007 스카이폴 : 블루레이 리뷰 (Skyfall, blu-ray review)
50주년을 맞는 시리즈의 완벽한 대답


다니엘 크레이그의 제임스 본드를 이전의 본드들 보다 더 좋아하는 이로서, 필자는 그의 세 번째 007 영화 '스카이폴 (Skyfall, 2012)'은 단연 기대 작이었다. 거기다가 샘 멘데스가 연출을 맡고 다니엘 크레이그와 함께 본드 역할로 거론되기도 했던 하비에르 바르뎀이 출연, 벤 위쇼와 랄프 파인즈, 알버트 피니까지 출연하는 출연진 역시 한층 기대를 더하게 했다. 이처럼 내가 '스카이폴'을 대하는 방식은 50주년을 맞는 007 시리즈의 팬으로서가 아니라 단순히 감독과 배우들로 인해 거는 기대가 큰 작품, 더 나아가자면 다니엘 크레이그의 007 영화로서 기대하는 작품이었다.


하지만 '스카이폴'을 처음 보고 든 생각은 제작진이 이토록 애정과 자부심을 갖고 있는 007이라는 브랜드의 매력에 완전히 설득 당했다는 것이었다. 예전 007 영화들을 거의 다 보기는 했지만 특별히 애착을 갖고 찾아보는 시리즈는 아니었는데, '스카이폴'에 가득 담긴 시리즈에 대한 자부심은 관심이 비교적 덜했던 전작들마저 돌아보게 만들었을 정도로, 시리즈의 50주년을 맞는 작품으로서 '스카이폴'은 정말 완벽에 가까운 작품이었다.


(※ 본 리뷰에는 영화에 대한 스포일러가 있을 수 있습니다. 아울러 메뉴 화면과 스페셜 피쳐의 자료 사진들은 블루레이에서 직접 켭쳐가 되지 않는 관계로 카메라로 촬영하여 편집하였기에 화질 저하가 있습니다. 이 점 여러분들께 미리 양해 구합니다.)






많은 007 시리즈의 골수 팬들이 마치 제이슨 본처럼 변한 제임스 본드의 모습에 적잖이 불만을 갖기도 했는데, 개인적으로 이 같은 액션 스타일의 변화는 스토리의 맥락 상 충분히 이해가 되는 부분이라 오히려 더 장점으로 느껴졌다. 다니엘 크레이그가 처음 007을 연기한 '카지노 로얄'에서 제임스 본드는 처음으로 살인면허를 받고 007 요원으로 활동하게 되었기 때문에 우리가 흔히 알고 있는 여유롭고 재치와 유머가 넘치는 본드와는 다르게 거칠고 투박한 모습이 오히려 어울리는 바였다.


그리고 제임스 본드하면 또 하나 떠오르는 이미지인 여성 편력 혹은 카사노바 같은 이미지 역시 '카지노 로얄'과 '퀀텀 오브 솔러스'에서는 있을 수가 없는 것이, 이 때의 본드는 베스퍼 린드를 진심으로 사랑했고 그녀와의 이별로 인해 큰 상처와 트라우마를 얻게 되기 때문이다. 그리하여 두 작품에서 본드가 보여주는 모습을 통해 이후 제임스 본드가 요원으로서 활동하고 여러 여성과 관계를 맺으면서도 왜 한 번도 깊은 관계로는 발전하지 않는 지가 설명된다는 뜻이다.





아델의 동명 타이틀 곡 'Skyfall'과 함께 시작되는 타이틀 시퀀스는 이번에도 역시 매력적이다. 이번에는 본드의 시점으로 진행되는 것이 특히 인상적인데, 영화 전체를 암시하는 장면들과 현재 본드 혹은 007영화가 처한 상황 모두를 자연스럽게 떠올리게 하는 감각적인 영상을 만나볼 수 있다.


이런 등등의 이유로 다니엘 크레이그와 함께 새롭게 시작한 007시리즈는 단순히 유행하는 본 스타일의 액션이 가미된 본드라던가, 이미 익숙한 본드와는 전혀 다른 투박하기 만한 모습이 아니라, 둘 다 모두 그럴 만한 이유가 있는 변화 혹은 캐릭터였기에, 오히려 그렇다면 진정한 제임스 본드가 된 이후의 작품을 기대하게 하는 새로운 007 시리즈였다. 그렇기 때문에 이번 세 번째 작품 '스카이폴'에서는 이제는 준비를 마친 제임스 본드가 본격적으로 활약하는 이야기를 기대했지만 기대한 것과는 달랐다. 여기서 잊고 있었던 점이라면 바로 이 작품이 007시리즈의 50주년을 기념하는 작품이었다는 것이었다.






앞선 두 작품과는 다르게 '스카이폴'에서는 이미 노쇠하여 퇴물 취급을 받은 007이 등장한다. 그리고 주 적은 외부가 아닌 내부의 적이나 다름 없는 이를 등장시킨다. 즉, '스카이폴'의 갈등 구조는 세계를 위협하는 범죄 조직이나 악당이 아니라 좁게는 제임스 본드와 M으로 대변되는 MI-6의 위기, 넓게는 바로 스파이 장르로 50주년을 맞은 007 시리즈 자체에 대한 위기에 있는 것이다.


그런 의미에서 '스카이폴'의 또 다른 테마는 부활 (Resurrection) 이다. 이 부활이라는 테마는 꽤 직접적으로 영화 속에서도 언급되는데 (실바 : 넌 취미가 뭐지? 본드 : 부활), 결국 부활은 하되 어떤 모습과 메시지를 갖고 부활하는가가 이 영화의 포인트라고 할 수 있겠다. 그리고 그 부활을 설파하는 과정에는 앞서 이야기한 위기, 새로운 시대를 맞은 21세기 007 시리즈의 위기를 돌파하고자 하는 영화 자체의 의지가 아주 강하게 담겨 있다.





그 부활의 테마 중 첫 번째로 주목해 볼 것은 주인공 제임스 본드의 부활이다. 제임스 본드의 부활이란 곧 미완성 혹은 결핍의 해소, 완성이라고 할 수 있을 텐데, 그 유명한 '건 베럴' 장면이 아직도 전면에 등장하지 않고 있는 것처럼 다니엘 크레이그의 007은 아직 미완성이라 할 수 있을 것이다. '스카이폴'은 그런 본드의 결핍을 해소하는 과정을 그리고 있으며 그 과정에서 중요시 되는 요소는 역시 가족이라는 테마다. 이전 시리즈에서는 거의 언급된 기억조차 없는, 본드가 고아라는 사실을 '스카이폴'은 여러 번 비중 있게 언급하고 있으며, 주디 덴치가 연기한 M을 Mother로 부르는 것 역시 유난히 두드러진다.






그리고 본드의 과거가 남아있는 곳에서 만난 킨케이드 (알버트 피니)는 마치 그의 아버지와 같은 모습을 하고 있으며, 본드가 부모의 무덤과 과거가 남아있는 이 저택을 마지막 장소 삼아 실바와 대결을 펼치고 그 장소를 자신의 손으로 부숴버리는 것 역시, 과거라는 트라우마에서 벗어나 진정한 부활로 거듭난다는 맥락에서 의미 깊은 장면들이었다. 그리고 007 시리즈의 오랜 조력자인 Q의 새로운 합류와 머니 페니의 등장은, 비로소 모든 것을 극복해 낸 제임스 본드에게 주어진 완벽한 가족과도 같은 존재들일 것이다. 이렇게 본드의 죽음으로 시작한 이야기는 그 동안 미완성의 불안함을 보여주었던 제임스 본드의 완벽한 부활로 마무리 된다.




상하이 고층 빌딩 위에서 벌어지는 이 놀라운 격투 장면은, 로저 디킨스의 환상적인 촬영으로 완성되었다. 건물 외벽으로 비춰지는 대형 광고 조명을 배경으로 펼쳐지는 이 장면은, 2012년 가장 인상적이고 아름다운 장면 중 하나였다.


캐릭터 제임스 본드의 부활이라는 점에서도 흥미로운 영화였지만, 그 보다 '스카이폴'이 흥미로웠던 이유는 이 영화가 너무나도 직접적이고 또 강력하게 주장하고 있는 007이라는 브랜드 자체에 대한 자부심과 부활에 대한 의지 때문이었다. 앞서 이 영화가 대면하게 된 위기에는 이른바 한 물 간 시리즈, 시대에 뒤쳐진 냉전의 그림자에서 아직도 자유롭지 못한 스파이 물로서의 007 영화에 대한 위기가 있다고 했는데, 샘 멘데스를 대표로 한 '스카이폴'의 제작진은 시리즈의 50주년을 맞아 무엇보다 이 점에 대해 강력하게 말하고자 하는 듯 했다.


냉전시대를 배경으로 스파이들의 활약상이 중심이 되던 007 시리즈는 냉전 시대가 종식되면서 자연스럽게 그 생존의 이유 역시 위협받게 되었다. 이후 북한이라는 새로운 주 적을 등장시키기도 하고 또 다른 위협에 대해 이야기하려는 시도를 하기도 했지만, 이 007이라는 시리즈가 정확히 어떤 방향성을 갖고 있는지, 앞으로 어떤 계획을 갖고 있는지 의지를 이토록 강하게 표명한 적은 적어도 없었다.






하지만 '스카이폴'은 바로 새 시대를 맞는 007은 어떤 모습이고, 앞으로 007은 어떠할 것인지에 대한 그 어떤 코멘트보다도 강렬한 대답이었다. 그리고 그 이야기를 하기 위해 그 글로벌 한 볼거리를 자랑하던 시리즈는, 영화의 주요 배경을 영국 런던, 더 나아가 MI-6의 본부로까지 가져왔다. 이는 곧 문제의 해결 방법을 외부에서 찾거나 외부의 공격, 영향으로 인한 방어기재가 아니라 내부의 문제로 인한 위기, 혹은 스스로가 해결 방법을 찾는 것만이 진정한 위기 해결 방법임을 깨달았다는 이야기다. MI-6의 심장부를 공격 당하고 그 수장인 M의 목숨이 위태로운 상황 속에서 영화가 말하고자 하는 바는 더 강건하고 뚜렷해 진다. 그리고 그 메시지는 M의 입을 통해 그리고 본드의 행동을 통해 관객에게 전달된다.






새롭게 등장하는 젊은 Q는 이야기한다. 예전 같은 신무기는 없다고. 뭐 볼펜 폭탄이라도 주는 줄 알았냐고. 그리고는 본드를 인식하는 권총 한 자루와 위치 추적을 할 수 있는 송신기 하나를 전달한다. 이후 실바 일당과 마지막 일전을 치 룰 때도 마찬가지다. 본드가 실바를 유인하게 위해 선택한 자동차는 다름 아닌 애스턴 마틴 DB5이며, 저택을 기점으로 일전을 준비하는 과정 역시 신무기로 무장하는 것이 아니라, 굉장히 아날로그하고 제한된 상황에서의 전략들(전구 플러그에 못들을 장착해 전원 스위치를 켜면 사방으로 못들이 스파크와 함께 튕겨 나가는 트랩처럼)로 이뤄져 있으며, 무장 헬기와 맞서는 본드의 무기 역시 오래된 사냥용 장총이다.


이는 단순히 이전 시리즈에 대한 오마주가 아니라 '스카이폴'이 영화 내내 담고 있는 강력한 의지를 뒷받침하는 장치들이라고 할 수 있겠다. 이전 권총을 쥐고 사격 연습을 할 때 과녁을 제대로 맞추지 못하던 본드는, 오래된 사냥용 장총을 쥐고는 단 번에 멀리 있는 과녁을 명중한다. 이것 역시 다른 새로운 옷, 새로운 경향에 007 시리즈를 맞춰가겠다는 것이 아니라, 007은 나름의 해왔던 익숙한 방식으로 앞으로도 살아남겠다는 또 다른 의지의 표현으로 느껴졌다.





그런 의미에서 실바라는 캐릭터도 다른 악역들과는 다른 생각할 거리를 던지는 역할이었다. 실바는 본드를 잡아온 자신의 거처에서 본드에게 이렇게 얘기한다. 우간다 선거를 조작하는 것, 또 어떤 무엇을 공격하는 것 등등 여기서 클릭 한 번이면 모두 가능하다고. 하지만 이렇게 하고자 하면 모든 것을 쉽게 이룰 수 있는 실바가 유일하게 원하는 것은 다름 아닌 M이다. 이는 007 시리즈에 대한 위기와 극복에 대한 질문이자 답으로 볼 수 있는데, 007 영화가 새 시대에 맞게 본 스타일의 액션도 할 수 있고, 또 다른 스타일리쉬한 트랜드에도 맞춰갈 수 있고 앞서갈 수 있는데 안 하는 것이라는 얘기가 아니라, 그 길은 007 영화가 가야 할 길은 아니라는 스스로에게 던지는 자문자답 같은 이야기인 것이다.





새 시대를 맞는 007의 대답은 결국 새 시대에도 007 영화는 가장 007 다움을 오히려 더 강조하고 고수하겠다는 것이었다. 이것은 얼핏 오만이나 자만으로 비춰질 수도 있고 혹은 실제로 자만으로 봐도 무방하지만, 나는 이러한 이들의 자신감이 무척이나 마음에 들었다. 아니 영화의 자부심에 완전히 사로잡혀 버렸다. 실제로 제이슨 본 스타일의 트랜디한 액션 영화를 기대했던 관객들은 '스카이폴'의 고전적인 방식과 느린 호흡, 드라마 중심의 전개에 많은 실망을 하기도 한 것처럼, 결과적으로 새 시대의 관객들과는 소통하지 못하는 시리즈가 될는지 도 모를 일이다.


하지만 설령 그렇다고 하더라도 나는 이 영화의 방식을 무조건 지지하는 바이다. 영화를 보는 내내 영화가 쉬지 않고 관객에게 말하는 듯 했다. 우리는 50주년을 맞은 007 시리즈인데, 우리는 스스로를 증명하는 방법을 멀리서 찾지 않고 스스로에게서 찾았다고. 아니 그보다도 우리는 우리가 만든 이 시리즈에 대해 깊은 자부심을 갖고 있고 앞으로도 그 자부심으로 007 시리즈를 계속 이어갈 거라고 말이다.






영화가 말하고 자는 주장이 너무 직접적이라 부담스러울 수도 있었지만, 그래서 좀 더 은근한 방법을 택했으면 어땠을까 하는 생각을 안 해본 것은 아니지만, 결과적으로 이 영화의 자부심 넘치는 방식은 '스카이폴'은 물론 007 시리즈 전체에 대한 매력까지 불러일으킬 정도로 강렬했다. 그리고 무엇보다 관객에게 간절히 호소하는 방식이 아니라, 한편으론 도도해 보일 정도로 자부심 넘치는 방식으로 말하는 것이 더 좋았다. 그리고 그제서야 50주년을 기념해 제작된 작품이라는 엔딩 크래딧의 문구를 비로서 깨닫게 되었다. 그 어떤 시리즈도 갖지 못한 역사와 전통이 있었기에 가능했던 대답이었다는 것을!


Blu-ray : Menu


※ 캡쳐가 되지 않아 카메라로 촬영하였습니다. 화질이 저하된 부분에 대해 양해구합니다.




Blu-ray : Video


'스카이폴' 블루레이 화질은 완벽한 작품만큼이나 만족스럽다. 샘 멘더스의 깊이 있는 연출로 그려낸 무겁고 우울한 분위기를 고스란히 표현해 내는 색감이 가장 먼저 눈에 띈다. 특히 잿빛 혹은 빛 바랜 브라운 계열의 색깔 같이 잘못하면 힘 없이 표현될 수 있는 색깔들마저도 디테일 덕에 중후한 멋을 내고 있다.







단순히 콘트라스트가 강해서 강렬하게 표현되는 경우가 아니라 각각의 색을 충실히 표현하고 있어서 전체적인 이미지가 강렬하게 느껴지는 경우라 하겠는데, 특히 벽과 바닥, 책상과 수트 등 각각의 질감이 모두 만져질 만큼 뛰어난 표현력을 보여준다. 한 동안 블루레이 화질을 얘기하면서 '매트릭스'의 모피어스 역할을 맡은 로렌스 피쉬번의 피부를 예로 들곤 했는데, 이제는 다니엘 크레이그의 얼굴도 그 좋은 예로 추가해야 되지 않을까 싶다 (이것이 좋은 건지는 모르겠지만 말이다). 특히 이번 작품에서는 노쇠한 역할로 등장하기 때문에 더욱 거칠고 피로감이 느껴지는 얼굴과 수염이 듬성듬성 정리되지 않은 모습을 확인할 수 있는데, 여기서 체감되는 블루레이 화질의 디테일이 놀랍다.







'스카이폴'의 또 다른 매력이라면 이 고풍스러우면서도 세련된 시리즈를 멋지게 담아낸 촬영감독 로저 디킨스의 영상을 빼놓을 수 없을 텐데, 물론 블루레이 화질이라는 것이 단순히 기술적인 포맷의 평가가 있을 수 밖에는 없겠지만 촬영 시 얼마나 조명을 효과적으로 다루었는가가 기본일 수 밖에는 없다는 걸 '스카이폴' 블루레이 화질을 보며 새삼 깨닫게 되었다. '스카이폴'을 유심히 보면 특히 이 빛을 다루는 면에 있어서 상당히 섬세하다는 걸 알 수 있는데, 그렇기 때문에 블루레이에서도 각 장면의 광량에 따라 빛의 질감과 영상의 디테일이 잘 살아있었던 것 같다. 바꿔 얘기하자면 블루레이의 화질은 이러한 원본의 노력을 손실 없이 잘 담아내고 있다 하겠다.


실바의 본부 격이라 할 수 있는 섬에서 벌어지는 장면들, 마카오의 붉은 조명 아래 펼쳐지는 장면들, 마지막 어두운 밤에 아스라히 피어 오르는 불빛으로 비춰지는 실내에서의 인물들 표현까지, 레퍼런스라 부르기에 부족함이 없는 우수한 화질을 보여준다.


Blu-ray : Sound


DTS-HD M.A 5.1 사운드 역시 레퍼런스 급이다. 본드 영화의 전형적인 빠른 리듬의 액션 시퀀스가 담긴 오프닝에서 이미 다양한 사운드적 체감을 할 수 있는데, 자동차 추격 장면이나 오토바이로 갈아 탄 뒤 좁은 실내를 빠른 속도로 달릴 때, 나아가 기차 위에서 벌이는 액션 장면까지 액션 영화에서 만끽할 수 있는 대부분의 사운드를 만나볼 수 있다. 숨가쁘게 전개되는 데에 있어 다양한 효과음은 물론 토마스 뉴먼의 음악까지 곁들여져 아델의 메인 타이틀곡과 함께하는 타이틀이 시작되기 전까지 쉴 틈을 주지 않고 달린다.






전체적으로 '스카이폴' 블루레이의 사운드는 공간감이 돋보였는데, 특히 타이틀 시퀀스에서는 아델의 풍부한 목소리가 더 풍부하게 느껴지는 공간감을 느낄 수 있었고, 이후 장면들에서도 날카롭기보다는 전체적으로 풍부하고 넓은 영역으로 분포된 사운드를 확인할 수 있었다. 후반 부로 가면 헬기가 등장하거나 대규모 폭발과 총격 음이 등장하는데, 우퍼 스피커의 울림이 과하지 않으면서도 전체적인 스케일을 느끼기에는 부족함이 없었으며, 대규모 폭발 장면에서도 뭉개지는 것 없이 작은 소리들도 귀를 기울이면 들릴 정도로 섬세한 측면도 만족스러웠다.






샘 멘데스의 '스카이폴'은 다른 007 영화에 비해 드라마가 강한 것은 사실이지만, 그렇다고 액션이 결코 부족하다고 볼 수는 없는데 특히 007 영화라는 점에서 좀 더 스케일 있는 액션을 의도적으로 보여주려고 했다는 점에서 화끈한 사운드를 즐길 만한 장면들도 충분하다고 말할 수 있겠다.


Blu-ray : Special Features


※ 캡쳐가 되지 않아 카메라로 촬영하였습니다. 화질이 저하된 부분에 대해 양해구합니다.


1 장의 디스크로 출시된 '스카이폴' 블루레이는 그리 적지 않은 부가영상을 수록하고 있는데, 특히 두 개의 음성해설이 가장 반갑다. 감독인 샘 멘데스가 참여한 트랙 하나와 제작자 바바라 브로콜리, 마이클 G.윌슨, 프로덕션 디자이너 데니스 가스너가 참여한 트랙 하나 이렇게 총 2개의 음성해설이 수록되었는데, 특히 샘 멘데스의 음성해설은 '스카이폴'을 인상 깊게 본 이들이라면 꼭 한 번 들어봐야 할 알토란 같은 정보들과 이야기들이 담겨있다. 본인 스스로도 음성해설에서 어디까지 영화의 비밀 혹은 정보를 공개해도 될지 모르겠다고 말하는 것처럼, 예상되었던 이야기들은 물론이고 예상하지 못했거나 50주년을 맞는 007 영화를 연출하면서 특별히 신경을 쓴 점들에 대해 들어볼 수 있다.






'Shooting Bond : 제작과정'에서는 다양한 주제들로 나누어 영화의 제작과정과 캐릭터, 전통, 음악, 로케이션 등의 이야기를 수록하고 있다. 다른 본드 영화들의 전형적인 모습을 하고 있는 듯 하다가 전혀 다른 마무리를 보여주는 오프닝 시퀀스와 내놓을 때 마다 화제를 만들어내는 타이틀 시퀀스에 대한 자세한 설명도 들을 수 있다. 그리고 감독과 다니엘 크레이그, 각본가, 제작자 등의 인터뷰를 통해 시리즈의 50주년을 맞는 작품으로서 '스카이폴'이 갖는 의미와 담으려 했던 메시지 등을 들려주고, 이번 작품에서 특히 중요한 캐릭터인 주디 덴치가 연기한 'M'에 대한 소개와 뒷이야기도 수록되었다.






이 밖에 이번 작품의 또 다른 주인공이자 007하면 대표적으로 떠오르는 자동차인 애스턴 마틴 DB5와 새롭게 등장한 Q와 머니페니 그리고 본드걸과 악당들에 대한 소개도 각각 나뉘어 수록되었다. 그리고 이 작품의 스케일과 분위기를 더 하고 있는 로케이션 촬영지에 대한 소개와 토마스 뉴먼의 영화 음악 그리고 마지막으로 본드 영화의 미래에 대한 이야기까지 만나볼 수 있다.





마지막으로 유서 깊은 로열 앨버트홀 에서 열렸던 '007 스카이폴 프리미어' 현장 스케치와 짧은 사운드트랙 홍보 영상 (Soundtrack Promotional Spot)', 그리고 예고편이 수록되었다.



[총평] 007 시리즈의 50주년 기념 작이자 다니엘 크레이그의 세 번째 007 영화 '스카이폴'은 샘 멘더스의 손을 통해 007 제임스 본드라는 브랜드가 갖는 의미와 50주년을 맞는 현재 시점의 위치에 대해 깊은 성찰과 고민 그리고 자존심이 느껴졌던 인상적인 작품이었다. 더불어 블루레이의 화질과 사운드는 레퍼런스 급의 퀄리티를 수록하고 있어, 이 타이틀을 소장해야 할 이유를 더 확고하게 해주고 있다.


50주년을 맞아 다시 초심으로 돌아가 새롭게 시작하는 007 시리즈. 다음 작품에서는 드디어 전통의 건 배럴 장면으로 시작하는 007을 다시 만나볼 수 있을 것 같다.




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)  
 


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007 스카이폴 (Skyfall, 2012)

새 시대를 맞는 007의 강렬한 대답



다니엘 크레이그의 제임스 본드를 이전의 본드들 보다 더 좋아하는 이로서 그의 세 번째 007 영화 '스카이폴 (Skyfall, 2012)'은 단연 기대작이었다. 거기다가 샘 멘데스가 연출을 맡고 다니엘 크레이그와 함께 본드 역할로 거론되기도 했던 하비에르 바르뎀이 출연, 벤 위쇼와 랄프 파인즈, 알버트 피니까지 출연하는 출연진 역시 한층 기대를 더하게 했다. 이처럼 내가 '스카이폴'을 대하는 방식은 50주년을 맞는 007 시리즈의 팬으로서가 아니라 단순히 감독과 배우들로 인해 거는 기대가 큰 작품, 더 나아가자면 다니엘 크레이그의 007 영화로서 기대하는 작품이었다. 하지만 극장을 나오며 처음 든 생각은 제작진이 이토록 애정과 자부심을 갖고 있는 007시리즈 브랜드의 매력에 완전히 설득 당했다는 것이었다. 예전 007 영화들을 거의 다 보기는 했지만 특별히 애착을 갖고 찾아보는 시리즈는 아니었는데, '스카이폴'에 가득 담긴 시리즈에 대한 자부심이 관심이 비교적 덜했던 전작들마저 돌아보게 만들었다는 얘기다. 아..시리즈의 50주년을 맞는 작품으로서 '스카이폴'은 정말 완벽에 가깝다.



ⓒ  Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). All rights reserved


많은 007 시리즈의 골수 팬들이 마치 제이슨 본처럼 변한 제임스 본드의 모습에 적잖이 불만을 갖기도 했는데, 개인적으로 이 같은 액션 스타일의 변화는 스토리의 맥락 상 충분히 이해가 되는 부분이라 오히려 더 장점으로 느껴졌던 부분이었다. 다니엘 크레이그가 처음 007을 연기한 '카지노 로얄'에서 제임스 본드는 처음으로 살인면허를 받고 007요원으로 활동하게 되었기 때문에 우리가 흔히 알고 있는 여유롭고 재치와 유머가 넘치는 본드와는 다르게 거칠고 투박한 모습이 오히려 어울리는 바였다. 그리고 제임스 본드하면 또 하나 떠오르는 이미지인 여성 편력 혹은 카사노바 같은 이미지 역시 '카지노 로얄'과 '퀀텀 오브 솔러스'에서는 있을 수가 없는 것이, 이 때의 본드는 베스퍼 린드를 진심으로 사랑했고 그녀와의 이별로 인해 큰 상처와 트라우마를 얻게 되기 때문이다. 그리하여 두 작품에서 본드가 보여주는 모습을 통해 이후 제임스 본드가 요원으로서 활동하고 여러 여성과 관계를 맺으면서도 왜 한 번도 깊은 관계로는 발전하지 않는 지가 설명된다는 얘기다. 


이런 등등의 이유로 다니엘 크레이그와 함께 새롭게 시작한 007시리즈는 단순히 유행하는 본 스타일의 액션이 가미된 본드라던가, 이미 익숙한 본드와는 전혀 다른 투박하기만한 모습이 아니라, 둘 다 모두 그럴 만한 이유가 있는 변화 혹은 캐릭터였기에, 오히려 그렇다면 진정한 제임스 본드가 된 이후의 작품을 기대하게 하는 새로운 007 시리즈였다. 그렇기 때문에 이번 세 번째 작품 '스카이폴'에서는 이제는 준비를 마친 제임스 본드가 본격적으로 활약하는 이야기를 기대했는데, 기대한 것과는 조금 달랐다. 여기서 잊고 있었던 점이라면 바로 이 작품이 007시리즈의 50주년을 기념하는 작품이었다는 점이었다.



ⓒ  Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). All rights reserved


앞선 두 작품과는 다르게 '스카이폴'은 이미 노쇠하여 퇴물 취급을 받은 007이 등장한다. 그리고 주적은 외부가 아닌 내부의 적이나 다름 없는 이를 등장시킨다. 즉, '스카이폴'의 갈등 구조는 세계를 위협하는 범죄 조직이나 악당이 아니라 좁게는 제임스 본드와 M으로 대변되는 MI-6의 위기, 넓게는 바로 스파이 장르로 50주년을 맞은 007 시리즈 자체에 대한 위기에 있는 것이다. 그런 의미에서 '스카이폴'의 또 다른 테마는 부활 (Resurrection)이다. 이 부활이라는 테마는 꽤 직접적으로 영화 속에서도 언급되는데, 결국 부활은 하되 어떤 모습과 메세지를 갖고 부활하는가가 이 영화의 포인트라고 할 수 있겠다. 그리고 그 부활을 설파하는 과정에는 앞서 이야기한 위기, 새로운 시대를 맞은 21세기 007 시리즈의 위기를 돌파하고자 하는 영화의 의지가 아주 강하게 담겨 있다.


그 부활의 테마 중 첫 번째로 주목해 볼 것은 주인공 제임스 본드의 부활이다. 제임스 본드의 부활이란 곧 미완성 혹은 결핍의 해소, 완성이라고 할 수 있을 텐데, 그 유명한 '건 베럴' 장면이 아직도 전면에 등장하지 않고 있는 것처럼 다니엘 크레이그의 007은 아직 미완성이라 할 수 있을 것이다. '스카이폴'은 그런 본드의 결핍을 해소하는 과정을 그리고 있으며 그 과정에서 중요시 되는 요소는 역시 가족이라는 테마다. 이전 시리즈에서는 거의 언급된 기억조차 없는, 본드가 고아라는 사실을 '스카이폴'은 여러 번 비중 있게 언급하고 있으며, 주디 덴치가 연기한 M을 Mother로 부르는 것 역시 유난히 두드러진다. 그리고 본드의 과거가 남아있는 곳에서 만난 킨케이드 (알버트 피니)는 마치 그의 아버지와 같은 모습을 하고 있으며, 본드가 부모의 무덤과 과거가 남아있는 이 저택을 마지막 장소 삼아 실바와 대결을 펼치고 그 장소를 자신의 손으로 부숴버리는 것 역시, 과거라는 트라우마에서 벗어나 진정한 부활로 거듭난다는 맥락에서 의미 깊은 장면들이었다. 그리고 007 시리즈의 오랜 조력자인 Q의 새로운 합류와 머니페니의 등장은, 비로소 모든 것을 극복해 낸 제임스 본드에게 주어진 완벽한 가족과도 같은 존재들일 것이다. 이렇게 본드의 죽음으로 시작한 이야기는 그 동안 미완성의 불안함을 보여주었던 제임스 본드의 완벽한 부활로 마무리 된다.



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캐릭터 제임스 본드의 부활이라는 점에서도 흥미로운 영화였지만, 그 보다 '스카이폴'이 흥미로웠던 이유는 이 영화가 너무나도 직접적이고 또 강력하게 주장하고 있는 007이라는 브랜드 자체의 자부심과 부활에 대한 의지 때문이었다. 앞서 이 영화가 대면하게 된 위기에는 이른바 한물 간 시리즈, 시대에 뒤쳐진 냉전의 그림자에서 아직도 자유롭지 못한 스파이물로서의 007 영화에 대한 위기가 있다고 했는데, 샘 멘데스를 대표로 한 '스카이폴'의 제작진은 시리즈의 50주년을 맞아 무엇보다 이 점에 대해 강력하게 말하고자 하는 듯 했다. 냉전시대를 배경으로 스파이들의 활약상이 중심이 되던 007 시리즈는 냉전 시대가 종식되면서 자연스럽게 그 생존의 이유 역시 위협받게 되었다. 이후 북한이라는 새로운 주적을 등장시키기도 하고 또 다른 위협에 대해 이야기하려는 시도를 하기도 했지만, 이 007이라는 시리즈가 정확히 어떤 방향성을 갖고 있는지, 앞으로 어떤 계획을 갖고 있는지 의지를 이토록 강하게 표명한 적은 적어도 없었다.


하지만 '스카이폴'은 바로 새 시대를 맞는 007은 어떤 모습이고, 앞으로 007은 어떠할 것인지에 대한 그 어떤 코멘트보다도 강렬한 대답이었다. 그리고 그 이야기를 하기 위해 그 글로벌한 볼거리를 자랑하던 시리즈는, 영화의 주요 배경을 영국 런던, 더 나아가 MI-6의 본부로까지 가져왔다. 이는 곧 문제의 해결 방법을 외부에서 찾거나 외부의 공격, 영향으로 인한 방어기재가 아니라 내부의 문제로 인한 위기, 혹은 스스로가 해결 방법을 찾는 것만이 진정한 위기 해결 방법임을 깨달았다는 이야기다. MI-6의 심장부를 공격 당하고 그 수장인 M의 목숨이 위태로운 상황 속에서 영화가 말하고자 하는 바는 더 강건하고 뚜렷해 진다. 그리고 그 메시지는 M의 입을 통해 그리고 본드의 행동을 통해 관객에게 전달된다.



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새롭게 등장하는 젊은 Q는 이야기한다. 예전 같은 신무기는 없다고. 뭐 볼펜 폭탄이라도 줄 줄 알았냐고. 그리고는 본드를 인식하는 권총 한 자루와 위치 추적을 할 수 있는 송신기 하나를 전달한다. 이후 실바 일당과 마지막 일전을 치룰 때도 마찬가지다. 본드가 실바를 유인하게 위해 선택한 자동차는 다름 아닌 애스턴 마틴 DB5이며, 저택을 기점으로 일전을 준비하는 과정 역시 신무기로 무장하는 것이 아니라, 굉장히 아날로그하고 제한된 상황에서의 전략들(전구 플러그에 못들을 장착해 전원 스위치를 켜면 사방으로 못들이 스파크와 함께 튕겨 나가는 트랩처럼)로 이뤄져있으며, 무장 헬기와 맞서는 본드의 무기 역시 오래된 사냥용 장총이다. 이는 단순히 이전 시리즈에 대한 오마주가 아니라 '스카이폴'이 영화 내내 담고 있는 강력한 의지를 뒷받침하는 장치들이라고 할 수 있겠다.


그런 의미에서 실바라는 캐릭터도 다른 악역들과는 다른 생각할 거리를 던지는 역할이었다. 실바는 본드를 잡아온 자신의 거처에서 본드에게 이렇게 얘기한다. 우간다 선거를 조작하는 것, 또 어떤 무엇을 공격하는 것 등등 여기서 클릭 한 번이면 모두 가능하다고. 하지만 이렇게 하고자 하면 모든 것을 쉽게 이룰 수 있는 실바가 유일하게 원하는 것은 다름 아닌 M이다. 이는 007 시리즈에 대한 위기와 극복에 대한 질문이자 답으로 볼 수 있는데, 007 영화가 새 시대에 맞게 본 스타일의 액션도 할 수 있고, 또 다른 스타일리쉬한 트랜드에도 맞춰갈 수 있고 앞서갈 수 있는데 안하는 것이라는 얘기가 아니라, 그 길은 007 영화가 가야할 길은 아니라는 스스로에게 던지는 자문자답 같은 이야기인 것이다.



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새 시대를 맞는 007의 대답은 결국 새 시대에도 007 영화는 가장 007다움을 오히려 더 강조하고 고수하겠다는 것이었다. 이것은 얼핏 오만이나 자만으로 비춰질 수도 있고 혹은 실제로 자만으로 봐도 무방하지만, 나는 이러한 이들의 자신감이 무척이나 마음에 들었다. 아니 영화의 자부심에 완전히 사로잡혀 버렸다. 실제로 제이슨 본 스타일의 트랜디한 액션 영화를 기대했던 관객들은 '스카이폴'의 고전적인 방식과 느린 호흡, 드라마 중심의 전개에 많은 실망을 하기도 한 것처럼, 결과적으로 새 시대의 관객들과는 소통하지 못하는 시리즈가 될런지도 모를 일이다. 하지만 설령 그렇다고 하더라도 나는 이 영화의 방식을 무조건 지지하는 바이다. 영화를 보는 내내 영화가 쉬지 않고 관객에게 말하는 듯 했다. 우리는 50주년을 맞은 007 시리즈인데, 우리는 스스로를 증명하는 방법을 멀리서 찾지 않고 스스로에게서 찾았다고. 아니 그보다도 우리는 우리가 만든 이 시리즈에 대해 깊은 자부심을 갖고 있고 앞으로도 그 자부심으로 007 시리즈를 계속 이어갈거라고. 말이다.


영화가 말하고자는 주장이 너무 직접적이라 부담스러울 수도 있었지만, 그래서 좀 더 은근한 방법을 택했으면 어땠을까 하는 생각을 안해본 것은 아니지만, 결과적으로 이 영화의 자부심 넘치는 방식은 '스카이폴'은 물론 007 시리즈 전체에 대한 매력까지 불러일으킬 정도로 강렬했다. 그리고 무엇보다 관객에게 간절히 호소하는 방식이 아니라, 한편으론 도도해 보일 정도로 자부심 넘치는 방식으로 말하는 것이 더 좋았다. 그리고 그제서야 50주년을 기념해 제작된 작품이라는 엔딩 크래딧의 문구를 비로서 깨닫게 되었다. 그 어떤 시리즈도 갖지 못한 역사와 전통이 있었기에 가능했던 대답이었다는 것을.



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1. 맨 처음 이야기했던 것처럼 저는 007 시리즈의 팬이라고 할 정도는 아니었는데, 그냥 다니엘 크레이그의 007이 더 좋았을 뿐인데 '스카이폴'이 저를 완전히 007 시리즈의 팬으로 만들어 버렸네요. 그 동안 흘려 보았던 예전 007 영화들을 너무 다시 보고 싶게끔 말이에요.


2. 아델의 주제곡이 흐르는 오프닝은 정말로 환상적이었습니다. 크리스 코넬의 곡과 함께한 '카지노 로얄' 오프닝 보다도 더 좋았던 것 같아요. 오프닝 만으로도 울컥하는 경험은 실로 오랜만이었어요. 아델은 마치 007 테마곡을 부르기 위해 태어난 가수인 것만 같더군요. 이미 곡을 접했을 때도 비슷한 생각을 했었는데 환상적인 오프닝이 더해지니 이건 뭐 말로 다 감동을 표현할 길이 없더군요.


3. 샘 멘데스의 기용은 정말 완벽한 선택이었네요. 언젠간 크리스토퍼 놀란이 007을 연출할 날이 올 것 같지만, 그래도 샘 멘스의 '스카이폴'은 영원히 기억될 것 같네요.




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  

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비우티풀 (Biutiful, 2010)

아버지에게 바치는 이냐리투식 송가



알레한드로 곤잘레스 이냐리투의 영화는 항상 그랬다. 이냐리투의 영화 속 인물들은 모두 세상의 무게에 억눌려 하루하루를 견뎌내는 이들이다. 이들은 치열하게 저항하고 발악한다는 느낌보다는 그야말로 '견디고' 있는 이미지가 더욱 강해왔는데, 이번 영화 '비우티풀'의 주인공 옥스발(하비에르 바르뎀) 역시 이런 '인내'의 개념으로 바라볼 수 있는 캐릭터다. 옥스발이 처해있는 상황은 참 답답하다. 우울증과 알코올 중독으로 별거 중인 아내와의 관계는 말끔하지 못하고, 불법 이미자들을 연결해주는 브로커 일은 매일 살얼음 판을 걷는 듯한 불안한 상태며, 그런 불안한 삶 속에 자신이 챙겨야 할 어린 두 아이가 있다. 여기서 옥스발의 힘겨움은 그치지 않는다. 죽은 자가 세상을 완전히 떠나기 전 얘기할 수 있는 능력을 갖고 있는 그에게도 병이라는 죽음의 그림자가 드리운다. 하지만 옥스발에게는 이런 힘겨움을 나눌 이가 없다. 상황은 더 나락으로 치닫지만 그것은 그 안에 조용한 소용돌이 일 뿐, 모두 혼자 짊어지고 하루하루를 또 버티어 낸다.



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이냐리투가 삶을 바라보는 시선은 결국 고통과 인내 그리고 그 속에서 전하는 부정할 수 없는 (그래서 한꺼번에 쏟아지고마는) 위로의 메시지였는데, '비우티풀' 역시 옴니버스와 우연, 필연의 연결고리는 빠졌지만 넓게 보았을 때 크게 다르지 않은 이야기를 하고 있다. 또한 이전 작품들이 그러하였듯이 이 작품에서도 역시 슬픔과 상반되는 아름다운 영상미가 돋보이는 장면을 배치하여 그 아이러니를 배가시키는 동시에, 궁극적으로는 따듯한 위로를 더하는 장치로 활용하고 있다. 사실 이런 방식 뿐이었다면 예전 '바벨'을 보았을 때 처럼 또 한없는 무기력함에 잠식당하거나 먹먹함 그 자체에 휩쓸려 글을 쓸 생각조차 하지 못했을 테지만, '비우티풀'에는 이냐리투가 영화를 바라보는 전혀 다른 시각이 담겨 있다는 점에서 그간의 먹먹했던 작품들과는 차별점이 있다고 할 수 있을텐데, 그것은 바로 '비우티풀'이 이냐리투 본인이 자신의 아버지에게 바치는 영화라는 점이다.



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이 영화를 볼 때 국내용 포스터는 물론 팜플렛도 접하지 않은 채 감독과 배우의 이름만 알고 보게 되었기 때문에 애초부터 '아버지'라는 존재와 영화를 엮지는 못했었는데, 영화가 전개되고 극중 옥스발이 자신의 아버지 그러니까 자신의 딸에게 할아버지 얘기를 반복적으로 해주는 장면에서 무언가 다른 메시지가 있다는 것을 눈치챌 수 있었고, 결정적으로 영화가 끝나고 나서 이냐리투의 아버지에 대한 이야기가 나왔을 때 비로소 영화가 완성되는 느낌이었다. 단순하게 생각하면 하비에르 바르뎀이 연기한 옥스발에게서 이냐리투의 아버지 모습을 엿볼 수도 있을 것이다. 자신을 챙기기에도 벅찰 정도의 힘든 상황에서도 자녀들을 위해 모든 것을 몸으로 끝까지 다 흡수해버린 아버지의 모습은 이냐리투가 아버지에게 바치는 감사의 메시지일지도 모르겠다.


하지만 영화는 이것보다는 좀 더 흥미로운 장면을 등장시키는데, 영화의 시작과 마지막에 등장하는 옥스발의 아버지에 대한 부분이 그렇다. 이 장면을 보면 옥스발이 이냐리투 본인이고 아버지는 그의 아버지로 볼 수 있을텐데, 이 장면의 묘사가 정말 말로 다 하기 어려운 감동을 전달한다. 이 장면은 다시 생각해봐도 너무 아름답고, 이냐리투 영화답지 않게 흐뭇한 미소마저 지어지는 장면이었는데, 자신의 아버지에게 바치는 가장 완벽한 이냐리투 식 송가가 아니었나 싶다. 그것이 느껴졌기에 이 장면은 한없이 울컥하면서도 또 살며시 미소짓게 하는 그런 아름다운 장면이었다. 아...



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구스타보 산타올라라의 음악 역시 인상적이었다. 그의 음악은 '비우티풀'에서 좀 더 감정을 직접적으로 자극하고 있는데, 그냥 심장을 뛰게 하는 정도가 아니라 심장을 직접 손으로 두드리는 듯한 강한 울림을 담고 있는 음악이었다. 구스타보 산타올라라는 이냐리투가 만든 영화의 먹먹함과 아름다운 공기를 극장 내에 최대한 머금을 수 있도록 붙잡아 두는 역할을 하고 있어, 영화가 끝나고도 완전히 불이 다 켜질 때까지 역시나 움직일 수 없었다. 아마도 사운드트랙을 통해 그의 음악을 다시 듣게 된다면, 알레한드로 곤잘레스 이냐리투가 아버지에게 바친 그 송가가 다시 떠오르겠지.



1. 이 작품은 이냐리투, 길예르모 델토로, 알폰소 쿠아론 이 세 사람, 멕시코 삼총사가 함께 제작을 맡고 있습니다. 어쩌다보니 이 삼총사는 개인적으로 가장 좋아하는 삼총사 중 하나가 되었군요 ㅎ


2. 굳이 수상 내역을 얘기하지 않더라도 하비에르 바르뎀의 연기는 압도적이에요. 사실 앞서 이야기했듯이 이냐리투의 전작들과 유사한 측면에 있는 상황에 놓인 주인공임에도 빠져들 수 있었던 데에는 그의 공이 가장 컸다고 할 수 있죠. 그래도 페넬로페와 사는 그가 더 부럽습니다.





글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 
  
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비키 크리스티나 바르셀로나 (Vicky Cristina Barcelona, 2008)
우디 알렌이 쓰는 트뤼포의 '쥴 앤 짐'

우디 알렌의 새로운 작품만으로 받아들여질 수도 있었는데, 갑작스런 국내 개봉의 요상한 제목 탓에 '문제작'이 되어버린 이 영화 <비키 크리스티나 바르셀로나>. 영화를 보고 나니 국내 개봉 제목인 '내 남자의 아내도 좋아'가 새삼 이상하게 느껴진 것은 물론이고, 원제인 '비키 크리스티나 바르셀로나'라는 제목이 반드시 필요한 영화임을 또 새삼 느낄 수 있었다. 국내 개봉시에는 마치 '아내의 유혹'을 연상시키려는 제목과 더불어 포스터 속 스칼렛 요한슨의 상의를 포샵으로 더 야하게 조정하는 수고까지 한 것으로 봐서, 이 영화의 주된 타겟팅을 우디 알렌의 팬들이라기 보다는 4~50대 관객들에게 맞출려고 한 것으로 보인다. 뭐랄까 불륜과 권태가 주가 된 영화랄까. 이런 식으로 홍보되어도 그럭저럭 이해할 만한 영화들도 있지만, 적어도 <비키 크리스티나 바르셀로나>에게 이런 대우는 단호하게 아니라고 말할 수 있을 것이다. 이 영화는 어디까지나 우디 알렌의 세계 내에서 벌어지는 그의 또 다른 이야기이며, 수다가 동반되는 동시에 그 와중에 문득문득 생각하게 하는 그 만의 영화이기 때문이다.




이 영화를 처음 보았을 때 단번에 연상되었던 것은 프랑소와 트뤼포 감독의 1961년작 <쥴 앤 짐>이었다. 우디 알렌이 원래부터 고전적인 스타일이나 (특히 오프닝이나 엔딩 크레딧 같은 경우) 방식의 사용을 즐겼다는 점을 제외하더라도, 이 영화는 제목 부터 전체적인 구성까지 트뤼포의 <쥴 앤 짐>을 그대로 떠올리게 하는 영화다. 일단 그렇기 때문에 '내 남자의 아내도 좋아'라는 제목이 용납 안되는 점이기도 하다. <쥴 앤 짐>이라는 제목이 그러했듯 이 영화 역시 '비키' '크리스티나'라는 인물의 이름을 전면에 내세우고 있고 여기에 '바르셀로나'라는 배경을 노출하고 있기 때문이다. 이 제목은 우디 알렌 본인 스스로도 분명 <줄 앤 짐>을 염두에 두고 있었다는 것을 드러내는 하나의 표식이기도 하거니와 트뤼포가 만든 1961년작의 이야기를 21세기에 맞게 다시금 각색하려고 했던 것이 아닌가 하는 생각마저 든다. 사실 제작년과 작년에 영화제와 상영회를 통해 <쥴 앤 짐>을 극장에서 보게 되었을 때, 아니 보기 전에는 영화에 대한 큰 기대감이 있었다. 영화는 미처 보지 못했지만 '쥴 앤 짐'이라는 그 제목과 그 포스터는 외울 정도로 익숙한 터였기 때문에 드디어 보게 되는 영화에 대해 기대감이 클 수 밖에는 없었는데, 막상 보고 나니 기대감이 컸던 탓인지 그다지 와닿지는 않았었다.




그 가장 큰 이유는 아마도 1961년 작이라는 세월의 텀 때문이라고 할 수 있을텐데, 모든 옛날 영화들이 이런 간극을 갖고 있는 것은 아니지만, 시대에 기대거나 시대상을 그린 영화들 가운데는 요즘에 와서 보았을 때 그 간극을 뛰어넘기가 쉽지 않은 경우가 종종 있었다. <쥴 앤 짐>의 경우는 당시로서는 굉장히 파격적이었던 여성 캐릭터를 등장시키며 남녀 관계에 대해 이야기했지만, 2008년에 보기에는 100% 공감하기 어려운 공기가 있었다. 영화가 별로라기 보다는 공감하기 어렵다에 가까운 느낌이었는데, 그런 면에서 마치 <쥴 앤 짐>을 21세기 버전으로 각색한 듯한 느낌의 <비키 크리스티나 바르셀로나>는 각 캐릭터들에게 (적어도 줄과 짐 보다는) 더 공감할 수 있었고 그렇기 때문에 이야기 자체에 더 깊게 빠져들 수 있었다.

<쥴 앤 짐> 얘기를 꺼낸 김에 좀 더 해보자면, <비키 크리스티나 바르셀로나>는 누구인지 모를 제 3자의 내레이션으로 진행되는 점이나 그 내레이션의 어투나 화법 모두 <쥴 앤 짐>을 연상시키게 한다. 휴양지가 등장한다는 점도 그렇고 관계설정이 조금 틀리기는 하지만 한 남자를(여자를) 사이에 두고 벌어지는 복잡한 남녀관계라는 점도 그렇고, 무엇보다 자전거 타는 장면도 그대로 나온다. 그리고 이 영화에서 인상적인 또 다른점은 러닝타임내내 거의 잠시도 쉬지 않고 배경음악이 깔린 다는 점이다. 재미있는건 거의 내내 깔려있음에도 어느 때는 음악이 인식되었다가 또 어느 때에는 잊혀졌다가를 반복한다는 점이다.




<비키 크리스티나 바르셀로나>의 기본 구조는 아무래도 관계에 관한 이야기다. 영화에 등장하는 캐릭터들은 굉장히 성격이 분명하다. 내레이션을 통해 직관적으로 설명하는 것처럼 각 캐릭터는 말그래도 완전히 '캐릭터'화 된 인물들로서 구분이 쉽고 각각의 개성을 갖는다. 그렇게 배경을 깔아놓고는 이 인물들 간에 어떤 관계들이 형성되고 얽히는지를 영화는 서서히 풀어나간다. 이들의 관계를 쉽게 설명하자면 '삼각 혹은 사각관계' 정도로 얘기할 수도 있겠지만, 이들이 맺고 있는 관계는 이런 개념보다는 오히려 '굴레'같은 느낌이 더 강하게 들었다. 크리스티나는 굉장히 남녀 관계에 있어 자유스러운 것처럼 보이지만 한 편으론 본인 스스로 본인이 자유로운 존재라는 굴레에 갇혀있어 오히려 자유롭지 못한 일들을 겪게 되며, 하비에르 바르뎀이 연기한 안토니오 역시 예술가라는 캐릭터답게 굉장히 자유로운 라이프 스타일을 보여주고는 있지만 그가 이로 인해 겪게 되는 일들이 마냥 자유롭게만 보이지는 않으며, 반대로 가장 일반적인 캐릭터라고 할 수 있는 비키의 경우 역시 '이러면 안된다는' 또 다른 굴레에 얽매여서 자신의 감정에 조심 또 조심을 하게 된다.

예술가라는 직업은 이런 그들의 자유로움을 좀 더 이질감이 느껴지지 않도록 표현하기 위한 하나의 도구로 사용되고 있다. 그리고 바르셀로나라는 지역적 배경 역시 이들의 자유로운 관계들을 가능토록 하는 광대한 베이스로 작용하고 있기도 하다. 관객들은 보는 내내 바르셀로나에서 하비에르 바르뎀 같은 남자를 만난다면 혹은 페넬로페 크루즈 같은 여자를 만난다면 저럴 수도 있을 것이라는 생각을 절로 하게 되니 말이다.




개인적으로 포스터에 제목처럼 비키 역을 맡은 레베카 홀도 포함되었으면 더 좋았겠다는 생각을 지울 수가 없는데, 그 만큼 이 영화에서 (더군다나 다른 세 배우들 틈에서도!) 빛을 발했던 배우는 레베카 홀이었다. 나머지 세 배우를 평소에 워낙에 좋아하는 터라 상대적으로 레베카 홀에 대한 기대치가 적어서 였는지 몰라도, 그녀가 연기한 '비키'를 사실상의 주인공으로 인식해서 인지는 몰라도 레베카 홀의 연기는 매우 현실적이여서 공감대를 불러일으키는 동시에 이 영화를 지구 반대편 어디에서든 있을 법한 얘기로 만들어주는데 큰 몫을 하고 있다. 어디서 많이 본 얼굴이다 했더니 크리스토퍼 놀란의 <프레스티지>에서 크리스찬 베일의 아내 역할로 출연했었다.

하비에르 바르뎀은 언제 그가 '안톤 쉬거'였느냐고 외치기라도 하는 듯 어쩌면 본연의 느끼하면서도 매력적인 남자를 능글맞게 연기하고 있다. 그가 이 영화에서 연기하는 '안토니오'의 모습에서는 마치 '라틴계 조지 클루니'가 느껴진달까? ㅎ 전 세계의 모든 남성팬들의 시기를 한 몸에 받을 만한 캐릭터를 연기한 그가 남자로서 부럽지 않다면 거짓말일듯. 참고로 하비에르 바르뎀과 페넬로페 크루즈는 1992년작 <하몽하몽>에 함께 출연했던 적이 있다. 페넬로페 크루즈는 이 영화로 아카데미 여우조연상을 수상하기도 하였는데, 개인적으로 그녀의 오랜 팬이기는 하지만 그 정도에 연기였는지에 대해서는(특히나 다른 수상 후보들에 비해)조금 부정적이긴 하다. 스페인어를 속사포처럼 쏘아부치는 그녀의 모습에서 오랜만에 '무서움'이 느껴지기도 했으며, 그 아름다움은 여전했다. 스칼렛 요한슨은 우디 알렌의 페르소나로 자리 잡으면서 부터 확실히 더 성장하고 있는 느낌이다. 레오나르도 디카프리오가 스콜세지와 함께 작업하며 그러했듯, 스칼렛 요한슨은 우디 알렌의 작품들을 통해 자신의 다양한 매력과 연기력을 선보일 수 있는 기회를 얻고 있다 하겠다. 그리고 다른 영화에서보다 훨씬 더 편하게 연기하는 느낌도 들고.




개인적으론 최근 미드 <식스 핏 언더>를 막 엔딩을 본 터라 이 영화에 출연한 두 배우가 남다르게 반가울 수 밖에는 없었는데, 주디 역할을 맡은 패트리시아 클락슨과 비키의 남편 역할을 맡은 크리스 메시나는 스크린을 통해 다시 만나니 그렇게 반가울 수가 없더라(이 둘이 이 정도인데 만약 네이트라도 나왔더라면 그 반가움의 크기는 어떠했을까. 재미있는건 크리스 메시나가 영화 속에서 연기하는 캐릭터의 모습도 '식스 핏 언더'속 인물과 많은 부분 비슷하다는 것).

<비키 크리스티나 바르셀로나>는 영화의 중요한 부분을 앗아가버린 재앙과도 같은 국내 개봉 제목으로 아쉬움이 많은 채 개봉한 작품이긴 하지만, 본래 제목에 근거한 영화는 역시나 우디 알렌의 유머러스함과 고풍스러움 그리고 배우들의 열연을 만나볼 수 있었던 그 다운 작품이었다. 국내 개봉 제목에 낚인 이들도 있을런지 모르겠지만, <비키 크리스티나 바르셀로나>를 기다렸던 영화 팬들, 우디 알렌의 팬들에게는 다시 한번 그의 매력에 흠뻑 빠질 수 있는 작품이 아닐 수 없겠다.


1. 바르셀로나. 모든 곳이 영화가 되고 로맨스가 될 듯한 그 곳!

2. 스패니쉬 기타 선율도 그렇고, 사운드 트랙이 나온다면 부담없이 구매할 수 있을 것 같네요.





글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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80th Academy Awards

이번 80회 아카데미 시상식은 골든 글로브나, 미감독조합 시상식의 결과 등을 통해
미리 쉽게 점쳐볼 수 있었던 시상식이었다. 일어날 수 있는 이변들도 어느 정도 예상되었던
시상식이었으나, 그래도 이변은 있었다.
코엔 형제의 <노인을 위한 나라는 없다>와 폴 토마스 앤더슨의 <데어 윌 비 블러드>가
각각 여러부분을 나누어 가져갈 것이라고 생각했지만, 예상외로 <데어 윌 비 블러드>는
다니엘 데이 루이스의 남우주연상을 제외하고는 이렇다할 주요부분을 수상하지 못하였다.

일단 이변의 첫 번째 조짐을 보여준 것은 예상 외의 복병 <본 얼티메이텀>이었다.



물론 기술상이고 음악편집상이나 음향효과상 중 하나는 어느 정도 예상이 되던 바였지만,
이 두 가지 부분을 모두 수상할지는 몰랐었고, 더군다나 더더욱 예상하지 않았던 편집상까지
가져가리라고는 예상하지 못하였다. 이번 시상식의 숨겨진 승자라고나 할까



작품상과 감독상에서는 사실상 이변은 없었다.
가장 유력한 후보로 예상되던 <노인을 위한 나라는 없다>는 경쟁작이었던 <데어 윌 비 블러드>와
이변이 일어난다면 가장 유력했을 <주노>를 재치고 작품상을 수상하였으며, 코엔 형제 역시 드디어
아카데미 감독상을 수상하며 그들의 명성을 더욱 확고히 하는 계기를 만들었다.
폴 토마스 앤더슨은 개인적으로 매우 좋아하는 감독인데, 코엔 형제를 만난 것이 불운이었던 듯 싶다.






뭐 누구도 다른 수상자를 염두하지 않았던 남우조연상의 하비에르 바르뎀.
그 역시도 워낙에 압도적인 지지여서 그런지, 첫 번째 아카데미 수상임에도 불구하고
무척이나 담담한 모습이었다. 사실 압도적으로 예상할 수 있는 결과의 수상은 별로 좋아하지
않지만 이번 하비에르 바르뎀의 경우는 어쩔 수 없었던 것 같다.



그리고 누구도 예상하지 못했던 또 하나의 이변.
남우조연상의 하비에르 바르뎀과 마찬가지로 거의 모든 전문가들과 매체들이 예상했던
<어웨이 프롬 허>의 줄리 크리스티를 재치고 <라비 앙 로즈>의 마리온 꼬띨라르가 여우주연상을
수상하였다. 여우주연상 역시 이변이 일어난다면 <주노>의 엘렌 페이지에게서 일어날지도 모르겠다라고
생각했었지만, 이 프랑스 영화에서 열연을 펼친 외국 배우에게 아카데미가 주연상을 안길 줄은
예상하지 못했었다. 개인적으로 <어웨이 프롬 허>는 못보고, <라비 앙 로즈>는 보았지만,
<라비 앙 로즈>를 본 사람들이라면 누구도 그녀의 여우주연상 수상에 반대하지는 못하리라.



또 하나의 이변이라면 여우조연상을 수상한 틸다 스윈튼.
우리나라 관객들이 흔히들 케이트 블란쳇(블랑쉐)과 많이들 해깔려 하는 틸다 스윈튼은, 흥미롭게도
그녀와 함께 후보로 올라 수상을 하였다. 이 역시 <아임 낫 데어>에서 밥 딜런으로 분한 케이트 블란쳇의
수상이 점쳐졌던 부분이었는데(더군다나 여우주연상에도 동시에 노미네이트 되었었기 때문에),
그녀의 수상은 하나의 작은 이변이었다. 그 동안 참 여러 영화에서 다양하고 평범하지 않은 캐릭터들을
연기해온 틸다 스윈튼이었기에, 개인적으론 케이트 블란쳇의 팬이지만, 그녀의 수상에도 박수를 보낸다~



그리고 내가 뽑은 오늘 아케데미의 승리자! 원스의 그와 그녀!
사실 글렌 한사드와 마르케다 이글로바가 주제가상 후보로서 'Falling Slowly'를 공연한 것만으로도
이미 가슴이 벅차올랐었다. 마치 영화의 연장선상에 있는 듯한 그들의 공연이, 아카데미 시상식에서
펼쳐질 줄이라고는 누가 예상이나 했을까. 공연 만으로도 흥분된 상태였는데, 주제가상 마저 수상을
하다니!! <마법에 걸린 사랑>이 3개나 후보에 올리기도 했지만, 미국적인 정서가 가득한 디즈니식 곡들이었기
때문에 아무리 그래도 <마법에 걸린 사랑>이 수상하지 않을까 했지만, 원스가 수상자로 불려지고
눈물을 글썽이는 글렌 한사드를 보니까 나도 절로 눈물이 글썽거렸다.
예전 할리 베리가 여우주연상을 받을 때, 스필버그가 드디어 감독상을 받았을 때, 포레스트 휘태커가
수상했을 때도 감동적이었지만, <원스>가 수상했을 때 만큼은 아니었던 것 같다.
마치 내가 이 영화에 참여한 사람인냥 이 편에서 응원을 했던 것 같다.
그리고 마르케타가 미처 수상소감을 다 하지 못하고 무대를 내려왔었는데, 나중에 다시 그녀를 불러
소감을 말하게 하는 장면은, 아카데미를 여러번 보았지만 처음 보는 광경이었다.
그 만큼 아카데미와 미국영화계가 이 작은 영화를 얼마나 존중하는지 알 수 있었던 작은 해프닝이었다.


코엔 형제의 영화가 작품상과 감독상을 탄 것도 좋았고, 나의 <원스>가 주제가 상을 받은 것이
무엇보다 기뻤으며, <주노>가 이변을 못 일으킨 것이 조금 아쉬웠던 80회 아카데미 시상식이었다.




p.s - OCN은 81회 부터는 진행자를 바꿔야 할듯.
        이무영씨는 너무 자주 틀려서 더 말할 것도 없고, 정지영씨 역시 논란을 잠재우며 컴백하기엔
        실수가 많았다.


노인을 위한 나라는 없다 (No Country For Old Men, 2007)

지난 해 말부터 개인적으로 <아메리칸 갱스터> <스위니 토드>와 더불어 가장 기대되었던 작품 중,
그 중에서도 단연 으뜸이었던 이 영화 <노인을 위한 나라는 없다>.
<파고> <그 남자는 거기 없었다>등을 만든 코엔 형제의 작품으로, '서부의 셰익스피어'로 불린 다는
미국의 작가 코맥 맥커시의 동명 소설을 원작으로 하고 있다. 아무래도 코엔 형제의 대표적인 서스펜스 영화를
들자면 <파고>를 들 수 있겠는데, <노인을 위한 나라는 없다>는 여기에서도 한 걸음 더 나아갈 수 있다는
(왜냐하면 <파고>도 상당히 장인의 솜씨가 묻어나는 작품이었기 때문에), 즉 고수가 달래 고수라 불리는게
아니라는 진리를 스스로 확인시켜주고 있는 영화라 할 수 있겠다. 엄청난 서스펜스와 긴장감, 그리고
역시 고수대열에 들거나 혹은 이미 들었거나 한 배우들의 출중한 연기력, 그리고 아직도 그 능력이 한참이나
남았음을 보여준 코엔 형제의 연출력을 유감없이 보여준 수준 높은 작품이었다.



이 영화의 원작이 된 동명 소설은, 영화를 보면 알겠지만 코엔 형제가 아주 좋아하는 이야기이다.
극중 인물은 특별한 상황에 놓이게 되고(이 영화에서는 돈가방을 얻게 되는 것), 그를 둘러 싸고 각자
다른 인물들이 개입되면서 얽혀나가는 과정 중에 서스펜스와 긴장감을 부여하고, 그 속에는 단순하지만
무거운 주제 의식을 깔고 가는 형식을 이 영화는 갖고 있다. 이런 점에 있어 <파고>와 자주 비교를 하게
되는데, <파고>가 좀 더 유머가 있고, 극적인 요소가 있었다면, 이 영화는 <파고>보다도 좀 더 담담한
입장에서 사건을 바라보고 있고, 좀 더 장르영화적인 구성을 갖추고 있는 것은 물론, 캐릭터가 돋보인
영화이기도 했다. 이 영화를 감상하면서 가장 놀라웠던 점은 엄청난 긴장감과 서스펜스를 지니고 있으면서도
아주 느긋하게, 담담하게 풀어가는 방식이었는데, 일반적인 서스펜스라하면 최근 개봉했던 우리영화 <추격자>
처럼 속도감있는 방식과 치닫는 형식을 갖고 있는 것이 일반적인데, 이 영화는 이런면에서 너무도 느긋하다.

얘를 들어 인물들은 서로를 숨이 막힐 정도로 뛰어서 쫓지도 않고, 극박한 상황에 극적인 음악이 흐르지도
않지만, 조용히 서로 전화통화를 나눈다던지, 문을 사이에 두고 한 동안 대립한다던지 하는 것 만으로도,
극한 긴장감을 조성한다. 극 중 모스(조쉬 브롤린)는 자신을 쫓는 이로부터 도망가기 위해 모텔을 여기저기
옮겨다니고 시거(하비에르 바르뎀)는 이를 계속 뒤 쫓기는 하지만, 이 것이 극박하게 그려지지는 않는다.
마치 모스가 덫을 놓고 시거를 기다리는 냥 생각될 정도로 느긋함이 느껴지지만, <추격자>에서 느꼈던 것과는
또 다른 극한 긴장감을 아니 느낄 수 없었다.



더군다나 이 영화는 영화 음악이 거의 없다.
서스펜스 영화의 경우 극적인 긴장감을 고조시키기 위해 효과적으로 음악을 사용하는 경우가 아주 많은데,
이 영화에서는 거의 음악을 찾아볼 수가 없고, 극적인 상황에서도 단순히 효과음 만으로 이를 보조하고 있다.
그래서인지 시거가 사용하는 그 무기(?)가 발사될 때의 효과음은 아직도 잊혀지지 않는 것 같다.
이렇게 음악도 없고 느긋하게 전개 되지만 긴장감이 유지되는 것을 넘어 넘쳐났던 가장 큰 이유 중에 하나는,
바로 소름돋도록 냉정한 대사에 있었다. 특히 시거가 내뱉는 대사들은 이 영화가 보여주고자하는, 냉정하고
잔인한 현실 세계의 모습을 그대로 보여주고 있는데, 자신만의 정해진 원칙에 따라 잔인하게 살인을 저지르는,
그리고 저지르게 전에 마치 상대의 목을 조르는 듯한 압박감을 전해주는 그의 말투와 대사들은, 관객으로 하여금
그가 직접 살인을 저지르는 장면들 보다도, 그가 말을 할 때 더 공포감을 느끼게 하기에 충분했다.
그리고 역시 이처럼 영화가 말하고자 하는 내용을 전달하기 위해, 시거가 사람들을 죽일 때의 텀을 매우 짧게하여
그야말로 무자비함, 냉정함을 잘 표현해내고 있다. 나중에 또 이야기하겠지만, 여기에는 하비에르 바르뎀의
연기가 큰 몫을 했다.



사실 내용적인 면에서는 얼핏 잘 이해가 되지 않는 부분도 있었다. 돈 가방은 누가 결국 가져갔는지,
시거는 어떻게 되는 것인지, 모스의 아내는 결국 죽은 것인지 등 어느 정도 예상 가능한 것들부터 조금은
추측할 수 밖에 없는 것들도 있지만, 이 영화가 말하려는 것은 결국 누가 돈가방을 차지함으로 인해서 발생하는
것이 아니라, 그 과정 속에서 모스와 시거, 보안관 에드를 통해 발생하는 것이기 때문에 이 같은 모호함은
크게 중요하지 않다고 할 수 있을 것 같다. 특히나 나중에 곱씹어 보면 영화의 이야기를 대충 가늠해볼 수 있었던
초반 에드의 독백과 영화의 제목도 그렇고, 자신만의 원칙은 꼭 지키던 시거가(그 원칙을 지키기 위해 안죽여도
되는 모스의 아내를 나중에 죽이기까지 한 시거가), 자신은 파란불 신호를 잘 지켰음에도 신호를 지키지 않은
다른 사람에 의해 사고를 당하게 되고, 지나가던 아이들이 전혀 댓가없이 도와주려고 했던 것을 통해,
원칙대로 해도 결국에는 어쩔 수 없는(바로 그 자신도), 현명한 보안관인 에드가 막아보려고 했었지만,
결국에는 모스의 죽음도, 시거를 잡을 수도 없었던 것을 통해, 최소한의 인간성 조차 매말라버린,
그리고 이를 바로 잡으려는 힘없는 자들의 지혜에는 귀를 기울이지 않는 냉혹한 현실을 비판하고 있다
(댓가없이 옷을 건네주었던 아이와 그 친구조차, 돈을 받고나서는 서로 나누자 말자로 다투는 모습을 멀리서
보여준 것도, 이 냉혹함을 빗대어 보여준 좋은 장면이었다). 그래서 어쩌면 토미 리 존스가 아내에게 담담히
꿈 얘기를 하다가 갑자기 끝나는 듯 하지만, 이 엔딩이 곰곰히 생각해보면 정말로 심오한 마지막이 아니었나 싶다.



하비에르 바르뎀의 연기는 정말로 후덜덜 그 자체였다. 스페인 출신의 그의 연기를 가장 인상적으로 보았던
영화는 <씨 인 사이드>였는데, 물론 두 영화에서 그가 연기한 캐릭터의 헤어 스타일이 유독 많이 차이나긴
하지만(^^), 그래도 과연 이 두 캐릭터를 한 배우가 연기한 것인가 생각될 만큼, 전혀 다른 스타일의 연기를
보여주고 있다. 그가 이번 영화에서 보여준 독특한 단발 스타일은 가발이 아니라 실제 그의 머리라고 하는데,
예고편에도 등장하는 도로 변에서의 살인 장면에서만 해도 약간은 코믹함이 느껴질 뻔 했으나, 나중에는
그 단발머리 조차 무서워질만큼, 오랜만에 무서운 악역을 만난듯 했다. 가장 최근에 <아메리칸 갱스터>에서
비리 경찰의 더러움을 잘 보여주었던 조쉬 브롤린은 이 영화에서 어쩌면 가장 현실적인 인간의 군상을 그린
캐릭터를 연기하고 있는데, 평범함과 섬찟함을 동시에 갖고 있는 그의 얼굴은, 돈가방을 우연히 얻게 되며
어려움를 겪는 모스를 연기하는데 효과적이었다고 생각된다. 그리고 이 영화를 통해서 좀 더 좋은 많은 작품에서
또 그를 보게 될 수 있는 계기가 되지 않을까 싶다.
그리고 토미 리 존스. 그가 이 영화에서 보여준 연기는 정말 그야말로 내공없이는 할 수 없었던 연기가
아니었나 싶다. '나이가 먹으면 하느님이 어떻게 도와주시겠지 했었는데, 이제는 힘이 부친다'라고 말하는
그의 주름진 얼굴은, '노인을 위한 나라는 없다'라는 제목을 또 한 번 실감하게 되는 연기 그 자체였다.
담담한 듯 하면서도 애써 위안할 수 밖에는 없는 보안관 캐릭터를 연기한 토미 리 존스의 연기는, 어쩌면
강렬해 보이는 하비에르 바르뎀의 연기에 가려져 돋보이지는 않지만, 아마도 영화를 두번 세번 보게 되고,
다시금 떠올려본다면 '와, 참 대단한 연기였구나'하는 생각이 절로 들지 않을까 싶다.

영화를 볼 때는 그 속에 몰입되어 있어 정확히 알 수 없었는데,
이렇게 보고 난 뒤, 한 발작 물러서서 다시금 생각해보니 참으로 대단한 영화가 아니었나 싶다.

참, 대단하구나 코엔 형제!


1. 중반에 모스가 히치하이킹을 하게 될 때, 노인 운전사가 했던 말이 결코 가볍지 않을 것을
직감할 수 있었다.

2. 우디 헤럴슨은 뛰는 놈 위에 나는 놈 인줄 알았는데, 아니더라 -_-;;




 

 
글 / ashitaka (www.realfolkblues.co.kr)


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