the Real Folk Blues

진짜로 일어날지도 몰라 기적 (奇跡, 2011)

크리스마스의 기적같은 영화

이 영화를 보기 전 나는 '2011년 올해의 영화'라는 타이틀로 올 한해 극장에서 본 영화들 가운데 가장 인상깊었던 영화 10작품을 선정하는 글을 완성했었다. 그런데 이 글을 쓴지 겨우 이틀 만에 다시 수정해야만 할 일이 생기고야 말았다. 나는 왜 잘 알만한 사람이 고레에다 히로카즈의 작품을 올해가 가기 전 볼 수 있었다는 것을 알았음에도 성급하게 '올해의 영화'라는 타이틀의 글을 써버렸던 것일까. 지금와 생각하면 당췌 이해할 수 없을 정도로 이 영화는 올해의 영화의 한 자리를 맡기기에 충분한 작품이었다. 언제나 그렇듯이 고레에다 히로카즈는 나를 울리고 떨리고 웃음짓고 들뜨게 만들었다.

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'기적 (奇跡)'이라는 원제 답게 영화는 기적에 대해 아주 직접적인 접근방식으로 풀어간다. 부모로 인해 가고시마와 하카다에 각각 아버지와 어머니와 살고 있는 형 코이치와 동생 류노스케를 중심으로 이야기가 시작되는데, 코이치는 가족이 다 같이 살기 위해서는 가고시마의 화산이 폭발해 아무도 이곳에 살 수 없게 되어야만 가능하다는 생각을 하던 중, 새로 개통한 신칸센 열차 '사쿠라'가 교차하는 순간에 소원을 빌면 이루어진다는 얘기를 알게 되고 이 소원을 빌기 위해 친구들과 함께 하게 되면서 친구들 소원의 이야기까지 영화의 한 축으로 자리잡게 된다. 그리고 동생이 류노스케와 그의 친구들 역시 형과의 만남을 위해 여행을 떠나게 되면서, 역시 류노스케와 친구들의 소원도 이야기의 한 축으로 자리잡게 된다.

이 영화의 초기 기획의도가 새로 개통한 신칸센의 홍보 영화였다는 사실을 믿기 어려울 정도로, 고레에다 히로카즈는 '기적'을 통해 '아무도 모른다' '걸어도 걸어도'에 이은 자신의 세계관을 또 한 번 완벽하게 풀어놓는다. 그리고 전작들에 비해 희망적이며 더 따듯하고 더 풍성한 스펙트럼의 이야기를 담아냈다. 사실 영화를 보고나서 이 영화가 담고 있는 여러가지 화두에 대해 생각해보게 되었는데, 부모세대의 짐을 아이들이 스스로 해결하고 오히려 어른들의 상처마저 아이들이 감싸안는 구조에 대해 이야기해볼 필요를 느꼈고, 화산재가 날리는 마을과 일본 대지진 이후 일본 사회의 모습을 연관지어 이야기해볼 수 있겠다 싶었는데, '그럴 수 있지만' 굳이 '그럴 필요 없겠다' 싶을 정도로 이 영화가 담고 있는 '기적'의 메시지는 깊은 인상을 주었다.

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고레에다 히로카즈는 아이들이 자신이 원하는 소원을 이야기하는 장면에서 그의 대표작 '원더풀 라이프'의 인터뷰 형식을 다시금 가져왔다. 각자 돌아가며 자신의 소원을 얘기하는 아이들의 모습은 이기적이라고 할 만큼 사적인 바램들이지만, 우리가 흔히 '어린 시절'이라고 부르는 것들에 대한 추억이자 감성이 더도 덜도 아닌 그대로의 모습으로 담겨있다. 개인적으로도 어린 시절 친한 친구들과 함께 부모님께 거짓말하고 멀리 여행을 다녀왔던 모험적인 기억이 있는데, 그 추억과 맞물려 그 때의 그 두근거림과 두려움 그리고 모험을 통해 조금 더 알게 된 '세계'에 대한 기억이 새록새록 떠올랐다. 이 형제의 여정 가운데는 단순히 우연 만으로는 가장 할 수 없는 일들도 일어나는데, 보통 같았으면 너무 영화같아서 손발이 오그라들거나 너무 아이 같아서 유치하다고 느꼈을 수도 있겠지만 고레에다 히로카즈가 아이들의 세계를 그리는 방식은 너무나 황홀했다. 아이에게 어른다운 성숙함을 무리하게 부여하지 않으면서도 아이가 겪는 일과 고민들을 통해 모든 세대가 공감할 만한 이야기 그리고 영화적 '순간'을 만들어 내고 있다.

매일 돌아오는 집 앞 신호등과 횡단보도의 이미지, 두근거림을 안고 내려다본 지하철 역 아래의 풍경들, 길가에서 우연히 만난 코스모스들 그리고 열차와 열차가 교차되어 지나가던 그 아무렇지 않지만 기적과도 같았던 찰나의 순간까지. 이 영화가 담고 있는 이야기를 쉽게 생각해보면 결국 기적이라는 것은 '살아간다는 것 자체' 혹은 멀리 있는 것이 아니라 항상 주변에서 진짜로 일어나고 있는 것이라고 말할 수 있겠는데, 나는 코이치와 아이들이 '세계'를 깨닫기 전에 믿고 있던 신칸센 교차 순간 역시 영화가 끝난 뒤에도 '기적'으로 느껴졌다. 왜냐하면 실제로 그 순간 기적이 일어났기 때문이다. 고레에다 히로카즈는 장난스럽게도 국내 개봉 제목처럼 '진짜로 일어났을지도 모를' 기적에 대한 여운을 남기고 있다. 기차길 건너편에 서있던 할머니가 갑자기 흔적도 없이 사라지는 것이나, 영화의 마지막 죽은 강아지가 살아나기를 빌었던 아이의 걸음이 잠시 멈춘 뒤 다시 뛰어가는 장면 등을 통해서 말이다. 뭐랄까. 결국 삶 자체가 기적이라는 진리를 전달하는 것도 중요하지만, 순수하게 기적을 믿는 마음도 저버리고 싶지 않은 그의 넓은 마음이 느껴져 더 아려왔다.

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앞서 이야기했던 것처럼 이 영화에 대한 글을 써야지 하고 마음 먹었을 때는 더 다양한 주제들이 많았었다. 이렇게 저렇게 나름의 '썰'을 풀어가며 영화가 전해준 의미들에 대해 정리해보려고 했었는데, 생각하면 할 수록 부질없다는 생각이 들 정도로 영화가 담고 있는 감성이 전해준 인상이 깊었다. 극장을 나오며 느꼈던 그 행복감을 글로 전할 수 없다는 것을 알았기 때문일지도 모르겠다. 고레에다 히로카즈의 전작들에 비해 유머도 지속적으로 등장하고 아이들의 순수한 모습에 절로 웃음짓게도 되지만, 역시나 그의 작품답게 또 눈시울이 뜨거워지는 순간들이 있었다. 진짜 왜인지 모르게 펑펑 울것만 같은 (사실상 운거나 다름없는) 장면들이 있었다. 나만 그런 것은 아닌 것이 극장 곳곳에서 코를 훌쩍이며 눈물을 훔치는 소리가 들려왔다. 영화 내내 들려오던 쿠루리의 음악 역시 이 행복함과 울컥함에 한 몫을 했다. 내가 이 작품에서 느꼈던 울컥함은 말로 표현하기는 좀 어려운데, 슬퍼서라기 보다는 행복해겨워서 에 더 가까웠다. 고레에다 히로카즈가 포착해 낸 기적같은 순간과 그 순간들이 모여 만들어진 또 다른 기적은, 그 기적 속을 살아왔고 경험했던 관객으로서는 눈물이 나지 않을 수 없었다. 아....눈물난다.

1. 인디음악을 하는 아빠(오다기리 죠)의 음악 CD를 형에게 건네며 '인디 음악이라는게 뭐야?'라고 묻는 류노스케에게 코이치는 이렇게 답해요. '더 열심히 해야하는 음악이야'

2. 극중 형제로 나온 코이치와 류노스케는 실제로도 친형제더군요. 전문배우가 아닌 이 형제가 만들어내는 장면들 하나하나가 기적같았어요. 코이치의 진지함과 누구나 행복하게 만드는 류노스케의 '밝음'은 오랫동안 기억에 남을 것 같네요.

3. 쿠루리의 음악도 정말 좋았어요. 영화를 보고나서 계속 흥얼거렸고 지금도 계속 사운드트랙을 무한반복하는 중입니다 ㅠ (나는 왜 내한공연에 가지 못했나 ㅠㅠ)

4. 개인적으로는 일본여행 갔을 때 갔던 곳이 나와서 더 반가웠어요. 특히 영화 속 주요 모티브로 등장하는 신칸센 '사쿠라'도 타봤기에 더 남달랐죠 ㅎ

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  

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[블루레이] 13인의 자객 _ 미이케 다카시의 비장한 사무라이 영화

미이케 다카시의 2010년 작 '13인의 자객 (十三人の刺客, 2010)'에 대해서는 개인적인 특별한 추억으로부터 이야기를 시작하려 한다. 평소 일본 문화에 관심이 많던 나는 지난해 두 번째로 일본 여행을 가게 되었는데, 그 여행의 목표 중의 하나가 일본 극장에서 일본 영화를 한 편 보는 것이었다. 다행히 신주쿠의 'WALD 9 CINEMA'이라는 제법 큰 멀티 플렉스 영화 관을 찾을 수 있었는데, 이 작품과 이상일 감독의 '악인' 가운데 어떤 작품을 볼까 잠시 고민하다가 그래도 이왕이면 스크린에서 더 볼만한 작품을 선택하자는 생각에 따라 '13인의 자객'을 보게 되었던 것이다. 일본어에 능통하지 않은 터라 거의 모험에 가까운 영화 보기였다고 할 수 있을 텐데, 그 때를 떠올려 보면 눈치와 분위기로 반절 정도 이해했을까 싶은 정도였음에도 불구하고, 배우들의 열연과 작품 전체에 드리워진 무겁고 비장한 분위기 탓에 일본 극장에서 본 영화라는 특수한 상황을 고려하지 않더라도 상당히 인상적인 작품이었다

이후 국내에서 개봉한다는 소식에 어떤 의미에서 누구보다도 반가웠으나 사실상 단관 개봉 (그것도 이 작품의 스케일과는 전혀 어울리지 않는 작은 관에서)으로 스치듯 지나쳐버린 현실에 극장에서 제대로 볼 수 있는 또 한 번의 기회를 놓쳐버리기도 했었다 (또 한 번이라고 한 이유는 그 해 부산국제영화제에서도 볼 수 있는 기회가 있었기 때문이다). 이렇게 극장 상영의 기회를 놓쳐버린 후에 사실상 국내에서 정식으로 이 작품을 즐길 수 있는 기회는 또 없겠구나 하며 아쉬워하고 있었는데, DVD출시도 아닌 블루레이 출시 소식은 그야말로 엄청난 반가움이었다. 극장에서만 느낄 수 있는 스케일이 돋보이는 작품이기는 하지만, 그나마 고화질과 최고의 사운드로 즐길 수 있게 된 것만으로도 이 작품을 제대로 즐길 수 있는 유일한 기회라고 할 수 있기 때문이었다.

에도시대 말기. 아카시번(明石藩) 최고 가신인 가로(江戶) 마미야(間宮, 우치노 마사아키)가 로쥬(老中, 국정을 총괄하는 관직) 도이(土井, 히라 미키지로) 가문의 문전에서 할복자살했다. 마미야의 죽음은 타고난 잔혹한 성격으로 죄 없는 민중의 학살을 일삼는 아카시번의 영주 마츠다이라 나리츠구(松平?韶, 이나가키 고로)의 폭정을 고발하는 것이었다. 나리츠구는 쇼군 이에요시(家慶)의 동생으로 내년에 로쥬에 취임하는 것으로 결정되어 있었다. 이 사건은 막부를 동요시킨다. 이대로 두면 막부, 나아가 국가의 존망과 관련되리라 직감한 도이는 나리츠구 암살을 결심, 시마다 신자에몬(島田新左衛門, 야쿠쇼 코지)에게 명을 내린다. 그리하여 신자에몬은 이 거사를 치룰 사무라이 자객단을 모집하게 된다.

'13인의 자객'은 에도 말기 폭군이었던 나리츠구를 암살하기 위해 일어난 사무라이들의 이야기를 담고 있다. 13인을 구성하는 과정은 담고 있으나 한 명 한 명의 이야기에 많은 비중을 할애하기 보다는 이렇게 모인 이들이 신자에몬을 중심으로 치밀한 계획을 세우는 과정, 그리고 그 안에서 '사무라이'라는 가치에 대해 다시 한 번 시대적으로 의미를 새겨보는 이야기를 그리고 있다. 극의 배경이 되고 있는 에도 시대 말기는 이전 과는 다르게 평온한 시기로서 사무라이라는 계급이 스스로의 정체성에 대해 흔들림을 갖게 되었던 때로 그려진다. 극 중 대사로도 등장하는 것처럼 나리츠구의 암살을 위해 모인 정예 사무라이들 조차 사람을 실제로 베어 본 이는 한 명 정도에 불과할 정도로, 사무라이로서 살아가는 것에 대해 점점 더 의식을 갖기 힘든 때에 나리츠구라는 폭군에 대항하기 위해 다름 아닌 사무라이 정신으로서 일어나게 되는 남자들의 이야기인 것이다.

그렇기 때문에 이들의 이야기는 단순히 폭군으로부터 고통 받는 백성들을 구해내기 위한 목숨 건 시도가 아니라, 사무라이로서 스스로 사무라이의 삶을 명예롭게 마무리하고자 하는 이야기에 가깝다. 여기에는 생각보다 복잡한 화두들이 던져져 있는데, 미이케 다카시는 사무라이가 더 이상 본연의 소명을 다하기 힘든 시대를 배경으로 그 속에 남아있는 사무라이들의 마지막 불꽃을 그리는 동시에, 사무라이 라는 계급을 무조건 숭배하기 보다는 살짝 비틀며 고집스럽고 부족하게 느껴지는 부분에 대한 여지도 남겨둔다. 이세야 유스케가 연기한 산사람 코야타 캐릭터가 그 대표적인 예라고 할 수 있을 텐데, 이 캐릭터는 어떻게 보면 전체적인 극의 흐름을 깨는 인물이 될 수도 있고 반대로는 너무 무겁고 사무라이만을 외치는 이야기가 될 수 있었던 영화에 새로운 가능성과 바람을 불어넣고 있는 인물이기도 하다. '13인의 자객'을 일반적인 사무라이 클래식으로 부르기가 어려운 것은 코야타 캐릭터도 그러하지만, 사무라이의 시대를 스스로의 손으로 마무리하는 또 다른 사무라이의 영화이기 때문이다. 그런 면에서 클린트 이스트우드의 '용서받지 못한 자'를 떠올리기도 한다.

앞서 자막도 없이 이 영화를 처음 보았을 때에도 작품이 갖고 있는 분위기와 메시지가 반절 정도나 느껴졌던 가장 큰 이유라면, 명배우들의 열연과 미이케 다카시 감독이 만들어 낸 비장함 때문일 것이다. 미이케 다카시는 시종일관 이끌어 가던 비장함을 후반부에 들어 대규모 전투 장면을 통해 구구절절 말 없이도 더욱 증폭시킨다. 이 13명 대 수백 명의 대결이 펼쳐지는 전투는 그야말로 혈투로 이어지는데, 단순히 수적으로 열세인 주인공들의 힘에 겨운 결투여서가 아니라 사무라이로서 스스로를 구원하기 위한 전투여서 더욱 애절함과 간절함이 칼 끝으로부터 묻어난다. 일본의 국민 배우 야쿠쇼 코지야 말할 것도 없고, 야마다 타카유키, 타카오카 소스케 등 젊은 배우들도 13인의 1인으로서 활약하고 있으며, 앞서 말했던 이세야 유스케는 작품과는 전체적으로 한 발 떨어져 있는 코야타 라는 캐릭터를 더할 수 없이 잘 소화하고 있다. 그리고 이 작품에서 가장 중요한 역할 중 한 명이라고 할 수 있는 폭군 나리츠쿠는 일본의 유명한 아이돌 그룹 SMAP의 멤버인 이나가키 고로가 연기하고 있는데, 뭐랄까 이건 미이케 다카시 감독의 선택이 아주 적절했다고 밖에는 말할 수 없겠다.

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이 작품은 좀 더 칼 같은 선예도의 화질이었더라도 좋았을 뻔 했던 영상미라는 점에서 조금은 아쉬운 점이 있기는 하지만, 극장에서 보았던 화질을 비교해보자면 블루레이의 화질이 떨어진다기 보다는 오히려 좀 더 나은 편에 가깝다.

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DTS-HD MA 5.1 채널의 사운드는 비장함을 더하는 영화 음악과 동시에 칼, 활 등 각종 병기들의 부딪힘 소리와 폭발음과 말발굽 소리 그리고 스케일과 디테일을 동시에 느낄 수 있는 마지막 대규모 전투 장면까지, 극장에서 느꼈던 사운드적인 쾌감을 그대로 느낄 수 있다. 특히 마지막 전투 장면은 큰 비중만큼이나 다양한 사운드적 요소들이 담겨 있는데, 폭발 신에서 우퍼 스피커의 활용도는 물론, 칼이 서로 부딪힐 때의 날카로운 충격음 그리고 화제로 인해 지글거리며 타오르는 소리까지 선명하게 만나볼 수 있다.

<13인의 자객> 메이킹은 근래 보기 드문 메이킹 영상으로서 무려 1시간 20분이 넘는 러닝 타임으로 수록되었다. 처음 시작할 때만 해도 야쿠쇼 코지와 야마다 타카유키 등 몇몇 배우들 위주로만 소개하는 데에 그칠 줄 알았었는데, 13인을 한 명 한 명 모두 자세히 소개하며 캐릭터와 배우들의 이야기를 모두 충실하게 담아내고 있다. 그 안에서 작품에 대한 깊이와 미이케 다카시의 면면을 만나볼 수 있어 흥미로운 메이킹 영상이었다.

'완성기념 시사회'는 2010년 8월 18일 감독과 출연진 대부분이 참석한 시사회 현장을 담고 있는데, 약 18분 분량으로서 이 영상에서 역시 어느 한 두 명에게 쏠리는 것이 아니라 배우 한 명 한 명의 인사말과 후일담을 들을 수 있어 유익한 시간이었다. 모두들 입을 모아 '굉장한 작품이 나왔다'라고 하는 것이 단순히 홍보를 위한 것은 아니라는 걸 알 수 있을 정도로, 한 명 한 명 인터뷰에 진심을 다하는 모습이었다.

'베네치아 영화제 리포트'에서는 2010년 9월 베네치아 영화제를 찾은 미이케 다카시 감독과 야쿠쇼 코지, 야마다 타카유키가 기자회견에 참석해 질의 응답에 응하는 모습과 영화제 상영 후 관객들의 환호에 답하는 모습이 담겨 있다. 이후 베네치아 영화제에 초대 받고 해외 관객들에게 선보이게 된 소감에 대한 짧은 인터뷰도 만나볼 수 있다.

마지막으로 '미공개장면'으로는 영화 초반 등장했던 야쿠쇼 코지의 낚시 시퀀스가 수록되었으며, 이 밖에 예고편과 특보, TV Spots이 담겨있다.

[총평] 미이케 다카시의 '13인의 자객'은 그 해 일본 영화계 및 해외 영화제에서 많은 호평을 받은 작품이었으나, 국내에서는 작은 전용관에서 단관 개봉한 탓에 많은 관객들과 만나볼 수 없어 아쉬움이 남았던 작품이기도 했다. 더 많은 영화 팬들과 만날 기회를 영영 잃는 것이 아닌가 했었는데, 이렇듯 블루레이로 만나볼 수 있게 된 것 만으로도 반가운 일이 아닐 수 없겠다. 마지막으로 비장한 사무라이 영화 한 편이 그립다면 이 작품을 추천하고 싶다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)  
 

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'혐오스런 마츠코의 일생(이하 '혐오스런 마츠코')'에 대해 이야기하기 전에 나카시마 테츠야 감독의 전작 '불량공주 모모코 (2004)'에 대해 이야기 할 필요가 있다. 묘하게 유사한 형식을 띠고 있는 제목답게 '불량공주 모모코'는 '혐오스런 마츠코'와 마찬가지로 감각적인 영상과 더불어 기발한 웃음과 유쾌한 감동을 한꺼번에 선사하며 두터운 마니아 층을 형성하였으며, 2004년 칸느에서의 호평과 키네마 준보 선정 2004 일본 영화 베스트 10에 뽑히는 등 평단에서도 좋은 반응을 이끌어냈던 작품이었다. 특히 '불량공주 모모코'는 이전에 볼 수 없었던 살아 숨 쉬는 캐릭터와 CF감독 출신답게 기존 영화에서는 흔히 볼 수 없었던 영상미가 돋보이는 작품으로, 다양한 색깔의 영화들이 넘쳐나는 일본 영화계에서도 단숨에 주목을 받았던 영화였다. 그와 동시에 주목을 받게 된 것은 바로 CF출신 감독으로 첫 번째 장편 영화를 발표한 감독 나카시마 테츠야였다. 그가 다른 감독들보다 더욱 주목을 받았던 이유는, 대부분의 CF출신 감독들의 태생적인 장점인 감각적인 영상 표현 외에도 영상에만 집중되지 않을 만큼 흥미진진한 스토리와 섬세한 심리 묘사를 자유자재로 구사해 내는 실력 때문이었다. 그런 그가 '불량공주 모모코'촬영 말미부터 계획했다는 후속 작은 과연 어떤 영화일지 기대가 되는 것은 어쩌면 영화 팬으로서 당연한 일이었을 것이다. 

(마치 '벤허'나 '바람과 함께 사라지다'를 연상케 하는 오프닝 타이틀. 이 오프닝을 통해 나카시마 테츠야는 '이 작품은 이런 과장과 색체가 넘쳐나는 작품이야' 라고 효과적으로 말하고 있다)
 

이 작품 '혐오스런 마츠코' 이후 선보인 2008년 작 '파코와 마법 동화책'과 올해 국내에도 개봉해 큰 화제를 모았던 영화 '고백' 역시 나카시마 테츠야 만의 색감과 영상미를 맛볼 수 있는 작품이었는데, '파코와 마법 동화책'까지는 형형색색의 기존 나카시마 테츠야 세계를 담아낸 작품이라 할 수 있겠지만, '고백'은 과감히 색을 버리고 무게와 강렬한 콘트라스트에 더욱 집중한 작품이었다 (여기에는 작품이 담고 있는 메시지의 차이가 가장 큰 이유 중 하나라고도 할 수 있겠다). 어떤 감독에게나 자신에게 가장 잘 어울리는 옷이 있기 마련인데, 나카시마 테츠야에게 가장 어울렸던 옷은 '고백'까지 포함하여도 이 작품 '혐오스런 마츠코'였다고 감히 이야기할 수 있겠다. 그의 가장 큰 장기인 영상미학을 가장 과감하게 시도한 작품이자 자유롭게 풀어낸 작품인 동시에, 뮤지컬이라는 장르에 그가 얼마나 정통하고 있는지를 느낄 수 있었던 작품이며, 원작이 갖고 있던 무게 감을 자신만의 색깔로 더 효과적으로 영화화한 작품이기 때문이다. 

음악과 더불어 영상에 대한 이야기를 하지 않을 수 없겠다. 기본적으로 지나치게 붉은 색감으로 시작된 영화는 시종일관 왜곡 된 색감과 뿌연 영상 등으로 진행되는데, 각 장면 마다 스타일에 맞게 영상을 의도적으로 사용한 것도 있지만 내용적인 극의 전환에 따라서도 영상의 분위기를 달리하여, 제 3자가 마츠코를 연민의 시선으로 바라보는 듯한 느낌을 전달하고 있다. 그리고 꿈 꾸는 듯한 뿌연 영상은 끔찍한 인생을 살아온 마츠코 자신이 항상 꿈을 꾸었기에 그나마 버틸 수 있었다는 것을 간접적으로 나타내고 있기도 하다. 영화의 내용은 지워져도 이미지는 지워지지 않을 정도로 강렬한 인상을 남기는 '혐오스런 마츠코'는, '디즈니 영화의 히로인이 실수로 다른 문을 열어버린다면 마츠코처럼 살게 되지 않을까'라는 시점에서 영화를 시작했다는 말처럼, 디즈니 만화에서나 볼 법한 형형색색의 이미지들과, 또 '백설공주'가 숲 속을 산책할 때나 등장할 법한 꽃들과 나비 때처럼, 동화적인 상상력이 극대화된 영상을 담고 있다.

왜곡 된 색감은 감독의 전작 '불량공주 모모코'에서도 만날 수 있었던 기법이었는데, 처음에는 조금 불편하게 느껴지기도 하는 것이 사실이지만, 결과적으로 보았을 때 영화를 좀 더 영화라는 포맷 안에 담아내는 데에 (이 작품에서는 이 한계성이 매우 중요하다고 얘기할 수 있겠다)있어 작품의 분위기를 한층 돋보이게 하는데 공헌을 하고 있다(한 예로, 영화의 자료 사진들 가운데 색감이 적용되지 않은 일반 사진들을 보게 되면, 이 영화가 만약 이대로 일반적인 색감으로 제작이 되었다면 얼마나 심심한 영화가 되었을지 어렵지 않게 알 수 있을 것이다).

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최근 필름 상영으로는 국내에서 거의 마지막이 될 극장 상영을 재차 관람할 기회가 있었는데, 확실히 안방에서 보는 블루레이의 화질이 체감하기에 훨씬 선명한 편임을 확인할 수 있었다. 칼 같은 선예도는 의도적으로 배제하고 있는 영상이지만, 그래도 기존에 출시되었던 DVD의 화질(DVD의 화질도 결코 나쁜 편이 아니었다)과 비교해보자면 그 우수성을 한 눈에 확인할 수 있을 것이다.

▽ DVD 버전

눈으로 직접 확인할 수 있는 것처럼 DVD와는 비교 불가의 화질을 수록하고 있다. 특히 DVD에서는 좀 더 강했던 붉은 색감이 샤프니스가 살아나면서 좀 더 정리된 느낌을 준다.

대부분의 DVD와 동일하기는 하지만, 기존 EPK 류의 서플먼트들을 블루레이에서는 교체하였으며 DVD출시 스펙에는 있었지만 누락되었던 예고편 3종과 극장 예고편 등이 새롭게 추가되었다. 또한 자막 역시 기존 DVD의 버전을 그대로 사용한 것이 아니라 기존 DVD의 본편과 부가영상을 모두 재 번역하여 자막을 새롭게 수록하였다는 점도 빼놓을 수 없는 블루레이만의 보강된 부분이다. 참고로 부가영상에 대한 좀 더 자세한 내용은 예전 DP에서 리뷰했었던 DVD리뷰를 참고하면 되겠다.
 

[총평] 나카시마 테츠야의 '혐오스런 마츠코의 일생'은 영상과 음악이 이야기와 완벽하게 맞아 떨어진 최고의 작품이었으며, 블루레이 역시 작품의 인상적인 영상과 음악을 차세대에 걸맞게 수록한 만족스러운 타이틀이었다. DVD가 출시되었을 때에도 이 작품을 소장한다는 그 사실에 무척 감격했던 기억이 새록새록 나는데, 블루레이로도 소장하게 되다니 감개가 무량할 따름이다. 이 작품의 팬들이라면 두말 할 것 없이 소장해도 좋을 것이며, 만약 아직까지 이 작품을 접해보질 못했다면 이번 기회에 혐오와는 거리가 먼 이 아름답고 유쾌하고 슬픈 작품을 꼭 만나보길 바란다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  

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악인 (悪人 Villain, 2010)
외로운 존재와 소중한 자를 둘러싼 슬픈노래


지난해 일본내 가장 화제작 중 하나였던 이상일 감독의 '악인 (悪人)'은, 그 제목과는 달리 단호하거나 세기가 강한 이야기를 담고 있지는 않았다. 오히려 굉장히 섬세하고 따듯한 시선으로 세상에서 '악인'이라 불리는 이들을 바라보고 있는데, 그저 '우리가 악인이라고 알고 있는 사람들 가운데는 연약한 이들이 많다' 라거나 '이들을 악인으로 만든건 사회다'라는 것 정도를 담아내는 데에 그치지 않고 좀 더 넓은 의미의 포용과 관계를 담아내려 애쓴다. 

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하나의 살인사건을 둘러 싸고 유이치 (츠마부키 사토시)와 요시노 (미쓰시마 히카리)와 그녀의 아버지 요시오 (에모토 아키라), 요시노와 관계가 있던 남자 대학생 마스오 (오카다 마사키) 그리고 나중에 유이치와 만나게 되는 미츠요 (후카츠 에리)와 요시노를 자식같이 키웠던 그의 할머니 후사에 (기키 기린)까지. 이들의 이야기는 하나의 사건으로 엮여 있지만 각기 다른 이해관계와 슬픔 그리고 결핍을 안고 있다. 요시다 슈이치의 원작 소설을 읽지는 못해 원작과의 비교는 어렵겠지만, 이 다양한 캐릭터들의 이야기는 이 영화의 장점이자 단점이기도 하다. '악인'은 러닝타임도 139분으로 결코 짧지 않은 편인데, 이 각자의 이야기 (각각이 아닌)는 조금은 독립된 역할을 하고 있기 때문에 완벽하게 하나의 이야기로 러닝타임 내내 동일한 힘의 크기로 움직이지는 못한다. 유이치의 이야기는 너무 가려져 있고 미츠요를 만나기 전과 후의 이야기는 1막과 2막으로 나눠도 좋을 만큼의 거리감이 없지 않으며 할머니인 후사에의 이야기 역시, 중심에서 조금은 벗어나 독립성을 갖는 부분이 없지 않다. 

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이런 아쉬운 점이 없지는 않지만 글 서두에 이야기했던 것처럼 '악인'에는 더 넓은 의미의 포용과 시선이 존재한다. 이 포용은 마치 연골처럼 이들의 관계를 조금 더 자연스럽도록 연결시켜주는 동시에 하나의 메시지로 귀결시킨다. 다시 말해, 좀 더 유이치를 중심으로 한 이야기에 완전히 집중해 극적인 동력을 얻지 못한 까닭은, 그 만큼 '악인'에서는 악인이 된 유이치 뿐만 아니라 그 주변과 그로 인해 돌아볼 기회와 잠재적 분노 그리고 슬픔을 표출하게 된 '이들'의 이야기가 더 중요했기 때문이 아닐까 싶다. 최근 들어 어떠한 사건, 특히 살인사건이나 사이코 패스 등을 그릴 때의 경향을 보면 결국 그 이면에는 사회라는 거대한 시스템의 무관심과 잘못이 있었다는 것으로 종결짓곤 하는데, 이 작품은 그렇게 볼 수 있는 여지가 없지 않지만 이러한 논리적이고 냉소적인 이유 보다는 감성적인 부분에 더 호소하고 기대고자 한다. 

영화 내내 불필요 하다 싶을 정도로 흩날리게 뿌려놓은 조각들은 마지막에가서 영화가 결국 무엇을 말하고자 했는지를 꺼낼 때, 완전하지는 않지만 하나의 덩어리가 되어 작동한다. 이 덩어리는 완벽한 하나가 되지는 못해 조금씩 갈라진 균열의 틈으로 빛이 새어나오기는 하지만, 따지고보면 이 균열이라는 것 또한 이 작품이 말하고자 했던 또 다른 외로움과 포용의 이름이 아닐까 생각했다. 그런 점을 미처 다 느낄 수 없었더라도 영화가 마지막 던지는 메시지는 뭉클하고 울컥하게 되는 지점을 분명히 갖고 있다. 그 동안 이들의 외로움을 경험할 수 있었고, 그 주변의 소중한 사람들이 겪어야 했던 슬픔과 마음의 짐을 엿볼 수 있었기에, 참아왔던 이들이 비로소 자신의 진심을 소박하게 고백하는 순간 (혹은 끝내 토해내지 못하는 것을 목격하는 순간), 영화가 들려주는 슬픈 노래에 눈물짓지 않을 수 없는 것이다.

주연을 맡은 츠마부키 사토시는 캐릭터의 특성상 깊이를 체감하기 어려운 부분이 있었던 반면, 할머니 역할을 맡은 기키 기린이나 아버지 역할의 에모토 아키라의 연기는 역시 명불허전, 이 작품에 가장 큰 역할을 한 배우라면 오히려 이 둘을 더욱 꼽고 싶을 정도다. 히사이시 조의 음악은 영화에 상당히 많은 부분 직접적으로 개입하고 있는데, 극중 캐릭터들이 겉으로 표현하지 못하는 내면의 감정을 음악이 상당부분 역할을 부여 받아 표현하고 있는 듯 했다.

 

고백 (告白, Confessions, 2010)
지옥이라는 또 다른 이름의 삶에 대한 고백


'불량공주 모모코' '혐오스런 마츠코의 일생' 등을 연출한 나카시마 테츠야 감독의 문제작 '고백 (告白, Confessions)'을았다. 이미 전작들을 통해 독특한 색감과 강렬한 스타일로 강한 인상을 남겼던 그의 신작이기에 기대를 가졌던 것은 물론, 미나토 가나에의 베스트셀러 동명 소설이 담고 있는 주제 자체가 화제였기 때문에 더 큰 기대를,나카시마 테츠야 감독은 과연 이 이야기를 어떤 방식으로 풀어낼까 하는 기대를 갖게 했다. 원작을 읽지 않아 이 영화가 담고 있는 메시지와 충격을 그대로 몸으로 다 흡수할 수 있었는데, 2000년작 '배틀로얄'을 처음 보았을 때와 비슷한 느낌, 하지만 결국 그 속에 담긴 사회적인 문제나 냉혹하리만큼 차가운 시선 때문에 더 강렬한 작품이었다.
 
 

영화는 봄방학을 앞둔 종업식날 교사 '유코 (마츠 다카코)'가 자신의 어린 딸을 죽인 살인자가 자신의 반 학생들 가운데 있다는 고백을 하는 것으로 시작한다. 영화 '고백'은 총 5명의 다섯 가지 고백으로 이루어져 있는데, 그 가운데 첫 번째 유코의 고백이 가장 강렬한 것이 사실이다. 학생에게 깍득이 존댓말로 대하는 유코의 성격답게 감정적으로 흔들리지 않고 차갑고 냉철하게 조목조목 설명해 가는 이 첫 번째 고백은, 이 영화가 '누가 죽였느냐'에 대한 영화가 아니라 '왜 죽였느냐', 더 나아가 그 '왜'를 둘러싼 이야기들과 이 '왜'를 바라보는 시선들에 대한 영화라는 것을 알게 한다. 

영화 구성의 특성 때문만이 아니라 첫 번째 유코의 고백이 가장 충격적이었던 또 다른 이유는, 이어지는 다른 이들의 고백에 등장하는 직접적인 살인 장면이나 자극적인 장면들보다도 선생인 유코가 교실에서 학생들에게 이야기할 때 벌어지는 교내의 상황들이 훨씬 더 지옥과도 같았기 때문이었다. 교권이 무너지고 학급내 아이들 사이에서도 친구 관계가 더 이상 우정으로 연결되어 있다기 보다는 거대한 하나의 권력 집합체로 연결되어 있는, 그래서 옳고 그름의 판단보다는 다수의 권력에 위배되는가 아닌가에 따라 움직이는 하나의 유기체 같은 존재로 그려지는 이 중학교 한 학급의 모습은 이 영화에서 가장 공포스러운 모습 중 하나였다. 하나같이 중학생의 풋풋함을 갖고 있고 꾸미려해도 지워지지 않는 아직 어린 생기를 갖고 있는 아이들을 학생들로 캐스팅한 것 역시 이런 효과를 더욱 배가 시키기 위함이었을 것이다. 소년, 소녀의 아름다운 미소를 갖고 있는 이들이 살고 있는, 그리고 이들이 만들어낸 이 지옥같은 곳을 묘사하기 위해서 말이다.

살인을 저지른 아이들을 비롯해 앞서 언급한 바와 같이 공포스러운 아이들만이 문제가 있는 것은 아니다. 그렇다고 단순히 아이들이 이렇게 되도록 방치한 어른들과 사회의 잘못을 언급하는 것에 그치지도 않는다. 이 영화에 등장하는 어른들의 모습은 직접적으로 살인을 저지른 아이들 못지 않게 악마같은 존재로 그려진다. 얼마전 개봉했던 김지운 감독의 '악마를 보았다'에서 잘 표현되었듯이, 큰 상처를 받고 지독한 복수를 계획한 피해자는 그 복수가 진행될 수록 본래 가해자 보다도 더한 악마같은 모습으로 변해갈 수 있다는 것을 알 수 있는데, '고백'에서 복수를 차분하게 진행해 가는 유코의 모습에서는 어쩌면 아이들보다도 더한 악마같은 냉혹함을 엿볼 수 있다. 나오키의 어머니의 행동과 말 역시 인정에 기인했다고는 하지만 너무나도 이기적인 것에 근거했기에 또 하나의 지옥의 조각으로 볼 수 있을 것이다. 

유코의 후임으로 온 선생 베르테르의 캐릭터도 이와 같은 맥락으로 볼 수 있을 것이다. 무지에 가까운 그의 캐릭터는, 비록 알지 못하고 행한 행동이나 말이라도 상대에게 죄를 범할 수 있으며, 더 잘 알려고 하지 못했거나 결국 이해하지 못한 것도 역시 어른의 죄악에 가깝다는 것을 빗대어 표현한다. 더불어 교실과 학교 옥상에서 그리고 강당에서 조회 시간에 아이들 사이에서 어떤 일이 발생해도 적극적으로 관여하지 않은 선생님(어른들)들의 모습들 역시, 방관 자체가 또 다른 가해임을 말해주고 있다.

'고백'이 강한 인상을 남기는 가장 큰 이유는 감정적으로 호소하거나 동요될 수 있는 부분들을 거의 다 제거했다는 점이다. 즉, 살인을 저지를 수 밖에는 없었던 불우한 환경 속에 자란 아이라던가, 유코의 복수가 잔혹하기는 하지만 눈에 넣어도 아프지 않을 어린 딸 아이의 죽음 앞에서 이해할 수 있는 엄마의 행동으로 더 묘사한다거나, 슈야와 나오키, 미즈키의 이야기 모두 그럴 수 있는 여지는 갖고 있지만 결코 이 부분을 부각해 감정적으로 공감되도록 만들지는 않는다는 점이다 (아마도 유일하게 감정적으로 흐를 수 있도록 돕고 있는 장치라면 영상미와 삽입곡 정도 일듯). 사실 이 점이 가장 이 영화에서 논란이 되는 근본의 이유라고 생각하는데, 영화 속에서 흔히 지옥이나 지옥같은 상황을 그릴 때에는 관객이 어느 한 곳 공감대를 형성할 수 있는 인물을 두어 연민을 느끼거나, 이 지옥을 벗어나고 싶게 끔 만드는 것이 일반적일테지만, 이 영화 '고백'은 관객이 쉽게 공감하고 마음 줄 곳을 주지 않고 그냥 벗어날 수 없는 지옥을 그대로 경험토록 만들기 때문이다. 그리고 그 주체가 어린 학생들이 대부분이었기 때문에 더더욱 논란이 되었던 것이 아닌가 싶다. 

확실히 '고백'은 탈출구를 만들어 놓지 않는 구조나 다름없다. 자신도 모르게 지옥에 빠져든 사람, 지옥에 빠져들 수 밖에는 없었던 사람, 이왕 지옥에 빠져들 수 밖에는 없겠다싶어 끝까지 가보기로 결심한 사람, 자신이 지금 지옥에 있는지도 모르는 사람들. 이들 모두에게 탈출구가 없다. 

나카시마 테츠야 감독은 전작들에 비해 화려한 색감을 대폭 줄이는 대신 차가운 톤의 컬러와 영상 그리고 클로즈 업을 적극적으로 활용하고 있다. 사실 '고백'을 보면서 가장 많이 들었던 생각 중 하나는 이 작품이 마치 프랭크 밀러나 앨런 무어의 그래픽 노블과도 같은 영상과 구성을 갖고 있다는 점이었다. 내레이션과 슬로우 모션, 강한 콘트라스트와 타이트한 영상 그리고 중간중간 등장하는 아름다운 하늘들과 Radiohead를 비롯한 감성적인 삽입곡들까지. 감독의 전작들이 마치 형형색색의 동화책을 보는 듯한 느낌이었다면, '고백'은 잿빛의 그래픽 노블을 보는 듯한 느낌이었다. 결과적으로 화려한 색의 마술사에 가까웠던 나카시마 테츠야 감독이 만든 흑백에 가까운 잿빛 영화을 본다는 의미에서도 흥미로운 작품이었다.
 

톰 요크의 외롭고 건조한 목소리는 영화의 매마른 감성과 참 잘 어울리더군요. 진짜 Radiohead 노래가 나올 땐 '왓치맨'의 한 장면 같았어요;;


2. '혐오스런 마츠코의 일생'의 블루레이 국내 출시가 확정된 상황에서 이 작품도 꼭 블루레이로 만나볼 수 있었으면 좋겠네요. 워낙에 영상이 한 몫 하는 작품이라.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

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우리 의사 선생님 (Dear Doctor, 2009)
마음을 움직이는 진정에 대하여


'유레루'를 연출했던 니시카와 미와 감독의 2009년 작 '우리 의사 선생님 (Dear Doctor)'을 뒤늦게야 DVD로 감상하였다. 전작을 통해 제법 국내에서도 이름을 알렸음에도 이 작품은 개봉 당시 많은 관객들과 만날 기회를 갖질 못했었는데, 보고나니 일본 영화 특유의 잔잔한 분위기로 채워져 있기는 했지만 역시나 그 잔잔함과 소소함 속에 깊은 여운을 주는, 그냥 놓치기에는 아쉬운 작품이었다. DVD를 선물 받은 것도 시간이 제법 지났는데, 이번 주말엔 무슨 바람이 불었는지 고이 모셔져 있던 DVD를 꺼내 감상하게 되었다.

사실 '우리 의사 선생님'이라는 제목을 처음보았을 때 느꼈던 선입관은 너무 착하기만 한 영화는 아닐까 하는 것이었다. 착하기만한 영화를 좋아하지 않는 것은 아니지만, 제목과 포스터에서 느껴지는 분위기만으로 영화의 대부분을 예상할 수 있는 작품은 아닐까 하는 오해 때문이었다. 이 글에 사용된 포스터말고 대표적으로 사용된 포스터에는 의사선생님 역할을 맡은 쇼후쿠테이 츠루베가 사람 좋은 웃음을 얼굴 한 가득 머금고 있는 장면이 사용되어서 더욱 그랬는지르겠는데, 그런 반면 푸른 들판을 배경으로 무언가 외로워 보이면서도 의문을 담고 있는 듯한 표정과 분위기를 풍기는 위의 포스터가 오히려 좀 더 작품의 성격과 잘 맞아 떨어지는 듯 하다.

영화는 두 가지의 이야기가 서로 정반대에서 시작해 접점에 이르는 방식으로 진행되는데, 이 두 가지 이야기는 사실 다른 이야기라기 보다는 하나의 이야기인데 시간의 흐름과 풀어가는 방식에 따라 갈린다고 말할 수 있겠다. 작은 시골 마을에서 마치 신처럼 추앙받은 의사 선생님을 소개하는 동시에 다른 한 편에서는 그 의사 선생님이 의문스럽게 자취를 감춰버렸다는 미래의 이야기를 동시에 꺼내 놓는다. 이와 같은 방식은 사건 자체가 중요하다기보다는 그 사건이 일어날 수 밖에는 없었던 더 깊은 가치와 정서에 주목한다고 할 수 있을텐데, 특히 이 작품 같은 경우는 이렇듯 존경 받는 의사 선생님이 왜 그렇게 된 걸까 라는 의문을 처음부터 갖고 보게 되기 때문에, 반대로 처음부터 디테일한 감정 표현과 캐릭터 묘사에도 주목하게 된다는 장점이 있다. 

그렇게 보게 된 '우리 의사 선생님'은 우리가 흔히 진정성이라고 표현하곤 하는 진정(眞情)에 관한, 마음을 움직이는 진정에 관한 이야기다. 진짜보다 더 진짜 같은 가짜 그리고 가짜보다 더 가짜 같은 진짜들의 이야기. 쉽게 (조금은 경박하게) 풀어내자면 이런데, 사실 이 영화가 말하고자 하는 것은 진짜 가짜에 대한 것이 아니라, 그 마음가짐에 관한 것이라고 할 수 있겠다. 즉 면허증이나 자격으로 발생하는 것이 아니라 어떤 마음으로 접근하고 받아들이냐에 관한 이야기. 영화는 이 측면에서 비록 자격은 갖지 못했지만 마음가짐만은 그 어떤 진짜보다도 진정을 갖고 있던 한 남자와 이 남자를 마음으로 받아들인 듯 했지만 사실은 그저 자격과 자신들의 필요에 의해 끌어 안고 있었던 작은 사회에 관한 양면의 이야기를 들려준다. 후자의 이야기 때문에 이 작품을 마냥 착하고 따스한 영화로 보긴 어렵다고 할 수 있겠다. 

이 작품에 나온 대사들 가운데 가장 인상적인 대사 중 하나는 극중 의약품 판매상으로 나왔던 카가와 테루유키의 말이었는데, 약을 팔면서 한 번도 환자의 병을 낫게 해야겠다는 생각을 해 본 적이 없다며 스스로를 뒤돌아보는 대사였다. 즉 무엇이든 너무 익숙해져 버려서 초심을 잃어버렸거나 아니면 너무 직업이 되어버려 본래의 의미를 잃어버린 일들에관해 생각해 보게 되는 대사이자, 이 작품이 전체적으로 담아내려한 진정에 대한 묘사이기도 했다. 인간이란 기계와는 달라서 처음과 끝이 똑같기 어렵고 무슨 일이든 내성이 생기면서 안좋은 쪽으로 익숙해지기도 하는데, 이 영화를 보면서 느꼈던 점은 그렇다 하더라도 우리 인간들이 초심을 잃는 속도, 내성이 생기는 속도가 너무 빠른 것은 아닌가 하는 점이었다. 그런 면에서 오로지 그 마음 가짐만으로 이미 내성이 생겨버린 사람들 사이에서 한참을 우뚝 솟았던 의사 선생님의 이야기는, 그가 진짜였냐 가짜였냐를 떠나서 수 많은 이미 갖은 자들에게 큰 경종을 울리는 메시지가 아니었나 싶다. 

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러브레터 (Love Letter, 1995)
잃어버린 시간들에 대한 회상


내게 있어 이와이 슌지의 '러브레터'는 많은 사람들이 이 영화를 기억하는 것 만큼 아련한 작품은 사실 아니었다. 이 영화를 처음 보았을 때 사실 그다지 영화를 많이 보던 시절이 아니었던 것도 있고, 그냥 단편적인 기억에 '오갱끼데스까~ 와따시와 갱끼데스~'로만 기억되는 러브 스토리로만 기억되었던 것도 사실이었다. 더불어 이와이 슌지 보다는 이누도 잇신에 감성에 더 가까운 편이었고 그의 작품들 가운데도 '러브레터' 보다는 '릴리 슈슈의 모든 것'을 더 좋아하는 부류였다. 이렇듯 개인적으로는 너무 일반적이리만큼 유명해서 별다른 감흥을 느끼지 못했던 '러브레터'가 며칠, 아니 몇 달 전부터 몹시 아련해져오기 시작했다. 특히 너무나도 익숙한 사운드트랙인 'A Winter Story'의 피아노 선율이 머릿 속에서 지워지지 않을 정도로 맴돌았고, 이런 앓이는 결국 아주 예전에 구입하였지만 거의 꺼내어 보지 않았던 DVD를 정말 오랜만에 다시 꺼내어 보도록 이끌었다.

그렇게 거의 10년 만에 다시 보게 된 '러브레터'는 확실히 달랐다. 음악에 비유하자면 너무나도 유명해서 굳이 꺼내어 듣게 되지 않는 뮤지션의 최고 히트곡이 어느 날 갑자기 너무도 와닿으면서 '그래, 역시 명곡은 다 그럴 만한 이유가 있지!'라고 생각하게 되는 것처럼, 왜 '러브레터'인가 라는 것에 대해 새삼 아니 비로소 느끼게 되었던 것이다. 예전에 어렴풋한 기억으로는 단순히 남녀 간의 사랑이라는 주제를 조금 특별한 구조로 풀어놓은 이야기라고만 생각했었는데, 다시 보게 된 '러브레터'는 그것 보다는 결국 '잃어버린 시간들'에 대한 이야기임을 알 수 있었다. 사실 이 영화에서 이와이 슌지가 말하는 잃어버린 시간들에 대한 묘사는 너무 직접적이라 더 말할 필요도 없을 정도인데, 예전에는 이 비유가 그냥 겉도는 것처럼 느껴졌다면 이번에는 그 비유가 너무 직접적으로 느껴질 만큼, 체감할 수 있었던 경험이었다.

극 중 후지이 이츠키는 오해로 인한 와타나베 히로코의 편지를 받고서야 자신의 시간 속에 동명이인이었던 남자아이 후지이 이츠키가 있었다는 것을 떠올리게 되고, 그와 연관된 추억들을 하나하나 꺼내어 놓게 된다. 그러면서 동시에 자신의 소녀 시절의 기억들도 떠올리게 되고 더 나아가 자신은 미처 생각지 못했던, 또 한 명의 후지이 이츠키와 공유한 시간들을 기억해 내게 된다. 물론 영화의 마지막, 어린 시절 자신과도 같은 소녀들이 전해주는 도서대출카드에 숨겨진 진실은 이 잃어버린 시간들에 대한 영화의 메시지에 확실한 마무리를 제공하고 있긴 하지만, 만약 이 마지막이 없었더라도 이미 후지이 이츠키가 와타나베 히로코를 통해 겪게 되는 회상의 일들은, 그것으로 영화가 말하고자 하는 바를 다 전하고 있다는 생각이 들었다.

그리고 다른 얘기지만 예전에 이 작품을 처음 보았을 때는 '오갱끼데스까~ 와따시와 갱끼데쓰~'의 정서를 100% 이해하지 못했었다. 아니 못했던 것을 이번에 보고서야 알아차릴 수 있었다. 이 장면에서 뿜어져 나오는 정서는 수많은 우스꽝스러운 패러디들이 모두 잊혀지고도 남을 만큼 깊은 것이었으며, '잘 지내시나요~ 나는 잘 지내요~' 라는 그 말이 담고 있는 진정한 의미를 그 때보다는 더 잘 이해할 수 있게 되었달까. 그리고 '나는 잘 지내요'라는 말이 얼마나 하기 힘든 말이라는 것을 알게 되었달까.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

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신예 여성 감독 타나다 유키가 연출을 맡고 아오이 유우가 주연을 맡은 ‘백만엔걸 스즈코’는 제목에서 살짝 선입견을 갖게 될 수도 있는데, 코믹적인 요소는 거의 없는 차분하고 잔잔한 청춘 로드무비라고 할 수 있겠다. 부제목은 ‘로드무비’라고 했지만 전형적인 로드무비의 형식은 아닌데, 특별한 사연으로 인해 자신이 아무도 모르는 곳에서 아르바이트를 하고 이를 통해 백만 엔이 모이게 되면 또 다른 곳으로 이사해 다시 아르바이트를 하는 주인공 스즈코의 여정으로 미뤄봤을 때 일종의 로드무비로도 볼 수 있겠다.

여성감독의 작품답게 ‘백만엔걸 스즈코’의 가장 큰 장점은 자극적이지 않으면서도 그 내면을 섬세하게 다루고 있는 주인공 스즈코의 심리 묘사에 있다. 실제로 극중 스즈코의 심리 묘사는 비슷한 결핍을 겪어본 사람만이 공감할 수 있는 수준까지 세밀하게 묘사해 내고 있었는데, 꼭 스즈코와 똑 같은 결핍을 겪은 이가 아니더라도 비슷한 경험을 했던 이들이라면 ‘아 맞아, 나 같아도 저렇게 했을지 몰라’ 혹은 ‘나도 그랬었지…’하며 깊은 공감을 하게 될지도 모른다.

전체적인 이야기와 결말은 크게 새로울 것은 없지만, 이 세밀한 묘사와 현실적인 캐릭터 그리고 자연스러운 감정선은, 이 새로울 것 없는 이야기에 또 한번 빠져들게 만든다. 그리고 이 이야기는 무엇보다 삶이라는 무게에 한 번 무릎 꿇었던 이들을 다시금 일으키게 하는 작은 용기를 심어준다. ‘백만엔걸 스즈코’는, 결국 혼자라고 생각했던 나 역시 누군가에게 용기를 주는 존재였다는 것과 이 와는 반대로 속세의 것들에서 더 초연해 져야 한다는 결심을 동시에 들게 하는 묘한 설득력을 갖고 있는 작품이다. 이 둘 중 어느 것을 선택하게 되든 이 작품은 무엇인가로 조금이나마 움직이게 하는 작은 동요를 들게 하는 작품임은 틀림없다.

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DVD Quality

1.85:1 화면 비 영상의 화질은 전형적인 일본 영화 타이틀의 화질이라고 보면 되겠다. 날카로운 외곽선 보다는 작품의 느낌을 부각시킨 부드러운 톤으로 이루어져 있으며, 색감 역시 선명함 보다는 마치 카메라로 치자면 ‘로모’ 느낌이 나는 감성적인 톤을 수록하고 있다. 가끔 이런 작품의 화질이 블루레이의 차세대급 화질이었다면 느낌이 어땠을까 상상해 보곤 하는데, 그 나름대로의 장점도 분명 있겠지만 현재 DVD에 수록된 느낌이 분명 더 좋지 않을까 하는 생각은 해본다.

돌비디지털 5.1채널의 사운드는 일반적으로 비슷한 장르의 일본 영화들이 2.0채널만을 지원했던 것을 감안한다면 좀 더 보완된 부분이지만, 2.0만 수록된 타이틀을 리뷰 할 때 이야기했던 것처럼, 2.0만으로도 대부분 표현할 수 있는 소소한 장르라 5.1채널 만의 다이내믹함을 기대하기는 어렵다. 이런 작품에 있어 가장 중요한 대사 전달의 경우 크게 부족한 것 없이 센터 스피커를 통해 선명하게 전달된다.

DVD Special Features

‘아오이 유우 인터뷰’에서는 이 작품에 출연하게 된 계기와 자신이 맡은 ‘스즈코’에 대한 인상을 들려주는데, 아오이 유우의 첫 번째 작품이었던 ‘릴리 슈슈의 모든 것'의 프로듀서였던 마에다 와의 관계로 인해 처음 관심을 갖게 되었다는 점과 ’스즈코'라는 캐릭터를 처음 대본을 통해 만나게 되었을 때 아주 자연스럽고 현실적인 캐릭터라는 인상을 받았다는 짧은 소감도 들려준다. 또한 감독인 타나다 유키 감독에 대한 이야기도 들려주는데, 여장부라고 표현과 함께 남성적인 면과 여성적인 면을 모두 갖고 있어 영화에 그런 면이 잘 드러난 것 같다 라고 말한다. 그 외에 영화 속에 등장하는 아르바이트 들을 연기하면서 겪은 짧은 에피소드들을 각각 들려준다. 전체적으로 14분 남짓의 인터뷰를 통해 아오이 유우가 ’스즈코'라는 캐릭터와 이 영화에 얼마나 빠져있는지를 느낄 수 있게 해준다.