the Real Folk Blues

끝까지간다 (A Hard Day, 2014)

충실해서 군더더기 없는 장르 영화

사실 최근 한국 영화들은 제목과 배우, 포스터만 보면 그리 변별력을 갖기 힘든 작품들이 많은 편이다. 액션이나, 느와르, 스릴러 등의 장르를 내세운 영화일 수록 특히 그런 경향이 심했는데, 배우만 바뀌었을 뿐 다들 영화 속 이야기라는 걸 감안해도 너무 작위적이라는 생각이 절로 들게 되는 비슷비슷한 영화들이 특히 많았다. 이선균과 조진웅 주연의 영화 '끝까지간다' 역시 그런 영화 중 하나인 줄로만 알았다. 두 배우를 좋아하기는 하지만 그냥 포스터 등에서 느껴지는 분위기는 앞서 이야기한 영화들과 크게 다르지 않아 보였었다. 하지만 결과는 전혀 달랐다. 111분 간의 러닝 타임 동안 단 1분도 지루하지 않았을 정도로 참 재미있는 장르 영화였다. 무엇보다 장르 영화라는 것에 충실했고, 과한 욕심을 부리지 않는 군더더기 없는 영화라 더 만족스러웠다.

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김성훈 감독의 '끝까지간다'는 전형적인 장르 영화다. 이런 종류의 장르 영화의 클리셰들을 그대로 발견할 수 있으며, 그렇기 때문에 장르 영화를 많이 접한 이들이라면 다음 장면을 예상하는 것이 그리 어렵지 않은 정도다. 다시 말해 영화 속 이야기에서 충격적인 죽음이나 반전이 등장하는 장면은 거의 예상이 가능했다는 얘긴데, 그럼에도 영화가 시시하게 느껴지지 않았던 것은 그 반전이나 충격이 핵심인 영화가 아니었기 때문이고, 전반적인 리듬과 속도가 매끄러웠기 때문일 것이다. 이 영화를 간단하게 정리하자면 주인공이 짧은 시간 동안 엎친데 덮친 격으로 여러 가지 악제들을 겹겹히 겪게 되면서 벌어지는 곤란함과 피로함, 여기에 추격과 추리가 더해져 일정하게 빠른 속도로 끝으로 달려가는 영화라고 할 수 있을 것이다. 그런 면에서 '끝까지간다'는 군더더기를 최소화 하는 데 집중한 듯 보인다. 가끔 이런 장르를 선택한 영화들 (특히 한국영화에서)이 실수하는 것이, 영화 스스로도 감당할 자신이 없어 보이는 듯한 너무 거대한 담론을 끌어오려 한다던지, 너무 반전과 충격에 집중한 나머지 그 과정이 결국 재미를 잃게 되어버리는 경우가 많은데, '끝까지간다'는 큰 욕심 부리지 않고 딱 주인공의 겪는 그 사건에만 집중한 것이 좋았다.

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영화를 본 이들은 알겠지만 이 영화에도 서브 텍스트가 없는 것은 아니다. 하지만 그 서브 텍스트가 수면 위로 부상할 때 쯤, 영화는 다시금 주인공의 이야기로 돌아와 집중하는 것을 택했다. 또 하나 이 영화가 흥미로운 점은 어쩌면 영화적일 수 밖에 없는 설정과 이야기를 다루고 있음에도 상당히 한정적인 현실 사건으로 범위를 좁게 가져 감으로 인해 리얼리티를 갖게 되었다는 점이다. 즉, 엎친 데 덮친 격으로 벌어지는 일들도 '야, 이건 좀 너무한다' 싶다는 생각이 들지 않도록 잘 연출되어 있고, 조진중이 연기한 '박창민'이라는 캐릭터 역시 활약상만 놓고 보면 거의 판타지에 가까운 캐릭터라 할 수 있음에도, 영화 속에서 현실적으로 적절하게 녹여내고 있어 관객들이 시종일관 긴장감을 늦추지 않을 수 있었던 것이다.

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그리고 공포와 긴장감이 지속되는 동시에 유머를 잃지 않은 것도 매력 포인트 중 하나였다. 의외로 전혀 다른 포인트에서 관객들이 많이 웃기도 했지만, 어쨋든 전반적으로 주인공의 시점에 100% 몰입하게 만든 동시에 중간 중간 어색하지 않은 선에서 유머를 녹여낸 것은, 어쩌면 이 영화의 가장 큰 성취 라고 해도 좋을 것이다. 또한 사회 및 공권력에 대한 비판의 메시지는 분명 담고 있으나, 딱 그 정도로만 멈춘 것도 좋았다. 만약 여기서 더 나아갔더라면 전체적인 긴장감의 리듬이 속도를 잃게 되는 것은 물론, 전체적인 분위기를 해치는 역효과를 냈을 것이다. 하지만 농담처럼, 에필로그처럼 스쳐가도록 비판의 메시지를 표현한 것은 오히려 이렇게 한 번 더 회자할 수 있는 계기가 된 듯 하다.

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결과적으로 현재 극장에서 상영 중인 영화 가운데 열혈 영화 팬이 아닌 일반 관객들에게 하나의 영화를 추천해야 한다면, 주저 없이 '끝까지간다'를 추천할 것 같다. 누구든 영화가 상영된 111분 동안 몰입해서 볼 수 있는 영화이고, 재미있게 즐길 수 있는 영화이기 때문이다.

  
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변호인 (2013)

이름을 걸고 함께 할 수 있는 용기

양우석 감독의 데뷔작 '변호인'은 故 노무현 대통령의 이야기를 배경으로 했다는 것 만으로 큰 화제를 모았던 작품이었다. 하지만 영화는 맨 처음 지문으로 밝혔듯이 실제 인물을 배경으로 하긴 했지만 허구의 인물과 이야기를 담고 있다. 정치적으로 민감하거나 그런 인물을 배경으로 하는 영화들이 흔히 빠지기 쉬운 유혹은 그 감정에 직접적으로 호소하는 것인데, 일단 '변호인'은 여기서 영리하게 비켜나 있다. 왜냐하면 이와 같은 소재를 다룬 영화는 직접적인 실명이나 언급을 하지 않더라도, 그 시대와 인물을 기억하는 이들에게는 감정적으로 받아들여질 수 밖에는 없는 태생적인 이유가 있기 때문이다. 오히려 직접적으로 언급하거나 그 감정을 자극하려 들면 더 촌스러워지고, 그 전달 하려던 본심마저 곡해될 정도로 역효과를 내는 일이 더 많기 때문이다. 그런 측면에서 '변호인'은 최대한 영화 속 이야기에 집중하려 애썼고, 일부러 자극하지 않으므로서 더 감정적인 영화가 되었다.

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'변호인'은 지극히 상식적인 영화다. 하지만 그 누구나 아는 상식이 통하지 않던 시절을 배경으로 하고 있고, 그 상식대로 행동하기 위해선 특별한 '용기'가 필요하던 시절의 이야기다. 솔직히 최근 이런 영화를 보게 되면 섣불리 '그래, 앞으로는 어떻게 해야지!'라고 말하기가 더 어려워지는 것이, 점점 더 지켜야 할 것들이 많아져서 일 것이다. 더 솔직히 이야기하자면 '변호인'을 보고 나오며 든 생각은, 과연 내가 저 당시 송우석 (송강호)의 입장에 처했더라면 혹은 송우석의 주변 인이었다면 과연 영화 속 인물 (하지만 실존했던 인물)처럼 용기내어 행동할 수 있었을까 라는 질문이었다. 속좁은 이야기지만 제발 내게는 그런 일이 벌어지지 않기 만을 바라는 것 정도가 할 수 있는 일이 아닐까 하는게 솔직한 심정이었다.

그런데 이 말을 뒤집어 생각해보면 송우석을 비롯해 당시 80년대를 살았던 이들은 그냥 나와 같은 평범한 사람이었다는 이야기가 된다. 즉, 그들은 애초부터 사명감이 있었다거나 부당한 공권력에 저항하는 것을 목적으로 살았다거나 하는 것이 아니라, 나와는 전혀 다른 사람, 다른 세상의 일인줄로만 알았던 부당한 상황에 놓이게 되면서 용기와 부끄러움 가운데 한 가지의 선택을 강요 받게 되었던 것이다. 그리고 영화만 봐도 알 수 있듯이 그들은 부끄러운 삶 대신 용기를 선택했다.

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여기서 주목할 부분은 당시 80년대를 살았던 평범한 사람들에게는 용기와 부끄러움의 선택지 밖에는 존재하지 않았다는 것이다. 즉, 비록 자신은 내 몸과 마음, 가족을 고통받게 하는 공권력과 상대할 용기를 내진 못했지만 그렇기 때문에 부끄러운 줄은 알았다는 얘기다. 그래서 항상 부끄럽고 죄의식을 갖고 불합리한 시절을 살아왔던 이들이 영화 속에 등장한다. 하지만 지금은 어떠한가. 우리는 용기를 내기는 커녕 부끄러움 조차 느끼지 못하고 있다. 사회에서는 아직도 눈에 보일 정도로 불합리하고 정의롭지 못한 일들이 공권력이라는 이름으로 자행되고 있지만, 우리는 그저 남의 일이라고 피하려고, 피하려고만 애쓴다. 예전에는 용기나 안나서, 지켜야할 것들이 많아서 혹은 내게 무슨 일이 일어날까봐 무서워서 피하려 했다면, 지금은 그저 나와는 상관 없는 일이라서 피하거나 무관심한 경우가 대부분일 것이다. 영화 '변호인'을 보면서 그런 현실의 상처가 더 깊이 욱신 거렸다.

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보통의 영화는 슈퍼 히어로의 가까운 주인공을 내세우면서 저런 상황에 닥쳤을 때 우리들도 저런 힘을 낼 수 있는 그런 큰 그릇이 되자 라는 식이라면, '변호인'은 이와는 조금 다른 메시지를 전한다. 영화의 마지막, 재판장에 피고로 서 있는 송우석을 지지하고 변호하기 위해 부산 지역 수십명의 변호사들은 자신의 이름 한 자 한 자를 기록으로 남긴다. 그리고 영화는 희미한 미소를 남기고 끝이 난다. 결국 '변호인'은 치열한 삶을 살았던 송우석의 삶을 기리려는 것이 아니라, 그와 자신의 이름을 걸고 함께 하고자 했던 수 많은 변호사들의 모습을 통해 관객들에게 이렇게 외치고자 하는 것은 아닐까. 누군가가 자신의 목숨을 걸고 정의로움을 위해 싸울 때, 최소한 그 뒤에서 그를 지지하고 함께할 수 있는 용기를 내어 달라고.

2013년 대한민국에게는 함께하는 용기가 더 간절하다.

1. 전 사실 최근 몇 작품을 통해 송강호 배우의 연기가 어느 정도 패턴이 읽혀져 새로움을 못 느껴가고 있었는데, 이번 '변호인'의 연기는 왜 그가 대단한 배우인지를 누구나 알 수 있을 정도의 연기였네요. 오열할 때보다 감정을 숨기고 속으로 삼킬 때의 연기는, 이 영화가 다 담아내지 못한 정서까지도 표현해내고 있을 정도로 대단한 연기였어요.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

집으로 가는 길

감동과 분노를 다 잡은 웰메이드 영화

내가 영화를 선택할 때 고려하는 두 가지는 감독과 배우가 누구냐 라는 것과 포스터 이미지가 어떤 기대감을 주느냐 인데, 방은진 감독의 신작 '집으로 가는 길'은 배우도 배우지만 이 강렬한 포스터 한 장의 이미지에 끌려 관심을 갖게 된 영화였다. 이미 포스터를 통해 적잖은 감동을 전할 것으로 예상되었던 영화는, 역시 예상대로 감동 아니 감정적이었고, 다른 한 편으론 시종일관 분노를 일게 만드는 영화이기도 했다. 전자는 예상했던 바이지만 후자는 예상하지 못했던 부분이었는데, 방은진 감독은 이 두 가지를 거의 대등한 비중으로 다루고 있을 만큼, 단순히 감동과 신파에만 기댄 그런 작품은 아니었다.

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'집으로 가는 길'은 실화를 바탕으로 하고 있는데, 최근 보았던 영화 가운데 역시 실화를 바탕으로 한 영화였던 소더버그의 '쇼를 사랑한 남자'와는 실화라는 자체가 관객에게 받아 들여지는 정도가 완전히 다르다. '쇼를 사랑한 남자'는 리뷰에도 남겼던 것처럼 실화라는 사실은 제거해도 영화 관람에는 전혀 변화가 발생하지 않지만, 이 작품은 실화라는 이유 때문에 관객이 분노하게 끔 만드는 지점이 분명하기 때문이다. 사실 처음 이 작품의 포스터나 분위기를 보았을 때는 전도연의 열연이 돋보이는, 그래서 감정적으로 눈물을 쏟게 만드는 휴먼 드라마 일 것 이라고만 생각했었다. 그 것 만으로도 충분히 괜찮은 영화일 수 있었지만, '집으로 가는 길'은 여기에 왜 정연 (전도연)이 그런 외롭고 고통스러운 처지에 놓였어야 했는 지를, 그녀가 겪는 고통 만큼이나 주목한다. 이런 시선은 자칫하면 너무 건조하게 흐르거나 극적인 요소와 구분되어 딱딱한 느낌을 (다큐 같은 느낌을) 줄 수도 있었으나, 이 작품은 오히려 이를 잘 활용하여 정연의 이야기를 관객에게 가장 효과적으로 전달하는 것에 성공했다고 할 수 있겠다.

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'집으로 가는 길'을 보면서 개인적으로 가장 많이 들었던 생각은, TV에서 가끔 보게 되는 사회 고발 프로그램들이었다. 그리고 이와 비슷한 내용을 담은 다큐멘터리 영화들이었다. 실제로 이 사건은 실화이기에 다큐멘터리로 만들어지기에 적합한 소재이기도 했는데, 방은진 감독은 여기서 주인공과 그 가족의 심리를 어색하고 오버 하지 않는 선에서 최대한 끌어내, 사회 시스템이 야기 시킨 이 불행한 사건에 대해 비판의 목소리를 내는 동시에, 실화 만이 가질 수 있는 에너지를 통해 더 큰 감정의 동요를 이끌어내는 데에도 성공했다. 이 두 마리의 토끼를 다 잡은 것이 이 영화의 가장 큰 포인트라고 할 수 있겠다. 후반부 정연의 이야기가 세상에 조금씩 알려지면서 등장하는 네티즌들의 이야기는 조금은 낯 뜨거운 연출이기도 했지만, 그래도 수긍할 수 있는 연출이었다고 생각된다. 그 만큼 주인공의 감정과 이 사건을 바라보는 제 3자 및 가족의 분노를 적절히 다루어 내고 있는 점이 인상적이었다.

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'집으로 가는 길'도 그렇고, 이렇게 현재를 살고 있는 한 인간이 어떠한 거대한 시스템의 오류 혹은 무관심으로 인해 소 외 받고 고통 받게 되는 영화를 보게 되면, '어떻게 든 이 시스템을 개선 해야해! 라는 생각 보다는 '제발 내가 저런 상황에 처하지 않길 바라자'라는 생각을 더 하게 된다. 과연 내가 영화 속 정연 혹은 그 남편이었다면 이 상황을 다르게 해쳐나갈 수 있었을 까를 질문해 보면 답은 결코 다르지 않을 것이다. 어쩌면 그래서 이 영화는 보는 내내 분노를 치밀어 오르게 하고, 극장을 나설 때면 다시금 씁쓸해 지는 지도 모르겠다.

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아... 씁쓸해...

1. 전도연의 연기는 이제 더 이상 대단하다고 말할 필요가 없을 것 같아요. 외로움과 막막함, 슬픔, 그리움 등의 감정을 오로지 그녀의 몸을 통해 관객에게 100% 전달하고 있어요. 관객이 이 영화에서 쉽게 공감하고 빠져들 수 있는 건, 절대적으로 전도연의 공이 컸어요.

2. 프랑스 영사관 직원을 연기한 두 분의 연기가 참 좋더군요. (참나!) 관객을 울린 것이 전도연의 공이라면, 관객을 분노케 한 공은 이 두 분에게로~

3. 무대 인사 사진 한 장!

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

잉투기 (2013)

계속하는 것은 힘이 된다

'잉투기'를 보았다. 이미 시사회를 통해 관계자들로부터 신선하다, 제2의 류승완 류승범 형제다 라는 등 (이런 표현 개인적으로는 제일 안 좋아하지만;;)의 좋은 평가를 받았던 작품으로 보기 전부터 기대를 많이 했었는데, 결론적으로 기대 만큼 좋은 작품이었다. 언제부턴 가 '청춘'이나 '젊은이'들의 현실을 논하는 작품들은 모두 다 전형적인 전개로 이어졌고 캐릭터들도 너무 전형적이라 오히려 그 작품이 추구하려 던 현실 감과는 전혀 다르게, 비현실적이고 만들어진 캐릭터 같은 이야기에 그치는 경우가 많아졌는데, 그런 측면에서 '잉투기'의 청춘은 그것과 다르다는 점이 가장 먼저 들어왔다. 어쩌면 가장 특이하고 긱(Geek)한 청춘을 이야기하는 듯 하지만, 그럼에도 과장하지 않고 판타지로 나아가지도 않으며 그냥 있는 그대로를 감싸 안는 듯한 이야기가 좋았다.

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이 영화는 많은 부분을 실화에 근거하고 있는데, '칡콩팥' '젖존슨' 등의 닉네임도 그렇고, 디씨인사이드를 통해 실제로 일어났던 일들과 지명, 장소 등을 최대한 고려하고 있다. 디씨인사이드를 이용하는 갤러 들이라면 또 다른 보는 재미가 있겠지만 '잉투기'는 결코 그들 만을 위한 영화는 아니다. 가끔 단편 들을 통해 TV에서 보여주는 것 말고 실제 젊은이들이 즐기고 있는 독특하지만 그리 생소하지는 않은 문화에 대해 보게 되는 경우가 있는데, 대부분은 그저 특이한 문화를 소개하거나 그 생경 함을 소재로 삼는 경우가 많았다. 하지만 '잉투기'는 역시 같은 생경 함을 배경으로 하고 있음에도, 그것의 디테일에 집중하다가 잘못된 방향으로 몰락하거나 반대로 너무 거대한 메시지를 전달하려는 욕심을 부리다가 무너져 버리는 실수를 범하지 않고 있다. 제목 만 놓고 보았을 땐 현실에서 잉여로 불리는 청춘들이 벌이는 작은 사건에 기반하여 현재의 사회를 비판적으로 바라보는 메시지까지 전개 되는 것이 아닌가 했으나, '잉투기'는 참 담백했고, 그래서 인상적이었다.

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영화적, 장르적 매력도 언급하지 않을 수 없는데, 엄태화 감독은 이 작품을 완전한 장르 영화에 두려 하지 않으면서도 장르 영화 만이 갖는 매력을 느낄 수 있도록 작은 장치들을 배치하고 있다. 서부 영화를 연상시키는 음악 사용도 그렇고, '젖존슨'을 찾아가는 미스테리 구조는 얼핏 이 영화와는 어울릴 것 같지 않음에도 은근한 매력으로 작용하고 있는데, 자칫 미스테리로 인해 본래의 하고자 하는 이야기가 흔들릴 수도 있었으나 딱 매력적일 정도로만 장르를 활용하고 있는 점도 인상적이었다. 개인적으로 한 영화 안에 다양한 이야기, 그러니까 영화를 보고 나면 영화 속에 등장하는 또 다른 이야기나, 인물, 설정을 찾아보고 싶게 끔 만드는 영화를 좋아하는데, '잉투기'에도 그런 부분을 발견할 수 있었다. 그 가운데 특히 '젖존슨'을 추적하다가 발견하게 되는 아이돌 그룹 '볼케이노'는 이 영화의 빼놓을 수 없는 재미였는데, 그들의 곡 '데칼코마니'와 그 뮤직비디오는 이 영화의 백미라고 할 수 있을 것이다.

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사실 영화가 중반까지 진행될 때까지도 '아, 무언가 좀 아쉽다'라는 느낌이 있었다. 태식과 영자, 희준의 이야기는 분명 나아가고 있었으나 갈 곳을 잃은 듯도 했고, 한 걸음 더 나아갔더라면 어땠을까 하는 답답함이 없지 않았기 때문이었다. 그런데 후반으로 갈 수록 이 영화의 작법이 이해되기, 아니 공감 되기 시작했고 엔딩 크래딧이 올라갈 땐 무언가 뭉클 하는 감정 마저 느낄 수 있었다. 앞서 이야기했던 것처럼 '잉투기'는 쉽게 부릴 수 있는 욕심을 끝내 부리지 않는 절제하는 영화처럼 보이는데, 보통의 이런 데뷔 작이 주체하기 힘든 에너지를 발산하는 데에 포커스와 매력이 있는 것과는 달리, '잉투기'는 상당한 절제가 엿보였다. 만약 그냥 에너지를 끝까지 쏟아내는 방식이었다면, 아마 영화는 겉으로 보여지는 힘은 더 갖게 되었을지도 모르겠다. 또한 태식의 분노와 심정은 더 큰 공감을 얻었을 수도 있고, 영자의 행동 역시 오히려 더 큰 통쾌함을 주었을 지도 모른다.

하지만 '잉투기'는 거기서 멈췄다. 아니 세상이 바라는 방식대로 나아가지 않았다. 현실에서 소외되어 잉여로 불리는 이들은 세상이 주목하고 공감하는 방식으로 응어리를 해소하는 대신, 비록 세상이 이해하지 못할 지라도 자신 만의 방식으로 끝까지 계속하는 것을 택했다. 여기에는 여러가지 감정이 교차한다. 그들 만이 이해하는 작지만 큰 통쾌함이 있는 동시에 한 편으론, 서로가 서로를 끌어 안을 수 밖에는 없는 쓸쓸한 정서도 느낄 수 있었다.

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그런 의미에서 이 영화의 마지막은 참 인상적이었다. 결국 그들을 둘러 싼 현실이 이들을 바라보기엔 처참하게 무너져 버린 모습이지만, 태식과 영자, 희준이 과연 무너졌다고 할 수 있을까? 오히려 그들은 자신 만의 방식으로 한 걸음 더 나아갔다. 어쩌면 반드시 나아갈 필요조차 못 느끼는 현실 속에서 그들은 그렇게 계속 했고, 영화 속 문구처럼 계속하는 것은 그들에게 큰 힘이 되었다. 그렇게 말할 수 있는 '잉투기'의 마지막 장면은 그래서 좀 울컥했다.

1. 본문에도 썼지만 볼케이노의 데칼코마니는 꼭 한 번 라이브로 듣고 싶어요 ㅎ

2. 영자 역을 연기한 류혜영 배우는 단연 눈에 띄네요. 다른 작품도 기대됩니다!

3. 무드살롱의 '한강블루스'도 잘 어울렸던 것 같아요.

  
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화이 : 괴물을 삼킨 아이

이유를 몰랐던 이들의 진혼곡

2003년 작 '지구를 지켜라'를 인상 깊게 보았던 이들이라면 너나 할 것 없이 기다렸을 장준환 감독의 신작 '화이 : 괴물을 삼킨 아이' (이하 화이)를 보았다. 결론부터 이야기하자면 '화이'는 전반적으로 무겁고 어두운 가운데 잔인함마저 가득한, 장준환 감독 만의 에너지가 돋보이는 그런 작품이었다. 어린 시절 납치된 아이를 납치범들이 어른이 되도록 키워낸다는 설정은 그 자체로 여러가지 흥미로운 이야기가 가능한 구조였는데, 여기에 몇 가지 이야기의 구조를 더해 장준환 감독은 자신이 말하고자 하는 바를 다 쏟아냈다.

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이 작품에 대해 이야기 할 때 두 가지 측면에서 볼 수 있을 텐데, 하나는 영화의 인물이나 이야기가 너무 많다는 점이고 다른 하나는 그 많음을 왜 선택했느냐 일 것이다. 일단 단순하게 보았을 때 '화이'에 등장하는 인물이나 각자의 이야기는 결코 적지 않은 편이다. 특히 인물들은 화이에게 다섯 명의 아빠가 있는 것처럼 필요 이상으로 느껴질 만큼 다수의 인물이 등장한다. 각 인물들의 등장과 퇴장, 비중이 모두 적은 편이 아니라 일정 수준이다 보니 관객 입장에서는 쉽사리 한 가지에 집중하기 어렵다는 점도 분명 단점이 될 수 있을 것이다. 하지만 개인적으로는 그 많은 캐릭터들이 낭비되고 있다는 생각은 들지 않았다. 앞서 이야기했던 것처럼 분명 이 점은 집중 도를 흐릴 수 있는 점으로 작용할 수 있지만, 그 비중과 수준이 필요 적정 선에 닿아 있었기 때문에 허무하다 거나 전체 전개를 흐리는 일은 없었다고 생각된다. 오히려 다섯 명의 아빠라는 설정처럼, 때로 나오며 각자의 주특기가 있는 캐릭터로 인해 부가 적인 재미 요소가 있었고, 주변 인물들 역시 이름 있는 배우들이 포진하고 있어 각각을 인지할 수 있는 역할을 하고 있다.

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그렇다면 왜 이렇게 과하다 싶을 정도로 많은 인물을 굳이 등장 시켰을까 하는 물음에 대해 생각해보지 않을 수 없는데, 개인적으로는 이 영화가 담고 있는 정서를 통해 어느 정도 예상할 수 있었다. 일반적으로 '화이'의 이야기 구조라면 화이 (여진구)가 자신의 존재를 깨닫게 되는 순간부터 자신을 키워준 납치범 아빠들과 적으로 대면하게 되면서 벌어지는 갈등과 1:1의 대결 구도 (정확히 말하자면 1:5가 될 수도 있지만)에 집중하여, 화이의 분노와 이 이야기의 끝을 주목하게 되었을 것이다. 하지만 장준환의 '화이'는 앞서 이야기했던 것처럼 이 기본 이야기에 몇 가지 곁 가지 이야기를 추가했고, 각각의 캐릭터들에게도 각자의 이야기를 의미 있게 부여했다. 그 얘긴 즉, 이 이야기는 표면적으로는 화이라는 한 인물이 겪은 사건에 대해 이야기하고 있지만, 사실은 등장하는 모두가 같은 갈등과 고통을 겪고 있는 다수의 관한 이야기라는 것이다.

아마도 영화를 본 이들이라면 그 정서를 느꼈겠지만, 이 작품에 등장하고 있는 거의 모든 인물은 그 스스로 죽기를 원하는 것처럼 보인다. 그러니까 어떻게 든 문제를 해결하고 살고자 하기 보다는, 그저 죽음이 순순히 다가오기를 기다리는 것만 같은 분위기가 시종일관 느껴졌다. 단순히 죽기 만을 기다리는 것이라면 그저 세기말 적인 분위기 정도로 생각할 수 있겠지만, '화이'에서는 왜 인물들이 죽기 만을 기다리는 지를 생각해볼 필요가 있을 것이다. 개인적으로 그 이유는 영화 후반에 직접적으로 표현된 것처럼, '왜?'라는 물음. 왜 그렇게 되었는지 에 대해 결국 이유를 알 수 없었던 이들의 정서가 짙게 깔려 있기 때문이라고 여겨졌다.

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기본적으로 어린 아들을 납치 당한 부부는 왜 자신들에게만 이런 일이 발생했는지 끝내 알거나 인정할 수 없었을 터이고, 괴물을 떨쳐 버릴 수 없었던 이도 왜 자신에게 이런 일이 일어나는지, 어떻게 하면 이 괴물을 떨쳐낼 수 있을지 그 방법과 이유를 몰랐기에 결국 영화 속 이야기 같은 행동들이 벌어졌다고 생각된다. 그런 의미에서 그저 무서운 범죄자 정도로만 묘사되었던 극 중 김윤석이 연기한 인물의 이야기는, 영화의 메시지와 직접적으로 맞닿아 있다고 할 수 있겠다. '왜 이런 일이 생기는지' '왜 나는 남들처럼 못하는지' 왜 나는 저렇게 될 수 없는지' 등과 같이 '왜?'라는 질문에 결국 세상이 답해 주지 못하면서 그 이유를 끝내 알지 못한 채 자신 만의 왜곡된 방법으로 살아 남을 수 밖에는 없었던 그의 이야기는, 그대로 화이에게로 전이되어 슬픈 진혼곡으로 마무리 된다.

그 절절함. 이미 절절하고 치열한 단계를 다 거쳐 무뎌진 인물의 이야기와 현재 그 치열함 속에 놓인 인물의 이야기가 겹쳐지는 순간이, 이 작품 '화이'의 클래이맥스였다.

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1. 여진구의 연기는 제대로 처음 보았는데 괜찮았어요. 교복을 수트로 오해할 만큼 멋지더군요 ㅎ 하지만 정작 본인은 아직 이 영화를 볼 수 없었다는게 함정.

2. 김윤석은 정말 무서워요.

3. 개봉 첫 날 무대인사도 함께 할 수 있었는데, 아래 직찍. 조진웅 씨는 생각보다 슬림하셔서 깜놀.

  
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관상 (2013)

역사와 허구의 사이에서

'연애의 목적 (2005)' '우아한 세계 (2006)'등을 연출했던 한재림 감독의 신작 '관상'을 추석 연휴 느지막히 보았다. 아무래도 이 작품은 화려한 캐스팅으로 더 화제가 된 작품이기도 한데, 송강호를 비롯해 백윤식, 김혜수, 이정재, 조정석, 이종석까지 이름 만으로도 포스터를 부족함 없이 채울 면면의 배우들이 출연하고 있는 기대되는 작품이었다. 이 작품은 수양대군이 자신의 반대파를 청산했던 역사적 사건을 배경으로 관상쟁이라는 허구의 인물을 대입한 펙션 장르를 취하고 있는데, 결론적으로 보자면 역사와 허구 사이의 적절한 균형을 찾지 못한 조금은 아쉬운 작품이 되었다. 하지만 그래도 최근 한국 영화 가운데 부담 없이 추천할 만한 웰메이드 영화를 꼽으라면 어렵지 않게 '관상'을 꼽을 수 있을 듯 하다.

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팩션이라는 장르는 실제 역사에 근거하기 때문에 다른 장르의 영화들 보다 더 큰 흥미를 주게 마련인데, 그 점에서 '관상'은 전형적인(나쁘지 않은) 방식을 택했다. 역사와 허구의 비중을 두고 봤을 때 전체적인 비중은 역시 실제 역사에 더 크게 두고 있다고 봐야 할 텐데, 그렇기 때문에 결말에 대한 궁금증이나 전개 과정에서의 신선함은 아무래도 좀 떨어질 수 밖에는 없었다. 그렇다면 이 가운데 재미와 흥미를 주는 것은 영화가 선택한 허구의 이야기, 즉 관상쟁이 내경 (송강호)의 이야기일텐데 여기서 좀 아쉬운 부분이 있었다. 영화는 '관상'이라는 것을 제목으로 내세웠을 정도로, 비극적인 역사적 사건 가운데 새로운 가능성을 부여하고자 함이 엿보였다. 

초반 영화는 관상이라는 것에 대해 주목하고 그 관상을 기가 막히게 보는 주인공 내경의 존재에 집중한다. 내경이 오롯이 관상에 집중할 때만 해도 영화는 균형을 잃지 않았던 것 같은데, 내경이 관상쟁이를 초월한 한명회 못지 않은 책사에 가까운 능력을 발휘하게 되면서, 초반 흥미를 주었던 관상이라는 주제가 희미해지는 결과를 낳았다. 다시 말해 처음에는 관상이라는 소재가 이 역사적 비극 가운데 어떤 새로운 이야기를 만들어 낼지 기대와 흥미를 갖게 했는데, 내경이 관상이 아닌 사건에 더 깊게 연루될 수록 그 가능성을 희미해지고 조금은 단순한 사극이 되어버린 것이다.

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관상이라는 소재를 처음 들었을 때 '아 이것은 필히 운명론과 맞닿게 되겠구나' 라는 생각을 했는데, 막상 이렇게 되고 보니 더 전형적이라 하더라도 차라리 치열한 운명론과의 대립이 주가 되었다면 더 강렬한 작품이 되지 않았을까 하는 생각이 든다. 관상을 읽는 관상쟁이 내경. 역적 집안에서 벼슬을 할 수 없는 운명으로 태어난 내경의 아들 진형 (이종석), 그리고 왕의 될 운명보다는 역적의 상을 하고 있지만 왕을 꿈꾸는 수양대군 (이정재)의 이야기들을, 치열한 각각의 대립으로 그렸다면 끝까지 강렬한 작품이 되지는 않았을까 싶다. 영화가 비극을 그리는 방식은 역시 신파에 기반을 두고 있기는 했지만 나쁘지 않았고 역시 송강호의 열연 탓에 쉽게 빠져들 수 있었지만,  영화가 처음 던졌던 관상이라는 테마에 비하면 조금은 심심한 이야기가 되지 않았나 싶다.

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이 작품은 아무래도 '광해'와 비교 혹은 연상 될 수 밖에는 없는데, 그럼에도 개인적으로는 '관상'이 더 인상적이었다 (내게 '광해'는 아무래도 심심한 작품이었다). 그 중심에는 역시 '멋진' 배우들이 있다. 이 역사 속 이야기에 짧은 시간 쉽게 빠져들 수 있는 건 거의 배우들의 응집된 연기력 때문이었다. 송강호 연기는 굳이 단점을 찾으라면 이제는 좀 더 힘 있고 무거운 연기를 한 번 봤으면 좋겠다는 것 뿐이고 (소시민 연기가 이제는 조금씩 지루해지기는 하는데 그래도 나쁘진 않다), 조정석은 너무 가볍기만 할 수 있는 캐릭터에 배우 본인이 갖고 있는 깊이가 더해져 무게를 만들어 냈던 것 같고, 존재 만으로 크게 서 있는 김종서 역할의 백윤식이나 김혜수의 연기도 나무랄 데가 없었다.

뭐 그래도 역시 '관상'에서 가장 기억에 남는 건 수양대군 역할의 이정재였다. '신세계'와 '관상'의 이정재를 보면 특별히 연기력이 갑자기 나아졌다 기 보다는, 자신에게 잘 맞는 캐릭터의 옷을 입게 되어 더 돋보인 듯 했다. 수양대군이라는 캐릭터는 양면성 보다는 오히려 완벽한 악으로 그려져야 했는데 (적어도 이 작품 속에선), 등장 장면에서 한 눈에 공포라는 단어를 떠올렸을 정도로 공을 많이 들인 캐릭터라는 걸 알 수 있었다. 이정재의 수양대군이 워낙 매력적이었기에 앞서서 그의 운명론으로 영화가 전개되었어도 좋았겠다는 바램도 들었었고. 

1. 한 번 실수록 세 단락 이상 썼던 글을 날린 이후로 다시 쓰는 거라 집중력이 ㅠㅠ

  
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앞선 한국 영화 감독들 가운데 개인적으로 가장 좋아하는 故 김기영 감독의 대표작인 '하녀 (1960)'가 드디어 블루레이로 발매된다. 그것도 크라이테리언 시리즈로! 이미 국내에 출시된 DVD를 통해 오랜 세월을 훌쩍 뛰어넘은 복원된 작품을 만나볼 수 있었는데, 바로 그 때 이 작품의 복원 작업을 진행했던 세계영화제단 (World Cinema Foundation, 이하 WCF)의 수장인 마틴 스콜세지로 인해, DVD가 아닌 블루레이로도 '하녀'를 만나볼 수 있게 된 것.

이번 '하녀' 블루레이는 '마틴 스콜세지의 월드 시네마 프로젝트 (Martin Scorsese’s World Cinema Project)'라는 콜렉션 형태로 발매 될 예정인데, '하녀' 외에도 다섯 작품이 더 수록되어 총 6개의 작품이 함께 수록되었다. 조금 아쉬운 점이라면 보는 바와 같이 단독 발매가 아니라 콜렉션 형태로 발매된다는 점인데, 마틴 스콜세지의 안목을 의심하는 것은 아니지만, 조금 부담이 되는 것도 사실이다.

이번 '하녀'에는 특별히 봉준호 감독의 인터뷰가 스페셜 피쳐로 추가될 예정이며, 부클릿에는 김경현 교수의 에세이도 수록될 예정이라고 한다. 블루레이 콜렉션에 수록된 작품들의 자세한 내용은 아래와 같다.

타이틀은 12월 발매 예정인데, 김기영 감독의 팬으로서 이건 구입하지 않을 수 없을 것 같다. 이 외에도 크라이테리언의 9월부터 12월 사이의 라인업은 정말 영화 팬들이라면 지갑을 열지 않을 수 없는 엄청난 작품들이 준비하고 있는데, 잉마르 베리만의 '가을 소나타 (Autumn Sonata, 1978)'가 9월 17일 발매예정이며, 로베르토 로셀리니와 잉그리드 버그만이 함께한 3작품 콜렉션도 9월 24일 발매예정이다. 10월에는 존 카사베츠 감독의 콜렉션도 발매 예정이며, 찰리 채플린의 '시티 라이트 (City Lights, 1931)'이 11월 12일, 오즈 야스지로의 '동경 이야기 (Tokyo Story, 1953)'도 11월 19일 발매 예정이다.

 

우리 선희 (Our Sunhi, 2013)

우리는 누군가를 알고 있는가

홍상수 감독의 신작 '우리 선희'는 그의 전작 '누구의 딸도 아닌 해원'이나 '다른 나라에서' '북촌방향' 등의 연장선에 있으면서도 또 다른 작품이다. 흔히 어떤 좋은 것을 평가할 때 정반대의 개념을 들며, '이러면서도 이러하다'라는 평가를 하곤 하는데, 홍상수의 최근 작품들만큼 이러한 경향을 그대로 보여주는 예는 아마 없을 것이다. 사실 그렇기 때문에 '우리 선희'는 살짝 기대를 덜하기도 했었다. 홍상수 월드에 이미 녹아든 정유미, 이선균, 김상중과 새롭게 합류한 정재영이라는 조합, 그리고 대략의 시놉시스는 '아, 또 대충 어떤 이야기를 하려는지 알겠다' 싶었기 때문이었다. 하지만 결론적으로 '우리 선희'는 정말 또 한 번 큰 재미와 생각할 거리를 던지는 작품이었다. 최근 몇 년 간 본 영화들을 통틀어 봤을 때, 개인적으로 '재미있다'라는 표현을 이렇게 매번 사용한 감독은 아마 홍상수 밖에는 없을 것이다. 그의 작품은 정말 재미있다. 사실 보는 내내 그 재미에 흠뻑 빠져서 흥분이 될 정도다. 어쩌면 이렇게 단촐해 보이는 구성으로도 무궁무진한 재미를 계속해서 만들어 내는지, 놀라움과 부러움이 아니 들 수 없겠다.

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홍상수 감독의 최근 작은 비슷하지만 조금씩 다른 이야기와 구성을 담고 있었는데, 같은 이야기를 두고 다른 시각의 버전을 포개어 논다거나, 시공간의 모호함을 통해 메시지를 전달 한다거나, 같은 인물을 두고 서로 모르는 다른 인물들이 벌이는 각자의 이야기를 들려준다거나 하는 방식으로, 한 편으론 단순하지만 사실 굉장히 복잡하면서도 흥미로운 구성을 만들어 냈었다. '우리 선희'도 이와 크게 다르지 않다. 이번엔 선희(정유미)라는 같은 인물을 두고 세 남자가 각각의 관계를 만들어 가는 과정을 통해, 우리는 과연 누군 가를 정말 안다고 말할 수 있는 가에 대한 질문을 던진다. 홍상수는 최근 작들을 통해 자신이 의문을 갖고 있는 어떠한 개념들(너무 일반적이라 우리가 잘 생각해보지 않는 것들에 대해)에 대해 하나 씩 작품을 만들어 왔다. 그의 최근 작들을 보면 반드시 등장하는 대사들이 있는데, '이뻐' '착해' 등이 그렇다. 홍상수 감독은 이 일반적인 표현들을 담기 위해 반대로 복잡한 이야기 구성과 깊이를 들고 있다. 이쁘다고 할 땐 어떤 의미가 있는지. 어떤 사람을 보고 이쁘다고 할 수 있는지. 착하다는 것은 진정 무엇인지. 누군 가에게 착하다라고 하는 것은 어떤 의미를 갖는지 등 그는 이 단순하면서도 심오한 주제를 최근 탐구해 왔다. 앞서 이야기했던 것처럼 '우리 선희'는 이런 맥락에서 누군가를 안다고 했을 때 우리는 과연 정말 안다고 할 수 있는 지에 대해 스스로 자문한다.

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최근 그의 작품들에서 특히 도드라졌던 또 다른 점은, 이야기의 소재나 방식이 외부에 있는 것이 아니라 본인 스스로에게 있었다는 점인데, 즉 자신이 실제로 겪었던 사소한 일들에서 시작한 아주 개인적인 것들이 많았다. 그의 영화에 등장하는 대부분의 인물들이 영화 감독이거나 영화과 학생들, 교수들 인 것은 이와 무관하지 않을 것이다. 아주 단순하게 얘기하자면 홍상수는 자신이 실제 겪었던 일들을 토대로 조금의 상상력을 더해 관객에게 들려주고 있는 것이다. 그래서 계속 비슷한 이야기처럼 보이는 측면도 있는데, 우리 내 하루하루가 매일 똑같지 않듯이, 그의 이야기도 항상 새로움을 들려준다. '우리 선희'를 보면서 특히 더 본인 스스로에게 하는 이야기 같다는 느낌을 강하게 받았다. 단 극 중 인물들 가운데 하나를 자신으로 설정하지 않고 선희를 제외한 나머지 세 명의 남자에게 자신의 캐릭터를 각각 분배하여 결국은 자신이 살면서 후회스러웠던 행동이나 말, 그러니까 한 번 내뱉거나 실행해 버려서 두 번째 기회를 갖지 못했던 순간들에 대해, 세 명의 캐릭터를 통해 이야기하고자 하는 듯 했다. 즉, 김상중과 이선균, 정재영이 연기한 각각의 인물들은 두 번째 기회를 갖지 못하지만, 이 셋을 한꺼번에 보면 서로에게 두 번째 기회가 된 셈이다.

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그렇게 이 셋이 선희를 둘러싸고 관계를 맺어 가는 방식이 이 영화의 포인트라 할 수 있을 것이다. 우리는 누군 가에게 선생님이나 선배가 되어 이야기를 해줄 때가 생기게 되는데, 그 말들이 나중에 생각하면 잘못된 이야기인 경우도 있고, 더 나아가 말하는 순간에도 뭔가 잘못되었다고 생각하지만 자존심이나 여러가지 이유들 때문에, 그냥 지나치고 마는 일들이 종종 있다. 영화는 이 세 남자의 이야기를 통해 관객만이 볼 수 있는 이들의 두 번째 기회, 그러니까 직접적이진 않지만 다른 상황, 다른 인물을 통해 기회를 얻게 되는 두 번째 순간을 잘 보여준다. '우리 선희'라는 제목도 그런 측면에서 참 흥미롭다. 남자 셋은 각각 선희를 '우리 선희'로 생각하고 있지만, 과연 선희는 이들에게 '우리 선희'였는지 아니면 누군 가에게만 그러했는지, 영화는 참 덤덤하게 이 과정을 묘사한다.

누군 가를 알고 있다고 할 수 있는 가라는 질문과 더불어 우리는 과연 누군 가를 평가할 수 있는 가에 대한 질문도 함께 생각해보게 되었다. 이 두 질문은 같은 질문이라고 할 수 있을 텐데, 과연 잘 알지도 못하면서 누군 가를 평가할 수 있느냐는 얘기가 된다 (이러고 보니 홍상수의 전작들은 다 같은 맥락이었음을 또 한 번 깨닫는다. 잘 알지도 못하면서 누구의 딸도 아닌 선희를, 우리 선희라고 생각하고 있지는 않은가 싶기도).

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'우리 선희'는 홍상수 감독의 최근 작 가운데서도 가장 명확하고 대중적인 구성을 갖추고 있다. 영화가 끝나고 나면 무언가 깊은 슬픔이나 화두를 떠안기 보다는, 오히려 '피식'하는 미소와 함께 '그래 맞아..' 라며 혼자 중얼거리게 만든다. 아... 정말 홍상수 월드의 끝은 어디일까. 금방 끝이 보일 것만 같았던 이 세계가 어쩌면 영원히 끝나지 않는 세계라는 걸 이제는 인정해야 할 것만 같다.

1. 무엇보다 정말 재미있어요. 보는 내내 너무 재미있어서 안달 날 정도. 그의 팬들이라면 말할 것도 없고, 아직도 뭔지 잘 모르겠는 분들은 '우리 선희'를 보세요. 가장 대중적이면서도 홍상수 영화의 정수는 그대로 인 흥미로운 작품이었어요.

2. 이제 이선균과 김상중은 얼굴만 봐도, 목소리만 들어도 큭큭 거림이 ㅋㅋㅋ

3. 이민우씨는 이번 작품으로 거듭나려나 했는데 비중이 거의 없더군요. 은근히 잘 어울릴 것 같았는데 아쉬웠어요.

4. 영화를 본 분들이라면 이 곡이 생각나지 않을 수 없겠죠. 정말 신의 한수!

  
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설국열차 (Snowpiercer, 2013)

질서와 균형, 굴레를 벗어나

봉준호 감독의 신작이자 그의 첫 번째 헐리웃 진출작 '설국열차 (Snowpiercer, 2013)'를 보았다. 두 번 보았다. 사실 이 작품은 비슷한 시기에 헐리웃을 통해 선보였던 박찬욱, 김지운 감독의 작품과는 달리 대규모 예산이 투입된 작품이자 초호화 캐스팅으로, 상대적으로 더 큰 기대감을 가졌던 작품임을 부정할 수는 없을 것이다. 수 년 전에 구입했던 원작 만화도 일부러 개봉 전 보지 않은 것은, 오롯이 봉준호의 영화를 즐기고 싶었기 때문이기도 했다. 그렇게 큰 기대를 안고 본 '설국열차'는 봉준호 감독의 신작이라는 점을 감안한다면 '역시'와 '하지만'이 공존하는 작품이었다. 그래서 두 번을 연달아 보았는지도 모르겠는데, 결론적으로는 '역시' 생각할 거리와 이야기할 거리를 여럿 생산해 냈다는 점 만으로도 만족스러운 작품이었다.

(내용에 관한 스포일러가 있을 수 있습니다)

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지구 온난화를 막기 위해 개발한 프로젝트가 오히려 빙하기를 가져오게 되 인류가 오로지 영원히 달리는 열차 안에 존재하게 된다는 영화의 배경은, 이 영화가 담고 있는 테마를 그대로 보여주는 서두 이기도 하다. 꼬리 칸에 살고 있는 빈민들이 반란을 일으켜 맨 앞 칸으로 전진해 이 체제를 운영하고 있는 이를 향해 도전한다는 이야기는 얼핏 체제 전복의 텍스트로 보기 쉽지만, 사실 이 영화가 말하고자 하는 건 이 보다는 오히려 질서와 균형 그 자체와 이를 벗어나려는 시도 자체라고 볼 수 있을 것이다. 반대로 얘기하자면 체제 전복을 꿈꾸는 주인공들의 이야기로 보기에는 맥락이 맞지 않는 부분들이 많다는 것이며, 인물들이나 한 칸 한 칸 전진할 때 마다 등장하는 그 다음 칸의 모습 역시 꼬리 칸의 모습과 상대적인 위치에 있다고 보기 힘든 모습을 하고 있다는 점이다. 이 영화를 보며 흥미로웠던 지점은, 주인공 커티스를 중심으로 한 꼬리 칸 사람들의 분노나 억울함의 표출 등이 아니라 (만약 이것이 포인트였다면 영화는 없는 시간을 할애해서 라도 꼬리 칸 사람들의 고통을 초반에 더 묘사해야만 했을 것이다), 전진할 때마다 더 확고해지는 균형과 질서에 관한 메시지였다.

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맨 뒤에서 부 터 맨 앞 까지 한 칸 씩 전진한다는 설정은, 마치 만화에서 자주 등장하는 설정처럼 한 칸 씩 전진할 때마다 더 강력한 적과의 대결이 기다리고 있다 거나 더 혹독한 조건을 만나게 돼, 결국 최종 보스와의 결투(?)를 자연스레 고대 하게 되는데, '설국열차'의 내용은 이와는 전혀 다르다고 해도 무방할 것이다. 한 칸 한 칸 전진하는 것은 맞지만, 엄밀히 따지면 꼬리 칸과 맨 앞 쪽 엔진 칸의 사람들만 서로를 인지하고 반응할 뿐 중간에 위치한 다양한 사람들은 이 반란이나 억압에는 전혀 관심조차 없다. 만약 이 영화가 계급 사회에 관한 이야기를 그리려 했다면 열차 칸이 엔진 칸에 가까워 질 수록 상하 관계를 더 분명히 했을 텐데, 영화는 초반 꼬리 칸 사람들이 멀리 나마 볼 수 있었던 그 영역을 넘어서는 순간 전혀 다른 분위기의 세계를 등장 시킨다.

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그냥 중간 이라고 만 표현해도 될 정도로 꼬리 칸의 주인공들이 엔진 칸으로 전진하는 과정 중에 만나게 되는 풍경들은, 그 과정 정도로만 묘사될 뿐이다. 그러니까 여기에는 그 칸의 성격에 따른 이슈나 담론이 발생하는 것이 아니라, 그냥 커티스 일행과 이를 막으려는 윌포드가 보낸 이들이 부딪히는 배경 장소로 밖에는 활용되지 않고 있는 것이다. 그런데 바로 그 점이 오히려 생각할 거리를 던진다. 균형과 질서에 대해 이야기하는 이 영화는 여러 번 극 중 인물들의 대사를 통해 '각자의 자리를 지키는 것'에 대한 이야기를 하는데, 그런 측면에서 보았을 때 이 다양한 중간 칸 사람들의 모습은 자신의 역할을 자신의 자리에서 충실히 하고 있는 것으로 보인다. 즉, 클럽에서 파티를 하고 약에 취하고(크로놀), 고급 식사를 즐긴다던가 여유롭게 사우나나 뜨개질을 즐기는 모습들은 '잘못된' 것으로 묘사되기 보다는, 오히려 주인공 일행이 극 중 겪었던 것처럼 당황스러울 정도의 의아함을 주기는 하지만 정상적인 것으로 묘사된다. 그것은 다시 말해 이 질서가 반드시 깨야 할 것이라든지, 잘못된 것이라는 일방적인 판단을 유보하게 만든다.

후반부 드디어 윌포드를 만난 커티스는 윌포드에게 이 계속 달려야만 하는 열차의 균형을 위해 질서 유지에 대한 거대한 이야기를 듣게 되는데, 사실 따지고 보면 윌포드의 논리에 어느 정도 수긍이 가는 편이다.  그렇게 윌포드를 증오 했던 커티스조차 그의 제안을 따라 그의 자리를 맡는 것이 이 질서를 유지하는 데에 더 나은 결정이라고 생각했을 정도로, 이것은 굉장히 위험한 결정인 동시에 그럼에도 그것이 가장 다수를 만족 시키는 방법 이라고도 할 수 있을 것이다. 입장을 바꿔서 생각한다면 윌포드의 이 방법은 쉽게 말해 맘에는 안 들지만 그 것 밖에는 없었을지도 모르겠다고 인정할 수 있다는 얘기다.

영화가 이 메시지에 더 힘을 실어주기 위해 든 비유는 바로 수족관의 비유였다. 자연(自然) 상태가 아닌 한정된 상황에서 개체의 수를 유지하기 위해서는 어쩔 수 없이 인위적인 조정과 관리가 필요하다는 얘기였는데, 윌포드는 바로 이 원리를 열차의 모든 칸에 적용하여 남은 인류를 유지할 수 있었던 것이다. 그리고 이것은 부정할 수 없는 영화 속 사실이기도 하다. '설국열차'는 이렇듯 이쪽 끝에서 다른 쪽 끝으로, 구세대를 청산하고 새로운 세대로만 가자는 단순한 텍스트는 아니다. 좀 더 풀어서 이야기하자면 구세대의 상황과 논리를 충분히 인정하면서도 (그럼에도 불구하고) 전혀 다른 새로운 세대로 나아가야만 한다는 메시지를 담고 있다. 만약 '설국열차'가 오롯이 커티스의 이야기였다면 영화는 더 단순 했을 테지만, 이 영화엔 커티스의 전진을 돕기도 방해하기도 하는 존재가 있었으니 바로 남궁민수와 그의 딸 요나가 그 주인공이다. 그들에 대한 이야기는 곧 다시 하기로 한다.

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'설국열차'를 보는 내내 워쇼스키의 '매트릭스'를 떠올렸는데, 두 작품의 전하고자 하는 바는 한 편으론 비슷하지만 잘 따져보면 전혀 다른 이야기라고 할 수 있을 것이다. 자연스럽게 '매트릭스'를 떠올렸던 건 열차라는 작은 세계(하지만 곧 인류 그 자체)가 존재하기 위한 균형과 질서로서 성립되는 각 인물들과 열차 칸 들의 성격 때문이었는데, 윌포드는 마치 아키텍트와 같이 감정적이기 보단 전체를 냉정하게 바라보는 신과 같은 존재로 볼 수 있겠지만 그렇다고 해서 커티스를 네오와 같은 구세주로 보기는 어려울 것이다. 이것이 이 영화가 구원이나 체제 전복, 계급 사회 등에 관한 이야기를 하는 영화가 아니라는 이유이기도 한데, 커티스는 오히려 이 거대한 질서의 균형을 위해 반드시 필요한 존재라고, 거대한 톱니 바퀴가 돌아가기 위한 제법 큰 또 다른 톱니 바퀴였다고 할 수 있을 것이다. 사실 이런 형태의 영화에서 이 자체가 반전이라고 보기는 어려운데 (윌포드와 길리엄이 같은 지향 점을 공유하고 있는 동지였다는 점이나, 결국 이 거대한 질서를 위해 커티스가 윌포드의 후계자로 사실상 길러져 온 것 자체 말이다), 이 영화가 비슷한 이야기를 다룬 다른 작품들과 조금 달랐던 건 바로 그 다음, 그 다음의 선택이었다.

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보통 이러한 구조의 이야기를 그린 영화들의 결말을 보면, 무언가 자신이 해결할 수 있다고 믿었던 주인공이 결국 제자리를 맴돌고 있었다 거나 아무것도 할 수 없다는 사실에 도달했을 때 그 허무함의 충격으로 메시지를 주는 경우가 많았다면, '설국열차'는 여기서 그치지 않고 이 상황에서 힘겹게 발휘된 주인공의 자유 의지를 통해 굴레를 벗어난 새로운 세상의 희망을 꿈꾸고 있다. 앞서 이야기했던 것처럼 이 영화가 정말 현 시대의 암울함이나 미래의 어두운 면을 다루려 했다면, 아마 관객의 지지를 받았던 커티스가 결국 종극에 다다랐을 때 윌포드의 논리에 수긍할 수 밖에 없어 또 다른 윌포드가 되고 마는, 그래서 열차는 계속 달리고 남은 인류는 또 다음 사이클을 기다리게 되는 것으로 끝을 맺었을 것이다. 하지만 '설국열차'는 이를 선택하지 않았다. 이제 앞서 잠시 뒤로 미뤄둔 남궁민수와 요나에 대한 이야기를 꺼낼 때다.

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극 중 남궁민수는 윌포드를 무찌르거나 엔진 칸을 차지하는 것 대신, 열차 밖을 탈출하고자 하는 계획을 말미에 드러내는데, 이를 얘기하기 위해서는 극 중에서도 설명했던 이누이트 족 여인에 대한 이야기부터 시작해야 할 것이다. 극 중에서는 구체적으로 묘사되지 않지만 봉준호 감독은 인터뷰를 통해 요나의 어머니, 그러니까 남궁민수의 부인이 바로 이누이트 족 여인이라는 점을 밝혔는데, 극 중 남궁민수가 열차 밖을 나가야겠다는 계획을 세우게 된 데에는 아마도 그 여인의 행동이 가장 큰 영향을 미쳤을 것이다. 그녀가 열차 밖을 나가 몇 발자국 못가 죽음에 이르렀을 때 바로 깨닫게 된 것은 아니겠지만, 분명 그녀의 죽음으로 인해 오히려 전혀 가능하다고 믿지 않았던 그 가능성에 대해 조금씩 생각해 보게 되는 계기가 되었을 것이다 (그로 인해 눈이 녹고 있는 지를 확인해 봐야겠다는 생각 자체도 하게 되었을 것이다).

그런데 이 작품이 더 흥미로운 건, 영화가 허락한 열차 밖 세상의 주인공은 커티스는 물론이요 남궁민수도 아닌, 이 열차에서 태어난 요나와 열차의 동력으로 활용되었던 또 다른 어린 아이라는 점이다. 이 작품은 송강호와 고아성이 부녀 관계로 다시 등장하는 것 외에도 결말 부분에 있어서 봉준호 감독의 전작 '괴물'을 떠올리게 하는데, 남겨진 아이라는 테마 때문일 것이다. 요나와 또 다른 아이에게만 생존 가능한 기차 밖 세상을 허락했다는 건, 이 영화가 어른이나 기성 세대가 저지른 잘못에 대한 반성의 의미를 내포하고 있다고 볼 수 있을 것이다. 한 편으론 무서울 정도로 엄격한 반성의 잣대인데, 자신의 잘못을 반성하고 더 많은 사람들과 함께 더 나은 삶을 꿈꿨던 커티스에게도, 오래 전부터 열차 밖 세상의 가능성을 꿈꿨던 남궁민수에게도 허락하지 않았던 것은, 한 편으론 새로운 세대가 중심이 된 새로운 세상을 허락하지 않았다는 의미도 될 수 있겠지만, 반대로 생각해보자면 오히려 진심으로 반성하고 잘못을 씻을 수 있는 기회를 제공했다는 긍정의 의미로도 볼 수 있을 것이다. 특히 극 중 커티스가 내내 자신의 오래된 잘못으로 인해 고통 받고 스스로를 옥죄었다는 점을 떠올려 본다면, 이 결말은 그들에게 진정한 속죄의 기회를 준 것이라고 봐도 좋을 것이다.

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'설국열차' 에서 개인적으로 가장 움찔 하게 되었던 장면은 말미에 남궁민수가 급박한 상황에서 부탁을 하게 되는데, 요나가 정색한 얼굴로 '싫어'라고 얘기하는 장면이었다. 그냥 요나의 성격이 좀 이상하고 유별나서 그런 것이라고 대수롭지 않게 생각할 수도 있겠지만, 그 동안 비교적 아버지를 잘 따랐던 요나가 극적인 순간에 와서 아주 단호하게 정 반대의 감정 표현을 하는 장면은, 마치 영화의 결말이 그러하듯 새로운 시대에는 남궁민수와 함께 할 수 없음을 암시하는 듯 했다. 

'설국열차'는 결국 구세대의 종말과 새로운 세대의 시작을 담은 작품이다. 영화의 배경이 된 빙하기라는 것 자체가 한 시대의 결말이자 새로운 시대를 준비하는 과정의 의미를 담고 있는 것처럼, 이 영화는 구세대가 스스로 자초한 빙하기로부터 시작해 그들의 종말(설국열차는 다양한 소품들을 통해 멸종, 종말에 대해 자주 언급한다)을 이야기한다. 그리고 앞서 언급 했던 것처럼 여기서 그치지 않고 그 종말의 과정에서 멸종되지 않고 살아 남은 새로운 세대의 시작을 희망하는 것으로 결론을 내린다. 이 영화의 마지막은 분명 희망적이다. 혹자는 그렇게 살아남은 어린아이들의 앞에 또 다른 먹이 사슬의 상위 포식자인 북극곰이 등장한 것을 두고, 절망적인 결말이라고 얘기하기도 하는데, 이 영화가 러닝 타임 내내 보여주었던 구세대의 종말 만으로도 이 영화의 결말이 맞은 상황은 분명 싸워서 이겨내 살아볼 가치가 있는 새로운 희망의 시대일 것이다. 봉준호의 '설국열차'는 그렇게 질서와 균형을 이야기하는 가운데 굴레를 벗어난 희망에 대해 이야기하는 작품이다.

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1. 봉준호 감독의 영화가 흥미로운 건 항상 여러 담론을 이끌어 낼 수 있는 여지가 있다는 점 그 자체에요. 봉준호 감독이 이를 의도하지 않았다고 하더라도 말이죠.

2. 세계관이나 디자인 적인 측면에서 게임 '바이오 쇼크'가 연상되는 장면들이 많았어요.

3. 개인적으로는 틸타 스윈튼의 연기야 뭐 더 말할 필요 없이 만족스러웠지만, 출연하는지도 잘 몰랐던 앨리슨 필의 등장이 더 반가웠어요! 캐릭터도 마음에 들고!

4. 좀 아쉬운 점이라면 액션 연출이 조금은 진부한 느낌이었고, 영화 음악은 거의 도움이 되지 못하는 듯 했어요.

5. 뭔가 더 할 얘기가 있었던 것 같은데 다 정리가 안되네요 ㅎ 기회가 되면 봉감독님 만나서 직접 인터뷰도 하고 얘기 나누고 싶네요!! ㅎㅎ

6. 마지막은 <설국열차> 관련 제가 시도한 인증샷 들 ㅋㅋ

프로틴 블록과 함께 한 진정한 4D 관람 인증샷!

'Are you 냄궁민수?'

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

더 테러 라이브 (The Terror Live, 2013)

테러는 거들 뿐, 진실이 먼저다

의외의 복병이었다. 하정우가 주연을 맡은 김병우 감독의 '더 테러 라이브'는 사실 전혀 기대하지 않았던, 기대했다면 하정우 외에는 없었던 그런 영화였다. 대략의 설정을 보고서는 오히려 신파와 손발이 오그라드는 수준으로 볼거리 조차 채워주지 못하는 그런 스쳐가는 영화 정도일 거라고 예상한 것이 사실이었다. 그래도 하정우라는 배우를 좋아하기에 극장을 찾게 되었는데, 결론적으로 예상을 훨씬 뛰어넘는 재미있는 영화였다. 그리고 제목과는 달리 테러를 생중계하는 것은 영화적 구성 요소로만 사용될 뿐, 감독이 전하려는 진심은 블록버스터가 아닌 메시지에 있다는 것도 흥미로운 부분이었다.

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영화적으로 봤을 때 '더 테러 라이브'는 장르 영화의 전형을 그대로 따르고 있다. 무엇보다 그 측면에서 시간을 지루하게 끄는 부분 없이 빠르게 진행되며 리듬감을 잃지 않는 것이 좋았다. 특히 이야기가 본격적으로 시작되기 전에 캐릭터를 설명하는 부분이 상당히 짧은 편이었는데 (사실상 영화가 시작되고 바로 사건이 발생하는 수준), 과감하게 정리하고 필요한 부분은 전개 과정에서 조금씩 풀어놓는 방식이 마음에 들었다. 흔히 한국영화에서 자주 발견하는 부분이 바로 쓸대 없이 가족이나 유머 코드를 삽입해 한참을 후반부의 신파를 위해 깔아둔다는 점인데, '더 테러 라이브'에서는 이런 점이 발견되지 않았다.

이렇게 관객에게 아직 마음에 준비를 할 시간을 주지 않고 바로 사건이 터지는 방식은, 영화가 끝날 때까지 비교적 힘을 잃지 않고 긴장감을 전달해주었다. 이 영화에서 가장 중요한 포인트라면 긴장감을 넘어선 긴박감이라고 할 수 있을텐데, 그 긴박감을 놓치지 않으려는 빠른 전개가 결국 관객에게 더 큰 호응을 얻지 않을까 싶다. 그렇기 때문에 조금 더 설명이 필요하거나 논리적으로 완벽하지 않은 부분들도 어쩔 수 없지 발생하지만, 만약 둘 중 하나를 선택해야 했다면 지금의 영화가 선택한 방식이 더 나았다는 판단이다.

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이 영화를 보러 가면서 기대했던 바는, 한강 다리가 폭파 되는 테러 그 자체와 '다이하드' 나 '폰부스'등에서 느낄 수 있었던 테러범과의 대결 혹은 커뮤니케이션 부분이라고 할 수 있을텐데, 막상 보고 나니 이 영화의 핵심은 테러를 통한 사건 그 자체가 아니라는 것을 알 수 있었다. 오히려 감독은 테러라는 자극적인 사건을 통해 한국 사회가 처한 사회 계급에 관한 문제를 하려 한다는 것은 분명하게 알 수 있었는데, 여러 곳에서 중의적으로 등장하는 이 계급 사회의 묘사는 겉으로 보이는 테러 보다도 훨씬 더 비중 있게 그려지고 있었다. 그리고 직접적으로는 언론이라는 것에 대해. 계급 사회의 운영 도구로 퇴색되어 주로 사용되고 있지만 그럼에도 희망을 걸게 되는 언론이라는 것에 대해 새삼스럽지만 다시 금 생각해 보게  되는 작품이기도 했다.

오히려 이 영화의 메시지 전달 방법은 너무 직접적이라 거친 느낌이 들 정도였다. 그렇기에 좀 더 세련되고 정리된 방법으로 전달하려는 메시지를 효과적으로 전달했더라면 더 좋지 않았을까 하는 생각이 들긴 하지만, 반대로 직접적인 영화의 방식이 현재 관객들에게는 더 필요한 자극이 아닐까 하는 생각도 해보게 되었다. 

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극장을 나오며 같이 영화를 본 이와 자연스럽게 이런 얘기를 하게 됐다. 며칠 전 서울 시청 광장에서는 수 많은 인파가 다시 촛불을 들고 거리로 나왔는데 이를 보도한 뉴스는 아무 곳도 없지 않았냐고. 우리도 영화를 통해 전지적 시점에서 극 중 라디오 스튜디오에서 벌어진 일들을 다 보았으니 이런 생각도 하지, 아마 영화 속 일반 국민이었다면 눈과 귀를 막혀 조작된 채로 오해를 할 수 밖에 없지 않았겠냐고.

'더 테러 라이브'라는 제목의 영화를 보며 현실을 떠올리게 될 줄이야.

씁쓸하구만.

1. 이경영씨와 하정우씨가 동시에 등장하니 저절로 '베를린' 생각이...;;;

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

지슬 - 끝나지 않은 세월 2 (Jiseul, 2012)

제주 4.3에 관한 이야기는 이제 시작이다

오멸 감독의 신작이자 최근 한국 영화 가운데 가장 뜨거운 화제를 모으고 있는 영화 '지슬 - 끝나지 않은 세월 2'를 보았다. '지슬'은 이미 개봉 전부터, 선댄스에서 주목을 받기 전부터 개인적으로 기대가 컸던 작품이었다. 제주 4.3에 관한 영화들이 본격적으로 선보이고 있는 최근, 그 가운 데서도 가장 관심을 끄는 작품인 동시에 영화적으로도 기대가 되는 측면이 많았기 때문이었다. 최근 국내 독립 영화들은 단순히 메시지가 강한 것 만이 아니라 영화적으로도 상업 영화와 비교하여 전혀 손색이 없는 (투자 비용에 대비하자면 말할 것도 없고) 완성도와 미 적으로 풍부한 만족감을 주고 있는데, 그런 연장선에서 또 하나의 잘 빠진 작품이 바로 '지슬'이 아닐까 하는 기대감 때문이었다. 결론부터 이야기하자면 오멸 감독의 '지슬'은 그러한 기대를 그대로 충족 시켜주는 만족스러운 작품이었다. '지슬'은 많은 이들이 아직 잘 알 지조차 못하는 우리의 역사에 대한 환기는 물론, 미 적으로도 아름다운 그런 작품이었다.

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오멸 감독의 '지슬'은 아슬아슬한 영화다. 그 아슬아슬함이 이 영화의 매력이자 한 편으론 단점이 될 수도 있다고 생각하는데, 이는 제주 4.3을 인지하고 있는 관객의 정도에 따라 다르게 작용할 수 있을 것 같다. '지슬'은 제주 4.3을 다루면서 직접적인 방법과 간접적인 방법을 교차하여 사용하고 있다. 마을에서 군인들을 통해 벌어지는 일들은 직접적인 방법에 가깝지만, 이 사건을 일찌감치 피해 동굴로 피난 간 사람들의 이야기는 한동안 거리를 두고 간접적인 방식으로 진행된다. 이러한 거리 두기는 관객에게 두 가지 다른 측면으로 받아 들여지게 되는데, 하나는 아직 잘 알지 못하는 제주 4.3에 관한 충격적이고 아픈 역사를 좀 더 순차적으로 전달하는 순기능일 것이고, 다른 하나는 그렇기 때문에 본말이 전도되어 오해로 시작할 수 있다는 역기능일 것이다. '지슬'은 바로 이 두 가지의 아슬아슬한 줄타기가 시종일관 교차되는 영화였다.

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일단 '지슬'은 굉장히 영리한 영화라는 생각이 들었다. 한정적인 구조를 120% 활용하여 오히려 제한적인 것이 더 나은 결과를 만들었다고 할까. 영화를 보는 내내 웨스 앤더슨이 떠올랐던 건 바로 캐릭터와 공간을 활용하는 방식 때문이었을 것이다. 영화 속에 등장하는 마을 사람들은 특유의 제주 사투리가 더해져서 마치 웨스 앤더슨의 영화 속 캐릭터들과 같은 귀여움마저 느껴진다. 어쩌면 이 무거운 주제를 다룬 영화와는 어울리지 않는 '귀여움'이라고 할 수 있을 텐데, 개인적으로는 이 귀여움을 4.3의 무게를 흐리지 않을 정도로 잘 다루고 있는 듯 했다. 즉, 본말이 전도 될 정도의 것은 아닌 듯 했다. 그리고 더 나아가 이 사건의 무게에서 조금은 거리를 두고 있는 듯한 마을 사람들의 이야기와 직접적인 행위가 벌어지는 군인들의 이야기와의 균형이나 이어짐도 자연스러운 편이었다. 그렇기 때문에 나중에 이 거리가 좁혀져 마을 사람들이 군인들과 맞닥뜨리게 되었을 때에도 전혀 다른 두 이야기나 정서가 만나는 듯한 이질감은 없었다. 그 아슬아슬한 줄타기가 비교적 성공적이었다는 얘기다.

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전반적으로는 만족스러웠으나 집으로 돌아와 영화에 대한 이야기를 하면서 생각해보니 우려되는 부분이 좀 있었다. 그것은 영화가 묘사하고 있는 군인들에 대한 묘사였는데, 바로 군인 가운데 서도 이 사건에 대해 부당함을 느끼고 결국 배신 혹은 반역을 일으키게 되는 인물들의 묘사 부분이었다. '지슬'이 이들을 묘사하는 방식을 보면 몇몇 군인들은 인간성을 상실한 듯 보일 정도로 짐승 혹은 악마처럼 묘사되지만, 몇몇 군인들은 깨어 있어서 또 다른 피해자로 묘사된 다던지 혹은 러닝 타임 내내 관찰자 혹은 관조자로 남아있다가 결국에는 참지 못하고 깨어나는 인물로 표현되기도 하는데, 이 점이 조금은 우려스러운 부분이라 하겠다.

이 지점은 양날의 칼처럼 느껴지기도 하는데, 골똘히 생각해보면 아직은 시기상조 혹은 위험한 묘사가 아니었나 싶다. 즉, 아직은 군인들도 피해자였다 거나 혹은 아픈 시대의 산물이다 라고 표현해 버리기에는 제주 4.3의 상처가 너무 깊고 사회적 인식이나 위로도 그 수준에 미치지 못했기 때문이다. 다시 말해 극 중에 등장한 대사처럼 '군인들이라고 다 나쁜 건 아니네'라는 말은 자칫하면 이 사건을 처음 받아들이는 사람일 수록 오해하기 쉬운 말이라는 얘기다. 정말로 무고한 사람들이 너무 잔혹하게 목숨을 잃어간 사건의 참혹함을 제대로 전달하는 것에도 아직 부족하기 때문에, 아직은 이러한 균형적 혹은 냉정한 시선이 위험하게 느껴졌다. 홀로코스트는 이미 오랜 시간에 걸쳐 이야기되고 영화화 되는 과정을 거쳤기 때문에 근래에 와서 당시의 독일인의 시점에서 묘사한 작품이라 거나 그 가운데서 또 다른 의미의 고통과 상처를 받았던 이들을 이야기할 수 있을 정도의 성숙한 시간이 흘렀지만, 제주 4.3의 상처와 이를 대한민국 사회가 인지하고 있는 정도를 떠올려본다면 확실히 그 정도 성숙의 시점이 가능하기에는 턱없이 부족한 것이 아닌가 한다. 더군다나 아직 까지도 이 역사에 대한 명확한 사과가 이루어지지 않았다는 점에서 더더욱 그러하다. 가해자의 입장을 살피기엔 아직 상처가 깊다.

ⓒ 자파리 필름. All rights reserved

이러한 위험함이 존재하기는 하지만 그래도 '지슬'은 충분히 의미 있고 인상 깊은 작품이었다. 아슬아슬하기는 하지만 본말이 전도될 정도로 비껴가지는 않았고, 제주 4.3의 역사를 환기 시키는 데에는 이미 충분히 역할을 수행했기 때문이다. 아마 앞으로는 더 많은 4.3에 관한 영화가 나올 것이다. 그래야만 하고. 그런 의미에서 더 많은 이들이 이 영화를 보기를 권한다. 더 많은 이들이 이 영화를 통해 제주와 4.3에 대해 이야기할 수 있으면 좋겠다.

1. 본문에도 썼지만 보는 중간 중간 웨스 앤더슨이 떠올랐어요. 전혀 쌩뚱 맞게도 말이죠.

2. 이 작품의 발단이 된 작품이라고 할 수 있는 故 김경률 감독의 '끝나지 않은 세월'도 꼭 보고 싶네요. 기회가 있었으면 좋겠어요. http://movie.daum.net/moviedetail/moviedetailMain.do?movieId=40913

3. 제주 4.3에 관한 또 다른 작품인 임흥순 감독의 다큐멘터리 영화 '비념'도 곧 개봉합니다. '지슬'을 인상 깊게 보신 분들이라면 이 작품도 함께 보시면 좋을 것 같네요 http://movie.daum.net/moviedetail/moviedetailMain.do?movieId=70917

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

누구의 딸도 아닌 해원 (Nobody's Daughter Haewon, 2012)

솔직할 수록 슬픈 홍상수 영화

홍상수 감독의 영화에 대해 느낀 바를 글로 옮기는 것이 점점 어려워 진다. 개인적인 역량 때문인 탓이 크겠지만, 그와는 별개로 더 이상 설명하거나 글로 표현할 필요가 없는 것 같다는 생각이 들기 때문이다. 요 근래 몸집은 더 작아지고 이야기는 더 시공간을 오가는 방식으로 촬영된 작품들은 그나마 그 형식에 대해서라도 조금 글로 옮겨볼 여지가 있었는데, 이 작품 '누구의 딸도 아닌 해원'은 그런 형식적인 측면도 있지만 그 보다는 더 감정적인 영화이기에 글로 표현할 여지가 현저히 제한적인 영화라는 느낌이었다.

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그래도 이 영화를 보며 느낀 단순한 점이라면, 이전 그의 작품 속 인물들도 그러했지만 이 영화 속 인물들은 다른 영화 속 인물들 보다, 더 나아가 현실 속의 사람들보다 훨씬 더 자신을 표현하는 데에 솔직하다는 점이었다. 이 영화에서 가장 인상적인 대사들을 꼽아보자면 대부분이 '정말 예뻐' '정말 맛있겠다' '정말 좋아' 등 감정을 표현하는 대사들이다. 그것도 '정말'이라는 표현이 더해진 강렬하고 극대화된 표현들이다. 글쎄 잘 모르겠다. 예전에는 혹은 아직도 홍상수 영화 속 등장하는 남자 캐릭터들을 보고 단순히 '찌질하다'라고 표현하곤 하는데, 나는 예전 영화들에서도 그렇고 특히 최근 그의 작품에 등장하는 남자 캐릭터들에게서 이러한 '찌질함'은 전혀 발견하지 못했었다. 오히려 순수에 가까운 솔직함을 엿볼 수 있었는데, '누구의 딸도 아닌 해원'에 등장하는 인물들 역시 저렇듯 자신의 감정을 과장하듯 솔직하게 표현하고 있는 점이 인상적이었다. 반대로 얘기하자면 이들의 표현이 과장하듯 느껴지는 것은, 우리가 평소 현실에서 그리 솔직하지 못하기 때문이라는 생각도 들었다. 속으로는 저렇듯 극대화된 감정을 느끼지만 겉으로 표현하는 것에는 서툴거나 자신을 숨기는 데에 더 익숙하다는 생각을 했다.

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개인적으로는 요 근래 홍상수 영화를 보며 이런 인물들의 솔직함에 일종의 해방감을 느꼈다. 현실 속에는 간혹 판타지처럼 느껴질 정도로 솔직한 인물들의 감정 표현은, 그 어떤 액션 영화의 클래이맥스보다도 통쾌하고 시원한 감정마저 느껴질 정도였다. 이전 영화들의 인물들이 비교적 '좋아하는 것'에 대한 감정을 표현했다면, 이번 작품에서는 그 감정은 동일하나 그 감정으로 서로 상처받고 아파하는 이들의 이야기를 만나볼 수 있었다. 그렇기 때문에 그 슬픔도 더 깊게 느껴졌다.

관객은 여전히 제 3자일 수 밖에는 없겠지만 홍상수 영화는 그 제 3자를 그들의 방식에 맞춰 이해시키기 보다는, 오히려 더 극중 인물의 심리를 (설령 그것이 제 3자가 받아들이기 힘든 방식이라도) 이기적이리만큼 더 있는 그대로 표현하면서, 이 영화를 보는 관객들에게 손짓하고 있는 듯 하다. 최근들어 홍상수 영화에는 꼭 홍상수 자신의 이야기라 할 수 있는 질문과 대답들이 등장하는데 (왜 영화를 만드세요? 같은), 이 작품 역시 영화 감독인 성준(이선균)이 술집에서 학생들과 만나 이야기하던 중 비슷한 대화가 오간다. 이런 대화 시퀀스에서 느껴지는 것은 홍상수 감독의 일종의 짜증이랄까. 앞서 한 이야기로 풀어서 이야기하자면 왜 자신을 이해 못하는지 그들의 방식으로 설득하려 하기 보다는, 오히려 더 자신의 방식대로 이야기하면서 이제는 '굳이 이해하지 않아도 돼'라고 말하고 있는 것 같아 보인다.

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어쨋든 이 영화는 이미 제목에서부터 뭔가 쓸쓸함과 슬픔이 묻어나는 영화였다. 아마 다른 감독의 영화였다면 '독립적인 여성 주인공의 이야기인가?'라고 생각했을지도 모르지만, 어느덧 솔직함이 무기가 된 홍상수 영화에서 이러한 제목은, 결국 해원은 진짜 해원이 되지 못하겠구나 라는 예상을 하게 되었다. 다른 홍상수 영화처럼 중간 중간 키득이게 되는 장면들도 있었고, 같은 장소와 시간을 홍상수 식으로 활용하는 장면들에 깊은 인상을 받기도 했지만, 잘은 모르지만 이 영화는 솔직할 수록 더 슬픈 영화였다.

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1. 극중 유준상과 예지원 커플은 '하하하'의 연속으로 느껴져서 묘한 느낌이.

2. 홍상수 영화는 언제부턴가 가보고 싶은 영화가 되어가고 있는데, 이 영화를 보고 나서는 서촌과 남한산성이 자연스럽게 가고 싶어지더군요. 조만간 남한산성 한 번 가야겠네요 (좋은 날 말이죠 ㅎ)

3. 정은채는 참 매력적이더군요. 이국적이라는 말로는 표현이 다 안될 정도로요.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

신세계 (2013)

누구나 신세계로의 구원을 꿈꾼다

최민식, 황정민, 이정재라는 배우의 출연 만으로 두근거리게 만드는 박훈정 감독의 영화 '신세계'를 보았다. 영화를 보기 전까지만 해도 오로지 배우들의 이름과 분위기에 끌려 보게 된 영화였는데, 나중에 알고 보니 박훈정 감독은 류승완 감독의 '부당거래'와 김지운 감독의 '악마를 보았다'의 각본을 썼던 이더라. 조직 폭력, 거대한 범죄 조직내 세력 다툼, 그리고 경찰과의 관계에 스파이라는 설정까지. '신세계'는 얼핏 봐도 '무간도'나 '대부' 시리즈를 직간접적으로 연상시키는 작품이기도 하다. 결국 이런 영화들이 갖는 방향성 혹은 평가는 둘 중 하나일텐데, 결국 그 틀 안에서 그다지 새로울 것 없이 반복하는 영화이거나 그 틀을 벗어나 한 걸음 더 나아간 영화이거나 라고 보았을 때, 이 영화 '신세계'는 그 두 가지 경우의 경계에 서 있는 작품이 아닐까 싶다. 더 말하자면 그 틀 안에 있지만 새로울 것 없는 반복이 매력적이었고 조금의 나아감도 엿볼 수 있었던 작품이라는 것.

ⓒ (주)사나이픽쳐스. All rights reserved

일단 '신세계'가 가장 마음에 드는 이유는 바로 영화 전반에 깔려 있는 무게감이다. 그 무게감은 바로 배우들의 '연기'에서 나오는데, 어쩌면 뻔한 조직 폭력과 관련된 이야기들에 다시 한 번 집중할 수 있는 데에는 배우들의 연기력은 물론 이미지에서 느껴지는 아우라 때문이라고 할 수 있겠다. 사실 따지고보면 '신세계'에 등장하는 캐릭터들은 그 이야기보다도 더 전형적이다. 전형적이라는 것은 익숙한 것은 물론 더 이상의 흥미를 이끌어내기 쉽지 않다는 얘기도 되는데, 그럼에도 조직에 심어진 경찰, 그 경찰을 관리하고 조종하는 또 다른 경찰, 그리고 범죄 조직 내의 인물까지 모두, 새롭지는 않지만 매력적이다. 이 영화의 줄거리는 엔딩을 제외하면 사실 거의 기존 비슷한 내용을 다루었던 영화와 크게 다르지 않기 때문에 오히려 사건 자체를 보기 보다는, '신세계'라는 제목에서도 알 수 있듯이 이 영화가 이를 통해 말하고자 하는 것은 무엇일까에 대해 생각해보게 되었는데, 결국 누구나 현실에서 신세계를 꿈꾼다는 보편적인 명제와 그런 꿈을 꿀 수 밖에는 없는 현실을 떠올려볼 수 있었다.

ⓒ (주)사나이픽쳐스. All rights reserved

개인적으로 크게 공감되었던 것은 그저 현실에 불만이 있어서 신세계를 꿈꾸는 것이 아니라, 이럴 수도 저럴 수도 없는 굴레에 빠져버려서 탈출이라는 선택조차 사실상 할 수 없게 되어버린 현실에 놓인 이들이 신세계를 꿈꾼다는 점이었다. 즉, 이들이 꿈꾸는 결과로서의 신세계보다 그들이 현재 처해진 현실(굴레)에 더 공감되었다는 얘기다. 그런 측면에서 이자성(이정재)이 놓인 현실은 정말 이럴 수도 저럴 수도 없는 굴레 그 자체다. 그리고 강과장(최민식)과 경찰은 바로 이 점을 볼모로 이자성을 철저히 이용한다. 그 의도가 어떤 것이었던 간에 이자성의 입장으로 보자면 이 영화는 정말로 답답함 그 자체일 것이다. 다른 인물들도 사실 마찬가지다. 강과장 역시 조직 내에서 이런 명령을 할 수 밖에는 없는 위치와 상황에 놓인 인물이고, 강과장으로 부터 제안 아닌 제안을 받게 된 정청(황정민)의 현실이나, 역시 유사한 제안을 받게 되는 이중구(박성웅)의 상황도 이와 다르지 않다. 누군가는 자신이 이미 벌여놓은 일들 때문에, 누군가는 결과를 예상할 수 없었던 시절의 선택 때문에 이러한 진퇴양난의 현실에 놓이게 되는데, 영화는 기본적으로 주요 인물들을 이렇듯 궁지에 몰아넣고 그들 각자가 신세계로 향하는 방식 혹은 선택의 과정을 보여주고자 한다.

(다음 단락에는 스포일러가 있습니다)

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앞서 이야기했던 것처럼 '신세계'가 조금 더 흥미로웠던 점은 이 영화가 취한 마지막 때문이었다. 영화는 결국 신세계를 꿈꾸던 여러 인물들 가운데 이자성에게만 신세계를 허락하는 듯 보이는데, 반대로 이야기하자면 다른 모든 이들에게는 자유를 허락했으나 이자성에게만 그렇지 않았다고도 볼 수 있을 것이다. 이자성은 자신이 결국 이 굴레를 벗어날 수 없을 것 같다는 생각에 자신의 신분을 알고 있는 모든 이를 제거하는 것은 물론, 거의 완벽에 가까운 방식으로 골드문의 보스자리에까지 오르게 된다. 처음에는 이 엔딩에 대해 무척이나 통쾌하다는 생각을 했었다. '신세계'를 단적으로 요약하자면 여러 나쁜 이들이 결국 단 한 명의 선한 이를 나쁜 이로 만들어버리는 비극이라고 할 수 있을 텐데, 그렇기 때문에 한 편으론 심판의 측면에서 차라리 통쾌하다는 생각이었다. 하지만 다시 생각해보니 앞서 이야기한 것처럼 결국 신세계로 가지 못한 것은 이자성 뿐인 것만 같았다. 즉, 나쁜 이들은 모두 속죄 받기를 내심 원했으나 그 기회를 갖을 수 없던 이들이었다면, 이자성은 기회를 갖을 자격조차 없던 이들을 구원하는 동시에 본인 스스로는 영원히 구원 받을 수 없는 운명에 놓이게 되어버린 듯 했기 때문이다.

그래서 골드문 회장 자리에 앉아 창 밖을 바라보는 이자성의 모습에서는 단순한 씁쓸함이 아니라, 더 큰 한숨이 느껴졌는지도 모르겠다. 영화 초반 '이번이 마지막이라고 했잖아요!'라며 몇 번이나 애를 쓰던 그의 모습이 떠올라 더더욱 말이다. 하지만 영화는 에필로그 속 6년 전 이야기를 통해 이자성이 벌써 예전에 스스로 돌아올 수 없는 강을 건넜거나 혹은 그 만의 신세계가 이미 시작되었다는 걸 보여준다. 일말의 동정심도 허락하지 않으려 한 영화의 건조함이 오히려 더 아픈 부분이다.

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영화 '무간도'의 뜻이 '무간지옥(無間地獄)'에서 왔듯이, 이 영화 '신세계' 역시 무간지옥에 갇혀 버린 이들의 이야기였으며, 그렇기 때문에 '신세계 (新世界)'라는 제목은 이 영화에 더할나위 없이 잘 어울리는 제목이 아니었나 싶다.

1. 요 근래 본 영화들 가운데 연기력 측면만 보면 가장 볼거리가 화려한 작품이었어요.

2. 어디서보니까 본래 3부작으로 기획되었단 이야기가 있던데 (미공개 영상으로 공개된 마동석,류승범이 등장하는 에필로그도 그렇고), 전 이 한 편으로도 충분하다는 생각이지만 기대는 되네요. 그런데 3부작으로 가게 되면 너무 '무간도'처럼 가게 될 것 같기도하고;

3. 확실히 이런 캐릭터를 국내에서 황정민 만큼 맛깔나게 소화해내는 배우는 없는 듯. 역시 양면성으로 꼽자면 황정민을 빼놓을 수 없을 것 같네요.

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글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

공모자들 (블루레이 리뷰)
사회 문제로부터 시작된 범죄 스릴러

지난 해 개봉한 신인 김홍선 감독의 작품 '공모자들'은 그 동안 코미디 연기로 널리 알려져 있던 임창정의 진지한 연기와 불법 장기 밀매라는 사회적 문제와 제법 고어한 수위로 화제를 모았던 작품이다. 이 작품은 2009년 중국으로 신혼여행을 떠났던 한 신혼부부의 실화를 바탕으로 만들어 졌는데, 여행 중 아내가 사라져 두 달 뒤 장기가 모두 적출된 채 발견되어 큰 충격을 주었던 사건이었다. 영화 '공모자들'은 바로 이 사건에서, 더 정확히 이야기하자면 이 사건을 보고 느꼈던 분노에서 시작된 영화라고 해도 과언이 아닐 것이다. 신인 김홍선 감독은 이 분노를 범죄, 스릴러 장르로 풀어냈다.

일단 '공모자들'이 좋았던 이유 중 하나는 한국영화 특유의 난데 없는 개그 시퀀스를 찾아보기 힘들었다는 점이었다. 몇몇 이름 있는 감독의 작품을 제외하면 한국영화에서는 (특히 초반에) 극의 내러티브나 캐릭터의 설정과는 전혀 무관한 개그 시퀀스가 등장해 후반부에 갑자기 진지해지는 분위기가 더 적응 안되도록 하는 경향이 있는데, 이 영화는 적어도 그런 낭비는 존재하지 않는다고 말할 수 있겠다. 특히 이 작품은 시각적으로 보여지는 고어보다도 그 사건 자체가 갖고 있는 공포감이 더 중요한 작품이기에, 이렇듯 시종일관 진지한 분위기는 영화에 전체적으로 도움이 되었다고 할 수 있겠다.

▽ 다음 단락에는 스포일러가 있을 수 있습니다

하지만 아쉬운 점들도 없지 않았다. 일단 임창정의 진지한 연기는 크게 어색할 것이 없었으나 어색한 부산 사투리는 전반적으로 진지한 분위기를 방해하는 요소였으며, 후반 부의 내러티브는 너무 갑작스럽다는 측면이 없지 않고, 자연스럽게 이야기에 녹아 들기 보다는 애초 감독이 작품을 만들고자 했던 그 '분노'만이 과하게 느껴지는 측면이 더 강한 편이다. '공모자들'의 방식과 비슷한 형태의 영화라면 '와일드 씽'을 들 수 있을 텐데, 주제 면에서는 '공모자들'이 갖고 있는 사회성이 더 강하다고 할 수 있겠으나 영화적 재미나 내러티브 측면에서 반전의 묘미를 만끽하기에는 아쉬움이 남는다.

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MPEG-4 AVC 포맷의 블루레이 화질은 깜짝 놀랄 정도로 좋다. 솔직히 이야기해서 화질을 그렇게 기대하고 있던 작품은 아니었다는 점을 굳이 들먹이지 않더라도 될 정도로, 최근 본 화질 가운데 손꼽을 만한 수준급의 화질을 수록하고 있다. '공모자들'은 레드원보다 한 단계 윗급인 알렉사(Alexa) 카메라로 촬영된 것으로 알고 있는데, 역시 그 영상이 어디 가지 않더라.

'공모자들'을 더 범죄 스릴러답게 만드는 것은 이야기보다도 최상급의 화질이라고 해도 좋을 만큼, 필름 라이크 하면서도 날카롭고 표현력 높은 화질은 영화의 시리도록 차가운 현실과 분위기를 충분히 표현해 낸다. 특히 오달수가 등장하는 장면은 거의 모든 장면이 화질 중요 체크 포인트라고 해도 좋을 텐데, 그의 얼굴에 거칠게 자란 수염의 디테일을 확인해 보는 것도 (일부러 확인하려 하지 않아도 절로 확인하게 될 정도의 화질) 좋을 것이다. 식당에서의 아무렇지 않은 장면에서도 화질의 우수함을 느낄 수 있었던 건, 오달수가 입고 있는 화려한 무늬의 셔츠 때문이었는데 일부러 보려 하지 않아도 보인다는 게 이 타이틀의 장점이라 하겠다.

어두운 밤 부둣가에 걸터앉아 정박해 있는 배들의 약한 불빛을 배경으로 하고 있는 장면에서도 블루레이의 우수한 표현력을 확인할 수 있으며, 클로즈업 장면이야 더 말할 것도 없겠다. 중국 로케이션과 사우나 세트 제작 등 영상미에도 상당히 신경을 쓴 작품인데, 블루레이 화질의 놀라운 디테일이 이런 영화의 숨겨진 보물들을 빛나게 한다. 다른 건 모르겠지만 '공모자들' 블루레이의 주인공을 꼽으라면 누가 뭐래도 화질, 화질일 것이다.

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DTS-HD MA 5.1 채널의 사운드도 최신작다운 퀄리티를 들려준다. 초반 수록된 사운드의 우퍼가 조금 강한 듯한 측면이 있긴 하지만 전반적으로는 극의 긴장감을 배가 시켜주는 역할을 톡톡히 해낸다.

전반부가 차근차근 긴장감을 고조시키는 역할을 한다면, 후반부에는 자동차 액션을 비롯하여 좀 더 다이내믹한 사운드를 만나볼 수 있는데, 특별히 인상적인 사운드 메이킹까지는 아니지만 (여기에는 워낙 좋은 화질로 인한 상대 평가가 있다) 특별히 부족한 점도 없는 평균 이상의 사운드를 들려준다.

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부가영상 가운데 가장 먼저 살펴볼 것은 음성해설인데, 김홍선 감독, 최다니엘, 조윤희, 조달환, 정지윤이 참여하고 있다. 주연을 맡은 임창정은 뮤지컬 공연 관계로, 오달수 역시 공연 준비로 함께 하지 못한 것이 아쉽기는 하지만, 감독과 배우들이 모두 화기애애한 분위기에서 유쾌하게 뒷이야기를 들려준다.

'공모자들 제작과정'에서는 촬영장의 소소한 일상들과 감독, 배우들의 인터뷰가 수록되었는데, 일단 제작과정 영상이 HD화질로 수록되었다는 점에 대한 반가움을 말하고 싶다. 한국영화 블루레이를 볼 때 마다 가장 아쉬웠던 것이 부가영상들이 전부 4:3 비율의 SD화질로 수록되는 경우가 많아 본편을 보며 느꼈던 블루레이의 장점을 상당부분 잃어버리게 된다는 점이었는데, '공모자들'의 제작과정은 시원한 HD화질로 만나볼 수 있어 드디어 화질 측면에서 제대로 된 블루레이 부가영상을 만날 수 있다고 할 수 있겠다. 제작과정 외에도 제작보고회와 언론시사회 영상도 수록되어 있는데, 이것 역시 HD화질로 수록되어 있어 조금 놀라기까지(?) 했다.

그리고 '미공개 엔딩'도 수록이 되었는데, 실제 엔딩과의 만족도 비교는 둘째 치더라도 만약 이 미공개 엔딩이 수록되었더라면 극중 임창정과 조윤희의 감정선을 연결하는 데에 중요한 역할을 했었을 한 가지 아이템은 확인할 수 있었다.

마지막으로 팝칼럼니스트 김태훈의 진행으로 감독과 임창정, 최다니엘, 오달수가 참여한 제작보고회 현장 스케치와 여배우들까지 모두 참여한 기자시사회 현장까지 짧은 영상이지만 HD화질로 만나볼 수 있다. 이 밖에 예고편과 TV 스팟이 수록되었다.

[총평] 신인 김홍선 감독의 '공모자들'은 범죄 스릴러로서 아쉬운 점이 없지는 않지만, 감독이 가졌던 문제의식과 차기 작의 가능성이라는 측면에서는 기대해볼 만한 작품이었다. 웃음기 없는 임창정을 볼 수 있는 것도 흥미로운 경험이 될 것이며, 무엇보다 2013년이 이제 겨우 한 달이 지났을 뿐이지만, 올해를 마무리하며 최고 수준의 화질을 논할 때 반드시 언급해야 될 정도로 우수한 화질과 HD 화질로 제공되는 부가영상은, 분명 한국영화 블루레이 타이틀의 수준을 한 단계 더 성장시키는 퀄리티라 할 수 있겠다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)  
 

'베를린' 류승완 감독 인터뷰

죽거나 혹은 나쁘거나

최근에 본 영화 '베를린' 리뷰 말미에 다시 한 번 류승완 감독님과 인터뷰를 했으면 좋겠다는 말을 남겼었는데, 진짜로 감독님 측에서 연락이 왔고, 지난 2월 12일(화) 외유내강 사무실을 방문하여 허심탄회한 이야기를 나눌 수 있었다. 감독님과는 지난 2008년 (벌써 5년 전;;;) '다찌마와 리' 극장판 개봉시 역시 외유내강 사무실에서 긴 시간 인터뷰를 나눴던 것이 인연이 되었는데, 먼저 당시 어떤 이야기를 나누었었는지까지 기억하고 계셔서 놀랐다.

그렇게 '오랜만이에요'라는 인사말로 시작한 인터뷰는, 기대한 만큼 좋았던 동시에 최근 세간에서 논란 아닌 논란이 되고 있는 표절 의혹에 대한 이야기도 집중적으로 나눌 수 있었다. 사실 본래 이 인터뷰 글의 제목은 단순하게 '류승완 감독님 인터뷰했어요~' 아니면 '베를린, 류승완 그리고 의혹에 대해' 정도였는데, 결국 최종 선택한 제목은 씁쓸하지만 '죽거나 혹은 나쁘거나'였다.

아쉬타카 : 인터뷰 준비를 위해 주말에 베를린을 한 번 더 보고, 가급적 새로운 질문을 해보려고 다른 인터뷰들도 많이 읽어보았다. 공통적으로 느껴지는 것은 제작비가 많이 들어간 영화라는 것에 대한 피로감 혹은 부담감이었다.

류승완 : 제작비 때문이라고만 할 수는 없을 것 같다. 해외 로케이션, 여러 명의 스타들이 출연, 처음 해보는 장르, '부당거래' 이후 다시 액션 영화를 하는데 뭔가 다르게 해야 한다는 압박 등 여러가지가 복합적으로 영향을 끼쳤다고 보는게 맞겠다.
하지만 역시 많은 제작비의 영화라는 점이 큰 부담이었다는 건 사실인 것 같다. 막말로 이 영화가 안되면 실업자 되는 것은 아닌가 싶은... '다찌마와 리' 이후 겪었던 그 공포를 떠올려보자면.. ㅎㅎ

아쉬타카 : 많은 인터뷰의 말미에 '앞으로 어떻게 될지 잘 모르겠다' '영화라는 것에 대해 잘 모르겠다'라는 식의 답변들이 많더라. 팬으로서는 조금 안쓰럽기까지 한 부분이었다.

류승완 : 정말로 하면 할 수록 영화라는 것에 대해 잘 모르겠더라. '베를린'을 보고 난 반응 중에 가장 많은 것이 '본'시리즈에 관한 것들인데, 이 영화가 '본'의 영향력 안에 있는 영화라는 점은 분명한 점이다. 하지만 우리 나름대로는 최대한 '본'과 다르게 보이기 위해 애를 썼다. 흔한 예로 핸드 헬드를 쓰면 훨씬 더 거칠고 현실적인 효과를 얻을 수 있지만 쓰지 않았고, 액션의 합구성도 보시면 아시겠지만 마지막 액션의 구성은 '본'이나 '007'에서 나오는 스타일이 아니라 정두홍과 내가 하는 방식으로 만들고자 했다. 하지만 많은 관객들이 '본'과 비슷하게 보셨다면 그건 관객의 몫이니 틀렸다고 할 수는 없을 것이다.

아쉬타카 : '본' 시리즈나 다른 유사하다고 언급되는 작품들에 대한 이야기는 후에 다시 하기로 하고, 다른 가벼운 질문 먼저 해보려고 한다. 윤종빈 감독과 이경미 감독도 등장하는데 류승완 영화라면 빠질 수 없는 김수현과 안길강이 안보이더라!

류승완 : 내 영화를 좋아하시는 분들은 그 말씀을 하시더라. 스스로 변화를 주고자 했던 점이 작용했던 것 같다. 또 워낙에 외국 배우들도 많이 나오다보니 틈이 없더라 ㅎㅎ 승범이도 촬영장에서 둘이 없으니 뭔가 이상하다라고도 하더라 ㅎㅎ 뭔가 이전의 방식과는 다르게 해보고자 하는 것이 강했던 것 같다.

아쉬타카 : 그럼 처음부터 이번 작품은 무언가 기존과는 다르게 해보자라는 취지나 의지가 깊게 작용했다고 볼 수 있을까?

류승완 : 뭐가 먼저였다라고 정확히 얘기할 수는 없지만, 아마도 캐스팅 작업이 시작되면서부터 조금씩 이런 무의식 등이 반영된 듯 하다. 뭔가 너무 익숙한 방식 아닌가? 계속 이렇게 해도 괜찮을까? 등의 압박이 어느 정도 작용한 건 맞는 얘기라고 할 수 있겠다.

아쉬타카 : 예전에 주진우 기자와 함께했던 MBC '간첩'도 재미있게 보았던 기억이 있다. 그렇다면 '베를린'의 시작은 이 때 부터라고 볼 수 있을까?

류승완 : 그 때는 이미 '베를린'이라는 프로젝트가 시작된 다음이었다는 걸 최근에야 재차 확인했다. '간첩'을 보면 내용 가운데 '베를린'의 이야기가 언급되고 있기도 하고. '베를린'을 준비하는 취재의 과정과 맞아 떨어진 프로젝트라고 보면 되겠다. 하지만 실제로 '베를린'에 큰 도움을 주었던 분들은 '간첩'에는 공개되지 않은 분들이다. 더 자세하게 이야기할 수는 없지만 카메라를 꺼놓고 만났을 정도로 실제로 정보국 활동을 하셨던 분들, 실제로 구체적인 이야기를 해주었던 분들의 이야기들이 '베를린'에 많은 도움이 되었다.

아쉬타카 : 북한정보원이 주인공이라는 점 등으로 베를린으로 설정했다고 어느 정도 볼 수는 있지만, 영화를 보고나면 특별히 '베를린'이어야만 하는 부분은 비교적 적은 편인 것 같다. 왜 스파이 영화에 또 다른 주인공은 로케이션이라고 할 수 있을 텐데, '베를린'에서는 베를린이라는 장소의 특성과 장점을 최대한 활용하고 있지는 못한 것 같다. 로케이션 촬영에서 아쉬운 점은 없었나?

류승완 : 그 부분은 크게 몇가지 이유가 있는데, 일단 베를린으로 향한 첫 번째 이유는 베를린이라는 도시가 갖고 있는 상징성이 중요했던 것 같다. 특히 우리나라의 근 현대사에서 베를린이라는 도시가 갖는 의미는 남다르다고 할 수 있기 때문이다. 포츠담 회담, 동백림 사건, 송도율 교수, 신상옥, 최은희 부부 납치 사건 등..

실제로 최근 무기거래 등은 모로코나 중동에서 주로 이루어지는 편이라고는 하는데, 아직도 굵직한 무기거래 등은 베를린에서 이루어진다고 한다. 여러가지 이유 중에 가장 나를 자극시켰던 부분은 역시 베를린 북한대사관이라고 할 수 있겠다. 전 세계에서 가장 규모가 큰 북한대사관이 베를린에 있는데, 이 곳에서는 촬영이 불가능하다보니 이런 점들은 아쉬웠다. 내가 꼭 찍고 싶었던 장소는 홀로코스트 메모리얼이었는데,  이 곳은 촬영 자체가 불가능한 곳이었다. 톰 크루즈의 '미션 임파서블' 팀도 촬영 허가가 나지 않았는데 우리가 뭐라고 가능하겠나 ㅎㅎ 하지만 분명한 건 이 이야기를 서울에서는 찍을 수 없는 것 아닌가, 왜 베를린이었나 라는 질문을 던진다면 이런 여러한 점들이 작용했다고 대답할 수 있을 것 같다.

아쉬타카 : 다른 분들은 대부분 '본'을 이야기하지만, 개인적으로는 '영웅본색'이나 '첩혈쌍웅' 더 나아가 장철 영화 같은 쇼브라더스 시절의 무협영화의 정서가 떠올랐다. 감독님이 어떤 영화들을 좋아하는지 알고 있어서인지도 모르겠지만, 영화를 보는 내내 스파이 영화 특유의 설정이나 분위기 보다는 이와 같은 정서가 더 강하게 전달되었다. 그래서 개인적으로는 이와 관련해서 리뷰에 '류승완의 본능적인 느와르 영화'라는 생각이 들었는데..

류승완 : 오히려 '정전자'하고 비슷한 부분이 있다. 그리고 다른 인터뷰에서 여러 번 이야기했지만 이 영화의 시작은 몽테 크리스토 백작이라고 할 수 있겠다. 에드 몽 당테스에게 누명이 씌워지는 과정을 보면, 그가 나폴레옹의 스파이라는 누명으로 시작된다. 영향 받은 부분이라면 몽테 크리스토 백작이 가장 컸다고 할 수 있겠다. 아쉬타카 님은 잘 아시겠지만 나는 어떤 감독이나 작품에 영향을 받았다면 그 부분을 더 말하지 못해 안달난 사람이 아닌가 ㅎ

아쉬타카 : 아무래도 각자 개인마다 아는 만큼 보이고, 본인이 영향받는 작품이나 범위에 따라 다르게 느껴지기 마련일텐데, 개인적으로는 '영웅본색' 등의 느와르 영화의 정서가 깊게 느껴졌기 때문에 반대로 스파이 영화로서의 세밀함은 조금 부족하게 느껴졌던 것 같다. 결론적으로 스파이 영화로서 평가하거나, 스파이 영화를 기대했던 이들에게는 조금 아쉬움이 없지 않았던 것 같다.

류승완 : 이 영화는 스파이 영화라기 보다는 스파이라는 직업을 갖고 있는 이들의 영화라고 할 수 있겠다. 스파이 영화라면 '무간도'가 스파이 영화라고 할 수 있을 것이다. 간첩 행위가 주가 되는. '베를린'은 그래서 카피도 액션영화로 포커스를 맞추고 있다. 요 몇년간 진짜 스파이 영화라면 아마 '팅커 테일러 솔저 스파이' 밖에는 없을 것이다. 오히려 진짜 스파이들 세계에서 액션이 벌어진다는 것은 불가능한 일일 것이다. 정보전이 주가 될테니.

결국 '베를린'은 스파이라는 직업을 갖고 있는 이들의 이야기다. 개인간의 갈등, 관계의 문제가 더 중요했었고. 이를 바탕으로 김정일 사후의 평양의 정세가 어떻게 바뀌는가, 김정남 편을 들었던 군부의 세력이 어떻게 움직이는가 등 이런 상황 속에서 정치적으로 몰린 사람 혹은 세력들이 영향력을 잃지 않기 위해 어떻게든 해외 공관의 끈을 놓치 않고 장악하려고 하는 가운데, 시스템이 어떻게 개인을 파멸시키는가에 집중을 한 것이라고 보면 되겠다. 하지만 두 번이나 영화를 본 분이 아쉽다고 하면 할말이 없다 ㅎ

아쉬타카 : 아 ㅎㅎ 하지만 지금 대답에서 정확한 답변을 들었다. 기존에 얼핏 듣기로는 '베를린'을 하면서 스파이 영화를 하고 싶어서 만들었다 라는 식의 이야기를 들었었기 때문에 저런 아쉬움을 느꼈던 것이었는데, 지급 답변처럼 '스파이가 직업인 사람들의 이야기'라면 전혀 다른 시각과 잣대로 바라볼 수 있을 것 같다.

류승완 : 내가 본질적으로 관심이 있었던 건 스파이라는 직업을 갖고 있는 사람들의 이야기였다.

아쉬타카 : 스파이에 대한 영화와 스파이라는 직업을 가진 사람들의 이야기는 본질적으로 다르다고 생각하기 때문에, 이 답변을 듣고는 많은 부분이 명쾌해진 느낌이다.

이 영화를 통틀어 개인적으로 가장 인상적이었던 대사는 두 가지가 있는데, 첫 번째는 극중 표종성이 언급하고 있는 '우리는 결정하는 사람이 아니라, 지시를 따르는 사람'이라고 얘기하는 부분이었다. 이 대사가 두 번 정도 반복적으로 언급된 걸 봐서, 결국 이 영화는 결정권이 없거나 결정을 고민할 필요조차 없었던 이가 스스로 결정해야만 하는 상황에 놓였을 때의 이야기를 들려주고자 한 것은 아니었나 하는 생각이 들었다. 스스로도 단호하게 결정하는 사람이 아니라고 했던 사람이 지속적으로 결정을 해야하는 상황에 놓이고, 결국엔 이념적인 선택까지 해야하는 상황에 놓이지 않나. 그래서 그 첫 번째 익숙치 않은 결정들로 인해 겪게 되는 상실이나 고통 등을 다루고자 한 것이 느껴졌다.

류승완 : 맞다. 우리는 결정하는 사람이 아니라 지시를 따르는 사람이라던지, 우리는 가난해도 당당하게 살 수 있다고 믿는다 라던지, 이런 대사들은 실제 북한사람들을 취재할 때 나왔던 말들이다. 북한이라는 시스템은 종교적인 시스템에 가깝다고 할 수 있을 텐데 (유일하게 비교할 만한 모델이라면 바티칸 밖에는 없을 정도로), 이런 시스템 가운데 교육받고 성장한 이들이라는 전제라면 시스템을 벗어난 개인의 자의적 결정이라는 점은 이야기의 중요한 포인트라고 생각했다.

아쉬타카 : 두 번째로 인상적이었던 대사는 전혀 의외의 것이었는데, 후반부 목숨을 잃어가는 련정희를 만난 정진수가 '고향이 어디에요?'라고 묻는 대사였다. 이전까지는 전혀 남북의 이념적이거나 분단 상황이 느껴지지 않았는데 이 대사 한 방으로 이전까지는 느끼지 못했던 독특한 정서가 불현듯 올라왔다. 혹시 어느 정도 포인트를 준 대사였나?

류승완 : 그 대사는 한석규 선배의 즉흥연기였다. 의식을 잃지 않게 하기 위해 계속 깨우려는 설정이긴 한데, 이에 앞선 대사 중에 '너들하고 우리하고 요즘 쓰는 말이 다르데'라는 것에 연장선이라고 할 수 있겠다. '고향이 어디에요?'라는 대사는 개인적으로 정말 중요한 대사라고 생각한다.

한석규 선배가 '베를린' 시나리오를 받고 결정하게 된 가장 큰 이유는, 해외를 배경으로 하면서 남북을 소재로 한 영화라는 점이었다. 한석규 선배는 개인적으로 남북을 소재로한 이야기에 관심이 큰데, 이건 우리만이 할 수 있는 이야기라는 점에서 그렇다. 냉전이 끝난 21세기에 아직도 냉전 중인 나라는 우리 밖에 없지 않은가. 이런 이야기들이 오히려 활발해져야 한다고 생각한다.

아쉬타카 : 액션에 있어서는 다 소진된 상태에서 벌이는 처절함이 느껴져서 좋았다. 너무 제이슨 본 같은 전문가 액션만 있었다면 오히려 류승완 스럽지 않아서 조금 심심했을 텐데, 역시나 클래이맥스에서는 최고 전문가인 두 주인공이 그 기술에 근거하되 이미 본능만 남은 상태에서 벌이는, 육체적인 액션이 인상적이었다. 고통과 피로함이 느껴져서.

류승완 : 그런 점을 봐주어서 고맙다. 액션이 주가 된 영화이기 때문에 클래이맥스의 액션 시퀀스는 특별히 많은 신경을 썼다. 권총을 둔기로 사용하는 것도 그 아이디어에 도달하기 위해 정두홍 감독과 엄청난 노력과 고민 끝에 나온 장면이다. 이런 방식으로 권총을 사용하는 경우는 다른 영화에는 거의 없지 않나? 그러고보니 '다찌마와 리'에 잠깐 나오긴 했었지만 ㅎㅎ

아쉬타카 : <베를린>은 류승완 영화 최초의 멜로 드라마라는 생각도 들었다. 극중 표종성과 련정희의 관계에는 여러가지 다른 요소들이 있지만 그 중심에는 분명 애틋한 로맨스가 느껴졌다. 다시 말하자면 다음 작품에도 로맨스적인 요소를 가미해도 이 정도라면 괜찮을 것 같다는 생각이 들었다. 둘의 관계를 묘사하는데 가장 신경 쓴 부분은 어떤 점인가?

류승완 : 나도 모르게 그렇게 갔던 것 같다. 처음에는 냉혹한 인물과 관계들을 생각했었는데, 언제 부턴가 나도 모르게 로맨스 영화를 만든 것은 아닐까 하는 생각이 들더라.

아쉬타카 : 조심스럽지만 팬의 입장에서 최근 굵어진 표절논란에 대해 여쭈어보겠다. 개인적으로도 이번 인터뷰를 준비하면서 이 부분이 가장 큰 부담이기도 했는데, 일단 몇몇 설정은 장르의 클리셰로 보기엔 너무 디테일한 측면이 없지 않다고 생각된다. 아내를 의심하고, 광장과 지하철 역에서 추격하고 하는 것 등을 비롯해 최근 논란이 되고 있는 여러가지 중에 거의 대부분은 충분히 클리셰로 인정할 수 있고, 스탈린의 유명한 잠언을 사용한 것이나 인간이 가장 나약해지는 시간을 언급한 것도 어느 한 작품만의 것이라고 보기 어려우니 가능하다고 생각하지만, 련정희의 속옷과 관련된 장면이나 동전으로 표현된 아이템이나, 련정희가 임신을 했었다는 디테일한 설정은 의문을 재기할 수 있는 부분이 아닐까 생각한다.

결론적으로 '차일드 44'와의 디테일한 유사점과 장르의 클리셰까지 표절로 여기는 분위기까지 더해져 결론적으로 표절이라는 이야기까지 나오고 있는 것 같다.

류승완 : 이 질문을 해주어서 고맙다. 일단 사실관계부터 이야기하자면 나는 '차일드 44'를 재미있게 읽었고 주변에도 보라고 적극적으로 권장을 했던 소설이다. 그리고 이 문제를 최초로 제기하신 분이나 이 소설을 번역하신 분이 제기하신 의혹도 타당하다고 생각한다. 하지만 표절이라는 부분에 있어서는 분명히 아니라고 말할 수 있다. '차일드 44'와 관련된 의혹들 중에 '그러면 왜 영향받았다는 얘기 중에 진작 이 작품을 보았다고 얘기하지 않았냐' 라는 질문을 하기도 하는데, 그렇게 따지면 이 작품에 영향을 끼친 50권이 넘는 소설 들을 모두 이야기해야만 하는 지에 대한 물음이 생긴다. 의도적으로 '차일드 44'만 뺐다가 이제서야 뒤늦게 이야기하는 것 아니냐는 질문에는 아니라는 대답밖에는 할 수가 없다. 다시 한 번 이야기하지만 '차일드 44'는 재미있게 읽은 소설이고 리들리 스콧이 영화화 할 예정이라는 것도 '베를린' 제작 전부터 알고 있었다.

차일드 44와의 유사점 부분에 대해 이렇게 부분 캡쳐로 비교를 해서 표절로 몰아가면 억울한 부분이 있다. 본래는 이 취재파일과 취재 과정 중에 얻은 실제 인물들의 녹취 기록 등을 기자들에게 다 공개를 하려다가 이미 몇몇 함정 인터뷰도 있었고해서 차라리 여과없이 전달해주실 아쉬타카님 같은 분에게 공개하는 것이 낫겠다는 생각이 들어 인터뷰를 요청한 점도 있다.

(이후 제가 개인적으로 의혹을 갖고 있던 부분들을 비롯해, 세간에서 표절 의혹을 받고 있는 부분들을 설명해줄 많은 양의 취재 자료 들과 녹취 자료등을 직접 보고 듣는 확인의 시간을 가졌습니다)

실제로 비슷한 부분이 있기도 하다. 왜냐하면 실제로 KGB 교육이 구동독에서 러시아로 넘어갔고, 북한 정보원들이 받은 교육과 동일한 것이기 때문에 비슷할 수 밖에는 없다. 모방이라고 볼 수는 있을 것 같다. 하지만 모방과 표절은 전혀 다른 문제라고 생각한다. 이렇게 부분 캡쳐만 해 놓으면 내가 봐도 비슷하더라. 그렇기 때문에 의혹이 있는 것 자체는 타당하다고 생각한다.

이런 논란에 휘말려 보니까 알겠더라. 사실관계를 입증하려 자료 등을 공개하려고 보니 이미 어떤 식으로 이야기해도 변명 밖에는 되지 않는 상황이라 가만히 있는 것 뿐이다. 이걸 적극적으로 해명하기 보다는 같이 일한 사람, 믿어줬으면 하는 사람들만이라도 알아주면 그것으로 괜찮다라는 생각이다. 이미 당사자인 내 입으로 얘기하는 것은 명백한 신뢰를 주지 못하고 있지 않나. 그렇기 때문에 직접 보고 들으신 분들이 전해주시는 편이 더 낫다고 생각한다. 의혹을 제기하신 분들이 계시다면 직접 보여드리고 들려드리고 싶다.

아쉬타카 : 마지막으로 <베를린>이라는 작품은 좋은 면이든 그렇지 않은 측면이든 감독님에게 어떤 전환점이 될 작품이라는 점은 분명한 것 같다. 감독님에게 <베를린>이란 작품은 어떤 작품인가?

류승완 : 8번째 장편 영화. 그 이상도 이하도 아니다. 하지만 앞으로 장르 영화를 한다는 것에 대해 심각하게 다시 생각해보게 되었다.

아쉬타카 : 개인적으로는 의혹이 완벽하게 해소되어서 너무 만족스럽고 기쁘기까지 하다. 말은 못했지만 이 인터뷰의 핵심이 이 표절 의혹 부분이라고 생각했기 때문에 이 질문을 어떻게 하고, 내가 수긍할 만한 대답을 과연 들을 수 있을까 하는 부담 때문에 잠도 못 잤을 정도로 스트레스 아닌 스트레스를 겪기도 했었다. 완전히 해소되어서 좋긴 하지만 아직도 많은 사람들이 표절로 여기고 있고 완벽하게 해결할 만한 돌파구가 보이지 않아 너무 안타깝다.

아쉬타카 : 이 광풍이 지나고 어느 정도 시간이 흐른 뒤에 다시 만나 이야기할 수 있었으면 좋겠다.

류승완 : 그렇게 하자!

'베를린'을 보고나서 썼던 제 리뷰를 보신 분들은 아시겠지만, 전 '차일드 44'를 읽지 않은 상태에서 커뮤니티를 통해 정리된 표절 의혹 부분을 보고서는, 이건 장르의 클리셰라고 하기엔 너무 디테일한 유사점이 발견된다는 판단을 하였고, 이 부분에 대해서 류승완 감독님이 더 명확한 답을 해주길 바란다는 말로 마무리했었습니다. 그 이후 감독님으로부터 인터뷰 제안이 왔고, 제안을 받고서는 저도 적지 않은 부담감을 느끼기도 했습니다. 왜냐하면 냉정히 봤을 때 의혹을 갖기에 충분한 정황이었고 그렇기 때문에 직접 만나 인터뷰를 하더라도 그 의혹이 명확히 해소될까 하는 의문이 있었기 때문이었습니다.

인터뷰 내용에도 있듯이 의혹을 갖는 것은 감독 스스로도 내가 봐도 비슷하다고 느낄 정도로 유사점에 대해 의혹을 갖는 것은 타당하다고 할 수 있지만, 그 많은 양의 취재 자료들과 더 나아가 이 표절 의혹에 대해 하나하나 취재원과 대조하는 녹취 파일을 듣고 나니, 사실을 사실 그대로 바라볼 수 있게 되어 의혹을 완전히 해소할 수 있었습니다.

실제 모스크바에서 정보원 활동을 했던 취재원을 다시 만나 표절이라고 의혹을 받고 있는 소설의 부분 등을 재기하며 사실 여부를 일일히 확인하는 녹취 파일 및 영화를 준비하는 과정에서 진행된 취재 자료들에서는, 개인적으로 클리셰를 넘어서는 디테일한 인용이라고 생각했던 동전 부분에 대한 내용도 확인할 수 있었는데, 이는 실제 있는 정보원들 사이에서 유니크하지는 않은 일종의 소품이었고 (정보원 취재 자료에서 사진으로 직접 확인), 이 동전을 속옷에 숨기는 장면 및 련정희가 임신을 했다는 설정 모두 실제 취재원에게서 나온 것이라는 걸 격앙된 북한말투로 이야기하는 취재원 분의 음성을 통해 확인할 수 있었습니다.

이 녹취는 표절 의혹 이후에 다시 진행된 부분이었는데, 일일히 표절 의혹을 받는 부분들을 거론하며 취재원에게 다시 한 번 사실 여부를 확인하는 과정이었기 때문에, '만약 이 의혹이 사실이라면 내 인생 자체가 표절이라는 얘기냐?'라는 식이었기에 격앙될 수 밖에는 없는 분위기였습니다. 실제로 많은 오인된 의혹들이 그렇듯이, 이 표절 의혹에 휩싸인 감독님을 비롯한 제작진, 취재원들 모두는 억울함이나 실망을 넘어서서 이 영화 만드는 일 자체에 깊은 회의를 느끼고 있는 상태였습니다.

제가 류승완 감독님과 직접 만나 인터뷰를 하고, 취재 자료들과 녹취 자료 등을 통해 표절 의혹이 의혹을 갖는 것은 가능했으나 사실은 아니었음을 두 눈과 귀로 확인했다는 것은 분명히 말씀드릴 수 있습니다. 하지만 저 역시 감독님과 마찬가지로 저 같이 미약한 영화애호가 한 사람의 확인이 모든 의혹을 해소시키거나, 더 나아가 의혹 해소의 계기가 될 만한 신뢰성을 갖지 못할 수도 있다는 점까지도 이해하고 한계를 인정하고 있기도 합니다.
다시 말해 '직접 보고 들었다는 것은 니 말일 뿐이지 않느냐'라고 물었을 때 '보고 들어서 아닌 것을 확인했기에 그렇다고 했을 뿐인데 어떻게 그렇냐고 물으신다면 할 말이 없다'고 밖에는 할 수 없을 것 같네요.

저 역시 최소한 제 주변에서 의혹을 갖던 분들이나, 제 블로그 등을 통해 제 글을 읽어주셨던 분들만이라도 이 의혹에 대한 사실을 (진실로 까지 포장할 이유가 없어 사실이라고 씁니다) 저를 담보로라도 믿어주셨으면 하는 바램입니다.

류승완 감독님 힘내세요!

* 마지막 제 의견을 정리한 부분에 있어서 어떻게 하면 더 설득 혹은 이해를 도울 수 있을까 싶어서 훨씬 더 많은 내용을 적었었는데, 결국 다 쓰고 보니 구차해진 느낌이 있어서 그냥 간단하게 정리를 하였습니다. 아무쪼록 더 많은 분들이 표절로 낙인찍는 일은 없었으면 좋겠습니다.

* 혹자는 출판사 측에서 소송을 걸어야 한다고 하는데, 소송 걸리가 없습니다. 그리고 소송하면 100% 출판사가 질 수 밖에는 없어요. 이건 CJ라는 대기업 때문이 아니라 사실관계가 너무 분명히 자료로 남아있기 때문입니다.

* 마지막으로 이 글을 보고 나올 수 있는 반론이라면 '그러면 그 자료를 공개해라' 일텐데, 아마 이 문제가 더 확산되면 공개를 하실지도 모릅니다. 그런데 타블로 때도 그렇지만 공개로 과연 해소가 될까요. 또 자료가 조작이네 이럴 텐데요. 현재는 그렇게까지 하면서 영화라는 일을 해야할까 라고 생각하는 상황이라, 저렇게까지 번진다면 그 보다는 영화 라는 일을 접는 편을 선택하실 수도 있을 것 같네요. 좋아서, 행복해서 하는 일인데, 그렇지 못하면서까지 해야할 필요는 없을 테니까요.

베를린 (The Berlin File, 2013)

류승완의 본능적 느와르 영화

류승완 감독의 신작 '베를린'을 보았다. 개인적으로 팬임을 밝히고 시작하자면, 본래도 박찬욱, 봉준호 감독과 함께 좋아하는 감독이었지만 몇 년 전 '다찌마와 리 : 극장판'을 통해 직접 인터뷰할 기회를 갖게 되면서 더욱 친근하고 응원하고픈 감독이 된 것이 사실이다. 류승완의 전작은 그의 필모그래피에서 좀 더 대중적으로 큰 인기와 높은 완성도를 보여주었던 '부당거래'였다. 그런 그가 '부당거래' 이후 더 화려한 캐스팅과 제작비로 해외 로케이션 스파이 영화를 찍는다고 했을 때 부터, 과연 어떤 결과물이 나올지 무척이나 기대하지 않을 수 없었다. 물론 여기에는 기대와 동시에 우려되는 부분도 있었다. 작은 영화에서 류승완 특유의 색깔을 보여주었던 것과는 달리, 대형 프로젝트의 규모 탓에 자신의 색깔을 잃고 흔한 대중적 포인트에 휩쓸려 성공은 거두더라도 팬으로서 아쉬움은 남는 결과가 나올 수도 있었기 때문이다. 결론부터 이야기하자면 류승완의 '베를린'은 다양한 장르 영화의 클리셰를 발견할 수 있는 영화였지만, 그 가운데서도 분명히 류승완이 뿌리로 삼고 있는 성룡 영화와 쇼브라더스의 무협 영화와 골든하베스트의 액션 영화들, 그리고 홍콩 느와르 영화들의 정서를 고스란히 만나볼 수 있는 인상적인 작품이었다.

(논란이 되고 있는 본 시리즈나 007, 더 나아가 톰 롭 스미스의 소설 '차일드 44'에 관한 이야기는 마지막에 하도록 하겠습니다)

(가급적 피하였으나 스포일러가 있을 수 있습니다)

ⓒ 외유내강. All rights reserved

류승완 감독은 '베를린'과 관련된 여러 번의 인터뷰를 통해 그 모티브를 '스파이 영화를 만들고 싶다라는 것에서 시작했다'라고 했는데, 개인적으로 결과물에 있어서는 방향성이 조금 달라지지 않았나 싶다. '방향성이 달라졌다'는 것이 부정적인 의미라기 보다는, 류승완 감독이 인지하지 못했을 수도 있지만 본능적으로 자신이 잘하고 좋아하는 장르와 정서를 스파이 영화인 '베를린'에 무엇보다 깊게 관여하고 있다는 얘기다. 아쉬운 점부터 이야기하자면 앞선 이유 때문인지는 몰라도, 정작 가장 디테일하고 세련되게 만들어져야 할 '스파이'의 이야기가 조금은 힘을 잃은 것 같았다. 베를린이라는 멋진 로케이션과 북한 정보원과 남한 정보원, 여기에 CIA에 모사드와 아랍 단체까지 엮여 있는 구조는 스파이 영화로서 충분한 조건을 갖추고 있는데, 이들이 만드는 그 비밀스러운 일의 과정과 정보를 다루고 처리하는 정보원 특유의 스킬을 관객에게 100% 흡입시키기에는, 무언가 이미지와 정서에 기대어진 느낌을 지울 수 없었기 때문이다.

맷 데이먼의 '제이슨 본' 시리즈가 좋은 평가를 받는 이유, 더 직접적으로 이야기해서 수시로 케이블에서 재방송을 해주는데도 그 때마다 잠깐만 봐야지 했다가 몰입해서 한참을 보게 되는 이유는, 결과를 이미 알고 있으면서도 그 과정의 세밀함이 워낙 흥미로워서 자신이 알고 있는 기억마저 의심하게 될 정도의 재미와 긴장감을 선사하기 때문이다. 그런데 '베를린'에는 바로 이러한 점이 조금은 아쉬웠다. 특히 스파이 영화인 이 영화에서 가장 중요한 테마라면 바로 '배신'을 들 수 있을 텐데, 이 배신이 더 충격적이고 재미있게 받아들여지려면 그 정황이나 배경이 더 분명하게 설명되어야 했으나, 초중반의 흐름은 이와 같은 스파이 영화의 디테일한 재미를 주기엔 아쉬움이 남았다.

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이러한 디테일한 측면은 아쉬움이 남았지만, 그 탓에 정서적인 측면은 오히려 더 부각되고 깊은 인상을 주었다. 스파이 영화이 대표격인 '007'시리즈의 최근 작 '스카이폴'과 존 르 카레의 소설에서 느껴졌던 쓸쓸하고 차가운 스파이 세계를 묘사하는 데에 비교적 성공했으며, 글의 서두에 이야기했던 것처럼 류승완 특유의 액션이 강조되다 보니 자연스레 그가 평소 동경하고 있던 홍콩 영화들의 정서가 은연 중에 함포되어 있다는 것을 느낄 수 있었다. 많은 이들이 액션 스타일 등을 들어 '제이슨 본'을 연상했지만, 개인적으로는 오히려 가깝다면 '스카이폴'이 더 가깝다고 여겨졌으며 근본적으로는 오우삼의 '영웅본색'이나 '첩혈쌍웅' 같은 작품에 더 큰 정서적 빚을 지고 있다는 생각이 들었다.

자신이 직접 가르친 동생 같은 존재에게 배신 당한 것이나, 가장 멀리 있다고 느껴진 상대를 조금씩 이해하게 되는 과정이나, 하정우가 연기한 표종성이라는 캐릭터의 전반적인 분위기는 홍콩 느와르에 열광했고 류승완의 팬인 내가 보기엔 영락없이 동일한 정서가 떠오르는 부분이었다. 즉, 오우삼의 '영웅본색'과 '첩혈쌍웅'이 진정한 영웅이란 무엇인지와 대칭점에 선 두 인물의 공감대를 보여주어 깊은 인상을 남긴 것처럼, 단순히 버림 받은 스파이의 이야기를 다룬 전문적인 스파이 영화가 아닌 이를 배경과 도구로 하는 느와르적 정서가 가장 먼저 떠올랐다는 얘기다.

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'베를린'이 흥미로워지는 또 다른 지점은 바로 이 영화의 주인공이 남과 북의 인물들이라는 점이다. 사실 '베를린'은 기획 초기에 남한 캐릭터가 전혀 고려되지 않았을 정도로, 남북의 이념이 주제가 되거나 부각되는 영화는 전혀 아닌데, 전혀 의도하지 않은 곳에서 바로 이 남북이라는 설정이 특별한 감정을 불러왔다. 의도하지 않았다는 것과 예상하지 못했다는 이유는 다시 한 번 말하지만 이 영화가 전향이나 남북의 주인공들이 등장해도 전혀 이념적이지 않기 때문이었는데, 개인적으로 딱 한 마디의 대사에서 다른 스파이 영화에는 없는 특별함을 느낄 수 있었다. 영화의 클라이맥스 피를 흘리고 죽어가는 '련정희 (전지현)'를 발견한 '정신수 (한석규)'는 '같은 편이야'라는 말을 한 뒤 점점 숨을 잃어가는 련정희에게 이렇게 묻는다. '고향이 어디에요?'

개인적으로 이 한 마디는 영화가 지금까지 달려올 때까지 단 한 번도 인식하지 못했던 두 주인공의 국적을 한 번에 인식하는 순간이었으며, 더 나아가 분단된 국가라는 새삼스러운 사실 역시 떠올리게 된 의외의 순간이었다. 그러니까 영어를 범용으로 사용하는 서양의 스파이 영화에서는 찾아보기 어려운 제3의 언어를 공유하는 관계라는 점을 넘어서서, 고향을 물어볼 수 있을 정도로 많은 것들을 공유하고 있는 서로 다른 주인공이라는 점은, 적어도 대한민국을 사는 관객으로서는 이 장면에 흐르는 묘한 공기를 느낄 수 있었다.

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그리고 액션 연출에 대해 말하지 않을 수 없는데, 정두홍 무술감독과 함께 만든 기술적인 측면은 재쳐두더라도 연출 측면에서 다른 스파이, 범죄 영화와는 다른 점을 분명히 느낄 수 있었다. 후반부 표종성과 동명수 (류승범)의 한계까지 몰아 붙이는 액션 시퀀스를 보면서, 최고의 기술자들이 한계에 달했을 때만 느낄 수 있는 임팩트도 물론 느낄 수 있었지만 그 보다는 정서적으로 진이 빠지도록 만든 연출이 더 인상적이었다. 류승완 영화의 액션 클라이맥스 들은 대부분 이렇게 주인공을 더 이상 소모할 체력이 남아있지 않을 때까지 소모시켜서 관객 역시 피로함이나 고통을 느낄 수 있는 경우가 많았었는데, '베를린'의 클래이맥스 역시 바로 이 점이 테마라는 것을 느낄 수 있었다.

그리고 여기에 장철 영화에서 느꼈던 비장함이나 처절함도 엿볼 수 있었는데, 이미 숨을 거둔 련정희의 시체를 표종성이 들쳐 업고 나오는 장면만 봐도 다른 영화였다면 더 간결하게 갈대 숲 안의 장면으로 충분히 마무리할 수 있었던 장면이었으나, 류승완은 이 정서를 더 연장하여 몇 번이고 넘어지기를 반복하며 갈대 숲을 빠져나와 슬픔과 아픔에 녹초가 되어버리는 표종성을 계속 응시한다. 이런 시퀀스에서 좀 더 류승완 만의 정서를 분명히 전달 받을 수 있었다.

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마지막으로 최근 이 영화를 둘러싸고 논란이 되고 있는 표절 혹은 클리셰에 대해 이야기하고자 한다. 사실 관람하기 전 이미 '제이슨 본' 시리즈의 표절이라는 이야기를 많이 듣고 간 상태였기 때문에 걱정을 하기도 했었는데, 결론적으로 이 부분은 클리셰로 볼 수 있는 부분이라 크게 문제라고 느껴지지는 않았다. 노래에서 코드 진행이 같다는 사실 만으로 표절이라고 부를 수는 없듯이, 스파이 장르와 특히 최정예 요원이 주인공으로 등장하는 액션 영화에서 클리셰로 받아들여지는 부분이 상당 부분 많기는 했지만 이것의 유사점을 들어 표절이라고 하기에는 무리가 있다는 생각이다. 오히려 개인적으로는 '제이슨 본' 시리즈 보다는 '스카이폴'이 연상되는 경우가 더 많았다.

사실 이렇게 글을 마무리하려고 했으나 이후 논란이 된 톰 롭 스미스의 소설 '차일드 44'에 대한 내용을 읽고 나서는 쉽게 마무리할 수가 없었다. '베를린'과 유사점이 의심되는 '차일드 44'의 소설 부분 부분을 확인해본 결과 이는 단순히 클리셰로 받아들이기엔 너무 디테일한 설정과 장면의 유사점이 발견되었다. 영화가 전반적으로 인상적이었던 것은 변함이 없으나, 확인할 수 있었던 부분들의 유사점 만으로도 소설 '차일드 44'와의 논란은 타당한 것이라고 생각된다.

누구보다 류승완 감독의 팬이기에 이 부분은 좀 더 명확한 이야기가 있으면 좋을 것 같다.

1. 표절 논란으로 발전적이지 않은 추가 논쟁이 이루어지지 않기를 바래봅니다.

2. 이 작품을 통해 다시 한 번 감독님과 인터뷰해보고 싶었는데, 이제 안되려나요? ㅠ

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

범죄소년 (Juvenile Offender, 2012)

어쩌면 너와 나의 이야기

강이관 감독 연출, 이정현, 서영주 주연의 영화 '범죄소년'을 뒤늦게 보았다. 이미 주변의 호평으로 많은 기대를 갖게 했던 작품이었는데, 결론부터 이야기하자면 역시 그 기대를 저버리지 않는 작품이었다. 2011년 '파수꾼'이 있었다면 2012년에는 '범죄소년'이 있었다고 해도 좋을 정도로, 미묘한 감정이 용솟음 치는 작품이었다. 만약 지난해 극장에서 이 영화를 보았다면 나의 2012년 올해의 영화 목록이 조금은 변경되었을지도 모를 정도로 만족스러웠다. 영화는 '범죄소년'이라는 제목처럼 아주 특별한 상황에 놓인 듯한 한 소년과 엄마의 이야기를 들려주지만, 포스터 속 문구에도 있는 것처럼 '지극히 평범한' 이야기를 전하고자 한다. 그래서일까? 가정 환경 탓에 소년원을 들락날락 하는 소년 장지구(서영주)와 죽은 줄로만 알았던 엄마 장효승(이정현)의 이야기는 어쩌면 너와 나의 이야기일 수도 있다는 몰입을 할 수 있었다.

ⓒ 영화사남원. All rights reserved

이 영화는 따지고보면 아들인 지구와 엄마인 효승의 이야기라기 보다는 두 명의 '범죄소년'인 지구와 효승의 이야기를 담고 있다고 볼 수 있을 것이다. 지구와 효승은 모자 관계이기 이전에 둘 모두가 같은 현실에 놓여있거나 같은 현실을 극복해야만 하는 상황에 처해있다. 효승은 지구를 낳은 엄마이기도 하지만, 그 이전에 지금의 지구와 비슷한 청소년기를 보냈던 이른바 범죄소녀였다. 즉, 청소년기를 방황하며 보냈던 소녀가 어떤 어른이 되었을까에 대한 궁금증에서 시작된 캐릭터라는 얘기다. 강이관의 '범죄소년'이 흥미로운 점은 바로 이 지점이다. 시간 대가 다른 두 명의 범죄소년이 하나의 이야기에서 만나는 동시에, 더 나아가 모자 관계로 설정되어 있다는 점이다. 그러니까 이 영화는 앞서 이야기했던 것처럼 범죄소년과 그의 엄마에 대한 이야기로도 읽혀진다는 것인데, 처음에는 애초부터 이 두 가지 관계가 다 성립 (혹은 공감) 가능하도록 만들어졌다고 생각했었는데, 영화를 좀 더 곱씹어 보니 그렇지 않았더라도 의도와 다르게 이 두 가지가 모두 성립되는 영화가 자연스럽게 이루어졌다는 생각을 하게 되었다.

다시 말해 처음에는 두 명의 범죄소년의 이야기를 그려야겠다는 생각으로 집중했던 영화가, 둘을 모자 관계로 설정하는 것 만으로도 자연스러운 화학반응을 일으켜 다른 한 편으로는 완벽한 엄마와 아들의 이야기로 읽혀지게 (범죄소년이라는 내용을 지우더라도) 되었다는 얘기다. 이러한 생각은 두 배우, 특히 엄마인 효승 역할을 맡은 이정현의 대단한 연기를 보며 절로 들 수 밖에는 없었다.

ⓒ 영화사남원. All rights reserved

'범죄소년'이 좋았던 건 영화가 다루고 있는 조금은 특별한 이야기를 일상 그 이상으로 특별하게 포장하려 하지 않고 있다는 점이다. 어쩌면 자극적일 수 있는 청소년의 임신과 그로 인해 태어난 아이, 그리고 이런 이들이 가정으로 나아갈 수 없는 구조의 사회에 관한 이야기를, 결코 선정적이거나 혹은 너무 미화하려 하지 않는 점이 가장 인상적이었다. 그렇다보니 오히려 지구와 효승이 처한 현실을 좀 더 냉정하게 바라볼 수 있었는데, 여기서 놀랍게도 이 특별할 것만 같았던 이야기에 영화를 보는 '내'가 대입 가능한 공감대가 형성되었다.

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극 중 가난에 찌들리고 더 이상 갈 곳 없던 효승이, 얹혀살던 같이 일하는 미용실 원장에게 이제는 그만 집에서 나가달라는 이야기를 전해 들었을 때, 처음에는 사실 그 미용실 원장의 입장이 더 공감되었다. 그럴 수 밖에 없는 것이 객관적으로 보았을 때 이미 이 원장은 여러 차례 대가 없이 효승에게 돈을 빌려주었고, 거기다가 일자리와 집에 방까지 내주었기 때문에 이미 할 수 있는 최대한의 배려를 했다고 볼 수 있는 상황이었기 때문이다. 그런데 나가달라는 말을 듣고는 그 자리에서 집기를 부수고 바닥에 들어 누워 오열하는 효승의 모습에서, '왜 저래?'하는 짜증이나 '얼마나 힘들면 저럴까..'하는 동정 섞인 마음이 아니라 '나는 왜 저렇듯 더 간절하지 못했나?'하는 생각이 들었다. 효승의 방법이 옳았다라기 보다 그냥 처해진 상황을 극복하려는 방법이 결코 영리하거나 효과적이지는 못하더라도 어떻게든 긍정적으로 해결해보려는 효승의 행동에서, 다르지만 같은 상황에 놓였었던 나 자신에게 '왜 너는 더 발버둥치지 않았어?'라며 후회섞인 질문을 하게 되었다. 그 때부터 이 영화는 두 명의 범죄소년에 대한 이야기가 아니라 나를 포함한 세 명의 범죄소년에 대한 이야기가 되어버렸는지도 모르겠다.

ⓒ 영화사남원. All rights reserved

이 영화가  선택한 마지막도 그래서 더 만족스러웠다. 이들의 이야기는 다시 원점으로 돌아간 듯 하지만, 그보다는 아직 계속 진행중이라고 표현하는 것이 더 맞을 것이다. 그리고 그 속에서 발견한 영화를 본 '나'의 이야기도 함께 끝나지 않았다는 걸 새삼 알려주었기에 더 깊은 인상을 준 작품이었다.

1. 늦었지만 이렇게라도 보게 되어서 얼마나 다행인지 모르겠네요. 참 평범하면서도 깊은 울림을 주는 묘한 영화였습니다.

2. 이정현의 연기가 정말로 대단했어요. 너무 여러 장면에서 '와!' 하고 탄성이 나올 정도의 완벽함을 보여주어서 그렇게 깊게 영화 속 이야기에 공감한 상태에서도 '대단하다'는 생각이 연신 들더군요.

3. 강이관 감독의 다음 영화도 기대되네요!

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

26년

이대로는 살 수 없는 사람들이 있다

강풀의 웹툰을 원작으로 한 영화 '26년'이 드디어 세상에 나왔다. 몇 년 전에 류승범, 김아중 등이 출연하고 이해영 감독이 연출을 맡는 프로젝트가 진행되었으나 아쉽게 더 나아가지 못했고, 이번에 조근현 감독과 진구, 한혜진, 임슬옹 등이 출연하고 많은 사람들이 참여한 제작두레 덕에 '26년'이라는 제목으로 개봉할 수 있었다. 이 영화는 잘 알려졌다시피 5.18 당시 군사독재정부를 이끌었던 전두환를 살해하려는 계획을 그 유족들과 또 다른 피해자들이 실행에 옮기는 과정을 담고 있다. 사실 나는 영화 평론가도 아닐 뿐더러 그저 개인적인 영화 글을 쓰는 이로서 반드시 영화에 대해 분석하고 객관적으로 소개해야 할 의무나 필요는 없지만, 그래도 좀 더 내 감정을 통해 더 많은 사람들에게 영화를 소개하고자 하는 바가 아주 없다 고는 할 수 없을텐데, 그런 측면에서 이 영화 '26년'은 객관성을 갖기는 힘든 작품이 아니었나 싶다. 먼저 본 이들이 영화의 완성도에 대해 이야기하는 것을 적지 않게 들어왔는데, 내가 보기엔 완성도에 문제가 있다 없다 라는 개념이 아니라, 나 스스로 이에 대해 완전히 객관적으로 판단할 수 있는 준비가 되어 있지 않았던 것 같다는 얘기다. 나에게 '26년'은 그런 영화였다.

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5.18 광주는 내게 참 특별하다. 난 광주 사람도 아니고 5.18 유족도 아니며 직접적인 연관은 전혀 없다고 해도 무방한 사람이라 이런 이야기를 한다는 것 자체가 그 분들에게 죄스러운 마음이 있지만, 분명 내게 5.18 광주는 특별한 의미였고, 그렇다는 것을 이 영화를 통해 흐른 눈물을 통해 새삼 확인할 수 있었다. 지난 날을 떠올려 보면 내가 개인적으로 가장 먼저 인식하게 된, 아니 제대로 인식하기 전부터 자연스럽게 알게 되었던 첫 번째 한국사가 바로 5.18 광주가 아니었나 싶다. 부모님을 통해 자연스럽게 어린 시절부터 5.18에 대한 자료들, 사진들, 영상들을 접해왔고, 이후 중고등학교 시절에도 주변의 좋은 분들 덕택에 이 아픈 현실과 상처 받는 사람들, 그리고 아직도 사과하지 않는 이들에 대해 지속적으로 관심을 갖게 되었다.

그리고 부끄럽지만 5.18 광주에 대한 미안함을 담고 있는 공연 작품을 통해, 5.18 광주에 직접 내려가 금남로 거리 위와 5.18 묘역 앞에서 노래를 하기도 했었다. 사실 이제와 떠올려 보면 이런 의미를 갖고 있던 공연에 직접 참여해서 여러 차례 노래를 불렀음에도 그 당시에는 어려서 인지 무언가 가슴으로 느껴지는 것은 없었던 것 같다. 무언가 광주와 광주 사람들을 둘러 싼 공기를 느낄 수는 있었지만, 내 일처럼 생각될 정도의 공감대까지는 느끼지 못했었다는 걸 뒤늦게 알아차릴 수 있었다.

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최근 들어서 5.18 광주와 관련된 다큐멘터리나 몇몇 작품을 보면서도 느꼈던 바가 이번 '26년'을 보면서 비로소 정점에 이른 것이 아닌가 싶었다. 이 영화 '26년'은 1980년 5월, 참혹했던 당시를 애니메이션을 통해 보여준다. 만약 5.18 광주에 대해 잘 모르는 이들이라면 이 장면이 큰 '충격'으로 다가왔을 테지만, 그렇지 않은 나에게 이 애니메이션 시퀀스는 영화가 본격적으로 시작하기 전부터 눈물을 참을 수가 없는 장면들이었다. 애니메이션으로 표현하기는 했지만 저 애니메이션이 결코 과장된 표현이 아니라는 것을, 어린 시절부터 보아온 실제 자료들을 통해 알고 있었기에 절대 영화적으로 보이지 않고 당시의 광주와 사람들이 그대로 겹쳐졌기 때문이었다. 사실 영화적으로만 (일부러) 본다면 인물이나 내용에 공감대를 갖기 이전에 등장하는 프롤로그로서 사건을 사건으로 밖에는 볼 수 없는 장면일 수도 있겠지만, 그럼에도 이 프롤로그는 한 장면 한 장면에서 감정이입을 할 수 밖에는 없을 정도로 강렬하고 슬픈 시퀀스였다.

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(배우 장광은 한국 영화 역사상 가장 무시무시한 악당을 연기한다)

이후 배우들이 펼치는 이야기도 마찬가지였다. 영화를 보고 난 뒤 며칠이 지나 다시 떠올려보니 김갑세 (이경영)가 주도한 살해 계획은 영화적으로 치밀하기 보다는 투박하게 묘사되고 있고, 그렇기에 보통의 스릴러 영화에서 느낄 수 있는 긴장감은 덜하고 몇몇 인물은 그 행동의 당위성을 공감하기가 갸우뚱 거리는 부분이 있지만, 이건 다시 말하지만 며칠 뒤에 일부러 떠올려 보고서야 알게 된 부분이었다.

프롤로그의 애니메이션이 그랬던 것처럼 이후 전개되는 이야기가 담으려 했던 5.18 광주의 이야기, 그 자체의 슬픔이 너무 컸기에 이를 객관적으로 평가할 잣대를 애초부터 갖지 못했던 것 같다. 보통의 영화 같으면 너무 신파라서 공감하기 어렵다고 했을런지도 모르겠다. 그런데 광주의 이야기는 그럴 수가 없었다. '금남로 거리를 싸 돌아 다닌게 쪽 팔려서'라는 건달 두목의 대사에도, 묘역 앞에 놓인 민주화운동 유공자들의 영정들을 보며 '이렇게 보니 다 가족 같네'라는 대사에도, 머리보다는 가슴이 더 먼저 신호를 보냈다. 내가 그냥 영화 속 이야기에 깊이 공감한 정도얐다면 후반부 '그 사람'이 두들겨 맞을 때 통쾌함이라도 있었을 텐데, 그런 통쾌함조차 없었다. 과연 이 아픔은 어떻게 치유할 수 있을까.

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영화는 영화로 평가 받아야 한다는 것은 인정한다. 더 나은 완성도로 만들어졌어야 하는 영화라는 의견에도 동의한다. 영화가 영화가 아닌 메시지 만으로 평가 받는 것에는 문제가 있다는 것에도 동의한다. 영화는 영화다. 이 영화 '26년'이 5.18 광주를 모두 대변한다고 볼 수는 없으며, 반대로 모든 짐과 의의를 짊어져야 할 필요도 없을 것이다.

하지만 2012년 대한민국에는 아직도 이대로는 하루도 살아갈 수 없는 사람들이 있다. 그리고 전혀 반대의 의미로 하루하루를 정말 어떻게 살아가는지 이해조차 되지 않는 한 사람도 있다. 그리고 이들의 이야기에 너무도 무관심한 오늘의 대한민국이 있다. 그렇기 때문에 '26년' 영화 속 인물들이 결코 극 중 인물만이 아님을, 이대로는 살아갈 수 없는 이들이 있다는 것을 몰랐던 또 한 사람이, 그 사실을 알게 된 것 만으로도 이 영화의 가치는 충분하다고 생각한다. 우리는 모두 5.18 광주에게 빚을 지고 있는 사람들이란 말이다.

1. 프롤로그의 애니메이션은 '마당을 나온 암탉'을 연출했던 오성윤 감독이 만드셨더군요.

2. 이 영화를 비판하는 이들 가운데, '더 좋을 수 있었는데' '더 좋았어야 했다'라는 것에는 충분히 공감합니다.

3. 영화를 보고 집에 오는 길에 이승환의 '꽃'을 다시 듣게 되었는데, 이제 이 곡을 들을 때 마다 눈물을 어찌 참을 수 있을 런지 모르겠네요 ㅠㅠ

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

남영동 1985 (2012)

끝나지 않은 현실의 쓰라림

정지영 감독의 '남영동 1985'를 보았다. 그의 전작 '부러진 화살'과 마찬가지로 실화를 바탕으로 재구성한 이 작품은 지난해 안타깝게 세상을 떠난 故김근태 님의 자전적 수기인 '남영동'을 토대로 만들어졌다. 많은 이들이 이 작품을 자연스럽게 '부러진 화살'과 비교하면서 영화적 완성도와 실화가 담고 있는 메시지로 평가를 하곤 하는데, 개인적으로는 '부러진 화살'과 '남영동 1985'는 적어도 실화가 담고 있는 메시지로만 보았을 때는 비교할 수 없을 정도로 큰 차이를 갖고 있는 작품이었다. 아니, 메시지라기 보다는 다루고 있는 사건이나 상황 혹은 그 대상 자체에 대한 분노의 크기가 가늠할 수 없을 정도로 다르기 때문이었던 것 같다.

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일단 영화적으로 본 '남영동 1985'는 제법 완성도 있는 작품이었다. 정지영 감독은 남영동 대공분실에서 있었던 비인간적인 고문 현장과 시간들을 그리는 방법에 있어서, 주인공 편에서 적극적으로서 감정적으로 묘사하기 보다는 상당히 건조하고 덤덤하게 그려내고자 했다는 것을 알 수 있었다. 좀 더 정확히 이야기하자면, 대공분실에서 김종태 (박원상)를 고문하는 이들을 정치적인 이념으로 뭉친 가해자로 그리는 것이 아니라, 만약 누군가를 고문하는 일만 아니라고 하면 다른 여느 회사와 다를 바 없는 직장인의 삶으로 묘사했다는 것이다. 오죽했으면 처음 이 글의 제목으로 쓰려고 했던 것이 '80년대 직장인들의 고단한 삶'이었을까.

그냥 유머나 가벼운 설정 차원으로 이들을 '직장인'으로 묘사한 것이 아니라 작정하고 묘사한 것을 여러 번 확인할 수 있었는데, 고문하는 이들의 너무도 일상적인 대화들 (여자친구와의 애정 문제, 야구 중계에 대한 관심, 승진을 기대하는 모습들)이 영화 중반 이후까지 가득 담겨 있기 때문이다. 그러니까 김종태를 고문하는 이들은 김종태가 빨갱이라고 생각하고 그런 김종태를 고문하는 것이 진정한 애국이라고 생각해서 하는 것이 아니라, 그냥 문제가 있다고 남영동에 불려온 이를 고문해서 거짓으로 자백을 받아내는 일이 말그대로 '일'이었다는 것을 보여주고 있는 것이다. 이 묘사 방법에 대해서는 해석이 조금 다를 수 있는데, 이로 인해 결국 고문을 행한 이들도 모두다 어쩔 수 없는 시대의 피해자였다는 것으로 볼 수도 있겠으나 그렇게 단순화 해버리기에는 그들이 행한 고문의 강도가 너무도 끔찍한 것이었다는 것을, 영화는 역시 잊지 않고 있었다. 

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한 편으론 애매한 지점이고 다른 한 편으론 한 가지로만 설명할 수 없기에 택한 지점일 수도 있지만 적어도 나에게는, 영화가 말하고자 하는 두 가지의 이야기가 모두 각각의 비중으로 들려왔다. 남영동에서 김종태에게 고문을 가한 이들 (이두한을 제외하고)을 평범한 직장인들처럼 묘사한 것은 시대가 만들어낸 산물이라는 점을 이야기하고 있긴 하지만, 그들이 행한 고문을 보고 있노 라면 그럼에도 당시 남영동에서 있었던 일들을 결코 용서 받을 수 있겠는가 하는 강한 어조를 느낄 수 있었기 때문이다. 영화를 전체적으로 놓고 보았을 때 정지영 감독은 이 두 가지 사이에서 아슬아슬한 줄타기를 하고 있는 느낌인데, 그 아슬아슬한 줄타기가 불안하게 느껴지기 보다는 오히려 영화가 말하고자 하는 바를 좀 더 명확하게 해주고 있다는 느낌을 받을 수 있었다.

즉, 만약 이두한도 그렇고 대공분실의 사람들이 정치적 이념에 휩쓸려 있는 광기 어린 이들이었다면, 영화 속 김종태가 당한 고문이나 그가 갖고 있던 민주주의 의지는 그저 한낱 몇몇의 광기에 스러져버린 것이 되어버릴 수도 있는데, 영화가 택한 방식으로 인해 일차적으로는 극중 김종태가 느꼈을 법한 더 큰 공포를 체감할 수 있었고, 이차적으로는 김종태가 지키려고 했던 가치가 고문과 맞서 싸운 것이 아닌 시대와 맞서 싸운 것이라는 점을 깨닫게 해주었기 때문이다.

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더불어 이 영화를 보면서 정치적인 이야기를 완전히 지울 수는 없을텐데, 그 이유는 이 영화의 문제가 아니라 대한민국의 현실의 문제 때문일 것이다. 보는 내내 '남영동 1985'라는 영화의 제목이 무색할 정도로, 과연 김종태가 그렇게 굽히지 않았던 민주주의는 현재 실현되었는가? 저런 고문을 했던 자들의 죄는 모두 처벌 받거나 용서 받았는 가에 대한 아픔이 아직 까지도 남아있기에 결코 1985년의 과거사로만 느껴지지 않을 수 밖에는 없었다. 많은 이들이 과거사를 다시 꺼내는 것에 대해 '매번 과거사를 들추면 미래가 없다'라고들 하는데, 그건 과거사가 말끔히 청산되었을 때의 얘기다. 즉, 과거의 어떤 일들로 인해 피해를 본 이들이 정당한 보상이나 사과를 받았거나, 피해자가 스스로 가해자를 용서했거나, 그러한 일들을 저질렀던 가해자들이 그에 맞는 처우를 받았을 때나 가능한 주장이라는 얘기다.

하지만 '남영동 1985'에 얽힌 이들의 사연은 과연 그러한가? 김근태 의장은 고문 후유증으로 평생을 고생하다가 결국 세상을 떠났고, 가해자인 이근안은 스스로를 용서하는 것에 그쳤으며, 당시 서슬퍼런 시대를 만들었던 장본인들은 아직도 권력과 세력을 갖고 대한민국을 지배하고 있지 않은가. 수 많은 피해자들은 평생을 죄인으로 몰려 몸과 마음이 상해 죽거나 고생했고, 소수는 무죄를 인정받기도 했지만 그러면 그 세월은 누가 보상할 것이며, 더더군다나 아직도 무죄를 인정받지 못해 억울하게 죽어간 피해자들은 누가 위로한단 말인가. 위로는커녕 적어도 가해자들은 그에 상응하는 죄값을 치뤄야만 이 사회가 상식적인 사회라고 할 수 있는 것이 아니냐는 말이다.

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그렇기 때문에 정지영 감독의 '남영동 1985'는, '그래, 85년도 군사독재시절엔 저런 아픈 과거가 있었구나...'하며 눈물을 훔치게 되는 영화가 아니라, '저런 일들이 다 밝혀졌음에도 왜 아직 현실은 그대로 인거지?'하며 더 큰 쓰라림을 겪게 되는 작품이었다.

1. 이러다 박원상씨는 민주화 전문 배우가 되는 건지 모르겠네요 (그 즉슨, 그에 따른 피해가 있을지 모르겠다는 얘기죠;;;)

2. 극 중 김종태가 환상으로 자신을 보는 장면(니가 할 수 있는 건 없어, 그냥 포기해, 괜찮아 라는 식으로 얘기하는 부분)이 가장 안쓰럽더군요. 어쩌면 영화가 그에게 할 수 있는 유일한 위로였는지도 모르겠네요.

3. 사실 보통 같으면 대공분실에서 여러 명이 김종태를 고문하는 장면의 화면 구도나 캐릭터들의 위치 설정이 영화적으로 좋았다고 말했을 텐데, 차마 그렇게 말하기가 어렵네요 ㅠ

4. 엔딩 크래딧이 다 끝나고 극장을 나오는데 관객들이 다들 숨죽이며 나온 영화는 참 오랜만이었네요 (물론 몇몇 분은 욕을 하시기도 했지만);;

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

늑대소년 (2012)

손발이 멀쩡하고 눈물마저 흘린 노스텔지어

평소 손발이 오그라드는 영화도 남들보다 잘 보는 편이고 쉽게 공감되는 편이라 손발이 오그라드는 경우도 별로 없는 편인데, 박보영, 송중기 주연의 영화 '늑대소년'이 개봉하자마자 터져나온 반응들은 바로 이 '손발'과 관련된 것들이었다. 포스터와 시놉시스를 보고는 아마도 '트와일라잇'과 비슷한 영화가 아닐까 예상했었는데, 다행히 보게 된 영화는 손발이 없어지거나 '트와일라잇'과는 좀 다른 영화였다. '세상에 없던 사랑'이라는 홍보 문구 등 처럼 로맨스 영화로 이 영화를 바라볼 수도 있겠지만, 개인적으로 이 영화는 순이(박보영)와  철수(송중기)의 로맨스라기 보다는 오히려 철수로 기억되는 유년 시절과 현재까지도 다 채워지지 않은 결핍을 향한 일종의 향수 (노스텔지어)로서 받아들여지는 영화였다.

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설정 상 늑대소년이라는 특이한 점이 있지만 이 영화가 기본적으로 가지고 있는 이야기는 박보영이 연기한 '순이'라는 캐릭터의 향수어린 추억과 그 속에서 결핍을 치유하고 성장해가는 과정이라고 할 수 있겠다. 이 영화에 대부분이 비교적 만족스러웠기에 아쉬운 점부터 먼저 이야기하자면, 앞서 이야기한 바와 같이 '늑대소년'이라는 설정은 이 영화가 말하고자하는 핵심은 아니었기에 이 설정에 기인한 곁가지 이야기들과 추가 설정들은 조금 과하게 느껴지기도 했다. 순이 가족을 끊임없이 괴롭히는 지태의 경우, 이 영화에서 가장 비현실적인 캐릭터가 아닐까 싶은데 (개인적으로 늑대소년이라는 설정보다도 지태의 캐릭터가 더 판타지스러웠음), 저렇게까지 악당으로 몰아가야 했을까 하는 아쉬움이 있었다. 그렇다보니 지태의 행동을 둘러싼 일들도 전체적인 이 영화의 구성에서는 조금씩 오버되는 경향이 있었고, 늑대소년을 둘러싼 과학자와 군대의 이야기도 양념치고는 어정쩡한 포지션이 아니었나 싶다.

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그 반면 순이와 철수가 중심이 되는 이야기에서 개인적으로 이들 외에 가장 인상적으로 느껴졌던 것은 장영남이 연기한 순이 엄마로 대변되는 그 가족이었는데, 어쩌면 이 역시도 판타지스럽다고 볼 수 있겠으나 (현실적으로 극중 늑대소년 같은 존재를 발견했다고 했을 때 순이엄마와 순이 동생처럼 아무런 거리낌 없이 밥과 음식과 잠자리를 챙겨주고 더불어 친가족처럼 대해주는 이가 얼마나 있겠나) 순이 가족들이 철수를 대하는 방식은 그 자체로 순이의 추억 속에 노스텔지어로 남아있는 조각이 아닐까 싶은 생각이 들었다. 순이가 철수를 받아들이게 되는 과정도 물론 절절했지만, 개인적으로는 그 못지 않게 순이 가족이 철수를 거리낌 없이 가족 안으로 완전히 포용하는 장면들에서 큰 감동을 얻을 수 있었다. 잘못을 했다고 마치 엄마가 아들에게만 할 수 있는 애정어린 손찌검을 할 때 (아이구~ 이녀석 하며) 정말 야생성으로 가득 찬 늑대소년이라면 엄마를 바로 해하는게 더 현실적이겠지만, 마치 엄마의 마음을 알 듯 자연스럽게 받아들이는 철수의 모습은 이 영화가 갖고 있는 판타지이자 매력이라 하겠다.

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글의 맨 처음 이야기했던 것처럼 순이와 철수의 관계와 애정은 남녀간의 로맨스라기 보다는 존재와 존재 간의 사랑이라고 보는 편이 더 맞을 텐데, 더 나아가자면 마치 반려동물과 주인과의 애틋한 관계를 형상화한 듯한 느낌도 받을 수 있었다. 반려동물과 주인과의 관계라는 것은 결코 이 둘의 관계를 격하시키는 표현이 아니라고 말할 수 있겠는데, 반려동물을 키워본 이들이라면 누구라도 공감할 수 있겠지만, 반려동물과 주인과의 관계는 남녀간의 로맨스와는 또 다른 차원의 강한 연결고리를 갖고 있으며, 주인이 반려동물에게 쏟는 애정이나 그 반대의 경우 모두 어쩌면 남녀간의 로맨스보다도 더 '맹목적'일 수 있다는 점에서 (서로에게 서로 밖에는 없다는 사실은 엄청나게 강한 연결고리를 제공한다), 순이와 철수의 이러한 관계 설정은 이루 다 말로 설명하지 않아도 표정과 작은 표현 만으로도 극 내내 관객을 공감하게 하는 가장 큰 요인이 아니었을까 싶다. 그래서 순이를 맹목적으로 기다리는 철수나, 그런 철수에게 '보고 싶었어'보다는 '미안해'가 앞서는 순이의 마음이 더 절절하게 느껴졌던 것이다.

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그런 측면에 있어서 순이 역의 박보영과 철수 역의 송중기라는 캐스팅은 정말 올해 한국영화 최고의 캐스팅이 아니었나 싶을 정도로 꼭 맞는 맞춤옷이었다. 두 배우의 꽃 미모는 영화가 말로 하지 않는 부분을 표현해주는 최적의 도구였으며, 이 영화가 전반적으로 품고 있는 아름다운 노스텔지어의 이미지를 보여주는 최고의 그림이기도 했다. 사실 '늑대소년'의 몇 몇 장면들은 과도한 판타지적 조명이나 이미지 등으로 인해 극의 분위기를 쉽게 말해 손발이 오그라드는 것으로 전락시켜버릴 수 있는 요소가 없지 않았으나, 그런 장면들 마저도 손발이 멀쩡하도록 만든 가장 큰 이유는 바로 배우들의 얼굴 그 자체였다. 그리고 여기에 더해 개인적으로는 박보영의 연기를 다시보는 계기도 되었다. 사실 이미지로만 기억하고 있는 박보영이었는데, 후반부 클래이맥스에서 박보영의 오열에 함께 눈물 흘리게 된 것은 그녀의 이미지 때문이 아니라 연기력 때문이었다 (그 장면에서 나도 모르게 속으로 '연기 잘한다'라는 말이 터져나오기도...).

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결과적으로 '늑대소년'은 올해의 발견까지는 아니었으나 박보영, 송중기라는 두 배우가 가진 기존 이미지를 거부감 없이 가장 영리하게 영화적으로 승화시킨 작품이라고는 할 수 있을 것이다. 그런 측면에서 이 영화 손발이 오그라든다는 말에 속아 안보았으면 크게 후회할 뻔 했다.

1. 영화 초반의 설정과 맨 마지막 장면을 보면서 자연스럽게 제목도 비슷한 '늑대아이'를 떠올리게 되더군요. 가족이 시골로 이사간 것도 그렇고, 장영남씨가 연기한 순이 엄마의 이미지도 그렇구요. 무언가 여기서 혼자 또 울컥 ㅠ

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)