the Real Folk Blues

위드블로그 (http://withblog.net)를 운영하면서 서비스적으로 가장 많이 안타까운 부분은, 리뷰어 분들이 '저 당첨됐어요!' '왜 저는 당첨이 안되나요?' '도대체 당첨 기준이 뭔가요?'등등 '당첨'이라는 말이었어요. 혹자들은 결국 당첨이든 선정이든 단어가 다를 뿐이지 그 내용은 별 차이 없는 것 아니겠느냐고 묻지만, 실제 2년 넘게 서비스를 운영하고 만들어가는 입장에서는 바로 이 '선정'이라는 것에 남들이 생각하는 것 이상의 가치관과 노력과 자부심을 갖고 있기 때문에, 그 어떤 불만들보다도 일반적인 '당첨' 개념에 위드블로그를 포함시키는 것이 더 안타까웠던 것이죠. 그래서 급기야 이런 '당첨은 싫어요!'라는 캠페인까지 오픈하게 되었구요.

사실 위드블로그는 그 동안 쉬운 길로 가기보단 옳은 길로, 적어도 서비스를 만들어 가는 사람들이 옳다고 믿는 길로만 가려고 많은 노력을 해왔습니다. 그렇기 때문에 광고주의 의도를 어떻게 하면 블로거들한테 전달할까 라는 것에 있어서, 광고주의 일방적인 의도를 들어주는 것에 급급하기보다는 '우리를 한 번 믿어 봐라' '우리에게 완전히 맡겨주면 잘할 자신이 있다'라는 말로 반신반의하던 광고주분들을 설득하기 시작했고, 이제는 어느 정도 위드블로그가 다른 서비스들에 비해 확실한 우위를 갖게 되면서 광고주분들도 위드블로그의 방식을 믿고 맡겨주게 되었습니다. 지금도 그렇지만 위드블로그를 처음 시작할 때는 더더욱 이런 접근이 쉽지 않았었죠. 지금의 모델이 가능했던 것은 사실 광고주가 위드블로그를 믿어 준 것 보다도 저희가 블로거분들을 믿었던 것이 더 컸다고 감히 얘기할 수 있을 것 같습니다. 처음엔 미약했지만 진심으로 대하면 언젠가는, 누군가는 그 진심을 이해해줄 것이라고 믿고 있었거든요.

사실 이번 '당첨은 싫어요!' 캠페인에 참여해주신 블로거분들의 포스팅을 하나하나 읽어보면서 운영자로서는 울컥울컥하는 경우가 참 많았습니다. 생각했던 것보다 훨씬 많은 분들이 정성껏 포스팅을 남겨주셨고, 그 포스팅의 내용들도 단순히 스페셜 뱃지만을 위해 쓰신 글들이 아니라 이번 기회에 자신의 위드블로그 활동에 대해 솔직하게 남겨주신 것을 조금만 읽어봐도 알 수 있는 감동적인 글들이었어요. 솔직히 얘기하면 이 정도로 많은 분들과 정성이 들어간 참여가 많을 줄을 예상하지 못했던 것이 사실이에요. 또 다른 솔직한 얘기를 하자면 과연 위드블로그를 운영하고 있는 우리의 마음이 블로거분들한테까지 전달되고 있을까 라고 의문을 가졌던 것, 아니 이런 것들이 '위드블로그' 같은 종류의 서비스가 바라기에는 너무 과한 것은 아닐까 라는 생각을 가져오기도 했었는데, 이번에 참여해주신 글들을 보면서 '아, 그래도 우리의 진심이 전해지고 있었구나'라고 생각하게 되어 너무 뿌듯한 캠페인이었다는 말도 꼭 하고 싶네요.

그리고 이 기회를 빌어 위드블로그 시작부터 지금까지, 그리고 아마도 위드블로그가 살아있는한 끝까지 계속될 질문에 대한 운영자의 의견을 또 한 번 꺼내어 놓고자 합니다. 그 질문은 '도대체 선정 기준이 무엇이냐?'라는 것일텐데, 앞서 이야기한 것처럼 결론부터 이야기하자면 이 질문은 아마도 절대 사라지지는 않을 것 같아요. 왜냐하면 위드블로그는 서비스의 특성상 회원 모두를 만족시키기에는 많이 부족하고, 그 기회의 숫자를 아무리 많이 늘린다고 해도 결국 선정되지 못하는 분들이 발생할 수 밖에는 없는 시스템이니 말이죠.

그럼에도 이 질문에 또 한 번 답변하자면, 정말 많은 그리고 객관적이기보다는 어쩌면 주관적인 것에 더 많은 기준을 두고 선정하고 있다고 말씀드릴 수 있을 것 같습니다. '아니, 무슨 서비스가 객관적인 기준이 아닌 주관적인 기준으로 기회를 주느냐?'라고 당연히 반문 하실 수 있을텐데, 반대로 객관적으로 평가할 수 있는 기준들(방문자수, 추천수, 포스팅수, 노출수 등등)로 리뷰어의 기회를 드리게 된다면, 캠페인을 10개 진행하든 1000개 진행하든 간에, 항상 객관적 지표수치 결과에 따른 상위 몇등까지만 리뷰어로 선정이 되게 될 것입니다. 이렇게 되면 결국 위드블로그는 파워블로거들만이 이용할 수 있는 파워블로거 전용 서비스가 될 수 밖에는 없을 것이고, 지금과는 전혀 다른 모습이 되었을 것입니다. 결국 쉽지 않은 길을 선택한 위드블로그의 태생적인 조건 상 리뷰어 선정 기준은 객관적이기 보다는 주관적일 수 밖에는 없을 것 같습니다. 객관적인 수치들도 물론 고려하지만 그것만으로는 저희가 원하는 리뷰어를 선정할 수 없으며, 기존 파워블로거라는 이슈에 좌지우지되지 않는 소박한 블로거분들을 발굴할 수 없기 때문이죠. 

그래서 '도대체 선정 기준이 뭐냐!'라는 질문을 계속 끊임없이 듣더라도 저희는 저희의 주관적 기준을 믿고 계속 리뷰어 선정에 가장 많은 공을 들이고 있습니다. 블로거분이 그 동안 어떤 글들을 포스팅해 오셨는지, 포스팅에 어떤 정성이 담겨있는지, 해당 제품이나 문화 컨텐츠에 대해 어떤 관심을 갖고 있는지는 객관적 지표로는 판단하기 어려운 부분들이거든요. 반대로 얘기해서 객관적 지표만으로 리뷰어를 선정한다면 저희의 일은 10분의 1도 안되게 수월해 질거에요 ^^; 그냥 프로그램으로 엔터 한번 클릭하면 1등부터 몇등까지 나오게 만들어서 그 분들을 매번 선정하면 되니까요. 아니면 그냥 반대로 역시 프로그램으로 이벤트 추첨하듯 랜덤으로 뽑아도 되구요. 하지만 이러면 위드블로그가 아니죠. 욕을 먹더라도 지금과 같은 방식이 아니면 별로 의미가 없습니다.

가끔 위드블로거 분들께 위블 인사이드나 티타임 등을 통해 드리는 말씀이지만, 위드블로그가 블로깅에 아주 큰 영향을 주는 서비스가 되기 보다는 그저 자신 만의 블로깅을 열심히 하다보면 가끔씩 좋은 기회를 얻게 되는 부가적인 서비스가 되면 바랄 것이 없다고 생각하고 있습니다. 위드블로그에서 무언가를 얻기 위해 집요하게 노력하기 보다는 어차피 볼 영화, 어차피 듣고 싶었던 음반, 평소에 보고 싶었던 공연, 꼭 한 번 써보고 싶었던 제품에 대한 체험의 기회를 가끔씩 위드블로그를 통해 얻게 되는 것 정도의 것만 되어도 좋지 않을까 하는 생각이죠. 반대로 얘기하자면 위드블로그는 평소에 관심도 없고 별로 좋아하지도 않는 영화인데, 공짜로 표가 생겨서 일부러 보고 어쩔 수 없이 리뷰도 쓰게 되는 분들을 선정하기보다는, 우리가 선정하지 않아도 돈주고 예매해서 영화를 볼 분들, 평소에 이 영화에 대해 관심이 많아 시사회에 초대되는 것 만으로도 너무 기뻐하실 분들을 최우선적으로 선정하고 있다고 말씀드리고 싶습니다. 이런 분들이어야만 자신의 진심을 담아 솔직한 포스팅을 쓰실 수 있을테니까요.

야심한 새벽시간에 글을 쓰다보니 주절주절 말이 길어졌는데요, 이번 '위드블로그 바로알기 캠페인 1탄'을 통해 오히려 운영자로서 더 많은 것을 얻을 수 있었던 것 같습니다. 그래서 행복한 캠페인이었구요. 앞으로는 좀 더 위드블로그를 이용하시는 블로거분들이 더 많은 행복을 느끼실 수 있도록 재미있는 일들을 계속 더 연구하도록 하겠습니다 ㅋ 다 재미있자고 하는 일 아니겠습니까 ^^; 아, 위드블로그는 재밌자고 하는 서비스이지 절대 죽자고 달려드는 서비스는 아니에요 ㅎㅎ 그런 날이 오게 된다면 미리 언지를 드릴 수 있도록 하겠습니다 ^^;

아직 '위드블로그 바로알기 2탄'은 어떤 주제로 할지 생각해보질 못했는데, 1탄이 너무 잘된 나머지 2탄에 적잖은 부담을 받게 되겠네요. 이거야 말로 행복한 고민이겠죠? ^^;
 

 

샘터분식 (Shared Streets, 2009)
성장하는 것과 그렇지 못한 것을 지켜보기

Kebee - The Passage
거품 싹 뺀 힙합앨범

소울컴퍼니(Soul Company)의 수장이라고 할 수 있는 키비(Kebee)의 세 번째 앨범 'The Passage'가 발매되었다. 소울컴퍼니를 알게 된 이후부터는 언제부턴가 무브먼트 크루나 부다 사운드 같은 그래도 나름대로의 메이저 힙합 음악들 보다도, 오히려 이들의 참신하고 새로운 사운드에 더 주목하게 되었던 것 같다. 한참 Nujabes에 빠져 있을 때 The Quiett이 만들어낸 비트들은 단번에 주목을 받기에 충분한 것이었으며, 키비의 곡들 역시 라임과 비트가 인상적이었다. 그렇게 듣기 시작한 소울컴퍼니의 앨범들은 각자의 솔로 앨범들과 프로젝트 앨범 그리고 소울컴퍼니가 모두 참여했던 'The Bangerz'앨범들까지 관심을 갖게 했고, 결국 키비의 세 번째 앨범은 나름 기다리기까지 하는 앨범이 되었다.




CD를 플레이어에 넣고 첫 트랙 'Soulport'를 만났을 때의 느낌은 약간 의외였다. 빠르고 경쾌한 비트와 어쿠스틱 기타 사운드가 조화를 이뤄 마치 해변도로를 자전거를 타고 달리는 듯한 느낌을 주는 이 인스트로멘탈 곡은, '여정'이라는 앨범의 타이틀을 다시 한번 떠올려볼 수 있는 곡이었다. 곡 말미에 우주적인 사운드를 삽입한 것은 자켓 디자인과 연관되는 부분이라고도 할 수 있겠다.

두 번째 트랙 'Diving'의 베이스가 되는 백킹 사운드는 개인적으로 정말 좋아하는 '감'이다. 이런 사운드가 만들어내는 특유의 공기가 있는데 이 곡을 통해서도 이런 분위기를 맛볼 수 있었다. 굉장히 세련된 느낌이 물씬 풍기는 곡으로 이번 앨범에 전체적인 퀄리티도 가늠해볼 수 있었다. 'Wake Up'은 스크래치 사운드와 일렉트릭한 사운드가 강한 비트와 라임과 적절한 조화를 이루고 있는 곡이다. 그 다음 트랙 '사진기'는 여성적인 분위기와 소년의 감성으로 다루고 있는 곡으로 후렴구의 lady Jane의 피쳐링이 돋보이는 곡이다. 굉장히 팝적인 곡으로서 이 정도면 충분히 대중적이라고 생각될 정도다. 물론 그 가운데서도 퀄리티의 저하는 겪지 않고 있으니 안심해도 될 듯 싶다.

다섯 번째 트랙 '불면제' 역시 샛별의 피쳐링이 더해진 곡으로 키비의 멈추지 않는(?) 랩핑이 돋보이는 곡이다. 전체적으로 비트나 사운드가 만족스럽다보니 오히려 인스트루멘탈 버전으로 앨범을 통으로 발매해도 괜찮겠다는 생각도 든다. 물론 키비의 라임이나 랩핑이 불만족스럽다는 것이 아니라 비트가 만족스럽다는 쪽의 반영이다. 넋업샨, Loptimist, Jinbo가 피쳐링으로 참여한 '화가, 나'는 각각의 개성을 맛보는 재미가 쏠쏠한 곡이다. 조금 아쉬운 점이 있다면 각각의 다른 컬러를 맛볼 수는 있지만 각각의 매력이 최대한 발휘되지는 않는 다는 느낌이었다.




'Go Space'는 역시 경쾌한 기타 사운드와 일렉트로닉한 사운드 소스가 결합해서 신나는 분위기를 연출하는 곡이다. 예전 키비의 음반을 들었을 때는 느린 비트의 감성적인 곡들에 더 잘 어울리는 랩핑이라고 생각했었는데, 이번 앨범을 들으면서 약간은 생각이 틀려진 편이다. 빠른 비트의 팝적인 곡에서도 상당히 잘 어울리는 랩핑을 선보이고 있다. '이상한 나라의 엘리트'는 아무래도 타블로가 참여해서 화제가 되지 않을까 싶다. 랩이 아닌 노래하는 키비의 보컬을 들어볼 수 있고, 역시 우주적인 일렉트로닉 사운드 소스가 광범위하게 사용되는 곡으로 전체적인 앨법 컨셉에 부합하는 곡이라 할 수 있겠다. 아홉 번째 트랙 'Goodbye Boy'는 역시 키비의 장기라고 할 수 있는 아기자기하고 심플하면서도 가사의 집중력이 높은 곡이다. 앞서서 빠른 비트의 곡에 잘 어울린다는 얘기를 했었는데, 물론 그렇다고 해서 느린 비트의 아기자기한 곡에 어울리지 않는 다는 말은 아니다. 이런 소년 같은 감성과 분위기는 역시 키비의 가장 큰 장점이라고 할 수 있을 것 같다.

열 번째 트랙 '그림자'를 지나 'Where is the Claps?'를 듣고 있노라면 점점 음악의 전체적인 분위기 보다는 좀 더 디테일한 면을 찾아들어보게 되는데, 잘 들어보면 상당히 세심한 면까지 신경쓰고 있는 것을 어렵지 않게 느낄 수 있었다. 어떤 음악이나 마찬가지겠지만 단순히 보컬과 반주로만 생각할 것이 아니라 악기 하나하나, 소스 하나하나를 들어보면 이 음악에 창작자가 얼마나 많은 공을 쏟았는지 알 수 있는데, 키비의 음반에서도 이런 노력을 어렵지 않게 찾아볼 수 있었다.




열 세번째 트랙 'Still Shining'은 더 콰이엇과 D.C가 피쳐링으로 참여하고 있는 곡이다. 이 곡은 세 번째 앨범을 발표하게 된 키비의 자전적인 심정이 담긴 곡으로서 '달라질건 없지'라는 가사처럼 지금의 현실을 직시하고 초심을 잃지 않겠다는 다짐이 담긴 곡이기도 하다. 마지막 트랙 '이 별에서 이별까지'는 첫 번째 트랙과 대구를 이루고 있는 인스트루멘탈 곡인데, 첫 번째 곡에서 말미에 살짝 우주적 일렉트로닉 사운드를 맛만 보여주었었다면 마지막 트랙에서는 본격적으로 이 사운드를 이용해 곡을 진행하고 있다. 뭐 당연한 것이겠지만 곡 곡이 아니라 하나의 앨범으로서 평가받으려는 키비의 의지가 담긴 설정이라고도 할 수 있겠다.




전체적으로 이번 앨범은 키비 특유의 장점을 잘 가지고 있으면서도 대중적으로도 크게 손색이 없을 정도로 접근성이 용이한 음악이 수록되었다고 생각된다. 샘플링을 최소화 하고 심플한 악기 구성과 플로우 만으로 세련되고 퀄리티 높은 음악을 만들려는 키비의 노력은 앨범에 잘 묻어나있다. 하지만 이것이 힙합 씬에 완전히 새로운 방향성이라고까지 보긴 어렵지 않을까 싶다. 새롭다기보다는 미니멀하면서도 그들만의 장점을 잘 살려낸 괜찮은 힙합앨범이라고 할 수 있지 않을까.

사실 어떤 형태든 어려운 이들, 특히 가난으로 고통 받거나 질병으로 고통받는 아이들을 돕는 일은 누구나 '해야지, 해야지'하고 생각만 하지 실천으로까지 옮기게 되는 경우는 극히 드문 것 같아요. 저만 해도 다큐멘터리나 다양한 정보들을 통해 이런 마음가짐은 항상 충만해 있는 상태이지만 실제로 직접적인 기부라던가 후원을 했던 경우는 극히 드물었던 것 같구요.

이렇게 기부를 꺼리게 되는 이유 중 하나는 과연 내가 저 아이를 혹은 저 사람을 돕고자 기부한 돈이나 물건이 과연 정말 그 아이에게 끝까지 전달되는가에 대한 불신도 있을 수 있고, 기부를 하려면 필요한 약간의 절차들을 번거로워 하기 때문인 것도 같네요. 물론 저는 아직도 직접 가서 정말 필요한 것들을 해주거나 도와주는 일이 더 바람직하다고 생각하긴 하지만, 이건 아무래도 시간과 공간의 제약이 들 수 밖에는 없고, 그렇기 때문에 정작 실천으로 옮기니는 더 어려운 법이죠. 그래서 인터넷이 활발해지고 또한 블로그가 활성화되면서 인터넷에 다양한 도구들을 사용하여 부담없이 기부를 할 수 있는 방법들이 많이 개발되었고, 그 중 하나가 오늘 소개할 위젯형식의 유니세프 후원이라 할 수 있겠습니다.

이번에 유니세프와 블로그가 함께 하는 후원 위젯은 기존의 후원 방식보다도 좀 더 편리하고 부담이 없는 경우라고 할 수 있겠네요. 일단 위젯의 디자인이 (개인 블로그의 디자인과 성향에 따라 차이가 있을 수는 있겠지만) 크게 전체적인 디자인을 해치지 않을 정도의 다양한 크기와 디자인으로 제작되었다는 점을 들 수 있겠네요. 그리고 무엇보다 1차적인 기부 방식과는 달리 간접적인 후원 방식을 통해 후원하는 이가 별로 큰 부담을 느끼지 않는 한에서 기부를 할 수 있다는 점이 가장 큰 장점인 것 같습니다.




위젯을 통해 원하는 쇼핑몰을 선택하여 상품을 구매하면 일정 금액이 자동으로 후원되는 방식을 취하고 있는 것이죠. 그러니까 꼭 기부를 위해서 무언가를 사야겠다 해서 접근하기 보다는, 뭐 살게 있었는데 이왕이면 기부도 하면 좋겠다 라는 식이 되는거죠. 물론 주객이 전도되어 후원을 하기 위해 조금 덜 쓸모있는 상품을 사주는 센스!도 발휘될 수 있겠지만 (ㅎㅎ), 그렇지 않다하더라도 그냥 쇼핑을 하는 것만으로도 후원을 할 수 있게 되는 점이 이번 유니세프 후원위젯의 가장 큰 장점이 아닐까 생각됩니다.
더군다나 소득공제까지 지원하고 있으니 직접 기부하는 것과 똑같은 효과도 볼 수 있겠구요.

사실 맨처음 언급했던 것처럼 좋은 일을 하거나 어려운 사람들을 돕고자 한다면 위젯말고도 주변에 나를 필요로 하는 곳은 참으로 많다고 생각됩니다. 하지만 매번 머리로 생각만 하고 안타까워 할 바에야 그저 블로그에 위젯을 다는 것만으로도 유니세프를 후원할 수 있는 위젯을 다는 것은, 별로 어렵지도 않고 나쁘지도 않고 심지어 좋기까지한 방법이라고 생각되네요 ^^;

더 많은 분들이 유니세프 위젯을 블로그나 웹상에 퍼트리셔서, 전세계에 가난과 질병으로 고통받는 아이들에게 조금이나마 힘이 되었으면 좋겠습니다~

악마가 너의 죽음을 알기 전에 (Before The Devil Knows You, 2007)
외로운 시대, 외로운 가족의 초상


2007년 작이긴 하지만 이번에 국내에는 처음 정식으로 선보이게 된 시드니 루멧 감독의 <악마가 너의 죽음을 알기 전에>는 <12인의 성난 사람들>, 알 파치노가 열연했던 <뜨거운 오후>, 범죄/미스테리 영화의 대표작 중 하나라 할 수 있는 <오리엔트 특급 살인사건> 등을 연출했던 거장 시드니 루멧의 작품이라는 점만으로도 일단 관심을 갖게 되었던 작품이었다. 감독의 이름을 보고 관심을 갖게 되었는데 여기에 출연한 배우들의 면면을 보니 이건 더 대단한 것이 아닌가. <카포티>와 <다우트>를 통해 새삼스럽게 연기력을 평가받고 있는 필립 세이무어 호프만과 오랜만에 스크린에서 연기하는 모습을 만나게 된(적어도 개인적으론) 에단 호크, 그리고 최근 <더 레슬러>를 통해 인상적인 연기를 펼쳤던 마리사 토메이와 대배우 알버트 피니까지. 이런 배우들과 시드니 루멧이라는 감독이 만들어낸 작품은 과연 어떨지 영화 팬으로서 기대가 되지 않을 수 없었다.



(이후부터는 내용에 관한 스포일러가 있을 수 있습니다. 원치 않는 분들께서는 맨아래 단락으로 이동해주세요~)




영화는 범죄 현장을 보여주는 것으로 시작한다. 이들에게 어떤 사연이 있는지 어떤 관계에 있는 것인지는 일단 생략한채 살인이 발생하게 되는 범죄 현장을 보여주고는 천천히 시간을 거슬러 올라가 이들의 이야기를 들려주게 된다. 그런데 이 범죄 현장에 얽힌 이들과 사연이 예사롭지가 않다. 아니 오히려 너무 일반적이고 현실적이라 예사로움 그 자체일지도 모르겠다. 형제인 에디(필립 세이무어 호프만)와 행크(에단 호크)는 각자의 경제적 사정 때문에 보석상을 털기로 계획을 세운다. 아, 계획은 형인 에디가 한 것이며 행크는 단지 실행할 뿐이다. 그런데 이 보석가게는 다름 아닌 형제의 부모님이 운영하는 가게다. 이 계획에 흥미로운 점은 결과적으로 피해자가 없는 범죄라는 것이다. 자신들은 보석상을 털어서 돈을 챙기고 부모님은 보험을 들어 놓았기 때문에 피해는 커녕 오히려 득이 될 수도 있는 상황이다. 더군다나 범행 예상시간에는 가게 내에 노인 한 명만 지키고 있을 뿐이기 때문에 별다른 몸싸움이나 인명 피해 없이 저지를 수 있는 상황이다. 또 하나 흥미로운 점은 이들이 훔치려는(얻으려는) 돈이 일확천금이 아니라 단순히 현재 자신들에게 닥친 문제를 해결할 만한 정도라는 것이다.

보통 범죄 영화와 이 영화가 가장 차별되는 점은 바로 이 목적에 있다 하겠는데, 이 계획은 에디와 행크에게는 각자 사소하다면 사소한 문제를 해결하기 위한 것일 뿐이고, 그들의 계획대로 된다면 아무도 피해받지 않고 서로의 이익을 얻을 수 있게 된다. 그들은 표면적으로 뿐만 아니라 실제로 이 정도만을 목적으로 한 범행이었으며, 더 이상은 바라지도 않는다. 하지만 이들의 이런 계획은 전혀 예상치 못했던 방향으로 전개가 된다. 에디의 계획에는 없었던 인물이 행크의 뜻에 따라 합류하게 되었고, 목숨을 잃은 사람이 2명이나 발생하게 되었으며, 무엇보다 형제의 어머니가 가게에 남아있었기 때문에 어머니가 죽음을 맞이 하게 된다. 계획대로 일이 되지 않자 이들 형제는 몹시 당황하게 된다. 평소 우유부단하고 독립성이 부족했던 동생 행크는 이 현실에 어쩔 줄을 몰라하고, 모든 일을 계획대로 이뤄 처리하던 형 에디도 자신이 예상치 못했던 변수들로 인해 틀어져 버린 이 현실 때문에 공황상태에 빠져버린다.




개인적으로 이 영화에서 가장 흥미롭게 보았던 점은 바로 이런 점이었다. 예상하지 못했던 상황이 발생했을 때 갈피를 잡지 못하고 갈팡질팡하는 인물들이 모습, 더 나아가 결국 이들이(이럴 필요도, 그럴만한 목적이나 악의를 애초부터 갖지 않았던 이들이) 얼마나 급격하게 무너져 내리는 가에 대한 묘사가 바로 그것이었다. 이 영화는 기법 측면에서 사건이 진행되고 나서 그 사이에 각 인물들이 어떤 과정을 겪어왔는가 일종의 플래쉬백을 통해 보여주고 있는데, 이를 단순히 기법 측면만으로 해석하기에는 부족함이 많을 듯 하다. 제목인 '악마가 너의 죽음을 알기전에'에서도 알 수 있듯이, '~ 뭐 하기 전에' 라는 뉘앙스와 계속 사건이 벌어지고 나서 그 전으로 돌아가는 구성 방식은, 이런 일을 겪지 않을 수도 있었던 나약한 인간들에 대한 애정어린 시선이 담겨있으며, 항상 이런 불안 요소를 잠재한 채 살아가고 있는 이 시대의 외로운 이들과 가족에 대해 이야기하려는 의도에서 이해할 수 있는 부분이라 생각된다.

바로 이 불안감에 대해 영화는 또 깊게 묘사하고 있다고 생각되는데, 겉보기에는 크게 문제가 없어 보이는 인물들, 그리고 별로 문제가 될 것 같아 보이지 않았던 일들이 결국 모두 표면 밖으로 터져나오는 걸 보여주면서, 이런 불안감을 항상 잠재하고 있는 현실을 이야기하고자 하는 듯 했다. 범죄 현장에 무엇을 남기지는 않았는지, 목격자는 없었는지 행크에게 닥달하듯 계속 되묻는 에디의 모습에서는 멀쩡해 보이는 겉모습 뒤에 어떤 불안의 잠재요소가 있는지 되묻는 것과 연관지어 생각해 볼 수 있었다. 그리고 이 불안 요소를 더 증폭시키기 위해 영화 음악이 의도적으로 사용되었는데, 이 영화의 영화 음악은 마치 사운드 시스템에 오류가 난 것이 아닌가 흠짓 착각했을 정도로 계속 불안하게 음이 끊긴 채로 전달된다. 이렇듯 관객의 심리를 불안하게 만드는 것은 영화 속 인물들의 불안한 심리를 더 극대화 시키려는 영화적 장치로 사용되고 있다.




또 하나 생각해볼 수 있었던 건 가족이라는 울타리를 통한 인물들의 해석이었는데, 아버지로 부터 이어진 가족의 불안요소와 불화가 결국 어떤 결말로 이어지는지를 보는 것도 흥미로웠지만 무엇보다 각 인물들의 상황을 겪으면서 이 가족이라는 울타리가 어떻게 작용되고 있는지를 보는 것이 더욱 흥미로웠다. 에디와 행크는 예상치 못했던 일들을 겪으면서 본인도 의도 하지 않았던 일들을 더 저지르며 상황을 악화시키게 된다. 특히 본래는 아무도 죽이지 않으려던(그래서 총도 장난감 총만 준비하고자 했던) 계획을 세웠던 에디는 사태가 급변하면서 이 사건에 관련된 이들을 거침없이 죽음에 이르게 한다. 내러티브 측면에서 왜 에디가 필요없는 사람까지 죽여야 했는가라고 묻는 다면, 이 상황에 놓인 에디는 이미 그런 맥락을 다 따져가며 살인을 저지르는 심리 상태가 절대 아니었다고 반박할 수 있을 것이다. 그는 자신 스스로도 공포스러울 정도로 일을 최악으로 몰고 가버리게 되는데, 이건 일종의 불안에 잠식되어버린 연약한 인간상의 표현이라고 할 수 있을 듯 하다.

가족으로 다시 돌아와서. 흥미로운 점은 에디나 행크의 모습이 너무도 외로워 보였다는 것이다. 일단 애초에 문제가 되었던 경제적인 문제를 나누고 들어줄 만한 친구나 동료가 이들에게는 없었으며, 사태가 최악으로 치닫았을 때도 고민을 들어줄 존재라고는 결국 자신들 밖에는 없었다. 특히 에디의 경우는 돈을 주고 마약을 거래하는 마약상에게 자신의 이런 고민을 털어놓게 되는데, 마약상은 딱 잘라 관심없음을 표현한다. 정말 자신을 잘 표현하지 않는 에디가 참다참다 못해 자신의 고민을 털어놓을 사람이 이런 남과도 같은 관계에 있는 사람이라는 점은, 가정 내에서 문제를 겪은 이들이 얼마나 다른 사람들과의 정상적인 관계를 맺는데 실패했는지를 통해 이들이 얼마나 외로운 존재인가를 보여주고 있다.  영화 속에서 에디와 행크가 끊임 없이 서로에게 전화하는 것은(특히 에디가) 단순히 이 사건에 둘이 공모했다기 보다는 이런 고민을 나눌만한 이가 서로 밖에는 없기 때문인 점도 들 수 있을 것이다.

결국 외로운 시대에 외로운 존재였던 이들이 어떤 예상치 못했던 상황에 닥쳤을 때 얼마나 쉽게 무너져 내리는지, 이들이 이렇게 까지 되어버린 데에는 가족이라는 울타리가 얼마나 큰 책임이 있었는지를 이야기하는 텍스트로 이해할 수도 있을 것 같다. 정작 감독은 이 영화를 멜로 드라마로 규정하기도 했는데, 그런 측면도 발견할 수는 있었지만 개인적으로는 지금까지 얘기했던 것과 같은 것으로 더 받아들이게 되었다.




<다우트>를 보며 '와, 연기만으로도 이렇게 공포감을 느낄 수 있구나'하는 것을 실감하곤 참 대단하다고 느꼈었는데, 이 영화에서 배우들이 보여주는 연기는 또 다른 측면으로 이해할 수 있을 듯 하다. 필립 세이무어 호프만은 이 영화 내에서 거의 감정이 폭발하지 않는다고 볼 수 있는데, 별로 폭발시키지 않고 내색을 하지 않는 듯 하면서도 이렇게 캐릭터에 무게감을 전할 수 있구나 하는 것을 이 영화를 통해 느낄 수 있었다. 전작들을 통해 필립 세이무어 호프만의 여러 종류 연기를 만나볼 수 있었는데, 이 영화에서 그가 보여준 연기는 그의 또 다른 면목을 새삼 느끼게 하는 고수의 연기였다 하겠다.

에단 호크는 자신 본인이 가지고 있는 연약함의 이미지를 이 영화에서 잘 표현해 내고 있다 하겠다. 단순히 이미지를 소비하고 마는 것이 아니라 이것을 기반으로 영화 속에 잘 녹여낸 경우로서 과하지도 부족하지도 않은 정도를 보여주고 있다. 마리사 토메이는 최근 작품들에서 연이어 노출 장면이 많아 한편으론 '괜찮을까?'하는 생각이 들기도 했는데, 그 독특한 말투는 과연 이 사람이 <더 레슬러>에 나왔던 그 사람이 맞나 싶을 정도이기도 했다. 하지만 누가 뭐래도 개인적으로 가장 인상깊은 연기를 펼친 배우는 아버지 역할을 연기한 알버트 피니였다. 복잡하게 얽혀버린 가족사를 점점 알게 되는 인물을 연기하는 알버트 피니의 모습은 현실감을 잃지 않으면서도 필립 세이무어 호프만과는 다른 측면에서 압도당하는 느낌을 관객에게 전한다. 표정 하나하나에서 그야말로 '열연'을 느낄 수 있었고, 이 영화가 좀 더 풍부한 스펙트럼을 보여주는데에 크게 한 몫을 하고 있다.




이 날은 영화가 끝나고 진중권 교수님이 함께하는 씨네토크가 이어졌다. 기존 영화 관계자나 평론가가 참가하는 씨네토크와는 달리 진교수님이 자신의 정리해온 내용을 발표형식으로 진행한 이후 토크를 진행하는 방식이었다. 개인적으로는 아무래도 영화 평론가라던가 관계자와 함께하는 방식이 아니다보니 일반적인 씨네토크와는 사뭇 다른 분위기로 진행이 되었던 것 같다. 좀 색다른 분위기의 씨네토크여서 흥미롭기도 했고, 영화 내용에 관한 토론보다는 철학적 텍스트에 관한 (아무래도 씨네토크 진행자와 참가자들의 성향에 따라 이런 방식으로 흐르게 되었던 것 같다)  이야기로 이어져 신선하기도 했다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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내 친구의 집은 어디인가 (Where is my friend (Khane-ye doust kodjast?), 1987)
제목으로 모든 것을 말해주는 영화


압바스 키아로스타미 감독의 1987년작 <내 친구의 집은 어디인가>는 예전 비디오테입으로 얼핏 본 기억만 있었는데 이번 아트하우스 모모에서의 재개봉을 통해 제대로 스크린에서 만나볼 수 있게 되었다. 예전에 스치듯 본 기억으로는 그저 어린 소년들의 해맑은 모습들과 친구의 노트를 전해주기 위해 열심히도 달리던 주인공 아마드의 모습만이 기억에 남았었는데, 이번에 나이들어(?) 다시 보게 된 영화는 그저 '유년의 책갈피에 꽂힌 한 장의 꽃잎 같은 영화'라고만 하기에는 상당히 깊은 사회적 문제와 메시지가 담긴 이중적 영화였다. 물론 그저 이란 아이들의 놀랍도록 순수한 눈망울을 보는 것 만으로도 충분히 인상적이었던 영화였지만.


(이후 부터는 영화에 대한 스포일러가 있을 수 있습니다.)




간단한 줄거리는 엄한 규율을 강조하는 선생님에게 가르침을 받는 아마드가 실수로 짝꿍의 숙제노트를 집에 가져오게 되는데, 한번 만 더 숙제를 해오지 않으면 퇴학시키겠다던 선생님의 말이 떠올라 겁이 난 아마드는 노트를 돌려주기 위해 집에서 한참이나 먼, 그리고 어디인지도 모르는 친구 네마자데의 집을 찾아 한참을 해매이게 된다.

어쩌면 내일 주면 되지 않느냐는 아마드 엄마의 말이 맞을 지도 모른다. 실제로 숙제를 해오지 못했더라도 아마 선생님은 네마자데를 퇴학시키거나 하지 않았을 것이다. 하지만 어린 아마드에게 이 사건은 결코 간단한 것이 아니다. 자신의 눈과 귀로 직접 확인한 공포가 있기 때문에, 더군다나 나 때문에 자신의 가장 친한 친구가 퇴학당할지도 모른다는 공포감은 아마드를 온갖 방해들에도 굴하지 않고 친구의 집을 찾아 떠나게 만든다. 그런데 흥미로운건 바로 아마드가 네마자드의 집을 찾기 위해 떠나는 여정 속에서 만나게 되는 사람들에게서 발견된다. 이 과정 속에서 만나게 되는 어른들은 하나 같이 일방적이다. 아마드가 몇 번씩 물어봐도 들을 생각이 없는 것인지 들리지 않는 것인지 대답은 커녕 시늉조차 하지 않고 오히려 자신의 얘기만 반복적으로 전할 뿐이다. 그저 단순한 질문에 대답만 해주었다면 간단했을 일이 집요하게 대답하지 않는 듯처럼까지 보이는 어른들 때문에 어린 아마드를 더욱 피곤하게 만든다.

이 영화는 의외로 굉장히 분노가 치미는 영화이자 인내를 시험하는 영화이기도 하다. 정말 집요할 정도로 영화 속에 등장하는 어른들은 자신들의 입장만 가치관만 전달하려 한다. 그것이 옳은가 그른가는 사실 별로 중요하지 않다. 그것보다는 남의 이야기를 전혀 들으려 하지 않는다는 것이 문제다. 아마드가 네마자데의 아버지인줄 알고 따라가게 된 문을 고치는 남자도 그렇고, 아마드의 할아버지도 그렇고 아마드의 선생님도 어머니도 마찬가지다. 과연 진짜 저럴까 싶을 정도로 아마드가 마치 투명인간인냥 상대하는 이들의 모습은 절로 분노를 일게 한다. 이들에게 아마드의 외침은 아무런 소득없이 돌아올 뿐이며 정말 말그대로 투명인간 그 이상도 이하도 아닌 존재일 뿐이다.




지그재그로 이어진 언덕을 오르는 모습을 굳이 리얼타임으로 보여주는 것은 이런 피곤함에 대한 상징적인 표현이라 할 수 있겠다. 관객들은 이 길을 처음 오를 때는 별 생각을 하지 않지만, 이 장면이 반복될 때에는 다들 탄식을 터뜨리게 된다. 다시 말해 관객은 전지적 입장에서 굳이 이럴 필요까지 없는 일이라는 것을 알기 때문에 그 속에서 고생하는 아마드를 보며 안타까울 수 밖에는 없는 것이다(아마드가 고생이 많다;).

마치 추리영화의 한 장면처럼 다양한 단서들을 조합하여 네마자데의 집을 찾던 아마드는 (이 영화를 추리극의 면에서 바라보면 굉장히 흥미로워진다. 같은 바지를 알아보고 추적하는 장면이나 네마자데라는 이름을 물어가며 집요하게 추적하는 장면은 마치 <추격자>에서 4885를 찾던 김윤석의 분위기마저 느껴진다), 밤이 되어서야 구세주같은 할아버지 한 명을 만나게 된다. 네마자데의 집을 알고 있다는 할아버지의 등장은 관객들로 하여금 '아, 다행이다'라는 안심을 불러일으키게 하는데, 이 할아버지가 그렇게 돌아돌아 찾아간 곳이 결국 낮에 들렸던 그 '네마자데'의 집이라는 사실을 알게 될 때 관객은 더 큰 한숨을 절로 짓게 된다. 결국 이 곳에서 아마드가 도움을 받을 수 있는 존재는 아무도 없었으며, 아마드는 체험을 통해서야 이런 현실을 깨닫고는 집으로 돌아와 밤을 새서 친구의 숙제를 대신해주게 된다.

사실 이 영화의 모든 것이 일어나지 않아도 될 일이었다면 그 중 가장 대표적인 일은 처음부터 숙제를 대신 해주었으면 간단했을 일라는 것을 들 수 있을텐데, 이렇게 굳이 이런 일들을 피곤하게 보여준 것은 이런 일들이 일어날 수 밖에는 없는 단절되고 피곤한 이란 사회에 대한 메시지를 전달하기 위함이 아니었나 싶다.




그런면에서 따져보면 이 영화는 '내 친구의 집은 어디인가'라는 제목에 대부분의 메시지와 감성이 담겨있다는 것을 알 수 있다. '어디인가'라고 묻는 아마다의 말에는 삭막한 사회 속에서 외치는 순수한 존재의 울림과도 같으며, 반대로 가장 친한 친구의 집도 알지 못하는 이란 사회의 폐쇠성과 경제적인 어려움을 엿볼 수 있다. 영화 속에서 직접적으로 드러나지 않지만 몇몇 장면들로 유추해보자면 이 아이들은 제일 친한 친구임에도 학교에서 어울리는 시간을 제외하면 따로 아이처럼 놀거나 할 여유가 없어보인다. 다들 가사나 일을 돕는데 남은 시간을 써야하기 때문에 단순히 노는데 투자할 시간은 없으며, 더군다나 동네가 떨어져 있는 경우는 더 할 것이다. 그렇게 때문에 '내 친구의 집은 어디인가'라는 제목은 가장 친한 친구의 집마저 모를 수 밖에는 없는 이란 사회의 현실에 대한 푸념일 수 밖에는 없는 것이다.


1. 재개봉이지만 대부분 영화를 처음 접하는 관객들이 많아서인지 영화가 끝나고나자 '화끈한' 반응을 보여주시더군요. 요근래 엔딩에서 이렇게 화끈한 반응이 있었던 영화가 있었나 싶을 정도였어요 ㅎ

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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안토니아스 라인 (Antonia's Line, Antonia, 1995)
삶과 죽음이 반복되는 인간의 굴레


<댈러웨이 부인>을 연출핶던 마를렌 고리스 감독의 1995년작 <안토니아스 라인>은 제목은 지인들을 통해 매우 자주 접해왔을 정도로 익숙한 영화였는데, 막상 실제로 작품을 보게 된 것은 이번이 처음이었고 다행히 그 경험은 극장에서 이루어졌다. 재개봉에 앞서 위드블로그와 함께한 시사회를 통해 만나볼 수 있었는데, 역시나 많은 영화팬들에게 회자되는 작품답게 여러가지 담론을 생성해 내고 있었다. <안토니아스 라인>이 언급될 때 반드시 빠지지 않고 등장하는 단어는 다름아닌 '페미니즘'일텐데, 개인적으로는 이 영화를 단순히 페미니즘 영화로 묶어버리기에는 아쉬운 점이 많을 듯 하다. 많은 페미니즘적 요소가 담겨있기는 하지만 여성을 위한 여성의 영화라기 보다는 결국 인간의 삶과 죽음 그리고 인생에 관한 이야기를 하려는 것으로 더 느껴졌기 때문이다.




영화는 간단히 말해서 '안토니아'라는 주인공을 중심으로  한 마을을 배경으로 그 속의 사람들의 관계와 가족의 탄생 그리고 역사에 대해 이야기하고 있다. 일단 이 마을은 일반적인 가족영화에서 등장하는 마을과는 분위기가 사뭇 다르다. 마치 스릴러 영화에나 나올 법한, 매우 고립되고 날이 서 있는 구성원들이 자리잡고 있는 기묘한 공간이며, 주인공 안토니아가 이 마을에 다시 돌아와 자리잡게 되면서(그리고 안토니아와 딸이 마을 사람들과 관계를 점차 맺어가면서) 이야기는 본격적으로 시작된다.

안토니아를 살펴보기 전에 이 마을 사람들의 이미지를 먼저 살펴볼 필요가 있다. 마을에 살고 있는 이들은 단순히 남자들 뿐만 아니라 모든 구성원들이 일종의 빈자리를 저마다 하나씩 갖고 있다. 안토니아가 이들과 관계를 맺게 되는 방식은 바로 이 빈자리를 채워주는 것이며 구성원들은 더 노골적으로 (모든 것을 이미 소유한듯한) 안토니아에게 자신의 빈자리를 채워주길 기대한다. 이를 단순히 성적인 욕망이나 자손 보존의 본능만으로 이해하기에는 부족한 부분이 많다. 그러한 눈초리와 기대도 분명 있겠지만, 영화는 단순히 남성과 여성에 대해 이야기하는 것을 넘어서서 일종이 구원의 존재를 통해 삶과 죽음의 역사를 풀어놓는 것이다. 이 영화가 페미니즘 영화로 불리우는 것은 이런 것을 가능케 하는 주인공이 여자이기 때문이다. 주인공 안토니아를 비롯해 딸인 다니엘은 물론이고 영화 속에 등장하는 여성 캐릭터들은 거의 다 독립적이고 남성에게서 자유롭거나, 안토니아를 통해 이런 삶을 살게 된다.  그 반대로 남성 캐릭터들은 상당히 무능력한 동시에 여성을 이용하려고만 드는 존재로 그려져 그 상대적 비교감을 더하게 한다.

개인적으로 페미니즘 영화라면 '여성에 의한'도 중요하겠지만 '여성을 위하는' 측면이 더 중요하다고 생각하는데, 그런 면에서 <안토니아스 라인>은 페미니즘 영화로만 바라보기에는 더 큰 주제를 얘기하고 있다는 점에서 다르다 하겠다. 그렇기 때문에 사실 기존에 하도 페미니즘 영화라는 소리를 듣고서 본 영화는 조금 의외이기도 했다.



(영화 속에는 안토니아가 씨 뿌리는 장면이 두,세차례 반복적으로 등장하는데 이는 분명 상징적인 것이다. '남편이 왜 필요하죠?'라는 안토니아의 영화 속 대사처럼, 정해진 성적 역할 분담에 대해 아무 생각없이 받아들이는 것은 문제임을 이야기한다)

최근 끝까지 감상을 했던 미드 <식스 핏 언더>를 본 탓인지 두 작품에서 비슷한 분위기와 메시지를 느낄 수 있었다. <안토니아스 라인>은 영화가 중반 이후까지 전개될 때까지 뚜렷한 메시지를 전달하지는 않는다(페미니즘 적인 측면을 제외한다면 말이다). 어찌보면 이 때까지는 그저 세월의 흐름과 가족의 구성과정 관계의 확장에 대해서 차근차근 이야기하고 있을 뿐이고 사건 사건을 그저 늘어놓을 뿐이다. 하지만 영화의 마지막이 다 되어서 그리고 결말이 나고나서는 앞서 풀어놓은 긴 세월의 흔적들이 결국 이러한 것들이 반복되는 인생사를 이야기하려는 소스였다는 것을 알 수 있게 된다. 보름달이 뜨면 늑대처럼 우는 여자와 그 아랫 층에 사는 남자의 이야기를 반복적으로 등장시킨 것은, 나중에 보름달만 보이고 아무 소리도 들리지 않게 되면 관객들이 느낄 허전함과 그녀가 죽고 난 뒤 그 소리를 평생 못견뎌하던 남자가 결국 이어서 늑대처럼 우는 장면을 통해 메시지를 전달하기 위함인 것이 단편적인 예라 할 수 있겠다.




계속 새로운 인간관계를 맺고 가족을 확장시켜 나가기만 했던 영화는 조금씩 구성원들 간의 갈등을 이야기하면서 균열과 슬픔에 대해서도 관심을 보인다. 그러다가 결국 마지막에 가서는 영화의 첫 장면처럼 다시금 죽음에 대해서 이야기한다. 이 영화에서 죽음을 묘사하는 장면 중에 하나 흥미로웠던 점은 죽음을 맞게 된 혹은 그 주변 사람이 죽음의 대해 미리 알고 있다는 점이다. 영화 초반 어머니의 죽음 때문에 오랜만에 고향으로 돌아오게 되었다는 안토니아의 내레이션에는 '하지만 아직 어머니가 죽기 전에 도착했다는 점이다'라는 얘기가 나오는데, 마지막 안토니아가 죽게 되었을 때의 묘사도 그렇고 자신의 죽음을 직접 준비하는 '굽은 손가락'의 경우도 그렇고, 죽음이라는 것이 인간으로서 막을 수 없는 순리라는 것을 강조하면서도 다른 한편으로는 그렇기 때문에 삶에 더 충실해야 한다는 진리를 역설하고 있기도 하다. 이는 매우 진부한 진리를 다루는 이 영화만의 방식이며 이 역시 <식스 핏 언더>와 동일한 부분이다.

영화는 자칫 무겁게 느껴질 수 있는 삶과 죽음의 이야기를 가볍게 춤추는 것처럼 유머를 섞어가며 자연스럽게 그려내고 있다. 마치 남들은 보지 못하는 것들을 보는 다니엘의 시선처럼(이런 설정은 이런 류의 영화에서는 잘 등장하지 않는 것으로 매우 신선하게 느껴졌는데, 잘 생각해보니 초반에는 이런 것들을 보았던 다니엘이 나중에 보질 못하고 그녀의 손녀인 아이가 다른 상상을 보게 되는 것 또한 생각해볼 필요가 있을 것 같다), 감독은 이 영화를 통해 보이는 것에만 집중하지 말고 세상의 정해진 선입견들을 비판없이 수용하지 말고, 나름의 인생을 살아가라는 것은 아닐까 하는 생각이 들었다.




1. 여러가지 측면으로 읽힐 수 있는 텍스트라는 점에서 <안토니아스 라인>은 좋은 영화라 할 수 있을 것 같습니다. 가족과 여성, 삶과 죽음, 이것들을 각각의 시선으로 각자가 느낄 수 있었으니까요.

2. 그러면에서 리뷰에는 다 쏟아내지 못했지만, 페미니즘 측면에서 본 영화, 인생사로 본 영화, 가족의 탄생 측면에서 본 영화 등 각각의 리뷰를 써보거나 비교하는 재미도 있을 것 같네요;;

시미즈 쇼타 (清水翔太) _ Umbrella
세련되고 편안한 소울 앨범

01. Digging On U
02. Home
03. With You
04. My Treasure
05. One Last Kiss
06. Love Story
07. Rainy Day's Morning
08. Unhappy
09. Lovin U
10. アイシテル
11. My Love
12. Soulmate
13. ソレゾレ


한 때는 Do as infinity와 Shiina ringo에 미친 듯이 몰두해 있어서 하루에도 수십번씩 이들의 같은 곡을 듣고 또 듣던 적이 있었을 정도로, 이 둘은 물론 다른 J-POP뮤지션들에게도 관심이 많던 시절이 있었는데, 솔직히 최근에는 그다지 큰 관심을 갖지 못한 것이 사실이었다. 그러던 중에 위드블로그를 통해 시미즈 쇼타 (清水翔太)라는 J-POP 뮤지션의 앨범을 들어볼 수 있는 기회를 갖게 되었는데, 시미즈 쇼타를 홍보하는 여러가지 글들 중에 개인적으로 가장 호기심을 자극했던 것은 '10대'도 '천재'도 아닌 '소울(Soul)'이었다. 더군다나 일본인 최초로 흑인 소울 음악의 성지 중 한 곳인 아폴로 극장에서 공연하고 찬사를 받았다는 문구는, 정말 아폴로 극장에서 극찬을 받을 정도의 실력일까 하는 의문과 함께 기대를 갖지 않을 수 없었다. 그리고 어린 나이에도 본인이 전곡 작사/작곡이 가능한 싱어 송 라이터라는 점도 시미즈 쇼타의 음악에 좀 더 관심을 갖게 하는 요소였다.




처음 CD를 플레이어에 넣자마자 흘러나오는 첫 트랙 'Digging On U'를 듣는 순간 '오, 이거 대충대충 하지는 않는데'하는 생각이 절로 들었다. 자신 만의 음악 색깔을 지속적으로 발표해 온 뮤지션들에게는 일종의 일관적인 '톤(Tone)'을 발견할 수 있는데, 시미즈 쇼타는 이번이 첫 번째 정규 앨범인터라 이런 평가가 섣부른 이야기일지도 모르지만 그에게서도 이러한 '톤(Tone)'을 느낄 수 있었다. 앨범을 전체적으로 관통하고 있는 하나의 음악적 분위기가 있었는데, 시미즈 쇼타의 그것은 데뷔 앨범과 어린 나이와는 어울리지 않을 정도의 세련되고 깔끔한 느낌이었다. 첫 곡 'Digging On U'는 마치 크렉 데이빗(Craig David)의 음악을 연상케 하는 편안한 분위기와 템포로 앨범의 시작을 알린다. 두 번째 트랙 'Home' 역시 비슷한 분위기로 전개되는 곡이지만 이전보다 좀 더 랩의 비중이 많아진 곡이며 라임도 생생하게 살아있으며 무엇보다 자연스럽게 그루브를 탈 수 있는 리드미컬한 곡이다. 'With You'는 전개 측면에서 상당히 대중적인 멜로디와 방식으로 이뤄져 있는 곡이다. 발라드에 가까운 멜로디 라인도 시미즈 쇼타의 음색이 더해지니 좀 더 세련된 느낌이다.




'My Treasure'는 테마가 있는 후렴구와 랩으로 이뤄진 부분으로 이뤄진 곡으로 시미즈 쇼타의 자연스러운 랩핑을 만끽할 수 있는 곡이기도 하다. 사실 처음 '천재적 소울 싱어'라는 소개 문구 때문인지는 몰라도, 정통파 소울 싱어일 줄로만 알았는데, 시미즈 쇼타의 음반은 앞서 언급한 크렉 데이빗(Craig David)의 음악 스타일에 더 가깝다. 스타일은 비슷하지만 크렉 데이빗 보다 좀 더 멜로디 측면에서 강점이 있달까. 쉽게 들을 수 있고 따라할 수 있는 대중적 멜로디 라인을 갖고 있다. 'One Last Kiss' 역시 전개 방식이 앞선 곡들과 비슷한 곡이다. 차이점이 있다면 멜로디 테마를 랩의 앞에 배치하느냐 나중에 배치하느냐에 차이라고 보면 되겠다. 7번째 트랙인 'Rainy Day's Morning'은 앞선 곡들과는 분위기를 달리 하는 곡이다. 재즈 선율로 시작하는 도입부와 좀 더 소울풀한 보컬로 시작되는 이 곡은 피아노 선율과 콘트라베이스가 심플하게 깔리면서 시미즈 쇼타의 보컬을 좀 더 돋보이게 한다. 6번째 트랙까지 전체적인 측면에서는 비슷한 분위기로 진행되었던 앨범의 느낌을 어느 정도 환기시켜주면서 쇼타의 색다른 매력을 엿볼 수 있게 하는 곡이 아닐까 생각된다.




'Lovin U'의 도입부는 마치 Musiq Soulchild의 곡을 듣는 듯 하다. 사용된 음색들도 그렇고 텐션을 주는 부분에 있어서도 Musiq의 영향을 많이 받은 곡으로 생각된다. 개인적으로 Musiq의 음악을 워낙에 좋아하는 터라 비슷한 느낌의 'Lovin U'가 가장 귀에 와서 감켰던 것 같다. 계단식으로 전개되는 상승 방식과 코러스가 가미된 후반부가 특히 마음에 든다. 10번째 트랙 'アイシテル (사랑해)'는 제목처럼 사랑스러운 러브송으로서 힙합에서 자주 사용하는 소스들을 배경에 배치함으로서 좀 더 세련된 사운드를 뽑아내고 있다. 어쿠스틱 기타 선율로 시작하는 'My Love'는 기타 선율에만 의지하여 담담하게 이어지는 시미즈 쇼타의 보컬이 인상적인 곡이다. 사실 데뷔앨범이고 어린 나이를 감안한다면 이렇게 담담하고 심플한 곡을 만들고 수록하기가 그리 흔한 일은 아닌데, 역시 신인답지 않은 실력을 갖춘 뮤지션임은 틀림없는 것 같다. 마지막 트랙 ' ソレゾレ(제각기)'는 자신의 첫 번째 정규 앨범을 마무리 하는 곡으로 잘 어울리는 곡이다. 자전적이면서도 희망적인 내용의 곡은 슬쩍 들어봐도 음악적인 기교보다는 메시지 전달 측면이 강하다는 것을 알 수 있었다. 자꾸 언급하니 지겹지만 마지막으로 언급하자면, 어린나이에는 어울리지 않는 세련됨이 아닐 수 없겠다.




'천재', '10대', '혜성처럼 등장한' 등의 문구는 분명 솔깃하기는 하지만 한편으론 선입견을 갖게 하는 문구들이기도 한데, 시미즈 쇼타의 데뷔 앨범 'Umbrella'는 이러한 선입견을 갖고도 편안하게 즐길 수 있었던 신인답지 않은 세련됨으로 무장한 괜찮은 소울 앨범이라 할 수 있겠다. 또한 크게 고민하지 않고 누구에게 쉽게 추천해줄 수 있는 앨범, 1번 트랙부터 마지막 트랙까지 물 흐르듯이 감상할 수 있는 앨범이기도 하다. 그리고 무엇보다 지금보다 앞으로가 더 기대되는 뮤지션이기도 하다. 지금의 나이를 생각해본다면 앞으로 그의 음악 스타일이 어떻게 변해갈지를 지켜보는 것만으로도 훈훈한 일이 되지 않을까 싶다.

벤자민 버튼의 시간은 거꾸로 간다 (The Curious Case of Benjamin Button)
F. 스콧 피츠제럴드

잘 알다시피 F.스콧 피츠제럴드의 단편집 '벤자민 버튼의 시간은 거꾸로 간다'는 데이빗 핀처의 동명 영화 <벤자민 버튼의 시간은 거꾸로 간다>로 더 주목을 받게 된 작품이기도 하다. 브래드 피트와 케이트 블란쳇 주연의 영화를 참으로 인상깊게 본 나로서는 원작이 된 소설에도 자연스레 관심을 갖게 되었고, 위드블로그와 함께 하는 도서 캠페인을 통해 좋은 기회에 피츠제럴드의 원작 도서를 읽을 수 있게 되었다. 사실 잠깐 착각하고 있었는데, 이 도서는 단편들을 여러편 모아둔 일종의 단편집이라는 점과, 영화와는 달리 '벤자민 버튼의 시간은 거꾸로 간다' 역시 짧은 단편이라는 점이었다. 영화를 볼 당시에도 이 정보는 알고 있었는데, 오히려 책을 읽을 때는 잠시 잊어버려서 생각보다 짧은 분량에 놀라기도 ;;;

책의 구성은 아래와 같다.

벤자민 버튼의 시간은 거꾸로 간다
젤리빈
낙타 엉덩이
도자기와 분홍
리츠칼튼 호텔만 한 다이아몬드
메이데이
치프사이드의 타르퀴니우스
오, 적갈색 머리카락 마녀!
행복의 잔해
Mr. 이키
산골 소녀, 제미나




위와 같이 영화화된 '벤자민 버튼의 시간은 거꾸로 간다'를 포함하여 총 11개의 단편 소설이 수록되어 있다. 11개나 되는 단편들이 수록되어 있지만 역시 뭐니뭐니해도 가장 기대가 되고 눈길을 끄는건 '벤자민 버튼....'이 아닐 수 없을 것이다. 피츠제럴드의 원작 단편은 긴 러닝타임을 제공했던 영화와는 달리 상당히 짧은 내용만을 수록하고 있는데, 그렇기 때문에 영화에 익숙한 이들이라면 다른 설정들은 제외하더라도 상당히 빠른 시간전개에 적잖이 당황할지도 모르겠다. 일단 피츠제럴드의 원작에는 로맨스가 주가 된다기 보다는 '늙은 사람이 아기로 태어나 시간을 거꾸로 간다'라는 설정 자체에 더 주목하고 있다. 이 설정을 통해 생겨날 수 있는 흥미요소들은 간략하게 배치하고 있다. 단편을 읽으면서 든 생각은 정말 영화처럼 아예 장편으로 기획되었다면 더 좋지 않았을까 하는 생각이었다. 이 같이 매력적인 설정을 그냥 단편으로만 놔두기엔 아쉬웠기 때문일까. 다양한 에피소드와 인물들을 그려낼 수 있는 소스였기에 그저 설정자체만 기억으로 남게 되는 단편은 조금 아쉬움이 남기도 했다. 그리고 한 가지 덧붙이자면 영화 제목이 '벤자민 버튼의 시간은 거꾸로 간다'로 정해지는 바람에 이와 관련된 모든 도서들의 제목도 이와 동일하게 되어버렸는데, 원제에 의미인 '흥미로운 사건(시간)' 혹은 '기이한 사건' 등으로 풀이했어도 좋지 않았을까도 싶다.




이 외에 수록된 단편들도 다들 짧은 분량으로 읽기에 크게 부담가지 않는 편이다. 하지만 역시 단편들이기 때문에 인물들이나 줄거리가 크게 인상적으로 기억이 남는다기 보다는 이름처럼 '단편적'인 기억들만 남게 되는 것 같다. 하지만 역시나 '위대한 게츠비'를 발표했던 F.피츠 제럴드답게 굉장한 스토리텔러로서의 능력을 이 작품에서도 유감없이 발휘하고 있다. 쉽게쉽게 읽혀지고 물흐르듯이 전개되는 줄거리는 단편이라는 포맷과 어울려 깔끔함을 더한다. 개인적으로는 영화에 힘입어 이 도서를 접하게 된 이들보다는 피츠제럴드에 끌려 책을 읽게 된 이들이 좀 더 깊은 인상과 재미를 얻어갈 듯 하다. '벤자민...'외에 단편들은 이야기 자체로 흥미로운 점도 물론 있지만 그 보다는 피츠제럴드의 문장력을 만끽하는 재미가 더욱 쏠쏠한 측면도 있기 때문이다.

단편이라는 특성 때문에 가끔 꺼내어 한편 씩 천천히 읽어보기에도 괜찮은 책 한권이 될 듯 싶다.

지난 2008년의 여름은 특별히 기억할만 했다. 민주주의 라는 것. 머리로는 알고 있었지만, 단 한번도 가슴으로 느껴보지는
못했던 것을 거리에서 직접 피부로 알 수 있던 시기가 바로 지난 해 여름이었고, 대한민국이라는 한 나라에 살아가는 국민으로서
무언가 주권을 행사했다는 느낌을 처음으로 받을 수 있었던(대통령 선거시에도 느낄 수 없었던) 시기였으며, 아직 대한민국이
뜨거운 심장을 갖고 있는 나라라는 것을 확인할 수 있었던 뜨거운 여름이었다. 여중,고생들의 촛불 시위로 시작되었던 이 작고
미약하지만 의미 깊었던 행동은 정부의 더해만 가는 실수와 잘못된 일들을 통해 눈덩이 불어나듯 국민들의 참여를 독려하기에
이르렀고, 결국 모든 국민들이 직접 거리로 나와 현장에서 민주주의를 실현하는가 하면, 직접 거리에 나오지 못하는 시민들은,
아프리카를 통한 인터넷 생중계로 밤을 지새워가며, 내 나라에서 내 국민들이 어떻게 권력에 의해 상처를 받고, 민주주의를
지켜가기 위해 얼마나 큰 희생을 감수해 나가는지 실시간으로 확인할 수 있었다.

이런 뜨껍던 여름이 가고 벌써 겨울이 왔다. 아직 촛불이 완전히 꺼진 것은 아니지만(촛불은 아직도 곳곳에서 불타고 있다!),
사실상 많은 이들이 전장과도 같았던 거리에서 돌아와 현실의 삶을 살고 있는 요즘, 2008 촛불을 돌아볼 수 있는 책 한권을
만나볼 수 있었다. 천주교 정의구현 사제단의 시국 미사에서 나온 '어둠은 빛을 이길 수 없습니다'라는 문구를 제목으로 차용한
이 책은, 다양한 사진들과 글들로서 이 당시를 비교적 객관적으로 그려내려 노력하고 있고, 실제로 이 같은 입장에서 크게
벗어나지 않고 있다.




이 책을 읽으면서 가장 처음 들었던 생각은, 비교적 객관적인 시각에서 바라보려고 노력했다는 점을 느낄 수 있었다는 점이다.
'닝만적으로만 그리지 않으려고 했다'라는 책 속 등장 문구처럼, 촛불에 가장 가까운 곳에서 당시 있었던 일들을 그리고 있지만,
너무 한 쪽으로 치우쳐서 평정심을 잃게 되는 실수는 하지 않고 있음을 느낄 수 있었다. 책 속 내용은 촛불이 일어나게 된 계기서
부터 이 운동이 어떻게 전개되고, 어떻게 진화되어 갔으며, 어떤 현상들을 일으켜 왔는지에 대해 시간적인 흐름에 따라 차근차근
이야기 해 나가고 있다. 사실 어느 한 쪽을 확연히 두둔하는 입장을 가진 화자에 입장으로 쓰여진 도서라는 점에서 객관성을
갖기란 그리 쉽지 않은 일이었을텐데, <어둠은 빛을 이길 수 없습니다>는, 촛불의 현장을 있는 그대로 전하는 것 외에도,
그동안 촛불의 뜨거운 현장을 그저 친북좌파 빨갱이들이 주도한 폭정 정도로 오해하고 있는 이들에게 전하려는 듯,
최대한 객관적인 입장에서 이야기하려 애쓰고 있다(애쓰고 있다고 표현한 점은, 굳이 그렇게 하지 않더라도 진실은 결국 승리할
것이라는 개인적 의견이 반영된 터다). 실제로 내 주변에도 이 촛불의 행동들을 가지고 일부 급진적 무리가 이끄는 폭동에 가까운
사건으로 생각하는 일들이 많았었다. 각종 외곡된 뉴스와 신문 등을 통해서만 정보를 접했던 이들이라면 이런 오해가 전혀 무리는
아니었을지도 모른다. 하지만 단 한번이라도 시청 앞 거리에 나가보았다면 이런 오해는 하지 않았을 것이다.

시청 앞에서 전경들과 대치했던 이들은, 운동권도 아니었으며, 친북좌파 세력은 더더욱 아니었고, 평소 사회문제에 관심이 많아
자주 행동으로 표현했던 이들도 아니었으며, 그저 나도 문제가 있는 미국산 쇠고기를 먹을 수도 있었기에 그러면 안되겠다고
문제제기를 한 평범한 시민들이었으며, 전경의 군화발 아래 무참히 밟히는 여성의 모습을 보고 더 이상 집안에서 두고만 볼 수는
없겠다 라고 생각한 일반인들이었다.




그런 의미에서 이 책 <어둠은 빛을 이길 수 없다>는 비교적 객관적인 입장을 취하고 있다(개인적으로는 굳이 객관적이지 않아도
될만한 문제라고 생각하지만). 촛불이 처음 켜지게 된 시작점부터 이야기를 차근차근 진행해 가면서 왜 평범한 중고생들이,
왜 아이를 갖은 유모차 부대들이, 왜 예비군들이 다시 군복을 입게 되었는지, 왜 회사원들이 가정을 소홀히 해 가며 거리로
나와야했는지에 대해 시간적으로 설명하고 있다. 이 책에 서술 방식은 단순히 정부가 잘 못 해서 국민이 혼을 내러 나선 것이다
라는 식으로 전개되지 않는다. 무엇을 잘못했고, 왜 나섰으며, 어떻게 해야 되는지에 대해 정확히 짚어내고 있으며, 더 나아가
객관성을 담보로 진실을 더욱 진실되게 하기 위해, 이 과정 속에서 벌어졌던 몇가지 부정적인 이들에 대해서도 서슴없이 거론하고
있다. 실제로 촛불 시위 혹은 문화제가 커져가면서 몇가지 부정적인 모습들이 드러나기도 했었다. 정부의 생각과는 달리
특별한 주도 세력이 있었던 시위가 아니었기 때문에, 무언가 큰 결정을 해야만 할 때에는 결정 과정에 문제를 겪기도 했으며,
평화적으로 이끌어 가려는 대부분의 생각과는 달리 급진적이고 폭력적인 방법을 사용하려는 일부의 움직임도 생겨났으며,
이른바 '프락치' 논란도 생겨나게 되었다.

지금 같은 정부의 분위기를 보자면 이 같은 사항들을 거론하는 것은 분명히 필요없이 여지를 만드는 일일 수 있다.
하지만 '어둠은 빛을 이길 수 없습니다'라는 책 제목과도 같이, 정의는 결국 승리한다는 명제에 근거하여 이 책은,
이런 여지를 두는데에 전혀 두려움을 갖고 있지 않고 있다. 왜냐하면 아무리 이를 은폐하고 조작하려는 세력이
이를 들먹여 진실을 외곡하려 한다해도, 아니 외곡한다해도 결국 진실은 변하지 않는다는 것을 잘 알고 있기 때문이다.




이 책이 객관성을 갖고 있다고 이야기할 수 있는 또 다른 이유는 책 속 화자들의 입장 때문이기도 하다. 이 책은 여러 명의 화자를
통해 쓰여지고 있는데, 이들 가운데는 촛불에 시작부터 열렬히 참여했던 이들도 있으며, 뉴스에서 거론이 된 시점부터 나서게 된
이들도 있고, 몇 번 나가보지는 못했지만 마음 속으로만 응원했던 이들도 있다. 물론 그 현장 속에서 치열하게 하루하루를
싸워왔던 이들의 이야기를 전해 듣는 것도 소중한 경험이 되겠지만, 이렇듯 다양한 입장에 처한 이들이 자신들의 입장에 근거해서
같은 현상을 바라보는 형식이 좀 더 객관성을 부여 받을 수 있을 것이다. 왜냐하면 이 책은 서론에 언급했던 것처럼 2008년 여름,
거리에서 뜨거운 시간을 함께 보낸 이들에게 보내는 감상에 젖은 추억의 사진첩이 아니라, 촛불을 오해하고 아직까지 여기에
적극적으로 함께 하지 못한 이들에게 보내는 일종의 제안서이기 때문이다.

개인적으로 조금이나마 이 촛불행렬에 동참했던 사람으로서 좀 더 감상적이어도 나쁘지 않겠다라는 생각을 했었지만,
그렇게 된다면 결국 우리들만의 추억으로 기억될 뿐이고, 촛불 밖에 있던 사람들은 끝까지 진실을 오해한채 살아갈 뿐이었을
것이다. 이 책은 이런 면에 있어서 좀 더 쉽고 편하게 접근할 수 있는 방법으로 간결한 문체와 더불어 다양한 사진자료들을
적극 활용하고 있다.




이 책이 만약 딱딱한 문체와 많은 글들로만 채워졌다면 훨씬 더 접근하고 공감하기 어려운 텍스트가 되었을 것이다.
하지만 <어둠은 빛을 이길 수 없습니다>는 복잡하고 어려운 글보다는 쉽게 쓰여진 글들과 쉽게 상황을 파악할 수 있는 사진들로
주로 이뤄져있다. 사진들 역시 자극적인 사진들로만 채워진 것이 아니라 이 촛불이 그들만의 이야기가 아니라 이 책을 읽고 있는
우리의 이야기이기도 하다는 것을 보여주기 위해 가볍고 친근한 사진들부터 충격적인 사진들까지 골고루 수록하고 있다.

해맑은 미소를 짓고 있는 아이를 무등 태우고 있는 아빠의 모습이라던가, 교복을 입고 피켓을 들고 있는 학생들의 모습,
서로 웃으며 위로하는 시민과 전경들의 모습을 통해서는 뉴스나 언론등을 통해 전해졌던 자극적이기만 했던 이면에는,
이렇듯 사람들이 있었다는 것을 일깨우는 한편, 현장에 가깝게 있지 않았다면 알 수 없었던 현장을 담은 사진들을 통해서는
이렇게 평범한 사람들이 왜 이렇게 싸워야만 했는지에 대해 저절로 생각해 볼 수 있는 기회를 제공하고 있기도 하다.




사실 이 책을 한장 한장 읽으면서 든 생각은, 현재도 거리 곳곳에서 촛불을 켜고 있는 이들에게 보내는 존경심과 미안함이었다.
지난해 여름 촛불에 함께 할 수 없었던 이들은 물론이고, 거리에서 물대포를 맞으며 격렬히 저항했던 '촛불시민'의 일부조차
현재는 대부분 자신들의 일상으로 돌아와 이를 추억처럼 여기고 살아가고 있는데, 아직 촛불은 꺼지지 않았다.
지난 여름처럼 대규모의 불꽃은 아니지만 여기저기서 소규모로, 다른 형식을 통해 촛불은 계속 꺼지지 않고 그 명맥을 이어왔으며
본래 촛불이 이루려던 민주주의와 국민 주권을 위해 여기저기서 활활 불타고 있다. 보통 이런 서적이 발매될 당시 같으면,
어느 정도 사건을 정리하는 측면에서 '그 때는 그랬었지' '이런 사건들이 있었다'라는 식으로 서술하게 되지만,
아직 촛불은 꺼지지 않았고, 이 책 역시 이 점을 간과하지 않고 있다.




이 책은 물론 지난해 여름과 촛불을 정리하는 의미를 갖고 있긴 하다. 하지만 종결으로서가 아니라 진행형으로서 촛불의
행동을 정리하고 있다는 점에서 의미를 갖는다 하겠다.

'망각에 대한 기억의 투쟁,
이 책은 그 작은 시작입니다.'

라는 표지 문구에서 알 수 있듯이, 촛불이 가장 두려워 하고 있는 것은 어쩌면 망각일지도 모른다.
<어둠은 빛을 이길 수 없습니다>는 촛불은 이제 끝났어 라고 생각하는 타인들을 위해, 그리고 지난해 거리에서 촛불을
함께 들었지만 현재는 함께하지 못하고 있는 이들을 위해, 그리고 무엇보다 추억이 아니라 현재에서도 촛불이 꺼지지 않기 위해 현장에서 노력하고 있는 이들에게 바치는 아주 작은 행동이 아닐까 싶다.

책을 읽는 내내 더 함께하지 못해 부끄러웠고, 나 조차 망각했었던 부분이 떠올라 더욱 부끄럽기도 했다.
여러가지 미사여구를 사용할 수도 있겠지만, 결국은 제목이 모든 것을 말해준다고 생각한다.

'어둠은 빛을 이길 수 없습니다.'

7월 5일 V for Vendetta 퍼포먼스 후기 #2

7월 5일 V for Vendetta 퍼포먼스 후기 #1

2008.06.30 _ 천주교정의구현사제단 시국미사

2008.06.10 _ 6.10항쟁 거리에서.

2008.06.07 _ 촛불

24 시티 (24 city, 2008)
타인은 거론할 수 없는 그들의 이야기

<스틸 라이프>를 연출했던 지아장커의 신작 <24 시티>는 사실 보기 전부터 조금 겁을(?)먹었던 작품이기도 했다.
다름이 아니라 기존 그의 작품들과 비교해봐도 더 건조할지도 모르겠다는 이미 본 지인의 말 때문이기도 했는데,
결과적으로 명절 연휴가 끝나고 출근한 첫날 저녁에 이루어진 시사회라 잠깐 졸긴 했지만, 영화가 끝난 뒤 진행되었던
허문영, 김영진 평론가의 씨네토크 덕분에 한결 영화에 대한 이해가 수월했던 시간이기도 했다.


(이후부터는 영화에 대한 스포일러가 있을 수 있습니다)




다큐멘터리 방식으로 이루어진 <24 시티>는 중국 서남부 쓰촨성에 위치한 청두라는 도시에 있었던  '420 공장'을 배경으로
이야기를 풀어나간다. 주로 군수물자를 생산하며 한 때 청두의 주요 생활 터전이기도 했던 이 공장이 국가의 정책 변경에 따라
재개발이 이뤄지고 이로 인해 '24시티'라는 최상급의 고가 아파트 단지가 들어서게 되면서, 이 곳에 살고 있던 혹은 일하고 있던
이들의 이야기를 인터뷰 형식으로 담아내고 있다.

<24 시티>는 거의 대부분의 러닝타임을 극중 인물들의 인터뷰로 채워가고 있는데, 다큐멘터리 형식을 감안하더라도 다른
동장르의 작품들에 비해 상당히 긴 호흡의 인터뷰를 담고 있는 것이 사실이다. 그리고 그 내용 자체가 크게 극적이지도 않을
뿐더러 굉장히 사소하고 소소한 얘기거리 들이며, 인내심을 요할 정도로 상당히 길게 진행되곤 한다. 이를 통해 영화를 보면서
가장 먼저 생각하게 된 점은 우리가 자신이 모르는 (혹은 아는 사람이라고 하더라도) 사람들의 이야기를 이렇게 길게 들어본 적이
있는가 하는 것이었다. 아무리 현실에 가까워 있다는 다큐멘터리 들을 보아도 여기에 등장하는 인물들의 이야기는 어느 정도
극적인 요소를 위해 편집되기 마련이다(물론 이 영화 속 인물들의 인터뷰도 편집된 것이지만). 그렇기 때문에 영화 속 인물들의
이야기를 어쩌면 이렇게 길게 까지 듣게 되는 경우는 흔치 않았을 뿐더러 대부분이 별로 중요성을 느끼지 못하고 있기도 하다.
그런데 지아장커 감독은 의도적으로 별로 극적이지도 않고 어찌보면 별로 중요하다고 느껴지지도 않는 이야기를 아주 길게
늘어놓음으로서, 기본적으로는 누군가의 이야기를 진지하고 길게 들어준 적이 있는가에 대해 의문과 동시에 메시지를 전달하고
있는 듯 하다. 보통 같으면 이 긴 이야기 속에 어떤 메시지를 담고 있어서 감독의 메시지를 그대로 전달하려고 하겠지만,
지아장커는 정반대로 이렇게 누군가의 이야기를 길게 늘어놓고 듣게 하는 형식 자체를 통해 메시지를 전달하려고 하는 듯 싶다.
즉 누군가의 사정과 인생을 듣고 보는 것 만으로는 절대 이들의 이야기를 안다고 말할 수 없다는 걸 말하려고 한다는 것이다.




사실 영화가 끝나고 두 평론가 분들과 함께 했던 씨네토크를 함께 하기 전까지 이 영화를 통해 감독이 말하려고 하는 바에 대해
약간 의문스러운 점이 있었다. 무언가 깨름직하긴 한데 정확히 무엇을 말하려고 하는지에 대해 확신할 수 없었기 때문이다.
얼피보면 <24 시티>는 '청두'라는 도시에 살았던 노동자들의 이야기를 통해 재개발을 통해 사라져간 이 도시의 옛 모습을 그리며,
노동의 현장이었던 이 곳이 자본의 상징으로 변해간 것에 대해 연민과 이 속에 살았던 자들의 삶을 통해 중국의 현실을 다시 보게
하는 것으로 오해할 수 있었으나(거의 그럴 뻔 했음), 두 평론가 분의 의견을 듣기 전에도 이렇게만 보기에 <24 시티>는 무언가
이상한 부분들이 많았었다. 일단 이 영화는 리얼 다큐멘터리라기 보다는(허문영님은 이 영화를 다큐멘터리로 불러도 좋을지
모르겠다고 했다), 페이크 다큐멘터리라 하는 것이 맞을 것이다. 극 중에 등장하는 인물들은 실제 노동자들도 있지만,
조안 첸 같은 유명한 배우들도 출연하고 있으며, 실제 노동자들의 이야기 가운데는 말그대로 '만들어진' 이야기도 있었기
때문이다. 실제 노동자들의 이야기 가운데 '가짜' 이야기가 있었다는 것은 영화가 끝난 뒤 알 수 있었지만, 이를 제외하더라도
배우들이 출연해서 인터뷰 형식으로 진행되는 방식에서는 의아함이 들 수 밖에는 없었다.

그리고 인터뷰의 내용 자체에 대해서는 의구심을 갖을 수 밖에는 없었는데, 어떤 이야기는 정말 사소함을 넘어서서 불필요하다고
까지 느껴지는 이야기도 있었고, 마지막 등장한 젊은 여성의 시퀀스는 결과적으로 이 의아함에 어떤 종지부를 찍는 역할을
했다고 볼 수 있을 정도였다. 노동자의 딸 임을 부정하려고 했던 그녀가 결국엔 눈물을 흘리며 그래도 나는 노동자의 딸이다 라고
고백하는 부분이 나오는데, 그러면서 그 공장을 허물고 생겨난 괴물같은 24시티에 부모님을 모시겠다는 다짐은,
무언가 어긋나 있다는 생각을 절로 하게 한다. 처음에는 단순히 같은 공간 안에 놓여있지만 세대가 이어지면서, 같은 공간이
어떻게 달라 보일 수 있는지와 그 속의 인물들의 가치관도 얼마나 다르게 형성될 수 있는지를 연대기적으로 보여주는 장치라고
생각했으나, 이 마지막에 등장한 젊은 여성의 이야기는 이 이야기를 이런 식으로 마무리 지어버리기에는 너무도 기이한 모습을
갖추고 있었다는 것이다. 스스로도 열심히 노동을 해서 돈을 버는 것이 아니라 재벌 아들들의 사치 용품 쇼핑을 대신해 주며
쉽게 돈을 버는 것도 그렇고, 결국 이 상징과도 같은 24시티에 부모님을 모시겠다며 눈물 흘리는 라스트는 마지막 현재의 청두의
모습을 내려다보며 '그래도 니가 있어 찬란했다'라는 식의 자막과 더불어 이상한 기운을 만들어내고 있는 것이다.




또 하나 영화를 보면서 깜빡 속을 뻔할 정도로 동화와 이상함을 동시에 느꼈던 것은 바로 음악의 사용이었는데, <24시티>는
다큐멘터리라는 장르와 영화의 분위기와는 사뭇 다르게 음악이 굉장히 적극적으로 사용되고 있다. 거의 한 인터뷰 시퀀스 마다
하나의 테마 음악이 존재하고 있을 정도고, 이런 형식이 반복되다보면 나중에는 '아, 이 남자의 이야기 뒤에는 이 노래가
나오겠구나'하고 미리 짐작을 할 수 있을 정도가 된다. 이렇게 음악과 시를 적극적으로 사용한 것은 달리보면 굉장히 인위적이고
극적으로 묘사하려고 일부러 넣은 장치라고 생각되기도 하는데, 이 페이크의 수준이 굉장히 디테일한 터라 아주 깊게 들어가지
않으면 보이는 것 그대로를 믿기 쉬운 영화가 아니었나 싶다.

결국 앞서 잠시 언급했던 것처럼 이 영화를 통해 지아장커가 말하고 싶었던 것은 이 영화를 본 것 만으로, 이들의 이야기를
들은 것 만으로 청두를 이해했다고 하지 말라, 혹은 중국의 현재에 대해 이해하고 있다고 말할 수는 없다 라는 것이 아닌가 싶다.
그렇기 때문에 유명한 배우를 이 다큐멘터리 형식에 넣어가며 이 이야기가 가짜 일 수 있다는 걸 은연 중에 암시하고 있기도 하고,
잘 이해가 되지 않는 인물들의 인터뷰 내용들을 통해 이것들 만으로는 알 수 없음을 인정하라는 메시지로 들리기도 한다.




영화가 끝나고 나서는 허문영, 김영진 평론가와 함께 하는 씨네토크 시간이 있었는데, 여러모로 유익한 시간이었다.
특히나 리뷰에 언급했듯이 이 영화가 표면적으로 보이는 것 과는 다른 해석이 가능한 영화이기 때문에, 영화를 보며 의아스러웠던
부분들에 대해 좀 더 명쾌한 해설을 들을 수 있었던 시간이기도 했다.
영화에 해석에 대한 이야기들은 물론, 지아장커 감독의 영화 세계에 대한 이야기들도 전해들을 수 있었으며,
이후 관객들의 열띤 분위기 속에 질문과 답변이 오가는 시간이기도 했다.
감독이나 배우들이 참여하는 씨네토크도 장점이 있지만, 이렇게 영화가 다른 의미로 해석될 수 있는 여지가 있는 경우,
영화가 끝난 뒤 좀 더 이해를 도울 수 있는 이야기들을 만날 수 있다는 점에서 더욱 만족스러웠던 시간이었다.







1. 사실 이 날 피곤하기도 하고 영화 자체가 굉장히 '잠이 오도록' 진행된 터라 깜빡 졸기도 했었는데, 이런 잠을 확 깨버릴 정도로
   임팩트가 있던 순간 이후로는, 끝까지 집중하면서 볼 수 있었다.

2. 그 순간이란 바로 <첩혈쌍웅>에서 엽청문이 불렀던 노래가 영화 속에 등장했을 때였는데, 정말 잠이 확 깰 정도로
   강렬한 인상을 받았다. 이 곡을 본래 좋아해서이기도 하지만, 스크린에서 이 곡을 만나니 그 감흥이란 이루 말할 수 없더라.



 

버터플라이 (Butterfly, Le Papillon, 2002)
노인과 아이가 벌이는 현문현답(賢問賢答) 로드무비

2002년작인 프랑스 영화 <버터플라이>는 2006년에 전주국제영화제를 통해 국내에 소개된 바있는데, 정식 개봉을 앞둔
상황에서 위드블로그와 함께한 시사회 기회를 통해 영화를 먼저 접할 수 있었다. 사실 2002년 작이라는 점도 그렇고,
포스터에서 느껴지는 저 '착해만 보이는' 아우라 때문에 그다지 보려고 애초부터 기획했던 영화는 아니었지만,
앞선 이유로 보게 된 영화는 생각보다는 덜 심심했고, 나름 이야기 거리를 담고 있었으며, 예상했던 대로 마음이 훈훈해지는
영화였다. 영화를 본 어제 명동 거리는 몹시도 추웠는데, 나비가 나는 따뜻한 풍광을 담은 영상과 노인과 아이가
주고 받는 알콩달콩한 대사들은, 적어도 영화를 보는 도중에는 마음 한 켠을 조금이나마 뜨듯하게 뎁혀주었다.


(이후 부터는 영화 내용에 관한 스포일러가 있을 수 있습니다. 원치 않는 분들께서는 맨 마지막 단락으로 이동해주세요~)





출발 스포일러 여행 등을 통해 이미 알려져다시피 포스터에 등장하는 노인과 아이가 길을 떠나면서 벌어지게 되는 작은
에피소드를 들려주고 있다. 나비를 수집하는 할아버지 줄리앙과 이집 위층에 사는 외로운 소녀 엘자는 우연한 기회에
함께 여행을 떠나게 되는데, 1년 내내 딱 며칠만 만나볼 수 있는 희귀한 나비 '이자벨'을 채집하려 떠나는 줄리앙의 여행에,
부모님이 잘 돌보지 않아 항상 외롭던 엘자는 줄리앙의 동의 없이 함께 하게 된다. 이렇게 떠나게 된 여행은 뒤늦게 딸이
없어진 것을 알게 된 엘자의 엄마에 의해 경찰에 실종 신고가 되고, 줄리앙과 엘자의 여행은 일종의 납치극으로 세상에
비춰지게 된다. 좀 더 코믹함을 강조하려는 영화였다면 납치극으로 오해된 과정을 좀 더 집중적으로 다뤘겠지만,
<버터플라이>가 하고 싶은 말은 이 오해에서 비롯되는 것은 아니다. 이것은 어쩌면 나중에 엘자 엄마와 줄리앙을 만나게
하기 위한 일종의 연결고리일 뿐이고 영화의 중심은, 이 둘의 여행과 그 과정 속에 담겨있다 하겠다.

엘자는 항상 외로운 자신의 삶을 버텨내기 위해 또래보다 훨씬 어른스러움을 넘어서 영특한 소녀라 할 수 있는데,
일단 관객은 이 맹랑한 소녀 엘자와 노년의 줄리앙의 대화 속에서 재미를 느끼게 된다. 때로는 너무 어른스럽고 때로는
너무 철없는 질문들은 던지는 엘자에게 줄리앙은 때로는 친손녀처럼 다정하게, 때로는 너무 귀찮아 신경질도 내지만,
점점 시간이 지나가면서 둘을 점점 서로를 배워가게 된다. 아이는 노인에게. 노인은 아이에게 말이다.




포스터에서 벌써 알 수 있었듯이 이 영화는 아이와 노인이 관계를 맺는 전형적인 영화의 모습을 보여주고 있다.
노인과 아이가 등장한다고 해서 철없던 아이가 노인에게 지혜를 배워 결국 '우리 아이가 달라졌어요'로 마무리 된다고
생각한다면 그건 아마츄어적인 생각이라고 할 수 있겠다(왜 이래, 아마츄어같이). 대부분 노인과 아이가 등장하는 영화는
오히려 반대로 노인이 아이에게 더 많은 것을 배운다는 설정이 대부분인데, <버터플라이>역시 마찬가지다.
줄리앙은 여러 종류의 나비를 수집하는 일종의 수집가인데, 그가 이렇게 나비 수집에 몰두하게 된 이유는 영화 중반에야
등장한다. 바로 자신의 아들을 전쟁터에서 먼저 떠나보낸 기억 탓인데, 아들을 먼저 떠나보냈다는 죄책감은 줄리앙을
나비 수집이라는 일종의 도피처를 갖게 했고, 그것으로서 이 무거운 짐에서 벗어나려고 했지만 결국 항상 자신을 족쇠고
있는 짐이 되어버린 것이다. 그런데 줄리앙은 엘자와 함께 여행하게 되면서 점차 하나 둘 씩 깨닫게 된다.

사슴을 잡는 것은 밀렵 행위고 나비를 수집하는 것은 고귀한 행동으로 넘어가려던 안이한 생각은, 순수한 소녀의 눈에는
똑같은 나쁜 행위로 보였을 뿐이고, 가장 단순하고 뻔한 질문들만 던지는 엘자의 물음에 답하면서 줄리앙은 잊고 있었던,
아니 이미 알고 있었지만 쉽게 인정할 수 없었던 것들을 인정하는 방법을 점차 배우게 된 것이다.
중간에 들린 민박집에서 계속 고장한 시계만을 바라보고 있는 할머니가 등장하는데, 이는 은유적으로 줄리앙의 삶을
표현하고 있고, 이 고장난 시계를 줄리앙이 수리하는 것은 또 다른 은유라 할 수 있겠다. 마치 가지도 않는 시계를 계속
바라보고 있는 할머니처럼 줄리앙은 돌이킬 수 없는 일에(다른 말로 하면 꼭 자신의 잘못이라고는 할 수 없는 일에),
죄책감을 버리지 못하고 아파했던 것인데, 이 고장난 시계를 줄리앙이 직접 수리해 준다는 것은 그가 스스로 이 짐을
벗어버리는 점을 배우는 과정이라고도 할 수 있을 것이다. 줄리앙에게 엘자는 매개체라고 보면 되겠다. 줄리앙은
이 꼬마소녀의 맹랑한 대답들처럼 다 알고는 있지만 미처 말하지 못했던 것들을, 엘자를 통해 자연스럽게 표현할 수 (벗어날 수)
있게 된 것이다.




<버터플라이>가 전형적인 로드무비라고 보기는 어렵짐나, 이 영화의 주제는 로드무비라는 영화의 장르적 특성과도 잘 맞아
 떨어진다. 로드무비라는 것이 무언가 깨달음을 얻으려고 길을 떠나곤 하지만, 따지고보면 대부분은 길 위에서 새롭게
발견하는 것이 아니라 길 위의 것들을 통해 처음부터 자신의 내면에 있었던 것을 깨우칠 뿐이다. 그런 의미에서 <버터플라이>는
줄리앙의 로드무비라고도 할 수 있을 것이다. 마지막에 그렇게도 희귀하고 갖고자 했던 나비 '이자벨'을 스스로 놓아주는
장면은, 드디어 줄리앙이 아들을 잃은 죄책감에서 벗어나 자유롭게 된 것을 상징한다(이자벨을 찾으려고 떠났던 여행이었는데,
사실은 처음부터 이자벨의 애벌레가 자신에게 있었다는 설정은, 주제를 설명하는 매우 직접적인 은유일 것이다).
엘자 엄마의 이름이 '이자벨'이라는 것은 이 영화가 숨겨놓은 귀여운 설정 중 하나였다. 원제인 '나비(Le Papillon)'에서도
알 수 있듯, 고치를 벗고 스스로 나와야만 아름다운 '나비'가 될 수 있는 것처럼, 줄리앙에게 씌워진 고치를 벗고 나비가 되는
과정을 담고 있다.

사실 영화 초반 엘자가 던지는 질문들은 아이의 순수함에서만 던질 수 있는 이른바 '현문'이다. 어린 아이와 나이 많은 노인은
서로 닮아 있는 것처럼, 엘자가 던지는 질문들은 표현에 있어서는 단순하지만 때묻은 어른들이 선뜻 대답하기에는 쉬운 질문들이
아닌데, 줄리앙 역시 처음에는 어른의 시각으로 '왜 이런 질문들을 하느냐'라는 식의 '우답'들을 내어 놓는다.
영화가 다 끝나고 엔딩 크래딧에는 두 배우의 문답 형식으로 이뤄진 노래가 흐르는데, 이 가사들을 보면 영화 초반에는
'우답'들을 내어놓던 줄리앙이 이 노래 속에서는 엘자의 '현문'에 맞춰 '현답'들을 하고 있음을 알 수 있다.
'우문현답 (愚問賢答)'이 아닌 '현문현답 (賢問賢答)'. 이 곡이 단순히 귀여운 불어발음과 재미있는 가사 그 이상의 의미가
있는 것은 바로 이 때문이라 할 수 있을 것이다.




엘자를 연기한 클레어 부아닉은 그 깨물어주고 싶은 불어 발음과 더불어 웨인 루니를 연상케 하는 외모까지(웨인 루니의
귀여운 모습을 본 사람들이라면 아마 수긍할 수 있을 듯), <버터플라이>의 전체 온도를 2도 쯤 상승시키는 귀여움을 선보였다.
어른스러운 아이, 맹랑한 아이 캐릭터는 여럿 있어왔지만, '엘자'를 보면서 크게 지루함을 느끼지는 못했던 것 같다.
프랑스의 유명배우인 미셸 세로의 편안한 연기도 엘자와 좋은 콤비를 이뤘던 것 같다(참고로 미셸 세로는 2007년 암으로
세상을 떠났다고 한다).

화려하고 치밀한 영화들 가운데 <버터플라이>는 분명 조금은 심심한 영화이긴 하지만, 그래도 심심한 영화치고는 지루하지
않았던 영화였다.


1. 돌틈에 대신 들어간 그 남자아이는 어찌되었는가?
 '난....혼자 몸이 작았을 뿐이고, 그냥 할 수 있냐길래 할 수 있다고 했을 뿐이고, 이미 몸에 로프 감겨 있고!, 엄마 보고 싶고 ㅠㅠ'

2. 예전 조르디가 불렀던 노래 이후 오랜만에, 아이가 부른 중독성있는 (불어로 부른) 곡이었던 것 같다.
   그리고 '예슬아~' 이후 대화체로 이뤄진 인상적 곡이기도 하고 ㅎ


3. 아무리 프랑스에 사는 할아버지 라지만 'NBA'를 모르다니 ^^;;