현실에는
아무런 관심이 없다는 것을 비꼬고 있다).

전쟁놀이를 하던 아이들은 처음에는 자신들이 탈레반이라며 미국에 적대적인 듯 하지만,
나중에는 테러범을 처단한다며 박타이를 쫓는다. 이는 앞서 언급했던 것처럼, 어느 한 편의 복수에 대한
적대심을 갖게 된 것이 아니라, 그저 상대와는 무관하게 적대감으로 가득차 있다는 것인데,
이것은 아프카니스탄의 역사와 지금 남겨진 현실에 대한 섬뜩한 묘사가 아닐 수 없다.
탈레반도 미국도 처음에는 서로 자신들의 구실을 위해 이들을 구해준다는 명목으로 찾아왔지만,
결국에 자신들에게 이익이 되거나 구실이 될만한 것들이 사라진 뒤에는 아무도 이들을 신경쓰지 않는,
즉 전쟁으로 상처받은 아프카니스탄 사람들에게 도와준답시고 더 큰 상처만을 남기고 떠나버린
냉혹한 그들의 남겨진 현실을 보여주고 있다.


이 영화의 주인공인 어린 소녀 박타이는 어떻게보면 아주 상징적인 의미를 갖는 인물이라 할 수 있겠다.
그는 전쟁으로 희망이 사라지다시피한 그곳에서도 전쟁에 상처를 거의 받지 않은(직접적으로, 혹은 가치관
형성에 있어서)존재로서 의미가 있는데, 박타이가 처음 학교에 가고 싶다는 생각을 하게 된 것과
학교에 가려는 목적이 재미있는 이야기를 더 많이 배우기 위해서였고, 그 이야기가 나무 아래서 자는 남자
이야기였다는 점에서 특히 주목할만 하다. 나무 아래서 잠자던 남자위로 호두가 떨어졌는데, 그 남자가
만약에 호박이 떨어졌으면 큰일날 뻔했다면서 참 다행이라고 했다는 이 이야기는, 어쩌면 긍정적인 마인드에
관한 아주 희망적인 대표적 이야기일지도 모르겠다. 그렇다고 한다면, 이런 긍정적인 이야기를 더 배우기위해,
학교를 가고 싶어하던 박타이가, 남자아이들의 전쟁놀이에 의해 쫓기고 공격 당하면서도 그저
'난 장난 같이 하기 싫어'라며 끝내 장난으로만 여겼던 박타이가 결국에 마지막에 가서는 이 아이들에
전쟁놀이 장단에 맞춰 죽은 척을 할 수 밖에 없었던 것은, 무엇보다도 희망 자체가 사라져버린 참혹한
아프카니스탄의 현실을 무섭게 은유하고 있는 장면이었다.

여기서 다시 처음으로 돌아가 이 영화의 원제인 '부처상은 수치심으로 붕괴되었다'를 다시 생각해볼 필요가 있다.
결국 그 전에는 아무도 전쟁으로 피폐해지고 고통받는 아프카니스탄의 현실에 관심을 갖고 있지 않다가,
탈레반의 불상 폭파라는 사건만, 그것도 오랜 문화유산이 폭파된다는 그 사실 자체에만 세상이 관심을 갖게
된 것을 비춰보면, '부처상은 수치심으로 붕괴되었다'라는 말이 얼마나 참혹한 그들의 현실인지를 느낄 수
있을 것이다.

'죽은 척 해야만 널 놔줄거야'라는 압바스의 말은 그래서 더욱 더 뇌리에서 떠나지 않는 것 같다.




*. 박타이 역할을 맡은 소녀가 bjork 어린시절 모습과 많이 닮아서 겹쳐보이기도 했다.


  글 / ashitaka (www.realfolkblues.co.kr)

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난 저 입구 계단쪽에 쏟아지는 볕이 좋더라.



k100d + 21 ltd

일단 첫 번째로, 이미 결정된 지는 조금 된 것이지만 이제야 글을 남기네요.
광화문에 위치한 영화관 씨네큐브에서 영화와 음악, 책 등 다양한 문화를 모두 아우르는 블로그를
새롭게 오픈하였는데요, 제가 부족하나마 여기에 운영진으로 함께 하게 되었습니다.
현재 씨네큐브는 이화여대에 아트하우스 모모를 개관하면서 그와 맞물려 새로운 문화공간인 블로그를
만들게 되었는데요, 영화관과 함께 진행되는 이벤트들도 많고, 제 글 외에도 좋은 볼거리와 읽을 거리,
다양한 문화적인 소스를 얻으실 수 있는 곳이 되기 위해 많은 노력 중입니다 ^^;

공식 블로그의 이름은 '씨네아트'이구요, 주소는 아래와 같습니다.
http://cineart.tistory.com/

현재 블로그 오픈 기념으로 이벤트도 진행중이오니 많은 분들 들러주셔서 이벤트에도 참가해주셨으면
좋겠습니다~





그리고 저의 주 서식지중 하나인 DVD프라임 (www.dvdprime.com)에서 그 동안에는 영화게시판에서
개인적으로만 활동을 해왔었는데, 이번 달 초부터 공식 필진으로 합류하게 되었습니다.
dp에서는 주로 dvd나 블루레이 리뷰를 맡게 될 것 같습니다. 현재까지는 2개의 제 리뷰가 업데이트 되어있으며,
여기는 제 닉네임이 아니라 실명으로 리뷰를 남기게 되었네요 (그냥 닉네임으로 해도 되는 줄 알았으면,
그냥 닉네임으로 할껄 그랬다는 --;).

여튼 최근 메인 잡 없이 사이드 잡으로만 근근히 마이너스가 늘어가고 있는 아쉬타카 였습니다.
씨네아트 블로그에도 자주 들러주세요~~