영 어덜트 (Young Adult, 2011)

당신의 전성기는 언제인가요



포스터만 보면 '몬스터 (Monster, 2003)'에 이어 또 한 번 샤를리스 테론이 망가진 영화가 아닐까 싶은 작품인데, '주노 (Juno, 2007)'와 '인 디 에어 (Up In the Air, 2009)'를 연출했던 제이슨 라이트먼이 연출을 맡고 '주노'의 디아블로 코디가 각본을 쓴 작품이 바로 이 작품 '영 어덜트 (Young Adult, 2011)'이다. 전작들을 통해 제이슨 라이트먼의 영화는 이른바 '믿고 보는' 영화 중 하나가 되었는데, 이 작품 역시 결과적으로 무언가 움찔하게 되는 삶의 메시지를 전달하고 있는 좋은 작품이었다. 전작들과 마찬가지로 성장담을 그리고 있는데, 성장담이라는 측면에서는 더 직접적인 텍스트이지만 그 안에 담긴 메시지를 전달하는 방식에 있어서는 더 은근하고, 그래서 앞서 이야기한 것처럼 어느 순간 '움찔'하게 되는 그런 작품이기도 했다.

 

 

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'영 어덜트'라는 제목에서도 쉽게 알 수 있듯이 이 영화는 제이슨 라이트먼의 전작들과 마찬가지로 결국 성장에 관한 이야기다. 청소년들을 대상으로 한 소설을 쓰는 대필작가 메이비스는, 자신이 쓰는 소설과 마찬가지로 아직 어른이 되지 못한 이다. 도시에서 그럭저럭 괜찮게 보이는 삶을 살던 그녀는 우연히 보게 된 학창시절 남자친구의 득녀소식을 보고는 다시금 그와 만나야겠다는 생각에 모든 것을 뒤로하고 고향으로 돌아온다. 그리고는 제이슨 라이트먼의 영화 전개 속도보다도 더 빠르게 전 남자친구이자 현재 유부남인 '버디 (패트릭 윌슨)'에게 접근한다.

 

길지 않은 94분이라는 러닝 타임 때문이기도 하겠지만, 제이슨 라이트먼은 주인공 메이비스 (샤를리스 테론)의 이야기를 구구절절 설명하지 않고 아주 간결하게 그리고 빠르게 진행해 간다. 그냥 메이비스가 사는 방의 풍경, 그리고 그녀가 주목한 메일 하나만으로 그녀가 다시금 고향으로 돌아가게 되는 것에 대한 모든 설명을 마친다. 그 이후 고향에서 벌어지는 일들도 마찬가지다. 메이비스가 고향을 떠나오기 전 어떤 일들이 있었는지, 어떤 평가를 받았는지 일일이 설명하지 않지만 영화는 작은 대화와 설정 들만으로 이를 대부분 해소시켜 준다.

 

 

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사실 영화를 다 보기 전까지만 해도 내가 메이비스의 이야기에 대한 궁금증이 모두 해소되었는지 조차 알지 못했다고 해야 맞을 것이다. 100%의 공감대를 느끼기에는 무언가 부족한 것이 아닐까, 즉 더 많은 설명을 영화가 해주지 않을까하며 기다리다가 영화가 끝나버린 감도 아주 없지는 않은데, 묘한 건 그런 정도의 공감대를 갖으며 영화를 감상했음에도 메이비스의 이야기가 어느 순간 움찔하고 와닿았다는 것이다. 그런 묘한 순간을 처음 느낀 건 아무리 생각해도 영화 속에서 잘 한 짓이라고는 없는, 보통 영화였다면 악역이라고 해야할 메이비스의 행동들이 밉게 보이지 않았을 때 부터였던 것 같다. 디아블로 코디의 각본은 정말 간결했는데 (관객이 공감하고 있다고 스스로도 느끼지 못할 정도로) 어느 순간 내가 메이비스와 동일하게 서는 시점을 경험할 수 있게 했다. 영화를 다 보고 나니 '영 어덜트'라는 영화의 가장 놀라운 지점은 바로 이것이 아닐까 싶다.

 

극 중 메이비스의 행동이나 불만은 냉정하고 객관적인 측면에서 보자면 결코 환영받을 수 없는 것들이라고 할 수 있을 텐데, '영 어덜트'는 이런 메이비스를 잘못된 행동을 하는 사람이 아니라 아직 성장하는 과정에 있는 사람으로 묘사한다. 그래서 그녀 행동 자체를 미화하지는 않지만 영화가 전체적으로 그녀를 감싸고 있는 따듯함 덕분에 메이비스를 좀 더 이해하게 된 것이 아닌가 싶다. 그래서 그녀의 마지막 절규에 가까운 외침이 논리적으로는 타당성이 거의 없다시피 했음에도, 그녀의 외로움과 삶의 고단함이 느껴져 그 행동의 내면에 존재하는 여림을 볼 수 있어

움찔했던 것이다.

 


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영화는 성장담의 질문으로서 '당신의 전성기는 언제였는가?'를 묻는다. 고향 사람들은 그녀를 현재 고향에서 가장 성공해 도시로 나간 작가, 즉 현재 전성기를 누리고 있는 사람으로 생각하지만 메이비스의 생각은 오히려 고향에서 학창시절을 보내던 시기를 전성기라고 생각하고 있다. 그래서 그 때 함께 했던 버디를 다시 만나 자신의 삶을 돌이켜 보려고 했는지도 모른다. 하지만 고향에 돌아와 여러 일들을 겪으며 메이비스는 자신의 전성기가 예전도 현재도 아닌, 아직 오지 않았다는 것을 알게 된다. 다시 말해 자신이 현재 겪고 있는 일들을 스스로 인정해야만 미래로 나갈 수 있다는 것을 깨닫게 된다. 그리고는 처음 고향으로 돌아오기를 결심했던 그 날의 아침과 똑같은 포즈로, 다시 도시로 돌아가기를 결심한다. 메이비스의 전성기가 앞으로 펼쳐질지 아니면 그녀가 아니라고 생각했던 학창시절이 전성기였을지는 중요하지 않다. 메이비스는 이미 전성기가 언제였는지, 언제일지는 더 이상 중요하지 않은 진정한 어른이 되었기 때문이다.


 

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1. 제이슨 라이트먼의 작품답게 역시나 음악이 좋아요. 의도적으로 삽입한 음악들도 많았던 것 같구요.

2. 제이슨 라이트먼의 필모그래피도 차곡차곡 의미있게 쌓여가는 것 같아 보기 좋네요. 다음 작품도 기대됩니다~

 


 

 

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  

본문에 사용된 모든 스틸컷/포스터 이미지는 인용의 목적으로만 사용되었으며,
모든 이미지의 권리는 Paramount Pictures 에 있습니다.


 




인 디 에어 (Up in the Air, 2009)
각자의 삶의 무게

제이슨 라이트먼의 최신작 <업 인 디 에어 (국내 개봉 제목 '인 디 에어')>는 그의 전작 <주노> 때문에 기대를 갖게 했던 작품이었다. 물론 <주노>로 가장 많은 스포트라이트를 받았던 것은 각본을 쓴 디아블로 코디 였지만, 어쨋든 연출을 맡은 제이슨 라이트먼의 신작은 <주노>를 매우 인상깊게 본 입장에서 몹시 기대가 되는 바였다. 여기에 조지 클루니와 베라 파미가의 캐스팅은 <주노>와는 다르게 '어른'의 이야기를 들려주겠구나 하는 기대가 있었는데, 역시나 이 '어른'의 이야기는 삶의 여러 부분에 대한 깊은 이해와 통창, 그리고 위로가 담긴 좋은 드라마였다.



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주인공인 라이언 빙햄(조지 클루니)은 해고 전문가다. 고용주가 직접 해고를 통보하지 못할 경우에 대신 사람들에게 해고를 통보하는 독특한 직업이라 할 수 있는데, 미국 전지역을 돌아다니며 1년중에 대부분을 비행기 출장으로 보내는 그에게 공항은 집보다(없는 집보다) 편안한 곳이며, 항공사의 마일리지는 훈장과도 같다. 그러던 그의 회사에 화상채팅을 통한 해고방식을 제안한 신참 나탈리(안나 켄드릭)가 주목을 받게 되고, 라이언은 나탈리와 함께 출장 길을 떠나게 된다.

먼저 라이언 빙햄에 대해 살펴볼 필요가 있다. 라이언에게는 자신만의 삶이 있다. 가족들과 멀어져서 혼자 지내지만 외로움을 느낄 새가 없을 정도로 바쁜 일에 취해있고, 자신 만의 도전과제들을 위해 하루하루를 치열하게 살아간다. 결벽증과는 좀 다른 의미지만, 라이언에게는 자신 만의 확고한 룰이 있다. 여행 가방을 챙기는 그의 모습을 빠른 편집으로 반복해서 보여주는 것은, 라이언은 이렇듯 자신의 가치관대로 살아가는데에 주저없고 확고한 사람이며 그것에 얽매여 있다기 보다는 그 안에서 행복한 사람이라는 점을 보여준다. 해고 전문가라는 불편한 직업임에도 '장인 정신'에 가까운 직업 윤리로 대하는 모습도 그렇고, 결혼과 아이에 대한 부정적인 생각도 부정적이라기 보단 오히려 긍정적으로 느껴질 정도로, 그의 삶은 여행용 캐리어 처럼 잘 정리되어 있다.



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그런 그에게 아직 꿈 많고 열정에 차 있는 청춘의 나탈리는 알게 모르게 자극이 된다. 라이언은 나탈리의 방식과 제안에 '그건 너무 이상적이다' 혹은 '나도 그런 생각 안해본 것 아니지만, 결국 현실을 직시해야 될거다' 라는 식으로 받아들이지만, 그러는 와중에도 은연 중에 자신의 현재를 돌아보게 된다. 라이언은 받아치기 어려운 자신 만의 논리로 나탈리의 희망에 찬 청춘을 보기 좋게 꺽지만, 새로운 환경과 사회에 상처를 받고 힘들어 하는 나탈리를 보며 동정심인지 아니면 그 안에서 자신을 발견한 것인지 점점 자신의 정해진 룰 밖의 세상을 기웃거리게 된다.

<인 디 에어>를 보며 초중반까지 든 생각은, 결국 자신과 다름을(틀림이 아닌) 인정하고 이해하는 가치관이었다. 라이언은 그 자체로 이런 이해가 가장 필요한 캐릭터일지도 모르겠다. 그는 남들 과는 조금 다른 가치관과 인생이 목표를 가지고 있는데, 일반적인 사람들은 인생의 목표가 결국 '목표' 자체를 이루기 위한 것이라는 점에 허무함을 느끼기도 하지만, 목표라는 것에 경중이 없듯이 라이언의 인생 목표는 그것으로 존중 받을 이유가 있다. 항공사 마일리지 천만 마일이라는 그의 목표는 깊게 생각해보자면, 천만 마일을 날아다니는 동안 얼마나 많은 이들에게 해고를 통보했으며, 얼마나 많은 삶의 연륜이 쌓였는가를 짐작할 수 있는 척도 이기도 하지만, 이런 것을 재쳐두더라도 누군가가 삶의 도전과제로 정한 목표라는 점에서 그것은 이해를 넘어 인정할 필요가 있는 것이다.



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(이하 내용에 대한 스포일러가 있습니다. 원치 않는 분들께서는 맨 아래 단락으로 이동해주세요~)


그런데 재미있는 건 이런 쿨한 삶의 자세를 갖은 듯한 라이언 조차, 결혼식 준비로 명소에서 찍은 듯한 사진을 대신 만들어 오라는 여동생의 부탁을, '도대체 이런걸 왜 찍는거지?'라며 이해하지 못한다. 그렇게 하기 싫은 이 미션을, 왠지 '그래도 나 한테 특별히 한 부탁이니 해줘야지 뭐'라는 식으로 억지로 완수하고나서, 드디어 동생에게 이 사진을 전달했을 때, 그것이 자신 뿐만 아니라 수 많은 이들에게 동시에 주어진 미션이라는 점과 형편상 신혼여행을 못가서 이렇게라도 남기려고 했다는 동생의 말에, 라이언은 여러가지 생각을 하게 된다.

일단 라이언은 자신 만 하는 것으로 당연히 알았던 이 미션이 수 많은 사람들에게 동시에 주어진 미션이라는 점에서 사뭇 당황한다. 그런데 재밌는건 가족과 친구 없이도 만나는 모든 이가 친구라서 외롭지 않다던 라이언은, '특별히' 오빠인 자신에게만 부탁한 일이 아니라는 것을 알게 되었을 때, 묘한 소외감(그러니까 자신도 결국은 수 많은 존재 중에 하나라는 것)과 동시에 서운함 마저 느끼게 된다. 그리고 형편이 어려워 신혼여행을 대신하려는 이벤트 였다는 것을 알게 되었을 때, 최고급 클래스를 도전과제로 삶고 있던 자신의 삶의 목표에 대해서도 한번 쯤 의문을 갖게 된다.



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제이슨 라이트먼의 <인 디 에어>는 삶의 아이러니를 통해, 삶의 무게에 대해 이야기하고 있다. 결혼에 대한 부정적인 생각을 갖고 살아온 라이언이 결혼식날 결혼을 망설이는 동생의 남편될 사람인 '짐'에게 결혼에 대해 설득하게 되는 점이나, 항상 타인에게 해고를 통보해오던 그가 마지막에 가서는 누군가의 입사 추천서를 쓰게 되는 것을 보여주면서, 완전한 것이 없다는 메시지를 주는 동시에 흑백논리로는 설명할 수 없는 삶의 다양성에 귀를 기울인다.

그에 앞서 라이언은 동생의 결혼식에 맞춰 고향을 오랜 만에 방문하게 된다. 앞서 이야기했듯이 공항과 비행기, 그리고 각각의 호텔을 집처럼 생각하고 살았던 그에게, 자신이 자랐던 이 고향은 이런 집을 대신하는 것들이 줄 수 없었던 것을 제공한다. 어린 시절 다녔던 학교에는 무엇보다 추억이 있고, 그 자신의 말처럼 그 추억 속에는 자신 혼자가 아닌 항상 누군가가 곁에 있었다. 이런 변화를 겪게 되면서 라이언은 이런 추억을 앞으로 함께 하고 싶은 이로, 관계를 맺어오던 알렉스 (베라 파미가)에게 마음을 고백하려 한다. 하지만 알렉스는 라이언이 항상 이야기하고 다녔던 것처럼 가볍고 쿨한 관계만을 원하던 이였고, 자신을 탈출구 정도로 생각했던 알렉스의 말에 라이언은 진심으로 대꾸하지 못한다. 라이언 조차 그런 삶을 살아왔고 그것이 옳다고 생각했었던 이었기에, 오히려 '왜 갑자기 나를 찾아 왔느냐'라는 알렉스의 큰 소리에 뭐라 할 말이 없었던 것이다.

그런데 <인 디 에어>가 주는 끝 맛은 왠일인지 개운하지 만은 않다. 혼자서도 잘해요 였던 라이언이 결국 가족과 주변의 따스함을 알게 되었고, 화상채팅으로 누군가를 해고하는 잔인한 방식은 사고로 인해 보류가 되었지만, 공항 전광판 앞에서 자신의 앞으로 삶의 행선지를 응시해보는 라이언의 모습에서는 또 다른 삶의 무게가 느껴진다. <인 디 에어>는 마냥 선하게 '자신의 삶의 짐을 여럿이 나누면 반이 된다'라는 이야기도 아니고, '결국 자신의 삶은 혼자가 다 짊어져야 한다'는 아주 우울한 이야기도 아닌, 매우 현실적인 지점에 놓여있는 작품이다. 그러고보면 다른 가방이나 짐은 다른 사람이 대신 들어줄 수 있지만, 결국은 각자가 끌고 가야 하는 여행용 캐리어 가방은 이 영화를 가장 잘 나타내고 있는 기가막힌 소품인지도 모르겠다.



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한 동안 세계에서 가장 섹시한 남자인 조지 클루니는 이 타이틀과는 조금씩 거리가 있는(그래도 섹시하지 않았던 적이 있었나 싶기도하지만) 캐릭터들을 연기해 왔었는데, <인 디 에어>의 조지 클루니는 왜 그가 '모스트 원티드 섹시스트'인지 다시금 확인시켜 준다. 이 완전한 로맨스 영화 아닌 영화 속에서 등장하는 말끔한 수트 차림의 클루니에게서야 말로 진정한 매력이 느껴진다. 베라 파미가는 어느 덧 클루니와 커플을 이뤄 '삶의 연륜'을 이야기하는 캐릭터로 나아가 버렸는데, 커리어 우먼의 매력과 별 다른 제스처 없이 표정과 미소 만으로도 설명 가능한 알렉스 라는 캐릭터를 훌륭하게 표현하고 있다. 나탈리 역의 안나 켄드릭은 <트와일라잇> 시리즈에 비하면 많이 마른 모습으로 보였는데, 이 때는 그저 주인공 친구였던 그녀가 이제는 관객의 기억에 확실히 남는 캐릭터를 연기해 낸 것을 보니, 왠지 뿌듯하기까지.

보는 중간에는 너무 평범한 드라마가 아닐까 라는 생각을 잠시하기도 했었는데, 보고나서 생각하면 할 수록 참 깊이 있는 작품이었다는 생각이 들게 되는, 무게 있는 작품이었다.


1. 라이언이 결국 기장을 만나게 되었을 때 장면 묘사가 참 인상적이었어요. 기장님의 모습이 마치 천사나 신처럼 느껴졌거든요.

2. 알려졌다시피 이 작품의 국내 제목은 '마일리지'가 될 뻔 했는데, 처음에는 너무 끔찍한 제목이라고 생각했으나 곰곰히 생각해보면, 의미 상으로는 제법 괜찮은 제목이 될 수도 있었겠다 싶네요.

3. 그런데 아예 본래 제목을 개봉하려 했다면 원제 그대로인 'Up in the Air'로 해야 했는데 라는 생각이 들더군요. 영화의 엔딩 크래딧 중간에 왜 이 영화의 제목이 '업 인 디 에어'여야 하는지를 확인시켜주는 노래 한 곡이 등장합니다.

4. 제이슨 라이트먼의 전작 <주노>는 소박한 포크 음악들이 실린 사운드트랙이 참 인상적인 작품이라 이번 작품도 음악을 많이 기대했었는데, 역시 기대를 저버리지 않더군요. 관조하는 듯한 포크 음악들이 좋았습니다. 그 와중에 신디 로퍼의 'Time After Time'도 좋았지만요 ㅎ

5, 극중 <스파이더 맨> 시리즈로 유명한 J.K.시몬스가 자신의 딸들 사진을 보여주는 장면이 나오는데, 실제 시몬스의 딸들 사진이라고 하네요.

6. 첨엔 '아, 이 영화는 적어도 최근 실직이나 해고 경험이 있으신 분들은 개인적인 이유라도 보면 안되겠다' 싶었는데, 영화를 다 보고 나니 오히려 이런 분들이 보시면 힘이 될 영화같아요. 삶의 무게는 버겁지만 나아갈 이유가 있으니까요.



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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주노 (Juno, 2007)
유쾌하고 아름다운 성장통

배부른 엘렌 페이지의 모습도 나름 인상적이었지만, 뭔가 모호하고 독특한 인상을 주는 '주노 (Juno)'라는
이름이 갖는 묘한 매력이 있었다(영화를 보면 알게 되지만, 영화 속 '주노'는 그리스 신화 속 제우스 신의 아내의
이름에서 따온 이름이다. 하지만 실제 제우스의 부인은 주노가 아니라는 -_-;; ). 그래서 인지 그냥 10대 미혼모가 겪는 해프닝을 그린 드라마 혹은 코미디 보다는
무언가 더 있지 않을까 하는 기대에서 극장을 찾게 되었었다.
국내 포스터에 보면 홍보 문구로 '할리우드가 웃고 전세계가 놀랐다!!!' '세상을 발칵 뒤집은 '주노'가 온다!' 등등의
홍보 문구들이 가득한데, 이런 문구들은 별로 도움이 되지 못하는 듯 하다.
<주노>는 포스터와 알려진 줄거리에서 쉽게 엿볼 수 있듯이, 10대에 아기를 갖게 되어 겪는 일들을 통해,
16세 소녀의 눈으로 바라본 가족과 사랑이라는 본질적인 주제를 10대의 젊은 감각이 묻어난 음악들과, 유머로
유쾌하면서 아름답게 그려낸 성장 드라마라 할 수 있겠다.



영화 속 주노는 친한 남자친구 '블리커'와 관계를 갖고 아이를 갖게 되는데, 일찌감치 자신이 아이를 감당하지
못할 것을 예상하고, 입양부모를 찾게 되고, 그 와중에 바네사(제니퍼 가너)와 마크 부부를 만나게 된다.
사실 이 설정이 이 영화가 조금은 특별한 첫 번째 설정이 될 수 있겠다. 보통의 이런 10대 미혼모를 주인공으로
한 영화라면, 입양부모로 등장하는 이 부부의 비중이 거의 까메오 급으로 등장할 수 있겠으나, <주노>에서는
이들의 비중이 상당하다(그래서 일부러 포스터도 엘렌 페이지가 단독으로 나온 포스터가 아니라, 등장 인물이
여럿 등장한 포스터를 골랐다). 이 부부가 비중있게 그려지면서 영화는 좀 더 얘기를 다양하고 깊게 끌고 가는데,
단순히 화목해만 보였던 이들 부부에게 문제가 있음이 밝혀지면서, 10대인 주노는 혼란을 겪게 된다.

겉으로봐서는, 자신과 음악적, 영화적 취미가 같은 마크와 아이를 너무도 원하는 바네사는 아무런 문제가
없어보이지만, 마크는 다양한 취미만큼이나 딱딱하고 안정적인 삶 만을 원하는 바네사에게 잡혀살기 보다는
아직 더 하고 싶은 일이 많은 사람이며, 바네사는 아이를 갖고 싶은 애정이 너무 깊어 여기에만 온 정성을
쏟는 듯 보인다. 하지만 결과적으로 이 부부의 관계가 좋지 않게 흘러갔는데도, 주노는 자신의 아이를
바네사에게 건네기로 하는데, 이는 바네사라는 인물을 단순히 아이만을 원하는 나쁜 이미지로 그리지 않음을
의미하는 것은 물론이고, 이 부부의 문제가 단순히 개인의 문제라기 보다는, 좀 더 보편적인 이른바 '어른'들이
흔히 겪는 현실의 문제이며, 이를 이해하지 못하는 순수한 주노의 눈을 통해, '왜 평생 함께 하지 못하느냐'라는
단순하지만 가장 중요한 메시지를 새삼 깨닫도록 전하고 있다. 그리고 예상했던 것과는 달리 주노는 앞서
말했던 것처럼 아이를 낳고 예정했던 대로 바네사에게 아이를 건네게 되는데, 아마도 이들 부부가 깨지고,
주노도 아이를 직접 낳는 고통을 겪게 되면서 모성애가 깊어져 결국에는 자신의 아이를 키우게 되는 이야기로
흐르지 않았다. 주노는 이 특별한 성장통을 겪고 나서 부른 배도 다시 돌아오고, 자신의 아이도 없는,
다시 10대 소녀로 돌아온다는 결말인데, 신파로 흐를 수 있는 줄거리를 선택하지 않으면서도, 전혀 미워보이지
않고 쿨하고, 유쾌하게 그려낸 시나리오는 절로 흐뭇한 미소를 짓게 했다.



부부의 이야기를 통해 가족과 사랑에 대한 의미를 깨달았다면, 남자친구인 '블리커'와의 관계를 통해서도
또 한 번 무엇이 진정한 사랑인지, 그리고 이를 깨닫도록 확신 시켜주는 것이 자신의 배속의 아이라는 점에서
가족의 의미를 또 한 번 되새기게 한다. 이 영화는 분명히 성장 영화라고 할 수 있겠지만,
마지막 운동장에서 주노가 뱃 속의 아이를 빗 대어 블리커에게 사랑을 고백하는 장면은, 여느 러브 스토리 못지
않은 감동적인 멜로 장면이었다. 이 둘의 사랑이야기는 그 나이에 어울리는 풋풋함이 진하게 묻어나고 있으며,
이 둘의 대화는 물론, 주노가 극중에서 가족, 친구들과 나누는 대화들을 통해, 현재 미국의 10대들이
갖고 있는 유머와 말투 등을 엿 볼 수 있었다. 가족에 대한 의미를 느끼게 되는 이야기가 하나 빠졌는데,
주노의 새 엄마가 약간 딱딱하게 얘기하는 초음파 담당자에게 딴소리 못할 정도로 매몰차게 말로 제압하는
짧은 시퀀스를 통해, 넓은 의미에서 가족의 의미란 무엇인가를 또 한 번 얘기하고 있는 듯 했다.



이 영화의 시작부터 끝날 때까지 가장 인상적인 것을 하나 꼽으라면 바로 음악이었다.
로우 파이 (Lo-fi)한 인디 록 음악들과 포크음악이 시종일관 흐르고 있는데, 주연 배우인 엘렌 페이지가 적극
추천했다는 뉴욕 출신의 10대 밴드 몰디 피치스를 비롯하여, 소닉 유스, 캣 파워, 킴야 도슨, 벨벳 언더그라운드 등
이 영화의 인디적인 감각과 너무나도 잘 어울리는 단백한 음악들이 요소요소에 도사리고 있다.
음악 얘기가 나와서 말인데, 극중에서 주노와 마크는 음악과 영화에 있어 상당한 매니아로 등장하는데,
이들이 나누는 대화 장면은 그래서 매우 흥미로웠다. 역시 개인적으로도 팬이기 때문에, 깁슨의 레스폴 기타에
관해 이야기를 나누는 부분이나, 록 음악의 전성기가 언제냐를 서로 이야기하는 장면이나, 슬래셔 무비를
보면서 다리오 아르젠토 감독을 논하는 등, 이 분야의 관심이 있는 관객들이라면 잠시나마 이 대화에
깊게 개입할 수 있어 매우 좋았다.



주연을 맡은 엘렌 페이지의 연기에 대해 아니말할 수 없는데, <엑스맨 - 최후의 전쟁>에서 귀여운 모습을
선보여 여러 삼춘 팬들을 만들어낸 장본인이었던 그녀는, 흔히 말하는 것처럼 엘렌 페이지 아닌 주노를
상상할 수 없을 만큼 놀라운 싱크로율을 선보인다. 뭐랄까 앞으로 더 지켜봐야 되겠지만, 그리고 엘렌 페이지의
개인적인 성향에 대해 잘 알지 못하지만, 아마도 '주노'만큼 엘렌 페이지 스러운 캐릭터는 앞으로도 거의
없지 않을까 싶다. 옷 입은 것만 보면 <나폴레옹 다이너마이트>가 떠오르긴 하지만, 블리커 라는 캐릭터의
풋풋함을 잘 살린 마이클 세라의 연기도 좋았고, 오랜만에 주인공이 아닌 조연으로서 인상적인 연기를 펼친
제니퍼 가너와 <스파이더 맨>으로 익숙한 J.K. 시몬스의 연기도 자연스러웠다.

이 영화의 엔딩 장면은 마치 <원스>가 그랬던 것 처럼, 서서히 멀어지는 카메라가 인상적이었는데,
몰디 피치스의 'Anyone Else But You'를 두 주인공이 함께 부르는 이 마지막 장면은, 성장통을 잘 겪어낸
주노가 그래서 '어른'이 되었다기 보다는 '소녀'로 돌아왔다는 점에서 더 인상적이었던 마지막 장면이었다.

나조차도 아주 큰 기대를 하지는 않았던 영화였는데, 보지 않았다면 크게 후회했을 영화였다.




1. 바네사와 마크의 차이점을 극명하게 보여주는 인상적인 장면이 있었는데,
록의 팬인 마크가 샀거나 구했을 'Alice In Chains'가 새겨진 티셔츠를 페인트 작업을 위해 바네사가
입고 있는 이 장면을 통해, 이 두 사람의 간극이 얼마나 벌어져 있나를 짧고 은유적으로 표현하는
장면이었다고 생각된다. 분명 알고 이렇게 설정한 것이겠지 ^^;

2. 이 영화에서 유일하게 이해못할 설정이 있었다면, 16세 소녀가 임신을 했다고 부모에게 처음
이야기하는데, 너무도 당연하게 화 한 번 안내고 자연스럽게 받아들이는 부모의 모습이었다.
이것은 미국사회 전체를 반영한다기 보단 이 가족내의 특수성이 반영된 결과라고 봐야할 듯.

3. 음악 정말 참 좋다! 바로 O.S.T 질렀음!



 

 
글 / ashitaka (www.realfolkblues.co.kr)


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2008/02/25 - [Music] - 주노 (Juno) _ O.S.T

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