the Real Folk Blues

심플 라이프 (桃姐 A Simple Life, 2011)

단순하지만 쉽지 않은 삶 그리고 가족

이미 참 좋은 영화로 여러 차례 소개되고 평가 받았던 허안화 감독의 '심플 라이프'를 뒤 늦게 보게 되었다. 그저 좋은 영화라는 소개와 유덕화와 엽덕한이 서로를 마주보며 웃고 있는 저 포스터 한 장에 이끌려 보게 된 작품이었는데, 내 이 영화를 모두 다 이해하기에는 아직 삶의 깊이가 많이 부족한 것 같다는 걸 절감했지만, 그럼에도 왜 좋은 영화인지는 어렵지 않게 느낄 수 있었다. 사실 영화를 다 보고 나서 글로 쓸 수 있을 것 같지 않았다. 왜냐하면 이 영화는 그냥 바라만 보고 있으면 영화가 말하고자 하는 바를 더 쉽게 알 수 있는 작품이기 때문이었다. '심플 라이프'라는 제목처럼, 단순한 삶 혹은 삶의 단순함 그리고 단순해 보이는 삶의 깊이에 대해 어렵지만 분석하고 싶기 보다는 보이는 대로 느끼고 싶은 그런 영화였다.

ⓒ  (주)미로비젼. All rights reserved

한 참을 고민해 봤는데 결국 이 영화를 글로 설명하기엔 턱 없이 부족한 삶의 깊이에 말로 표현할 바를 찾지 못했다. 배우의 농익은 연기, 겉으로 보여지는 가족에 대한 이야기와 그 뒤에 숨어 있는 젊은 세대와 어른 세대 간의 갈등 혹은 조화, 그리고 홍콩이라는 사회의 관한 이야기까지. 그 어느 것 하나 자극적이지 않았는데도 배우들의 표정 하나 하나가 가슴을 치는 영화였다. 아마도 아무렇지 않은 듯 무심하게 끝나버리는 마지막 장면 때문에 더 여운이 깊어지는 듯 하다. 아, 그리고 주성철 기자의 책에서 얘기했던 것처럼 로저를 연기한 유덕화의 연기도 물론 좋았지만, 장국영이 연기했다면 어땠을까 하는 그리움도...

ⓒ  (주)미로비젼. All rights reserved

1. 나중에 지긋한 노인이 되거나 지금보다 더 어른이 된 다음에 다시 보면 좀 더 많은 것을 떠올리게 되는 작품이 되지 않을까 싶네요.

2. 글로 표현하지는 못했지만, 이 영화에서 가장 매력적인 부분은 로저와 아타오의 묘한 관계 묘사였어요. 무작정 가족같이 가깝기만 한 사이가 아니라, 가끔씩 남과 같은 생경함도 느껴지는 그 오묘한 긴장감과 따듯함의 사이.

3. 이 영화는 실제 홍콩 영화계의 제작자로 유명한 로저 리의 실화를 바탕으로 한 작품이기도 합니다. 이 이야기가 실화라는 것도 정말 놀라운 일이네요.

실제 로저 리와 아타오의 모습

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

분노의 질주 : 더 맥시멈 (Fast & Furious 6, 2013)

아날로그 박력 넘치는 액션 영화!

빈 디젤과 폴 워커 그리고 그들의 가족(?)들로 이뤄진 출연진으로 시리즈를 거듭해오고 있는 '분노의 질주 (Fast & Furious)' 시리즈가 벌써 여섯 번째를 맞았다. 처음에 흥미를 가졌던 시리즈는 작품이 계속되면서 조금씩 흥미를 잃게 되었는데, 그렇게 중간 몇 작품을 빼 먹었음에도 신작인 6편은 꼭 봐야지 하는 기대를 했었다. 그 기대는 거의 100% 예고편 때문이었는데 아이맥스 대 화면으로 본 박진감 넘치는 예고편은, 설사 예고편이 전부인 영화라 하더라도 이건 볼 만하겠다라는 생각에 주저 없이 아이맥스를 선택했고, 그 선택은 옳았다. '분노의 질주' 시리즈는, 아니 이번 여섯 번째 작품은 시원한 액션 영화를 기다렸던 관객들에게 지루할 틈 없이 스케일 있는 액션을 선보이는 깔끔한 작품이었다.

ⓒ Universal Pictures. All rights reserved

앞서 이야기했던 것처럼 이 작품과 이어지다시피 하는 전작들을 몇 편 보지 않은 상태라 조금 걱정이 되기도 했는데, 이번 작품에서 대략적으로 설명해주는 것 만으로 스토리를 따라가는 것에는 큰 무리가 없었다. 물론 시리즈를 한 편도 빼놓지 않고 함께 해 온 관객들만이 느낄 수 있는 장점과 매력 들도 분명 있겠지만, 나처럼 듬성듬성 본 이들이나 처음 보는 이들도 크게 따라가기 어렵지 않은 작품이었다는 얘기다. 어쩌면 이것도 이 작품의 또 다른 매력일지 모르겠다. 스토리라면 스토리가 있겠지만 (오히려 6편 단독으로 보았을 때의 줄거리는 전형적이고 단순한 편이나 시리즈를 관통하는 줄거리는 좀 더 있는 편이다), 복잡하고 심오하기보다는 바로 액션으로 이야기하는 것을 택한다. 이미 캐릭터 소개가 예전에 다 끝난 작품이기에 바로바로 본격적인 장면을 내세울 수 있는 것도 장점이었다. 만화 같은 조합과 장면에도 그 '박진감'과 '무게감'이 있기에 적어도 유치하다는 생각을 머리로는 해도 눈과 가슴으로는 흥분되게 하는 그런 액션 들을 보여주었다.

ⓒ Universal Pictures. All rights reserved

이 시리즈 만의 장점이라면 역시 멋진 자동차와 추격 전 그리고 심장을 두근거리게 만드는 배기음을 들 수 있을 텐데, 업그레이드 된 액션 시퀀스는 예고편에서 보여주었다시피 탱크와 거대한 비행기를 등장 시키기에 이르렀고, 그 스케일은 이 작품의 액션에 날개를 달아주었다. 탱크가 등장한 장면이나 비행기가 등장한 장면이 생각보다는 더 큰 임팩트를 주지 못한 것도 있지만, 반대로 이야기하자면 그 만큼이나 본연의 자동차 액션에 더 자신이 있고 비중을 두었다는 반증일 수도 있겠다.

그리고 개인적으로 이번 액션이 마음에 들었던 건 최근 본 시리즈 이후 획일화 된 기술이 중심이 된 결투 액션에서 벗어나, 그야말로 몸과 근육으로 하는 액션 시퀀스를 보여준 점이었다. 빈 디젤은 물론 WWE 슈퍼스타 출신의 '더 락' 드웨인 존슨이 함께 펼치는 클라이맥스의 액션 신은, 오랜 만에 액션 장면을 보면서 소리 내어 '와!'하는 탄성을 내뱉을 정도로 박력있는 장면이었다. 그 울퉁불퉁 우락부락한 근육들을 최대한 활용하는 거대한 액션 들은 기술이 중심이 된 디테일 한 액션 들과는 전혀 다른 느낌의 무게 감과 박력, 그리고 무엇보다 오랜 만이라는 신선함까지 전해주었다.

ⓒ Universal Pictures. All rights reserved

결론적으로 이 박력 넘치는 시리즈의 여섯 번째 작품으로 인해, 그 동안 빼 먹었던 전작들을 모두 다 다시금 챙겨보게 만들고 더 나아가 이제는 속편을 기다릴 정도로 좋아하는 시리즈가 되었다. 거기다가 다음 편에 더 막강한 '그'가 적으로 등장할 예정이니 이건 뭐 더 기대할 수 밖에...

1. 본 편이 끝나고 바로 이어지는 쿠키 장면에 바로 속편에 등장할 '그'의 모습을 확인할 수 있습니다. 이 분도 자동차 액션 하면 빠지지 않는 분이라 더 기대!

2. 예전에 얘기한 적이 있지만 전 폴 워커의 팬입니다. 그가 이 시리즈 외에 다른 작품들에서는 빛을 못 보고 있어서 안타까워 하는 사람이죠. 오랜 만에 그를 스크린에서 보게 되어 반가웠어요;;

3. 속편을 보기 전에 전작들을 다시 챙겨봐야겠어요. 바로 블루레이 박스셋을 찾아 잠복중!

ⓒ Universal Pictures. All rights reserved

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

비포 미드나잇 (Before Midnight, 2013)

세월의 무상함 보다는 성숙함

리처드 링클레이터와 에단 호크, 줄리 델피의 '비포 선라이즈' '비포 선셋' 시리즈는 다른 시리즈들과는 조금 다른 느낌의 작품이었다. 두 작품 사이에 10년 가까운 텀이 있었기 때문인데, 그 시간을 고스란히 영화 속 인물들에게도 적용한 것이 더 큰 이유였다. '비포 선셋' 이후 다시 9년. 이들은 '비포 미드나잇'이라는 제목으로 다시 찾아왔다. 제시 (에단 호크)와 셀린느 (줄리 델피)는 어느 덧 41살이 되었고, 관객 역시 이들과 고스란히 20년 가까운 세월을 함께 해 버렸다. 그리고 '비포 미드나잇'은 전혀 의외의 시점과 상황에서 이야기를 시작한다.

ⓒ  Sony Pictures Classics. All rights reserved

당연히(?) 이번에도 우연한 만남으로 시작할 것만 같았던 영화는, 서로 결혼은 하지 않았지만 자녀를 두고 함께 살아가고 있는 제시와 셀린느의 이야기로 시작한다. 그리스 휴양지로 휴가를 떠나온 제시와 셀린느의 가족은 여느 부부가 그렇듯 아이들에 대한 이런 저런 이야기를 나누고, 여행지에서 만난 이들과 삶과 사랑에 대해 자유로운 대화를 하고 그리고는 정말로 오랜만에, 하지만 관객들로서는 가장 기다렸을 두 사람 만의 저녁 시간을 갖게 된다.

전작들이 그러하였듯이 '비포 미드나잇'도 이렇다 할 줄거리라고 할 것이 거의 없다. 리처드 링클레이터는 또 한 번 이 두 캐릭터를 두고 끊임없는 대화의 대화를 이어간다. 거의 러닝 타임의 전부가 대화로만 이루어졌다고 해도 과언이 아닐텐데, 결코 수다스럽다는 느낌은 들지 않는다. 아마도 그 대화의 전개 양상이나 이야기 거리가 우리도 삶에서 자주 겪게 되는 것들이기 때문인지도 모르겠다.

ⓒ  Sony Pictures Classics. All rights reserved

처음에는 그냥 휴양지로서 그리스라는 곳을 택한 것 정도가 아닐까 했는데, 제시와 셀린느가 나누는 대화를 쭉 듣고 있노라니 왜 그리스를 선택했는지 조금은 알 것 같았다. '비포 미드나잇'은 사랑의 근원에 대해 다시 말하고자 하는 것 같았다. 단순히 오랜 시간 사랑해왔던 둘 이 처음의 그 느낌에 대해 이야기해보는 정도가 아니라, 정말로 사랑이라는 것의 근원 혹은 그 정의에 대해 한 번 더 이야기하고자 하는 듯 했다. 한참을 육아를 위해 인생을 보내다가 오랜 만에 서로를 위한 시간을 갖게 된 제시와 셀린느는 자신들이 처음 사랑에 빠졌을 때부터 지금 사랑해 오기 까지의 감정들에 대해 이야기할 수 있는 시간을 갖게 된다. 그리고 여느 연인들이 다툴 때 처럼 아슬아슬하게 서로의 감정을 비껴 가던 날 선 대화들은, 결국 건드리지 말아야 할 것에 까지 닿게 되고 서로의 사랑에 대해 다시 생각해 보게 만드는 것까지 이르게 된다.

이 평범하다면 평범할 수 있는 연인들 간의 대화가 1차적으로 특별했던 이유는, 역설적으로 굉장히 디테일 한 삶의 묘사 때문이었다. 즉, 평범하고 보편적인 다툼의 요소들로 인해 오히려 한참을 이야기하는 데도 집중해서 그 둘의 감정에 공감할 수 있었다는 얘기다. 둘째는 이 작품만이 갖는 특수성 때문일 것이다. 그렇게 영화처럼 아름다운 만남과 사랑을 나누었던 이들을 보았었고 또 이들과 똑같은 세월을 함께 한 관객들은 자신들과 마찬가지로 나이를 먹은 이들의 대화에 빠질 수 밖에는 없었을 것이다. 그리고 아주 개인적인 이유로 너무 나도 나와 여자친구 사이의 관계를 문득 문득 떠올려 보게 만들고, 앞으로를 내다보게 만들어 더 깊이 와 닿는 대화들이었다.

ⓒ  Sony Pictures Classics. All rights reserved

한참을 다투고 나서 해변가 카페에 앉아 나누는 이 둘의 대화는 울컥하기까지 했다. 왜 인지 정확히는 모르겠다. 결국 어쩔 수 없다는 것 때문 이라기 보단, 오히려 그래도 아름다운 사랑 때문이라는 편이 더 맞을 것이다. 어찌 보면 남녀가 지내다 다투고 화해하고 하는 것이 전부인 시놉시스인데, 그 시놉시스가 얼마나 정교하게 실제 남녀 사이에 근거해서 만들어 졌던 지 나 외에도 수 많은 전 세계의 관객들이 '이건 내 얘기야' 하고 보게 될 듯 하다. 혹은 그렇지 않더라도 어떤 커플의 미래의 이야기이거나 과거의 이야기 임은 분명할 것이다.

세월의 무상 함이 느껴지기도 했지만 그래도 그 보다는 성숙함, 부정하고 싶지 않은 성숙함을 담아낸 멋진 어느 한 밤이었다.

ⓒ  Sony Pictures Classics. All rights reserved

1. 이 마지막 장면의 대화를 잊지 못할 것 같네요. 오래 연애를 했다 거나 오래 결혼 생활을 한 이들이라면 무언가 느껴질 수 밖에는 없는 장면이 될 거에요.

2. 어디선가 이 작품이 마지막 편이 될 것이라는 얘길 들었는데, 사실이라면 정말 안타까울 것 같아요. 제시와 셀린느가 더 나이를 먹고 등장하는 '비포 던'을 기다리고 있었는데 말이죠 ㅠ 2020년 쯤 나올 거라고 기대해 봅니다.

3. 줄리 델피의 깜짝 노출에 여러가지 생각이 들더군요. 아마도 리처드 링클레이터는 의도를 갖고 상당히 오랜 시간 동안 이 장면을 가져갔다는 생각 도요. 

4. 영화 음악도 참 좋았습니다. 국내 발매된 '비포 미드나잇' 사운드트랙에 해설지를 제가 쓰기도 했는데, 영화 만큼이나 잔잔하면서도 편안해 지는 음악들이 담겨 있어요.

5. 홍주희 씨가 번역을 맡았는데 아슬아슬한 부분이 없지 않습니다. 역시 요새 유행하는 단어들이 많이 나오긴 해요. 거슬릴 정도는 아니었는데 번역이 누구인지 인지할 정도이긴 했습니다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

2013.03.23 ~ 25 TOKYO

#2 벚꽃 흩날리는 풍경

둘 째날은 비교적 많은 스케쥴을 잡지 않고 여유있게 보내려고 했다 (물론 이후에 갑자기 스케쥴을 찾아서 잡는 바람에 역시나 바쁜 하루가 되었지만). 원래 호텔 조식은 근처에서 먹을 수 있는 식사에 비해 가성비가 떨어지는 편이라 잘 안먹는 편인데, 이번엔 꼭 한 번 먹어보고 싶어서 일부러 조식까지 구매.

호텔 로비 조그만 공간에 마련된 조식 뷔페였는데, 보는 것과 같이 빵 조금이랑 소세지, 달걀 등으로 이루어진 조촐한 구성이었다. 일단 삶은 계란이 너무 맛있었다. 살짝 반숙이었는데 노른자의 익힌 정도가 정말 가장 아름다운 정도라 이 것만으로도 만족할 만한 맛이었다. 식빵도 너무 맛있었고, 구운 오니기리는 살짝 취향을 타는 듯. 딱 내가 원하던 그 정도의 조식!

복잡한 도쿄의 지하철 노선도. 정말 일본 사람들도 해매는 사람들이 적지 않을 정도로 다 다른 노선, 특히 갈아탈 땐 티켓 구입에 어려움을 겪기 쉬움.

토요일 아침 도쿄 지하철의 풍경들.

'늑대아이'에 나오는 다른 장소를 찾기 위해 도착한 기치조지 역. 기치조지는 도쿄 내에서도 내가 가장 좋아하는 곳이기도 한데, 이렇게 오랜 만에 다시 오니 너무 좋았다.

도쿄는 이미 벚꽃이 만발. 아... 벚꽃 시즌이라고 나름 성수기 비용을 받기는 했지만 그래도 이 때를 맞춰 오길 잘했다는 생각이 절로 드는 풍경이었다. 여길봐도 벚꽃, 저길봐도 벚꽃. 일본 특유의 깔끔한 도시 풍경과 어울려 더 아름다운 벚꽃 풍경이었다.

이번엔 지브리에 가지는 않고, 바로 이노카시라 공원으로~

봄에 다시 찾은 이노카시라 공원은 정말 벚꽃과 봄의 풍성함으로 화려한 풍경이었다. 또 다른 이색 풍경이라면 좋은 날을 맞아 이 동네 강아지들이 전부 공원을 찾았다는 것. 사람들과 강아지들로 북적이는 이노카시라 공원이었다.

몇 년 전 찾았던 가게를 다시 찾아서 이번엔 팔찌 두 개 구입! 참 마음에 드는 색 조합!

'늑대아이'에 나았던 몇몇 장소를 방문. 이번엔 어제 다녀왔던 코스들 보다는 비교적 쉽게 찾을 수 있었음. 동네 자체가 한적한 분위기라 여유있게 거닐기에 좋았음.

한참을 고픈 배를 움켜쥐고 이 날 점심은 규동 집에 가서 가능한 고기가 많은 메뉴로 ㅎㅎㅎ 하지만 역시나 사람은 먹던 음식을 먹어야.. 항상 먹던 규동이 훨씬 더 맛있었다~

이렇게 식사를 마치고 오후엔 갑자기 잡은 스케쥴로 언제가 한 번은 가보고 싶었던 도쿄 애니메이션 페어가 열리는 오다이바로!

3탄에 계속!

글 / 사진 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

위대한 개츠비 (The Great Gatsby, 2013)

화려함이 독이 된 바즈 루어만의 또 다른 물랑루즈

바즈 루어만을 특별히 좋아하는 것은 아니지만 어쨋든 그의 필모그래피를 빼놓지 않고 봐왔었고, 무엇보다 레오나르도 디카프리오와 캐리 멀리건이 출연한다는 점에서 이 작품 '위대한 개츠비'는 원작을 제쳐두더라도 관심이 가는 작품이었다. 결론부터 이야기하자면 바즈 루어만은 이 이야기를 자신의 방식과 스타일대로 연출했는데, 그 스타일이 이 이야기와는 잘 맞지 않는 듯 했다. 바즈 루어만은 이 고전을 21세기에 새롭게 펼쳐 놓으면서 무언가 다른 볼거리와 화려함으로 업그레이드 하려 했지만, 결국 이 시도는 장점보다는 단점으로 적용되는 결과를 낳았다.

ⓒ  Village Roadshow Pictures. All rights reserved

원작을 읽지 않은 입장에서 보자면 극 중 개츠비의 심리는 물론 그 외의 인물들의 심리를 100% 이해하기에 영화의 내러티브는 상당히 부족한 편이었다. 물론 말미에 개츠비의 심리에 대해 좀 더 자세하게 설명을 해주기도 하고, 개츠비에 대해서는 어느 정도 수긍할 수 있는 부분들이 있었지만, 나머지 인물들은 거의 낭비되고 있는 느낌이었다. 다시 말하자면 바즈 루어만은 개츠비를 중심으로 데이지와의 로맨스를 그리는 것은 물론, 닉 캐러웨이를 화자로 하여 전반적인 구조를 설명하고 더 나아가 그 시대가 담고 있던 깊은 경고와 반성의 메시지까지 녹여내려고 했던 것 같은데, 그러기에는 너무 집중력이 분산 되어 있었고 무엇보다 화려함이 너무 과했다. 화려함이 무조건 나쁜 것이 아니라 (화려함은 바즈 루어만의 가장 큰 장점이 아니던가) 이 화려함의 활용을 통해 오히려 메시지의 깊이를 더 견고하게 할 수도 있었는데, 그저 화려한 눈 요기로만 남은 것이 안타까운 점이었다. 3D 버전은 보지 않았지만, 아마 3D로 보았다면 그 안타까움은 더 커졌으리라.

ⓒ  Village Roadshow Pictures. All rights reserved

앞서 이야기했던 것처럼 총 천연 색의 활용과 볼거리 가득한 화려함은 분명 바즈 루어만의 장기다. 바즈 루어만은 '위대한 개츠비'를 마치 '물랑루즈'처럼 찍었는데, '물랑루즈'의 경우 딱 맞는 옷이었지만 '위대한 개츠비'는 그 옷만 보이는 경우였다. 즉, 극 중 개츠비가 화려한 대규모의 파티를 매주 여는 것을 두고 세간에서 보는 일반적인 시선과 개츠비의 숨은 의도가 있는 것처럼 이 화려함의 정당성을 이끌어 냈어야 했는데, 영화의 화려함은 그저 공허함 만을 남겼다. 특히 음악의 활용도 실패였다고 생각하는데, 이 역시 '물랑루즈'와 마찬가지로 기존 곡들을 다시 활용하는 방식을 사용했으나 그 원곡이 무엇인지 알아채는 기쁨 외에는 아무런 감흥이 없을 정도로 어울리지 않는 음악이었다. 제이 지는 개인적으로 참 좋아하는 뮤지션인데, 어쨋든 '위대한 개츠비'와는 어울리지 않는 조합이었다 (그가 제작자로 참여하고 있는 점도 한 몫 했으려나;;). 

ⓒ  Village Roadshow Pictures. All rights reserved

아쉬운 점만 쭉 늘어놓았으나 만족스러운 점도 있었는데, 바로 레오나르도 디카프리오와 바즈 루어만의 재회랄까. 바즈 루어만은 마치 예전 '로미오와 줄리엣' 출연했던 그 아름답고 풋풋한 미소년을 그리듯, '위대한 개츠비' 속 레오를 그려내고 있었다. 약간 CG가 더해진 듯 했지만 (레오 뿐만 아니라 배경에 CG가 워낙 강하다 보니 등장하는 인물들에게서도 CG 느낌이 강하게 난다) 미모로 관객을 사로잡는 레오의 매력을 또 한 번 만나볼 수 있다는 점이 그의 팬으로서 반가웠다. 그와는 정반대로 캐리 멀리건은 정말 매력적인 배우인데 그 매력이 거의 하나도 발견되지 않는 다는 점에서 그녀 필모에서는 좋지 않은 작품으로 기억될 것 같다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

지저스 크라이스트 수퍼스타 (Jesus Christ Super Star)

오리지널 부럽지 않은 국내 캐스트로 다시 만나다

록 뮤지컬 '지저스 크라이스트 수퍼스타'를 처음 봤던 건 아주 오래 전인데, 어렸을 때 아마도 동숭아트센터에서 조하문 씨가 예수 역할로 나왔던 공연이었는데, 그 이후 사실상 거의 잊고 지냈던 작품을 최근 국내 캐스트로 다시 공연 한다는 소식에 관심을 갖게 되었고 좋은 기회에 샤롯데 씨어터에서 열리는 공연을 관람할 수 있었다.

뮤지컬과 뮤지컬 영화를 워낙 좋아해서 요즘에도 영화는 계속 관심을 갖고 보고 있지만, 무대 뮤지컬은 언제 부턴가 조금 멀어지게 되었는데 (뭐 금전적인 이유겠지만 ㅠ), 그래도 돌이켜보니 유명한 작품들은 여럿 보았던 것 같다. '캣츠'는 어렸을 때 윤복희 씨가 메모리를 부르는 국내 캐스트로도 봤고 21세기 들어 호주 캐스트가 내한했던 공연을 봤던 기억이 있다. 그 밖에도 '노틀담의 꼽추'도 오리지널 캐스트로 보았고, '그리스'는 국내 캐스트로 보았고. 최근 영화 '레 미제라블'을 통해 다시 한 번 무대 뮤지컬에 관심을 갖게 되었는데, 그 첫 번째 눈에 들어온 작품이 바로 이 작품 '지저스 크라이스트 수퍼스타'였다.

잠실에 위치한 샤롯데 씨어터는 이번에 처음 가보았는데, 큰 규모는 아니었지만 오히려 그래서 배우들의 호흡을 더 가까이에서 느낄 수 있었던 것 같고, 뮤지컬에 특화 된 전문 공연장으로서 더 전문성이 강조된 공연장인 듯 했다. 

로비에서 광고 중인 국내 캐스트들. 내가 보러 간 5월 10일에는 마이클리 (지저스 역), 한지상 (유다 역), 정선아 (마리아 역), 지현준 (빌라도 역), 김동현 (헤롯 역)의 라인업이었다. 나중에 다시 얘기하겠지만 처음엔 더 익숙한 윤도현의 유다나 혹은 조권의 헤롯이었으면 어땠을까 했는데, 이를 보지 않아서 확정적으로 말할 순 없지만 그럼에도 충분히 만족할 정도로 이 라인업의 앙상블은 환상적이었다.

1층 로비의 이모저모. 한 편에는 팜플렛 및 기념품을 파는 샵이 별도로 운영되고 있었는데, 모든 공연장이 그렇지만 공연 시작 전에는 한산하다가 끝나고 난 뒤에는 북적이니, 만약 구매 계획이 있는 이들이라면 미리 공연 전에 구매하길. 

그렇게 보게 된 '지저스 크라이스트 수퍼스타'는, 결론부터 이야기하자면 대단히 인상적이었다. 사실 내 기억 속에 이 작품은 다른 뮤지컬에 비해 상대적으로 조금은 덜 인상적인 작품이었는데, 웬걸. 냉담 중인 신앙심이 다시금 스멀스멀 피어오를 정도로 이야기 전달에도 힘이 있었고, 배우들의 가창력과 연기 역시 대단한 수준이었다. 사실 이 작품의 줄거리는 예수가 죽음을 맞기 전 7일 간의 이야기로, 너무나 유명한 이야기이기 때문에 새롭게 몰입하기가 쉽지 않은 작품인데 그런 점을 감안했을 때, 완전히 몰입해서 예수의 일생에 대해 새삼 다시 생각해 보게 되는 것은 물론, '아버지 하실 수 있다면 이 잔을 거두어 주소서. 하지만 제 뜻대로 마시고 아버지 뜻대로 하옵소서'라는 대사의 깊은 슬픔과 고뇌를 피부로 느낄 수 있었다. 다시 말하지만 이건 너무 새삼스러워서 다시금 느껴지기가 쉽지 않은 이야기인데, 몰입하지 않을 수 없게 만드는 배우들의 열연 때문이라고 밖에는 할 수 없겠다.

그 가운데서도 예수 역을 맡은 마이클 리의 연기와 가창은 정말 대단했다. 사실 처음 무대 뒤에서 모습을 드러냈을 땐 예수 역을 하기엔 조금 키가 작다는 단순한 생각 밖에는 없었는데, 공연이 계속 될 수록 그에게 완전히 빠져 그의 키도, 고통 받는 예수 역할 치고는 너무 좋은 몸도 잘 보이지 않을 정도로 완벽한 열연이었다. 특히 이 작품의 예수 역이 또 어려운 점 중 하나가 바로 샤우팅인데, 샤우팅 자체의 기술적 어려움도 있지만 자칫하면 여기서 어색함이 터질 수 있는데, 이미 연기로 압도하고 있는 그였기 때문에 이런 과감한 샤우팅에도 어색함을 드러낼 타이밍 따위는 허락하지 않고 있었다. 유다 역의 한지상의 연기도 좋았다. '지저스 크라이스트 수퍼스타'는 따지고보면 유다가 가장 주목 받고 자유로운 역할이라고 할 수 있을 텐데, 그 매력을 충분히 표현하고 있었다. 윤도현의 유다도 물론 기대되지만 한지상의 연기는 이와는 상관없이 충분히 만족스러웠다.

또 하나 이번 공연이 인상적이었던 것은 무대 디자인과 조명 등의 시설이었다. 광야와 재판장 등을 오갈 때 마다 이동하는 무대는, 그냥 장소가 바뀌었구나 라는 신호를 주는 것이 아니라 실제로 그 장소를 보는 것과 같은 느낌을 주기에 부족하지 않을 정도로 훌륭한 무대 디자인이었다. 따지고보면 그리 복잡한 장치나 다양한 장치가 있었던 것도 아닌데, 이건 분명 미술 퀄리티의 힘이라고 해야겠다. '지저스 크라이스트 수퍼스타'에 흠뻑 빠져들 수 있었던 가장 밑바닥에는 바로 이 무대가 있었다고 할 수 있겠다. 

이 작품의 음악이야 더 말할 필요도 없을 정도의 수준이다보니 음악에 대한 이야기는 거의 안한 것 같은데, 한 가지 이야기하고 싶은 건 국내 캐스트만의 매력이 돋보인 음악이었다는 점이다. '지저스 크라이스트 수퍼스타' 처럼 유명한 작품들은 오리지널 곡들이 워낙 익숙하기 때문에 우리말로 부르는 곡들이 어색하게 느껴지기도 하고, 무언가 아쉽게 느껴질 수 있는데 그 수준의 높고 낮음을 떠나서 국내 캐스트 만의 매력이 잘 살아있었던 것 같다. 바리사이파 3인 가운데 주로 왼편에 섰던 캐릭터는 오리지널 보다 국내 캐스트의 보컬 컬러가 훨씬 매력적이었다. 그가 노래 부를 때면 귀가 절로 쫑긋해질 정도로 확 와닿는 보이스 컬러였다. 

현재 공연 중인 '지저스 크라이스트 수퍼스타'는 오리지널 팬들도 만족할 만한 높은 수준의 공연이었다. 그렇다보니 자연스럽게 다른 라인업은 어떨까 하는 궁금증과 기대감도 생겼다. 기회가 된다면 다른 라인업으로 꼭 한 번 더 보고 싶다!

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

레미제라블 : 블루레이 리뷰
무대의 감동을 그대로, 영화 '레 미제라블'

지난 해 말 개봉한 뮤지컬 영화 '레 미제라블'의 국내 흥행은 정말 의외였다. 의외였다는 건 작품이 별로 라서가 아니라 이 영화가 '뮤지컬'이라는 장르이기 때문이었는데, 국내 관객에게 뮤지컬이라는 장르는 아직 까지도 자연스럽기보다는 어색한 장르, 그러니까 대사 대신 노래로 이루어진 부분을 갑자기 노래하는 것으로 받아 들여져 일반 극 영화보다 접근 성이나 흥행 성적이 좋지 못했었기 때문이다. 더군다나 '레 미제라블'은 일반적인 뮤지컬 영화처럼 대사와 노래가 명확히 구분되어 있는 작품이 아니라, 모든 대사가 노래 형식으로 이루어져 있는 송-스루 (Song-Through) 방식이라는 점에서 더 다른 장르의 영화와는 크게 다른 작품이기에, 500만이 넘는 관객 수는 의외이자 놀라운 결과였다.

당시 '레 미제라블'의 이런 흥행 성적을 두고 여러 가지 해석들이 넘쳐 났는데, 그 가운데는 대부분 영화 외 적인 논의들이 대부분이었다. 특히 당시 대선과 맞물려 정치적인 해석이 많았는데 이에 어느 정도 공감을 하는 편이지만 (실제로 내가 이 영화를 극장에서 본 날이 대선 투표 일이었으며, '내일은 온다!'라는 영화의 마지막을 뒤로 하고 극장을 나오자 6시가 막 지난 시간이라 투표 결과를 받아 들게 되기도 했었다), 뮤지컬 영화의 오랜 팬으로서 이 글에서는 '레 미제라블'이 갖고 있는 영화적 매력과 블루레이 타이틀에 대해 이야기하고자 한다.

톰 후퍼의 영화 '레 미제라블'은 빅토르 위고의 원작 소설을 바탕으로 하고 있는 동시에 카메론 매킨토시의 웨스트 앤드 뮤지컬 공연에 더 큰 배경을 두고 있다. 사실 이 영화를 극장에서 처음 보았을 때는 소설을 영화 화 한 것이 아니라 무대 뮤지컬을 영화화 한 것이라고 단정적으로 얘기했었는데, 블루레이를 통해 작품을 다시 보고 부가 영상들을 보고 나니 카메론 매킨토시의 작품 못지 않게 빅토르 위고의 원작에 빚을 지고 있음을 알 수 있었다. 카메론 매킨토시는 더 이상 설명이 불필요할 정도로 뮤지컬이라는 장르에 있어 독보적인 인물이라고 할 수 있을텐데 우리가 흔히 알고 있는 유명 뮤지컬 들은 대부분 그의 작품이라고 봐도 과언이 아닐 것이다. 이 작품 '레 미제라블'을 비롯해 '미스 사이공' '오페라의 유령' '캣츠'가 모두 그의 작품이며 조국 영국으로 부터 기사 작위를 수여 받기도 했을 정도로 그의 이름은 쇼 비지니스 계에 뮤지컬 그 자체라고 할 수 있겠다.

처음 '레 미제라블'이 영화 화 된다고 했을 때 가장 마음을 놓은 이유도 카메론 매킨토시가 참여한다는 사실 때문이었다. 카메론 매킨토시는 물론 뮤지컬 '레 미제라블'의 음악을 맡았던 클로드-미셸 숀베르그를 비롯해 뮤지컬 스텝들과 배우들이 여럿 참여하고 있다는 점에서 톰 후퍼의 영화 '레 미제라블'은 정통성을 부여 받을 수 있었다. 이렇게 원작의 스텝들이 대거 참여하게 되면서 영화가 갖게 된 가장 큰 장점 (혹은 단점)이라면 뮤지컬 '레 미레라블'이 갖고 있는 메시지와 방식이 훼손 되지 않고 영화라는 포맷을 통해 그대로 전달될 수 있었다는 점이었는데, 앞서 이야기했던 것처럼 이 같은 방식은 분명 일반 관객들에게는 단점이 될 수도 있는 부분이다. 일반 극 영화에 비해 내러티브가 촘촘하지 않고 노래를 노래가 아니라 대사로 인지 되어야만 극을 따라갈 수 있는 구조이기에, 일반 영화의 작법을 따르지 않고 무대 뮤지컬의 작법을 따른 '레 미제라블'은 기존 뮤지컬 팬들에게는 환영 받을지언정 일반 관객에게는 어색한 만남이 될 확률이 컸기 때문이다.

흥행을 거둔 이제와 다시 생각해 볼 때 '레 미제라블'이 대단한 이유는 바로 자신 만의 방식으로 성공을 거두었다는 점이다. 카메론 매킨토시와 감독인 톰 후퍼는 이미 무대 뮤지컬로 전 세계적 인기를 얻은 이 작품을 영화 화하면서 무대 뮤지컬의 장점을 빼놓지 않는 동시에 무대에서는 미처 다 소화할 수 없었던 요소들을 적극적으로 수용했다. 영화에서만 보여줄 수 있는 큰 스케일의 로케이션이나 대형 세트 제작 등으로 더 실감 나는 배경을 만들어 냈으며, 과감한 클로즈 업을 통해 이 작품을 공연이 아니라 감정의 흐름이 주가 되는 드라마로 관객에게 그대로 전달해 냈다. 클로즈 업이라는 촬영 방식은 잘못 사용하면 겉멋만 가득하고 보여지는 것 이상은 전달하기 어려운 방식인데, 이 작품의 클로즈 업은 노래로 이뤄진 '레 미제라블'을 관객에게 가장 잘 전달해 내는 도구로 정말 탁월한 선택이었다.

하지만 '레 미제라블'의 가장 놀라운 제작 방식은 다름 아닌 라이브 녹음 방식일 것이다. 일반적으로 뮤지컬 영화의 경우 배우들이 촬영 이후 후반 작업으로 스튜디오에서 다시 노래를 녹음하는 방식으로 진행되는데, '레 미제라블'은 놀랍게도 무대 뮤지컬처럼 촬영장에서 라이브로, 동시 녹음으로 진행되었고 이 녹음 분이 그대로 영화에 수록되었다. 뮤지컬에 수록된 곡들이 다른 노래들과는 다르게 좀 더 그 장면의 감정이 담겨 있는 것은 사실이지만, 아마도 라이브 녹음을 통해 수록된 '레 미제라블'의 수록 곡 들과는 그 감정의 깊이가 다를 수 밖에는 없을 것이다.

실제로 '레 미제라블'의 곡 들은 음정과 박자가 칼 같이 진행되지는 않지만 그 대신 그 장면에서 배우가 담으려 했던 감정이 100% 고스란히 담겨 있어서, 나중에 노래로만 이 곡을 접하게 될 때에도 영화 속 그 장면과 그 감정이 그대로 느껴진다는 것이 이 작품의 가장 큰 장점이다. 앤 해서웨이가 부른 'I Dreamed a Dream'의 감동이야 말 할 것도 없고, 휴 잭맨이 영화 내내 감정을 가득 담아 불렀던 곡들 탓에 장발장이라는 캐릭터의 인생에 대해 새삼 다시 돌아보게 되는 계기가 되기도 했다. 이건 정말 열연, 열창한 배우들과 이 감정을 최대한 그대로 담아낸 라이브 녹음 방식의 공이라고 밖에는 할 수 없다.

영화 '레 미제라블'엔 수 많은 명장면들이 있지만 그 가운 데서도 하나를 꼽으라면 주저 없이 앤 해서웨이가 연기한 판틴의 'I Dreamed a Dream'을 꼽을 것이다. 이 장면만 따로 때어 놓고 보더라도 엄청난 몰입도를 주는 장면인데, 극장에서 이 작품을 보았을 때도 이 곡이 등장하기 전까지는 비교적 편안하게 관람하다가 이 곡에서 감정이 완전히 동화 되어 서두부터 울컥했던 기억이 난다. 본래 'I Dreamed a Dream'은 '레 미제라블'의 여러 히트 넘버 가운 데서도 손꼽히는 명곡인데, 앤 해서웨이는 이전 수 많은 뮤지컬의 버전들과 비교해서도 단연 손꼽힐 만한 결정적 장면을 만들어 냈다.

앞서 이야기했던 것처럼 앤 해서웨이의 'I Dreamed a Dream'이 대단한 것은 그녀의 가창력 때문이 아니라 판틴이라는 캐릭터의 심정을 관객에게 100% 전달했기 때문일 것이다. 영화를 보고 난 뒤 가끔 이 곡을 듣게 될 때마다 감정이 북받치는 이유는 오로지 그녀의 열연 때문이다. 이 장면은 정말 조금의 과장을 보태서 영화사에 남을 명 장면이자, 이 장면 만으로도 '레 미제라블'을 봐야 할 이유는 충분하다.

결론적으로 톰 후퍼의 영화 '레 미제라블'은 기존 뮤지컬 팬들도 만족할 만한 영화화를 이룬 동시에, 뮤지컬이라는 장르에 익숙하지 않았던 일반 관객들에게까지 무대 뮤지컬의 매력을 뽐내며 저절로 카메론 매킨토시의 '레 미제라블'을 비롯해 다른 뮤지컬 공연들을 찾아보게 끔 하는 계기를 만든 성공적인 작품이었다. 개인적으로 더 많은 이들이 뮤지컬의 매력을 함께 하고 공감할 수 있어서 즐거웠던 작품이기도 했고.

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극장에서 관람했을 때 화질이 그리 좋은 편이 아니었고 특히 어두운 장면 에서의 표현력이 좋지 않았었기에 블루레이의 화질에 대해 조금 우려를 했었는데, 오히려 이 부분이 우수하게 표현되어 극장에서 보다 더 만족스러운 화질을 만나볼 수 있게 되었다. 첫 장면, 비가 세차게 내리치는 가운데 높은 곳에 서서 죄수들을 내려다보는 자베르 (러셀 크로우)의 모습은 극장에서는 너무 어두워서 잘 표현이 되지 않은 장면이었는데, 블루레이에서는 내리치는 비의 디테일과 더불어 자베르의 위엄까지 느껴지는 장면을 확인할 수 있었다.

클로즈 업이 적극적으로 사용된 작품 답게 배우들의 클로즈 업 장면에서 블루레이의 우수한 화질을 체크해볼 수 있었는데, 배우의 얼굴, 표정 하나 하나를 세밀하게 관찰할 수 있을 정도로 만족스러운 화질이었다. '레 미제라블' 블루레이의 화질이 만족스러운 또 다른 이유는 앞서 이야기했던 것처럼 어두운 장면의 표현력인데, 극장 상영 시의 환경이 만족스럽지 못했기 때문이어서 더욱 그렇기도 하겠지만, 전반적으로 어두운 장면이 많은 작품의 특성을 훌륭하게 표현해 내고 있어 블루레이로서 재 관람이 충분한 의미가 있었다.

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DTS MA 7.1 채널의 사운드는 라이브 녹음의 실감 나는 가창과 웅장한 오케스트라의 풍성함을 고루 전달해 준다. 송-스루 방식으로 노래가 끊이지 않는 '레 미제라블'에서 사운드는 그 어떤 요소보다 중요하다고 할 수 있을텐데, 현장에서 동시 녹음한 배우들의 열창과 추후 스튜디오에서 연주한 화려한 오케스트라가 균형을 이루고 있어, 마치 모두 스튜디오에서 녹음한 듯한 사운드를 들려준다 (이 부분은 부가 영상에서도 잘 소개되고 있지만, 시스템과 장비의 발전으로 동시 녹음으로도 스튜디오 녹음에 가까운 사운드를 담아낼 수 있었다).

'레 미제라블' 사운드의 또 다른 포인트라면 추후 바리케이트 시퀀스를 통해 또 다른 다양한 사운드를 들려주고 있다는 점인데, 총기를 비롯해 대포까지 동원되는 전투 장면에서는 오케스트라의 웅장함과는 또 다른 화끈한 사운드를 들려준다.

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부가 영상으로는 일단 감독인 톰 후퍼의 음성 해설이 수록되었는데 한국어 자막이 지원되지 않아 아쉬움을 남긴다. 메인 부가 영상이라고 할 수 있는 'Les Miserables : A Revolutionary Approach'에서는 총 6개의 주제로 나누어 영화에 제작에 대한 뒷 얘기를 들려주는데, 첫 번째 'The Stars of Les Miserables'에서는 이 작품에 출연진의 캐스팅과 연기에 대한 흥미로운 이야기들이 수록되었다.

톰 후퍼가 이 작품의 연출을 맡는 조건은 딱 두 가지였다고 하는데 하나는 라이브로 노래해야 한다는 것과 휴 잭맨을 캐스팅 해야 한다는 것이었다. 그 만큼 휴 잭맨은 처음부터 장발장 역할로 내정이 되어 있었는데, 휴 잭맨은 장발장을 연기하기 위해 미리 브로드웨이 무대로 오랜만에 돌아가 원맨쇼 형식의 뮤지컬을 공연하며 일찌감치 준비를 시작했다고 한다. 실제로 '레 미제라블'의 영화화가 결정되었다는 소식에 참여하고 싶어하는 배우들이 줄을 설 정도였다고 하는데, 노래 꽤 한다는 배우들은 대부분 오디션에 관심을 보였다니 이들이 얼마나 치열한 오디션을 거쳐 선정된 이들이라는 것을 새삼 증명하는 뒷이야기였다.

여러 배우들이 사연이 있었지만 그 가운 데서도 판틴 역할을 연기한 앤 해서웨이의 사연이 인상 깊었는데, 그녀의 어머니가 '레 미제라블'의 미국 첫 공연에서 판틴 역을 연기했었기에 이 작품이, 그리고 이 캐스팅이 남다를 수 밖에는 없었던 앤 해서웨이의 인터뷰도 만나볼 수 있다. 앤 해서웨이는 이 간절함을 증명하듯 극 중 삭발 장면에서 실제로 머리를 자르기도 했고, 더 사실적으로 병에 걸려 죽음에 이르는 판틴을 연기하기 위해 11kg 넘게 체중을 줄이기도 했다고.

두 번째 'The West End Connection'에서는 이 영화에 출연하고 있는 뮤지컬 배우들의 이야기를 만나볼 수 있는데, 특히 최초의 장발장을 연기했던 콤 윌킨슨의 출연은 그 자체로 감동이 아닐 수 없었다. 콤 윌킨슨은 이번 영화에서 주교 역할로 출연하여 휴 잭맨과 호흡을 맞추기도 했는데, 콤 윌킨슨과 휴 잭맨이 함께 등장하는 장면은 뮤지컬 '레 미제라블' 팬들에겐 잊을 수 없는 명 장면이자 감동적인 장면이 아닐 수 없을 것이다.

또한 뮤지컬에서 에포닌 역할을 맡았던 사만다 바크스는 이번 영화에서도 마찬가지로 에포닌 역할을 연기하고 있는데, 무대 위 에서와 영화 속에서 노래하고 연기하는 것은 또 다른 영역이었기에, 그녀에게는 이미 익숙한 에포닌을 재 해석해야 하는 어려운 작업이었다고 한다. 에포닌의 캐스팅과 관련한 에피소드도 만나볼 수 있었는데, '올리버'를 공연하고 있던 그녀에게 (낸시 역할) 커튼 콜에 등장한 카메론 매킨토시가 영화 '레 미제라블'에서도 에포닌 역할로 캐스팅 되었다고 깜짝 발표를 하는 장면은, 이 배우와 스텝 들의 관계가 얼마나 끈끈하게 이루어져 있는 지를 확인할 수 있는 감동적인 장면이었다. 이 외에도 기존 뮤지컬에서 판틴, 에포닌, 마리우스 등 주요 역할을 맡았던 배우들이 영화에서 작은 역할로 참여하고 있는 것도 이 부가 영상을 통해 확인할 수 있다.

'LES MISERABLES on Location'에서는 영화와 뮤지컬의 가장 큰 차이점 중 하나 인 로케이션에 대한 이야기가 수록되었는데, 포츠머츠 해군기지에서 촬영한 첫 선창 장면의 엄청난 스케일은 무대 뮤지컬에서는 재현하기 힘들었던 것으로 영화 만의 장점이라고 볼 수 있겠다. 또한 장발장이 가석방되어 처음 도착하게 되는 마을은 실제 프랑스의 마을에서 촬영되었는데, 실제로도 첫 촬영이었기에 빅토르 위고의 조국인 프랑스에서의 촬영은 남다른 의미를 주었다고 한다. 영화 '레 미제라블'은 대작으로서 스케일을 보여줘야 했기 때문에 촬영지를 선택할 때와 촬영 기법에 있어서도 이 점을 최대한 고려했고, 뮤지컬의 장점 뿐만 아니라 빅토르 위고의 원작의 느낌을 (뮤지컬에는 표현되지 않은 장면들도) 살리려는 노력도 엿볼 수 있었다.

혁명이 일어난 당시 파리의 모습을 재현하기 위한 노력을 엿볼 수 있는 'Creating the Perfect Paris'와 바리케이트의 액션 장면에 대한 'Battle at the Barricade'를 지나면 개인적으로 이번 블루레이의 가장 핵심적인 영상이라고 생각되는 'LES MISERABLES Singing Live'를 만나볼 수 있는데, 바로 이 작품의 가장 획기적이자 중요한 아이디어였던 동시 녹음에 관한 자세한 이야기가 수록되었다. 나중에 스튜디오에서 다시 노래를 녹음하는 것이 아니라 현장에서 배우들의 노래를 담아내기 위해, 현장에서 피아노를 통해 라이브 반주를 했고 배우들은 숨겨진 이어폰을 통해 이 반주를 들으며 노래할 수 있었다고 한다. 특별한 점이라면 정해진 반주에 맞춰 배우들이 노래하는 것이 아니라, 배우의 감정에 따른 노래에 맞춰 피아노 반주가 라이브로 연주되는 방식이라는 점이었다. 이로 인해 기존의 뮤지컬 넘버 들과는 전혀 다른 영화 '레 미제라블' 만의 노래들이 탄생 되었다고 하겠다.

이렇게 라이브로 녹음 된 노래에 추후 오케스트라를 녹음하는 장면은 더 어려운 작업이었는데, 정해진 박자가 아니라 배우들이 현장에서 만든 박자에 맞춰 오케스트라를 연주해야 했기 때문에 상당히 까다로운 작업이 아닐 수 없었다. 지휘자를 비롯해 대부분의 연주자들이 이미 '레 미제라블'을 오래 연주해왔던 연주자들로서, 즉 전문가들이라 할 수 있을텐데, 자신 만의 음악을 고집하기 보다는 이 새로운 '레 미제라블' 음악에 적극적으로 하나가 된 음악가들의 모습도 인상적이었다.

마지막으로 'The Original Masterwork: Victor Hugo's LES MISERABLES'에서는 원작자인 빅토르 위고에 관한 여러 가지 이야기가 수록되었는데, 이를 통해 그의 작품 세계를 좀 더 깊게 들여다 볼 수 있다. 문학 뿐만 아니라 다양한 분야에 조예가 깊었던 빅토르 위고에 대한 이야기와, 그의 가족, 유년기 등 전반적인 삶에 관한 소개가 담겨 있다. 이 짧지만 의미 있는 부가영상을 통해 빅토르 위고에 대해 더 알게 될수록 '레 미제라블' 이라는 작품이 어떤 계기와 의미로 탄생 되었는지를 알게 된다.

[총평] 빅토르 위고 소설, 카메론 매킨토시의 웨스트 앤드 뮤지컬을 원작으로 톰 후퍼가 연출한 영화 '레 미제라블'은 여러모로 대단한 뮤지컬이자 영화였다. 뮤지컬과 영화 모두를 만족 시키는 흔치 않은 작품이었으며, 적절하다는 말로는 다 표현하기 힘든 완벽한 캐스팅은 이 영화의 가장 큰 성공 요인이 아니었나 싶다.

영화 '레 미제라블'은 수록된 한 곡 한 곡의 감동은 물론, 새삼스럽지만 예전에는 미처 공감하지 못했던 장발장이라는 한 남자의 기구 하고도 간절한 삶에 대해 다시 한 번 생각해 보게 되는 계기가 되기도 했다. 벅찬 가슴을 안고 극장을 나오던 그 날의 떨림과 사운드 트랙을 들으며 느꼈던 감동과 여운은 블루레이를 통해 더 오래 더 깊이 지속될 것이다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)  
 

테이크 쉘터 (Take Shelter, 2011)

불안을 이기는 가족의 힘

최근 '머드 (Mud, 2012)'로 또 한 번 주목 받고 있는 신예 제프 니콜스의 '테이크 쉘터'를 보았다. 솔직히 이 영화에 대한 정보는 평소 좋아하던 마이클 섀넌과 제시카 차스테인이 주연을 맡았다는 것 정도였고, 저 포스터 이미지를 보고는 마치 샤말란의 '싸인'과도 같은 SF, 미스테리 영화가 아닐까 했었다. 즉, 무언가 재앙이 중심이 되는 영화가 되는, 미지의 존재가 등장하는 영화가 아닐까 싶었는데 '싸인'과 같은 영화가 아닐까 했던 예상은 틀린 동시에 맞기도 했다. '테이크 쉘터'는 예상과는 다르게 미지의 존재가 등장하는 재앙과 미스테리에 관한 영화는 아니었지만, 샤말란의 '싸인'과 마찬가지로 결국엔 '가족'이라는 것에 대해 이야기하는 영화였기 때문이다. 예상하지 못했기 때문인지 이 영화는 상당히 강렬한 가족 영화로 받아 들여졌다.

ⓒ  Hydraulx. All rights reserved

한 가족의 가장 커티스(마이클 섀넌)는 커다란 시련에, 아니 재앙과도 같은 미래에 놓이게 된다. 하나는 꿈 속에서 보는 재앙이 실제로 이뤄질 것 같다는 것이고, 다른 하나는 자신의 이러한 증세가 정신 병력이 있는 어머니로부터 유전된 정신병일 수 있다는 점이다. 즉, 커티스는 둘 중 어떤 것이 사실이든지 간에 재앙을 맞게 될 수 밖에는 없는 처지에 놓이게 된다. 자신의 꾸는 꿈이 실제 미래를 본 것이라면 엄청난 재앙을 맞게 될 것이고, 만약 이것이 정신적인 문제로 인한 개인의 문제라면 자신의 성장기가 그랬던 것처럼, 그의 아내와 어린 딸은 자신의 정신병으로 인해 힘든 삶을 살아가게 될 것이기 때문이다.

초 중반까지 이 영화가 주목하고 있는 것은 바로 이 엄청난 무게를 홀로 견디고 극복 방법을 모색해 나가는 커티스의 심리다. 주변 친구들에게는 물론 가족에게도 말하지 못하고 이 두 가지 닥쳐올 미래의 사이에서 고뇌하고 고통 받는 커티스의 심리는 마이클 섀넌의 깊은 연기를 통해 과장되지 않게 표현된다. 홀로 견딘다는 것을 이처럼 잘 표현해낸 연기가 있었을까 싶을 정도로 마이클 섀넌은 홀로 모든 짐을 진 커티스의 심리를 미련하거나 의아하게 만들도록 하지 않고 공감이 가도록 연기해 낸다. 즉, 내가 저 가정의 가장이었다면, 저런 상황에 놓인다면 힘들기는 하지만 저럴 수 밖에는 없지 않았을까 하는 생각에 숨죽이며 커티스의 하루하루를 따라가도록 말이다.

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그 가운데도 '테이크 쉘터'가 놓치지 않고 있는 것은 미스테리 한 요소, 커티스가 겪고 있는 양날의 불안에 대해 모두 그 불안함을 시종일관 유지하고 있다는 점이다. 이러한 영화의 시선은 두 가지 중 무엇이 진실 인지를 끝까지 궁금하도록 만드는 동시에 결국 무엇이 사실인지는 아무런 의미가 없다는 의미를 모두 가능하게 하는데, 영화가 선택한 마지막 장면의 의미심장함은 이를 더더욱 뒷받침한다 (둘 중 한 가지를 선택했음에도 말이다).

이 영화가 단순히 영화 적으로나 기술적으로 잘 만들어졌을 뿐만 아니라 좋은 영화인 점은, 영화가 담고 있는 메시지 때문이다. 이 영화는 다소 신파로 흘러갈 수 있는 가족애라는 주제를 전혀 다른 화법 속에서 표현해 냈다. 사실 영화를 보지 않고 글로만 본다면 '홀로 모든 짐을 지고 고통 받는 남편의 곁에서 그를 끌어 안아 보듬는 아내'의 모습이 너무 뻔하다고 생각할 수 있겠지만, 실제 영화 속에서 표현 된 이 정서는 그 어떤 가족 영화보다 뭉클한 가족애를 그려낸다. 그 이유는 두 가지 인데 하나는 커티스가 겪고 있는 고통의 정도가 얼마나 가혹한 것 인지를 알고 있기 때문이고 다른 하나는 그를 이해하는 아내의 심리 역시 결코 당연 시 될 수 있는 상황이 아니라는 점을 영화는 충분히 사전에 공감을 얻고 있기 때문이다.

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개인적으로도 몇 가지 혼자 수년 간을 끙끙 싸 매고 있는 일들이 있는데, '테이크 쉘터'에서 제시카 차스테인이 연기한 캐릭터와 이 가족의 이야기를 보고 있노라니, 과연 저런 일이 현실에서 가능 할까 라는 궁금증을 넘어서서, 저 가능성을 믿어보고 싶은 작은 용기를 얻을 수 있었다. 커티스의 갈등의 핵심이 가족이었다는 점. 병 때문에 자신을 떠나버린 어머니처럼 되고 싶지 않아서. 자신은 이 사랑하는 가족을 떠나보내고 싶지 않아서 벌인 일들이라는 점. 그걸 알기에 더 큰 시련이 될 수 있음에도 이 남자와 끝까지 가정을 지켜나가려는 아내의 모습은, 자칫 판타지로 보일 수 있는 부분이었는데 앞서 이야기했던 것처럼 '저럴 수 있겠구나'라는 강한 용기를 북돋아주었다. 

ⓒ  Hydraulx. All rights reserved

결국 커티스의 불안은 가족으로 인해 말미암은 것이었지만 그 유일한 해결 방법도 가족이었다는 걸 영화는 힘 있게 보여준다.

전혀 의외였지만 이건 올해의 가족 영화다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

2013.03.23 ~ 25 TOKYO

#1 늑대아이를 찾아서

지난 3월 내게는 아주 의미있고 중요한 여행이었던 도쿄 여행. 떠나기 전에 몇 가지 계획 한 바가 있었는데 하나는 국내 출시될 (현재는 출시되었음) 호소다 마모루 감독의 '늑대아이' 블루레이 한정판에 수록될 실제 장소 여행기를 작성하기 위해서였고, 다른 하나는 매우 개인적이지만 너무나도 중요한 일생일대의 프로포즈를 하기 위한 것이었다. 그렇게 아무도 모르게 나혼자 이것저것 준비하고 계획 짜고 정말로 바쁜 회사 생활 중에 겨우 금요일 하루를 휴가내어 햇수로 3년 만에 다시 도쿄를 찾게 되었다.

이 여행기는 기본적인 여행기에 포커스를 맞추고 있으므로 '늑대아이'와 관련된 본격적인 내용은 아래의 글을 참고!

요 몇 년간은 일본 여행을 죄다 저가 항공으로만 가다보니 오랜만에 탄 아시아나가 이렇게 반가울 줄이야 ㅠ 내 첫 일본 여행은 JAL을 타고 다녀왔었는데, 그 때는 아마 그 이후로 이렇게 저가항공만 타게 될 줄은 몰랐겠지... 어쨋든 오랜만에 좌석에 화면도 구경하고 (최신 영화들도 많았는데 '라이프 오브 파이' 더빙 판으로 조금 봤음), 자리도 넓어서 다리도 쭉 뻗고 ㅎㅎ

역시 오랜만에 저가항공이 아닌 비행기를 타서 좋았던 건 기내식. 특별히 맛이있다기 보단 기내식이라는 흥분됨과 따끈함이 맞물려 알파의 맛을 내는 듯. 항상 그렇지만 기내식을 다 먹어본 적은 한 번도 없는 듯. 빵은 그대로 남겼다가 나중에 먹어야지 하는데, 결국 나중에 안먹는다는 경험 덕분에 이번에는 아예 가방에 넣지 않았음.

그리고 도착한 숙소. Tokyu Stay 니시신주쿠였는데, 일본 숙소가 평균적으로 정말 작다는 걸 감안하면 이번 숙소는 지금까지의 여행 가운데 가장 만족스러운 수준. 이 정도면 방도 넓고. 단 역시나 2층이다보니 뷰는 없는 걸로.

기존 갔었던 숙소와 또 다른 점이라면 레지던스 호텔이라는 점인데, 나름 세탁기도 한 번 써봤고 (엄청 시끄러워서 잠 못잠 --;;), 전자렌지도 활용해보고. 뭐 이 정도면 니시신주쿠 역과도 멀지 않고 깨끗해서 만족.

도큐스테이 호텔 앞 풍경들. 예전에 갔던 숙소들은 호텔 앞 풍경들이 다 괜찮아서 외울 정도였는데 여긴 너무 평범해서 외우지는 못할 듯. 하나 아쉬운 점이라면 근처에 대형 편의점이 없다는 점. 일본 여행의 백미는 역시 늦은 밤 편의점에서 맥주와 안주를 구매해서 숙소에 돌아와 먹는 야식이다보니.

숙소에 짐을 내려두고 해가 지기 전에 바로 '늑대아이' 관련 취재를 하러 나섰는데, 첫 번째 장소이자 이 날의 마지막 장소는 바로 중앙선 구니타치 역 근처였다. 이 곳에 있는 히토츠바시 대학을 가려고 오게 되었는데, 내리는 순간 흐드러지게 만발한 벚꽃에 바로 넋을 잃고 말았다. 이 때만해도 아직 한국에는 벚꽃이 피기 전이었는데, 여긴 정말 '늑대아이'와 관련된 일이 아니더라도 꼭 한 번은 와볼 만한 벚꽃 명소였다. 거리를 수놓은 벚꽃 가로수는 그야 말로 장관.

벚꽃에 정신이 팔려 있을 때 쯤, 작품 속에 등장했던 과자점 발견! 본래는 저녁을 먹고 와서 이리로 다시 돌아와 커피 한 잔 하려고 했었는데, 스케쥴이 맞지 않아 결국 안에서 사먹는 건 못했다.

여기저기 '늑대아이'의 흔적을 뒤적거리며 거리를 천천히 걷기를 20여 분. 드디어 히토츠바시 대학 입구에 서게 되었다. 이 날은 마침 졸업식날이어서 졸업식을 끝내고 미처 집으로 돌아가지 않은 졸업생들과 가족 일부가 사진 촬영을 하는 풍경이 펼쳐지고 있었다.

히토츠바시 대학은 대학 일부 건물이 문화재로 지정되어 있기도 할 만큼 고풍스러운 양식의 건출물을 자랑하고 있었다. 하지만 아무래도 본 게임이 '늑대아이'이다보니 이와 관련된 장소들을 찾는데에 혈안이 되어 있어서 그리 여유롭게 둘러보지는 못했지만.

그렇게 학교와 구니타치 역 근처의 '늑대아이' 실제 장소들을 만나 흥분하며 사진에 담은 뒤, 슬슬 고파오는 배를 채우러 근처 식당에 도착.

저렇게 하나씩 시켰는데, 일단 아래 내가 시킨 제육 비스므리 한 건 그림과 달라서 실패! 그래도 '밥'이 맛있어서 먹는 데에 큰 불만은 없었다. 아, 여기서 하나 기억에 남는 건, 주문받고 계산하시는 여점원 분이 일본인이라는 걸 감안해도 너~무 오버스러운 하이톤의 극친절이었던 것. 식당을 나오며 '어디나 돈 버는 건 참 힘든 일이지....'라고 생각했던 기억이...

식사를 마치고 나오니 슬슬 해가 지고 있었고, '늑대아이' 실제 장소의 백미이자 사실은 그 보다 더 중요한, 개인적으로 프로포즈의 장소로 점찍어 두었던 영화 속 '고백의 언덕' 찾기가 시작되었다. 이번 여행의 실제 장소 찾기 가운데 가장 난이도가 높은 곳이었는데, 주소도 한 줄 없어서 아이패드를 통해 구글 위성지도를 확인하고 등고선 등을 봐가며 언덕을 찾아 한참을 찾아 해매였다. 거의 못 찾을 수도 있겠다싶어, '늑대아이'가 중요한게 아니라 내 고백 프로젝트는 어떻게 하지를 걱정하고 있던 그 때. 기적같이 짠 하고 나타난 고백의 언덕.

힘겹게 찾은 동시에 떨려오는 마음. 미리 준비해두었던 반지를 코트 주머니로 옮겨 담고, 준비했던 말을 어떻게 해야하나 머리를 굴리기 시작. 하지만 머리 보단 심장이 더 빨리 구르기 시작하고, 아닌 것처럼 다른 말로 시작. 본래 계획과 100% 동일한 실현은 아니었지만 그래도 90% 정도는 계획대로 이야기했고, 나머지 10%는 기대했던 것 보다 더 좋았다. 그냥 계획한 건 '짠~'하면 '짠!'하고 끝나는 영화 같은 구성이었는데, 현실은 '음......짠~' 했고, 그 이후는 8년 넘게 사귄 커플 만이 아마도 할 수 있을 법한 대화를 한참 나눴다. 결과적으로 지금 생각해보면 그게 더 좋았던 것 같다.

고백의 언덕 바로 옆에 위치한 저 벤치. 일본이 침몰하거나 자연재해로 사라지지 않는다면 오랜 시간이 지난 뒤에 꼭 이 곳을 다시 찾아와 지금을 추억하며 또 한참을 얘기하면 좋겠다.

그렇게 다시 언덕을 내려와 구니타치 역으로. 위의 장면은 마치 신카이 마코토의 '초속 5cm'의 한 장면 같이 나왔다.

이제는 익숙한 신주쿠의 풍경들. 오랜만에 다시 찾은 오모이데요코쵸에서 맥주나 한 잔 할까 싶었는데, 다들 자리가 북적여서 이번에는 그냥 지나치는 걸로.

좁은 가게에 가득가득 사람이 들어차 있는데, 분위기 좋고 가격도 괜찮은 편이고.

2009년에 갔던 오모이데요코쵸 방문기는 여기로 (http://www.realfolkblues.co.kr/1125)

오모이데요코쵸를 지나 숙소 근처에 이자까야를 찾았는데, 재미있는 건 여기가 몇 년 전 도쿄에 왔을 때도 왔던 집이라는 것. 그 때랑 다른 점이라면 이제는 테이블에 앉아 모니터로 주문하는 것에 제법 익숙해졌다는 것이고, 그 때와는 달리 졸업시즌이라 통째로 단체 손님이 있는 바람에 엄청 시끄러웠다는 점. 결국 간단하게만 먹고 바로 나왔다.

2010년 이 가게를 왔을 때의 리뷰는 여기 (http://www.realfolkblues.co.kr/1382)

심지어 2010년과 똑같은 안주를 시켰어 ㅋㅋ

일본에서도 역시나 걷기 좋아하는 이 커플은, 또 한참을 걷고 비를 피하기를 반복, 숙소 앞에 도착. 숙소 앞 편의점에서 맥주와 간단한 안주들 구입.

정말 정신없이 바쁘게, 그리고 역시나 많이 걸었던 도쿄에서의 첫 날은 이렇게 마무리.

2탄에 계속...

글 / 사진 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

지난 4월 30일 국내 정식으로 출시된 '늑대아이' 블루레이 한정판에 제 글이 수록되었습니다. 이렇게 블루레이에 영화 글을 수록한 것도 이제 제법 여러 타이틀이 되는데요, 아마 그 가운데 가장 처음부터 공을 들인 타이틀이라면 단연 '늑대아이'라고 할 수 있을 것 같습니다. 워낙 좋아하는 작품인 것은 물론, 정말 운 좋게도 관련해서 여러 기회가 있었던 것 같아요. 그 가운데 첫 번째는 국내 정식으로 출시된 사운드트랙에 해설지를 쓸 수 있었던 것이었는데, 이 역시도 단순히 해설지만 쓴 것이 아니라 제작 단계에서 조금이나마 의견을 드릴 수 있어서 더욱 의미가 깊었던 일이었어요.

'늑대아이' 블루레이는 제작 초기 부터 조금이나마 관여를 할 수 있었는데, 그렇기 때문에 일본 작품을 라이센스로 발매하는 것이 얼마나 까다로운 작업인지도 옆에서 엿볼 수 있었습니다. 저작권에 특히 까다로운 일본이기에 예상은 했었지만, 예상을 훨씬 뛰어넘는 가이드와 방식에 지켜보는 것 만으로도 쉽지 않은 작업이기도 했어요 ㅎ

그런 과정을 거쳐서 나온 타이틀이기에 만족감과 아쉬움이 공존하는 타이틀인 것 같구요.

제 글은 블루레이 한정판에 함께 수록된 'Collector's Guide Book'에 수록이 되었습니다. 이 가이드북도 본래 기획 단계에서는 더 많은 글들과 한국판 만의 메리트가 가득한 구성이었는데, 조금은 아쉽지만 일본반 블루레이와 유사한 구성으로 발매가 되게 되었습니다. 뭐 제가 가장 아쉬운 부분이라면 역시 지난 3월 직접 일본에 가서 취재해 왔던 실제 장소 방문기가 최종적으로 빠지게 된 것이겠지요. 사실 이 가이드북 원고 제작만을 위해 떠난 여행이 아니라 (물론 매우 중요했지만) 사비로 겸사겸사 떠났던 여행인지라 결정적으로 아쉽지는 않지만, 그래도 너무 사랑하는 작품이기에 이 공식적인 타이틀에 제 글이 수록된다는 것은 사운드트랙과 마찬가지로 정말 영광스럽고 뿌듯한 일이었거든요. 그렇기 때문에 최종적으로 수록이 되지 못한다는 소식을 전해 들었을 땐 한 동안 좀 멍해지긴 하더라구요 ㅠ

20page 분량의 여행기는 수록되지 못했지만 영화 관련된 제 글은 그대로 수록이 되었습니다. 보통 같았으면 이 것 만으로도 엄청난 자랑거리로 생각했을텐데 아무래도 여행기의 수록이 확정이었다 보니 아쉬움이 남지 않을 순 없네요 ^^; 이미 제 블로그를 통해 공유해 드린 바와 같이 이 여행기 '늑대아이, 그 곳을 가다'는 제 블로그를 통해 만나보실 수 있습니다.

제 글 외에는 김세윤 방송작가의 글 '호소다 마모루 감독의 작품세계'도 만나보실 수 있습니다.

감정적으로 휩쓸리지 않으려고 했지만 결코 그렇게 흐르는 것을 막을 수 없었던 글이었죠 ^^;

아, 그리고 미처 소개를 못했었는데 역시 최근 국내 출시된 '러브레터' 블루레이에도 제 글이 수록되었습니다;

따로 또 글을 쓰긴 뭐해서 여기에 같이 소개합니다~

'러브레터'는 이번 블루레이 출시에 맞춰 오랜 만에 다시 보았는데, 여러가지 다른 의미로 좋은 영화였어요. 그 의미에 대해 '잃어버린 시간을 찾아서, 기억에게 묻다'라는 제목으로 글을 남겨보았습니다.

이렇게 '늑대아이' 블루레이 타이틀과 '러브레터' 블루레이까지 간단하게 소개를 해보았습니다.

다음 제 글이 수록될 블루레이 타이틀도 2개 정도 확정이 된 상태인데, 블루레이를 구입하시는 분들께 누가 되지 않도록 더 열심히 괜찮은 글을 써보기 위해 노력하겠습니다.

'항상 잘 보고 있어요'라는 말,

정말 항상 감사드립니다!

글 / 사진 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

아이언 맨 3 (Iron Man 3, 2013)

테마는 분해와 조립

존 파브로의 '아이언 맨 2'는 정말 무슨 내용이었는지 기억이 잘 안 날 정도로 실망스러운 속편이었다. 만약 '아이언 맨'이 어벤져스의 소속이 아니었다면 이 시리즈를 더 이상 이어가고 싶지 않다는 생각이 들 정도로 1편에서 보여준 매력을 그냥 낭비하고 만 안타까운 작품이었다. 그 이후 '어벤져스'를 거쳐 세 번째 작품인 '아이언 맨 3'가 개봉했는데, 일단 존 파브로가 연출을 맡지 않았다는 것이 가장 눈에 띄는 점이었다. 결론부터 이야기하자면 감독을 교체한 이 선택은 매우 성공적이었다. 연출에서 손을 떼고도 작품에 여전히 출연하고 있는 존 파브로가 멋져 보일 정도로.

ⓒ  Marvel Entertainment. All rights reserved

'아이언 맨 3'를 보면서 가장 먼저 들었던 생각은 예전에 보았던 '슈퍼맨' 등 슈퍼 히어로 물의 속편들이었다. 슈퍼 히어로 물의 속편 들에는 자주 등장하는 설정들이 있는데, 자신의 능력(힘)에 대한 과신, 자신의 역할에 대한 지루함과 나태함, 그로 인해 겪는 갈등과 이를 초심으로 돌아가는 것으로 해결. 그리고는 다시 업그레이드 혹은 새로운 시작, 정도 일텐데 '아이언 맨 3'의 내용이 대략 이런 식이다. '아이언 맨 3'에서 토니 스타크가 겪는 고통의 원인은 '어벤져스'의 사건에서 온다. 그렇기 때문에 만약 '어벤져스'를 안 본 관객들이 이 영화를 본다면 영화 내내 얘기하는 '웜홀' 사건이 뭔지 아마 궁금할 수 밖에는 없을 것이다. 어찌 되었든 이렇게 정신적으로도 트라우마를 겪던 토니 스타크는 욱하는 성질을 부렸다가 결국 모든 것을 잃고 다시 처음부터 시작해야만 할 위기에 놓이는데, 토니 스타크 특유의 쿨 한 성격 답게 이 위기를 조금씩 기회로 만들어 간다.

ⓒ  Marvel Entertainment. All rights reserved

'아이언 맨'의 또 다른 재미는 이미 만들어진 아이언 맨이 등장하는 장면들도 물론이지만, 자비스와 함께 토니 스타크가 그의 작업실에서 이렇게 저렇게 도면과 영상을 띄워가며 만들어가는 과정이라고 할 수 있을 텐데, '아이언 맨 3'는 바로 그 '만드는 사람'인 토니 스타크에 주목한다. 자신의 작업실을 떠나 열악한 상황 속에서 마트에 가서 재료를 사고 공구와 아이디어로 작은 개발을 해나가는 토니 스타크의 모습은, 관객에게나 토니 스타크 자신에게나 초심을 생각하게 만드는 흥미로운 전개였다. 그리고는 마지막 시퀀스에서 블록버스터 영화 답게 돌아온 아이언 맨으로서 스케일 있는 액션을 펼치는 데, 이 정도면 오락 영화로서 손색이 없는 전개라 하겠다. 이번 작품에서는 프로토 타입의 슈트의 기능에 근거한 (분리된 수트가 리모트 컨트롤에 의해 합체 되는 기능) 장면들이 여럿 등장하는데, 이 작품 전체의 메시지이기도 한 '분해와 조립'의 테마와 잘 어울리는 설정이었다.

ⓒ  Marvel Entertainment. All rights reserved

특별히 생각할 것 많지 않고 (즉, 설정의 현실감이 떨어지는 장면이 없지 않은데 그걸 다 따지고 들면 이 영화는 별로일 수 밖에는 없을 것이다) 자연스럽게 러닝 타임을 즐기는 데에 충분한 속편이었다. 아무리 생각해도 연출에서 물러났음에도 연기자로서 계속 출연하고 있는 존 파브로에게 이 공을 돌려야 하지 않을까 싶다.

1. 가이 피어스는 최근 이런 류의 캐릭터들을 자주 연기하는 느낌이에요. 그도 초기에는 단독 주연인 영화들이 많았었는데, 어쩌다가 이렇게 되었나 싶기도 하고;;

2. 이 영화를 본 평들은 다 갈리지만 모두 한 마디로 정리할 때 꼭 빠지지 않는 평은 바로 '기네스 펠트로의 복근'

3. 가이 피어스 저리가라로 기네스 펠트로야 말로 어쩌다가 토니 스타크 여친으로 남게 되었는지 예전 그녀의 작품들을 좋아했던 팬으로서는 아쉬움이 많네요. 예전처럼 기네스 펠트로의 매력을 더 느낄 수 있는 드라마 장르에서 만날 수 있었으면 좋겠네요.

4. 스탠 리 옹의 연기는 갈 수록 느네요. 이번 연기는 강렬한 메소드 연기였어요 ㅋㅋㅋ

5. 아이맥스 3D로 보았는데 꼭 이걸로 볼 필요는 없는 영화였어요.

ⓒ  Marvel Entertainment. All rights reserved

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

안녕하세요, 아쉬타카 입니다.

본래 이 글은 오늘 국내에 정식으로 출시된 '늑대아이' 블루레이 한정판에 수록된 Collector's Guide Book에 수록될 예정이었으나, 본 원판권사인 '스튜디오 치즈' 측의 컨펌 과정 중에 "영화 '늑대아이'가 세계 어디에서나 혹은 불특정 다수의 누구에게든 공감될 수 있는 보편적인 판타지로 받아들여지기를 원한다"는 호소다 마모루 감독의 의도에 따라, 촬영지의 세세한 정보가 실명으로 언급되는 것에 대해서 작품의 연출의도와 부합하지 않는 부분이 우려된다는 판단으로 최종적으로 아쉽지만 수록이 어렵게 되었습니다.

타이틀을 받아 든 지금도 아쉬움이 많이 남기는 하지만, 이렇게 다른 방법으로라도 '늑대아이'를 좋아하시는 분들께 제 글을 소개할 수 있게 되어 다행스럽다는 생각도 하게 되네요 ^^; 부족한 글이지만 영화 속에 등장한 실제 장소와 그 느낌이 조금이나마 전해졌으면 하는 바램으로 정성껏 써보았습니다. 이 글을 통해서도 본문 전체를 확인하실 수 있으며, 블루레이 소책자 수록을 위해 제작한 디자인이 완료된 버전도 PDF파일을 통해 직접 확인하실 수 있도록 제공을 하려고 합니다. 아래의 링크를 클릭하시면 소책자에 수록 예정으로 제작된 최종본의 디자인 파일을 다운 받으실 수 있습니다. 저도 하나 컬러로 출력해서 별도로도 소장할까 생각하고 있습니다 ^^;

그럼 '늑대아이'와 제 글 '늑대아이, 그 곳을 가다'도 함께 즐겨주세요~

감사합니다!

호소다 마모루의 '늑대아이'를 너무나 감명 깊게 본 나머지 이와 관련된 자료들을 여기저기 찾아보던 중, 영화 속에 등장한 대부분의 장소들이 실제 존재하는 장소라는 사실을 알게 되었다. 그리고 언제가는 꼭 한 번 찾아가봐야지 하고 무작정 세웠던 계획을, 국내 블루레이 출시에 맞춰 더 많은 이들에게 소개했으면 좋겠다는 생각에 벚꽃 시즌이던 지난 3월 22일 도쿄행 비행기에 올랐다.

'늑대아이'의 배경이 된 곳은 크게 두 곳으로 나뉘어 있는데 첫 번째는 하나와 그가 처음 만나 데이트를 하고, 유키와 아메를 낳고 시골로 이사가기 전까지의 배경이 되는 도쿄이며, 두 번째는 시골 마을이 주된 배경이 되는 도야마현이다. 도야마현은 호소다 마모루 감독의 고향이기도 한데, 이번 여행에 도야마현까지 정말 가고 싶었지만 도쿄와 도야마현을 짧은 일정에 한 번에 소화하기에는 너무 무리라 결국 눈물을 머금고 다음 기회로 미뤄야 했다. 그래서 이번 여행에는 도쿄를 중심으로 한 적지만 중요한 실제 장소들을 방문하게 되었다.

사실 여행 전에 인터넷 등을 통해 철저한 사전 조사를 하기는 했지만, 실제 장소를 찾는 여정이 그리 쉽지 만은 않았다. 히토츠바시 대학처럼 유명한 곳이야 찾는 것이 그리 어렵지 않았지만 몇몇 장소는 주소 정보도 없고 그 장소에 사는 사람이 아니라면 쉽게 찾기 힘든 평범한 장소인 경우라서 위성 사진은 물론, 실시간으로 현위치와 비교해가며 찾는 등 적지 않은 발품을 팔아야했다. 하지만 그렇게 찾아가 영화 속 장소와 장면을 딱 만나게 되었을 때의 희열은, 길을 찾으며 흘렸던 땀을 모두 잊게 할 정도로 큰 것이었다. 

1. 하나와 그가 다니던 대학교 가는 길

가장 처음 찾은 곳은 하나가 처음 그를 만난 곳이자 같이 수업을 듣기도 했던 장소인 히토츠바시 대학교였다. 히토츠바시 대학은 이번에 알게 되었지만 오래된 유럽풍의 건축양식을 자랑하는, 실제로 학교의 일부는 문화재로 지정되어 있기도 한 유서 깊은 곳이었다. 중앙선 구니타치역에서 내려 남쪽 출구로 나와 대학교 쪽으로 걸어내려 오면 영화 속에 등장한 몇몇 장소를 만나볼 수 있는데, 일단 내리자마자 오른 편에서 확인할 수 있었던 건 'Coffee 白十字 Cake'라는 간판의 과자점이었는데 영화 속에서도 너무 쉽게 각인되었던 간판이라 실제로 보는 순간 '아, 내가 진짜 늑대아이 속 장소에 와 있구나!'라는 걸 실감할 수 있었다.

가게 앞에는 '늑대아이' 포스터가 붙어 있기도 했는데, 영화 속에서 봤던 장면과 완벽하게 동일한 모습이었다. 이 거리에서 가장 놀랐던 건 단순히 실제 배경에서 착안하여 만든 정도가 아니라 거의 실제와 99% 동일한 모습을 극중에서 구현하고 있다는 점이었는데, 과자점은 물론 그 주변의 가게들과 벤치들까지 완전히 동일한 모습에 놀라지 않을 수 없었다. 실제로 시간이 지나 변한 것 외에는 거의 차이점이 느껴지지 않을 정도였다.

이 과자점을 찾고 나서는 자연스럽게 그 반대편을 돌아보게 되었는데, 극 중에서 하나가 바로 반대편의 시점에서 이 가게 앞에 서 있는 그를 바라보는 장면이 나오기 때문이었다. 설마 이 구도까지도 맞을까 했었는데...

정말로 과자점이 바라다보이는 장소엔 그 전화기가 있었다. 여기서부터 본격적으로 소름이 돋기 시작했는데, 이 장면에서도 자세히 보면 그냥 전화기가 여기 있었다 라는 정도가 아니라, 전화기와 주변의 디테일한 디자인은 물론, 그 뒤로 보이는 건물들까지 그대로 묘사하고 있음을 알 수 있었다. 오히려 낮시간에 방문하여 영화 속에 등장한 밤시간과의 싱크를 맞추지 못한 것이 아쉬울 뿐이었다 (일본에서의 시간이 하루 이틀만 더 있었더라도 극 중의 시간과 맞췄을 텐데 하는 아쉬움이 들었다). 이런 실제장소와 영화 속 장면의 디테일은 거리를 묘사한 장면에서도 또 한 번 확인할 수 있었다.

위의 장면은 하나가 대학교로 걸어가는 장면인데 아래의 실제 장면과 비교하면 정말 있는 그대로를 그렸다는 걸 쉽게 알 수 있을 정도다. 세워둔 자전거들의 위치나 가로등과 가로수의 구도야 말할 것도 없고, 왼쪽의 빨간 소화전이라던가 그 뒤에 보이는 복숭아가 그려진 간판까지 완벽하게 일치한다. 계절이 달라 푸른 잎이 아닌 벚꽃이 핀 것이 아쉬울 정도로 이 길의 풍경은 영화 속 장면 그대로였다.

조금 다른 앵글로 잡기는 했지만 신호등과 시계 그리고 가로등까지도 실제 장소와 동일한 모습이었다. 자세히 보면 이 뿐만 아니라 역시 왼편 아래의 공중전화박스나 멀리 보이는 복숭아가 그려진 간판, 그 앞에 빨간 간판과 파이프 담배가 그려져있는 간판까지도 묘사되어 있다는 걸 알 수 있다. 

2. 그와 하나가 처음 만난 대학교

영화 초반 등장하는 주요 배경이자 하나와 그가 처음 만나 감정을 키우는 곳인 대학교는 히토츠바시 대학이다. 방문했던 날은 마침 졸업식 날이었는데, 4시가 지난 시간이라 이미 대부분의 졸업인파는 학교를 떠났고 몇몇 만이 남아 사진 촬영 등을 하는 모습이었다. 앞서 이야기했던 것처럼 히토츠바시 대학은 고풍스러운 건축양식으로 일부가 문화재로 지정되어 있기도 한 장소였는데, '늑대아이'가 아니더라도 한 번 쯤은 와볼 만한 곳이라는 생각이 들었다.

학교 이 곳 저 곳을 둘러볼 수 있었는데 오히려 졸업식이 끝난 직후라 대부분의 강의실이 닫혀 있고 인적이 이미 조금 드물어진 시간이라, 영화 속에 등장했던 강의실이나 식당을 직접 가보지 못한 것이 아쉬움으로 남았다.

하나가 학교에 올 때와 그가 강의실을 떠날 때 넘어지는 아이를 일으켜주던 장면에서 등장하던 커다란 입구 역시 한 눈에 알아볼 수 있었다. 문이 활짝 열려 있었다면 더 완벽했겠지만 이번 '늑대아이' 여행은 최대한 실제 장소에 피해를 주거나 부담을 주지 말자는 것 (소란스럽게 한다거나)이 또 다른 목표였기 때문에 일부러 학생들이 나가고 닫혀 있는 문을 억지로 열거나 하지는 않았다. 실제 장소에 다녀온 후에야 알게 된 사실은, 극중 장면에서 입구 저 멀리 보이는 풍경까지 거의 그대로 묘사하고 있다는 점이었다. 그렇게 하나가 걸었던 길을 걸어 조금 더 학교 안으로 들어가 보았다.

방향은 위와 아래로 다르지만 하나가 처음 그에게 말을 걸었던 그 계단도 찾을 수 있었다. 새로로 길게 뻗은 창문 덕에 쉽게 찾을 수 있었는데, 극 중 등장한 창문과 완벽하게 동일한 모양의 창문은 반대편의 계단에서 확인할 수 있었다. 교내의 모습들도 극중에 등장한 것과 동일한 앵글로 촬영하고 싶었는데, 졸업식 후 이미 대부분이 떠난 뒤라 불이 꺼져 있는 곳이 대부분이라 더 많은 곳을 둘러보지 못한 것이 조금은 아쉬웠다.

그래도 의외의 수확이라면 이 도서관 입구를 찾은 것을 들 수 있겠다. 이번 여행에 앞서 이미 일본 내의 마니아들이 실제 장소를 탐방한 뒤 기록해 둔 사이트를 참고하였는데, 대부분의 장면과 장소를 찾아낸 이 사이트에도 없는 도서관 장면이라 더욱 반가웠달까. 물론 학생들만 들어갈 수 있는 곳이라 들어가지는 못했고 입구의 촬영도 실례가 되지 않게 조심스럽게 진행하기는 했지만, 기존 자료에도 없던 곳을 담아낸 터라 좀 더 의미 깊은 순간이기도 했다.

아마도 극 중에 나온 장면은 2~3층으로 생각되는데 실제 촬영한 곳은 1층의 모습이다. 저렇듯 졸업식으로 불이 대부분 꺼져 있는 어두운 분위기였다.

3. 하나가 일하던 세탁소

하나가 일하던 세탁소는 학교에서 나와 다시 구니타치 역 쪽으로 이동해야 하는데, 구니타치 역 남쪽출구로 나와 동쪽으로 100미터 정도를 들어오면 왼편에 커다란 주황색 간판을 확인할 수 있다. 제작 당시와는 적지 않은 시간이 지난 터라 완벽하게 동일한 모습은 아니었지만, 로고나 유리 창의 모습, 들여다보이는 내부의 모습까지도 극 중과 동일한 모습이었다. 이번 여행에서 놀란 점들은 다시 한 번 말하지만 그 장소만큼이나 그 주변의 묘사가 정확하다는 점인데, 이 세탁소 역시 그 옆 가게들의 묘사와 오른 편의 돈카츠를 파는 가게의 광고판까지도 그대로 묘사되어 있는 점을 발견할 수 있었다. 차마 실제로 옷을 맡겨보거나 하는 시도까지는 하지 못했다 ㅎ

4. 하나와 그가 헤어지던 다리

그가 하나에게 자신의 비밀을 말하려다가 머뭇거리고 말하지 못하고 헤어지는 그 다리도 실제 존재하는 장소였는데, 이 곳은 니시오기쿠보 역에서 북쪽 출구로 나와 도보로 약 7~10분 정도를 걸어오면 발견할 수 있다. 이 다리는 극 중에서 보았던 느낌과 실제의 느낌이 가장 차이가 나는 장소였는데, 일단 실제 다리는 파란 색의 기둥과 난간이 인상적이었지만 극 중에서는 흰색 혹은 회색으로 묘사되고 있기도 했고, 다리 난간에 물고기 장식도 극 중에서는 볼 수 없던 것이라 이곳이 맞는지 여러 번 확인을 하기도 했다. 하지만 이 다리 주변으로 보이는 건물들이 실제 장소라는 것을 확인시켜줬다.

이 다리는 이 후 하나가 빗속에서 그를 발견하게 되는 장면에서도 등장하는데, 실제로 보니 극 중에서 등장한 앵글이 실제 장소와는 조금 다르다는 걸 알 수 있었다. 영화 속 장면으로 보면 왼편과 오른편의 건물들은 실제로 존재하는 것들인데 이 건물들을 다리 위에서 보았을 때 저 정도 거리에 위치하려면, 건물 하나의 거리 정도는 다리가 앞서 위치해야 가능한데 조금은 원하는 구도로 수정을 거친 듯 했다.

그리고 영화 속 장면과는 다르게 그 위치에는 사다리가 존재하지 않고, 다리와 바로 붙어서 사다리가 있는 것도 확인할 수 있었다. 그렇게 여기서 한 참을 서서 다리 아래를 바라보다가 다음 장소로 걸음을 옮겼다.

5. 그를 찾아 해매는 하나

비가 내리던 날 그가 돌아오지 않자 유키와 아메를 들쳐 메고 그를 찾아 나선 하나. 이 때 등장하는 장소는 약 두 곳인데 두 곳 모두 역시 실제 존재하는 장소였다. 우산을 쓰고 뒤를 돌아다보던 고가는 미타카 역 근처에서 찾을 수 있었는데, 중앙선 미타카 역 북쪽 출구로 나와 중앙선 선로를 따라 동쪽으로 약 10분 정도를 걸어오면 바로 그 고가와 통로를 한 눈에 확인할 수 있다. 사실 이 곳도 주소 등이 정확하지 않아 (이번 여행에서 주소가 확실한 곳은 사실 한 곳도 없었다) 미타카 역에 내려 고가를 따라 마냥 걸어서 확인할 수 밖에는 없었는데, 그래도 막상 그 장소에 도착하면 그 주변의 디테일까지 그대로 묘사한 장면 탓에 쉽게 그곳임을 알 수 있었다. 이 고가 아래 장소 역시 고가가 통과하는 다른 여러 장소 중에 이 곳이라는 점을 알 수 있었던 건, 그 주변의 철망이라던가 나무 등의 정확한 묘사 때문이었다.

그 다음에 등장하는 경사진 골목은 미타카 역 근처가 아니라 앞서 소개했던 '하나와 그가 헤어지던 다리' 근처였는데, 니시오기쿠보 역에서 그 다리를 지나 하류 쪽으로 내려오다보면 또 다른 다리가 등장하는데 그 다리에서 우측으로 살짝 방향을 틀면 바로 위의 장소를 발견할 수 있다. 이 곳은 다른 장소들 가운데서도 싱크로율이 특히 높은 곳이라 보는 순간 '여기다!' 하는 말이 나올 정도였다. 사실 내용상으로 큰 의미가 있는 장면은 아니었지만, 이렇게 실제 장소들을 확인하면서 새롭게 느끼게 된 점은 하나의 동선을 확인할 수 있었다는 점이다. 그를 찾아나설 때의 동선은 물론이고, 하나와 그가 어디서 만나서 어디서 데이트를 했는 지를 직접적인 동선으로 연결해 볼 수 있다는 점이 이번 여행에서 얻은 추가적인 매력이었다.

6. 고백의 언덕

그가 하나에게 처음 마음을 고백하고, 이후 자신의 모습을 처음 보여주기도 한 곳으로 연결되는 일명 '고백의 언덕'은 이번 늑대아이 여행에 핵심이었다. 이번 여행을 처음 계획하게 된 것도 바로 고백의 언덕에 가고자 함에서 시작되었는데, 핵심인 만큼(?) 가장 찾기 힘든 장소이기도 했다. 실제로 이곳이 가장 찾기 힘들었던 이유 중 하나는 다른 장소들도 마찬가지기는 하지만 그 중에서도 가장 평범한 장소이고 또한 완전한 주거 지역 내에 위치하고 있는 곳이었기 때문에 외부 사람들이 별로 접근할 기회가 없어서였다. 실제로 이 곳에 대한 정보라고는 구니타치 역 북쪽 출구로 나와 동쪽 방향이라는 것과 주거 지역이라는 것 뿐이었는데, 이 곳을 찾기 위해 위성지도와 실시간 위치 파악까지 해가며 조용한 동네의 어두운 골목과 언덕들을 수없이 오르내려야만 했다. 

(위 장면에서 그와 하나는 위 사진 속 풍경을 보고 있었다고 보면 되겠다)

이 곳의 정보가 부족했던 것은 일종의 배려 처럼 느껴졌다. 이 곳은 주거지역, 그 가운데서도 정말 조용한 지역이라 이곳에 사는 사람이 아니면 사실상 올 일이 없어 외부인이 오면 바로 주목을 받게 될 정도로 고요함이 느껴지는 장소였는데 (속삭이듯 말해도 멀리서 들릴 정도), 그렇기 때문에 이 동네 사람이 아니면 찾기가 쉽지 않고 이 곳을 이미 다녀온 현지 마니아들도 더 많은 이들이 찾아올까봐 주소 등의 구체적인 정보를 공유하지 않는 듯 싶었다. 

이 곳에 대한 힌트 가운데는 시 경계가 지나고 있어 언덕 위와 아래의 멘홀을 만든 곳이 다르다는 정보도 있었는데, 제법 유용한 정보였다. 정말 한 참을, 하지만 조용히 헤맨 끝에 찾은 고백의 언덕은 그래서 더 값지게 느껴졌고 뭉클함 마저 밀려왔다. 

고백의 언덕의 가장 상징적인 아이템이라면 단연 저 음료수 자판기를 꼽을 수 있을 텐데, 실제로 빨간 색의 자판기가 환하게 나를 반겨주고 있었다. 참고로 다른 곳은 일부러 시간을 맞추지 못했지만 고백의 언덕 만은 극 중과 최대한 동일한 분위기를 내기 위해 일부러 해가 지기를 기다렸다가 조명이 켜진 후에 방문하게 되었는데, 충분히 만족스러운 사진과 장면을 포착해낼 수 있었다. 어렵게 찾은 곳인 만큼 한 참을 계단 밑에 앉아서 시원한 바람을 느끼며, 그리고 '늑대아이' 속 장면을 떠올리며 그렇게 앉아 있었더랬다. 참고로 그가 하나에게 자신의 본 모습을 보여주는 공터는 지금은 다른 건물이 들어선 상태라 확인할 수는 없었는데, 이 계단을 올라 조금만 더 올라가면 다을 수 있는 곳이었다. 언덕을 올라 정상에 다다르면 극 중에서 시가지를 내려다보던 컷을 시도해볼 수 있는데, 아쉽게도 건물과 나무에 대부분 가려 실제로는 건널목 등이 잘 보이지는 않았다. 주변을 충분히 둘러보고 빨간 자판기에서 음료수 캔을 하나 사서 마신 뒤, 언덕을 천천히 걸어 내려왔다. 밤은 점점 깊어지고 있었다.

그렇게 도쿄에서의 짧은 '늑대아이' 여행은 마무리 되었다. 글의 서두에도 이야기했지만 극 중 더 많은 비중을 차지하고 있는 도야마 현을 가보지 못한 것은 못내 아쉬움으로 남았다. 언젠가 기회가 된다면 꼭 도야마 현에 가서 아메와 유키가 하나와 함께 힘들지만 행복하게 지내던 곳곳을 둘러 보고 싶다는 바램을 다시 한 번 마음 속에 새겼다. 이렇게 또 '늑대아이'는 내 인생에 있어 더더욱 지울 수 없고 큰 의미를 갖는 작품이 되어 버렸다. 비단, 이 고백의 언덕에서 나도 '늑대아이'의 그처럼 사랑하는 이에게 평생을 준비해왔던 말로 청혼을 해서 만은 아니다 ^^;

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

작품 속 캡춰 이미지에 대한 권리는 '스튜디오 치즈' 및 한국내 수입사 '(주)얼리버드픽쳐스에 있으며, 

글의 실제 장소를 촬영한 사진의 저작권은 아쉬타카에게 있습니다

에반게리온 : Q (ヱヴァンゲリヲン新劇場版：Ｑ Evangelion: 3.0 You Can (Not) Redo, 2012)

종극을 앞두고 다시 처음에 선 신지

지난 해 국내 개봉을 못 참고 먼저 일본에 가서 보고 온 '에반게리온 : Q'를 국내 개봉 전에 두 번 더 보게 되었다. '에반게리온 : 파 (破)'의 충격을 안고 살아오기를 약 3년. 과연 그 이후 이들은 어떻게 되었을지 궁금하지 않을 수 없었다. '파'는 그 이야기만 꺼내도 소름이 돋을 정도로 엄청난 전율을 안겨준 작품이었는데, 드디어 본격적으로 등장하는 나기사 카오루의 이야기와 그 다음을 가늠하기 어려운 신지와 레이의 이야기는 어떻게 전개 될 지를 기다릴 수 없어 일본으로 먼저 갈 수 밖에는 없었다. 그리고 이번에 국내 개봉으로 100%의 내용을 확인하게 된 'Q'는 뭐랄까, 신극장판의 첫 작품인 '에반게리온 : 서 (序)'와 조금 닮아 있었다. 구성 상으로 말이다. '서'는 '파'를 위한 좋은 준비 과정이었고 신극장판의 시작으로 나쁘지 않은 작품이었으며, 그 어떤 작품보다 싱크로율을 주의 깊게 다룰 수 밖에는 없는 성격의 작품이었다. 이번 'Q'를 보며 '서'를 떠올린 것은 그 때문이다. 'Q'는 신극장판의 마지막 작품인 ':ll '를 준비하는 과정의 작품이자 또 한 번 싱크로율, 즉 마음과 마음을 맞춰가는 과정에 집중하고 있는 작품이었다. 하긴 따지고 보면 에바는 항상 그랬다. 가장 중요한 건 언제나 '마음' 이었다.

(스포일러가 있을 수 있습니다)

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'파'의 마지막 장면은 신지가 드디어 자신을 끝까지 밀어 붙여서 레이를 구해내는 데에 전력을 쏟아, 그 결과 서드 임팩트가 발생하는 것이었다. 'Q'는 그 이후 14년의 시간이 지난 뒤 다시 깨어난 신지의 시점에서 시작된다. 즉, 관객은 그 14년 동안의 이야기를 신지와 마찬가지로 주변 인물들에 의해 전해 들을 수 밖에는 없다. 여기서 이 영화의 가장 중요한 아이러니 (혹은 갈등 구조)가 시작되는데, 그 동안 항상 두렵고 용기가 없어서 한 발 물러서기만 했던 신지가 처음으로 자신이 하고 싶은 데로, 자신이 좋은 그대로 실행한 것이 레이를 끝까지 구해내려 한 것이었는데, 바로 이 행동이 많은 사람들이 막고자 했던 서드 임팩트의 시발점이 되었다는 것이다. 그러니까 이야기 내내 문제(?)로 지적되었던 (난 신지를 두고 찌질 하다고 하는 것에 단 한 번도 동의한 적이 없기에) 신지의 우유부단함과 용기 부족이 해결되는 순간, 가장 큰 인류의 재앙이 발생하게 된다는 점이다. 이런 대립하는 관계는 후에도 등장하는데, 이것은 이전 TV시리즈에서는 없었던 새로운 갈등 구조로서 어쩌면 이미 스스로를 이겨내는 정말 힘겨운 과정을 겪었던 이카리 신지에게는 더 큰 시련이 아닐 수 없겠다.

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'Q'에 등장하는 신지는 분명 각성한 신지다. 즉, '파' 이전에 신지와는 확연히 다른 신지라는 얘기다. 만약 이전의 신지였다면 'Q'에는 신지가 멘붕에 빠져 러닝 타임 내내 자신의 마음을 안으로 안으로 갉아 먹을 만한 사건들이 한  두 가지가 아니다. 하지만 서드 임팩트와 동시에 스스로 각성한 것이나 마찬가지인 제 3의 소년 신지는, 이런 일들로 이전처럼 한 없는 림보에 빠지지 않는다. 잠시 충격을 받을 뿐이다. 그리고 자신이 옳다고 생각하는 것, 좋다고 생각하는 것에 대해 비교적 빠르게 실행에 옮긴다. 이런 신지에게 이번 이야기에서 가장 큰 도움이자 위로가 되는 존재는 바로 카오루다. 스스로의 존재 가치를 이러한 역할(신지를 위한)로 규정하고 있는 카오루 답게, 이번 작품에서 카오루의 역할은 절대적이다. 만약 신지가 14년이 지난 뒤 네르프가 아닌 미사토와 아스카가 있는 뷜레에 남았더라면 이 보다 더 큰 정신적 혼란을 겪었을 것이다. 하지만 신지는 또 다른 레이라 불리 우는 이로 인해 네르프로 오게 되었고, 그를 기다리던 카오루와 만나게 된다.

신지와 카오루의 만남에서 '에반게리온'의 가장 큰 테마이자 사실상 단 하나의 테마인 마음과 마음의 이야기가 본격적으로 등장한다. 신극장판 '서'에는 등장하지 않았지만 카오루와 신지의 피아노 연습 장면은 (더 정확히 말하자면 연습 이라기 보단 그냥 연주 정도겠지만) 흡사 신지와 아스카의 싱크로율 테스트 과정을 보는 듯 하다. 그리고 여기서 'Q'는 마치 기존 TV시리즈에서 보여주었던 스타일의 편집과 영상을 보여준다. 마치 실사와 이미지가 교차되는 듯한 분위기의 장면 말이다. 그리고 이 과정 중의 카오루와 신지의 대사는 그야말로 핵심을 꿰뚫고 있다. 이는 TV시리즈에서 내내 다루었던 부분이기도 하다. 연주를 한다는 것, 연주를 잘 한다는 것에 빗대어 카오루는 다시 한 번 각성한 신지를 일깨운다.

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그런데 여기서 앞서 언급한 갈등 지점이 다시 등장한다. 모든 것이 잘 될 것만 같았던, 그러니까 나만 잘하면 나도 좋고 세상도 구하고 다 좋을 것만 같았던 행동이 문제가 되고 만다. 그 과정 속에서 아스카와 미사토로 대표 되는 뷜레와 원치 않는 싸움을 해야 하고, 신지와 마음을 나눈 유일한 친구인 카오루는 신지가 보는 앞에서 죽음에 이르고 만다. 신지의 입장에서 본다면 이보다 더 큰 충격과 고난은 아마 없을 것이다. 그 동안 스스로도 답답했던 자아를 이겨내고 드디어 레이를 구해냈다고 생각했는데 레이는 있지만 구해낸 것 같지는 않고, 14년이라는 시간이 흘러 자신이 알던 세상과는 다른 세상이 되어 여기에 익숙해지기도 전에 동료들을 냉정한 적으로 만나야 했으며, 그 사이 유일하게 마음을 터 놓고 이야기할 수 있는 '친구'인 카오루를 만나게 되었는데 이마저도 자신이 보는 앞에서 죽음을 맞게 되었으니 이 보다 더 가혹한 운명이 어디 있으랴. 신지 입장에서만 보면 포스 임팩트의 발발보다도 카오루의 죽음이 더 큰 사건일 수 밖에는 없을 것이다. 그리고 이런 충격은 고스란히 이후의 얼빠진 표정에서 그대로 드러난다.

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'파'도 그러했지만 'Q'에서 레이는 존재하지 않고 아스카 역시 비중이 줄게 되면서 온전히 신지 중심의 이야기가 되었다. 각각의 갈등과 스토리가 있었던 TV시리즈와는 확연히 다른 구조다. 이전에는 신지는 물론이고, 레이, 아스카, 카오루, 미사토, 겐도 심지어 카지까지 자신 만의 이야기를 갖고 있었는데, 신극장판에서는 특히 'Q'에서는 완전한 신지 중심의 이야기만 남게 되었다. 이것은 여러가지로 해석해 볼 수 있을 텐데, 이미 TV시리즈를 감상한 팬들에게는 더 이상 각자의 이야기를 하지 않아도 캐릭터의 성립이 충분하기 때문이며, 기존 팬들 뿐만 아니라 일반 대중들과도 함께하고자 했던 신극장판의 목적 성에 부합하는 구조이자, 극장판이라는 포맷의 한계 때문이기도 할 것이다. 하지만 결론적으로 이 모든 요소들을 재쳐 두더라도 결국 신극장판으로 에반게리온이라는 이야기를 마무리하려는 것이라면 신지의 이야기로 집중하는 것이 옳다고 할 수 있겠다 (물론 사골게리온이 다음 편 극장판을 마지막으로 끝난다고 단정할 수는 없겠지만).

그렇게 'Q'에서의 신지는 또 한 번 가혹한 롤러코스터에 놓이게 된다. 마지막 장면에서 (이 장면은 완벽하게 루프설을 떠올리게 만든다) 다시 한 번 아스카의 손에 이끌려 길을 떠나게 되는 신지의 모습은 애처롭기까지 하다. 모든 것을 잃은 상태에서도 다시 몸을 일으켜 나아가지 않으면 안되는 신지의 운명이 말이다. 그저 행복하기만 하면 되었던 (하지만 그것이 너무 나도 힘겨웠던) 이전과 신극장판의 신지의 운명은 이렇게 다르다. 신극장판에서 신지의 운명은 좀 더 자신의 운명 그 이상의 것과 밀접하게 맞닿아 있다. 즉, '에반게리온'의 중요한 테마인 '관계'를 맺는다는 것 때문이다.

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마지막 편에 가서 신지의 운명을 어떻게 가져갈지 혹은 어떤 방식으로 행복이라는 가치를 선사할 지가 궁금하지 않을 수 없는데, 그에 앞서 아무리 생각해도 신지의 운명은 너무 도 가혹하다. 결국 안노 히데아키가 신지라는 자아를 통해 이야기하고자 했던 것이 모든 소년, 소녀들이 어른이 되어 가는 것에 대한 이야기라면 정말 어른이 되고 싶지 않을 정도다. 어쩌면 그렇기 때문에 신극장판에서도 어른이 될 수 없는 혹은 되지 않는 소년, 소녀들을 등장 시키고 있는 것인지도 모르겠다. 14년 동안 잠들어 있어 세월을 빗겨나간 신지, 에바의 저주에 걸려 역시 나이를 먹지 않은 아스카, 복제를 통해 영원한 소녀로만 존재하는 레이, 그리고 역시 소년으로만 존재하는 카오루와 소년, 소녀 이후의 모습은 등장하지 않는 토우지를 비롯한 같은 반 친구들까지.

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마지막으로 '인류보완계획'을 비롯해 수많은 이른바 떡밥을 풀어놓았던 '에반게리온'은 이번 'Q'에서도 어느 정도 그런 여지를 남겨 두고 있는데, 개인적으로는 신극장판의 존재 자체가 떡밥이라고 할 수는 있지만 (루프설 등) 신극장판이 말하고자 하는 것은 좀 더 단순하고 기본적인 것이라고 생각한다. 반대로 이야기하자면 떡밥에 대한 풀이를 전혀 하지 않더라도 충분한 의미가 있도록 그 본질에 더 집중하고 있는 것이 신극장판이고, 이는 신작이 거듭될 수록 그렇다는 생각이다. 혹자들은 TV시리즈에서 잔뜩 풀어놓았던 떡밥들을 신극장판이 해소 시켜줄 것으로 기대했는데 오히려 의혹만 가중 시키거나 이에 대한 명쾌한 답이 없어 아쉬워하기도 하는데, 개인적으로 신극장판에서 안노 히데아키는 여기에 별로 관심이 있는 것 같지 않다. 그리고 그 점이 전혀 아쉽지 않은 것은 아니지만, 아쉽기 보다는 마음에 드는 쪽에 가깝다.

'에반게리온' TV시리즈와 극장판, 신극장판을 여러 번 보았지만 볼 때마다 느끼는 건 결국 이 이야기는 미스테리나, 복잡한 설정과 떡밥들의 풀이 (물론 그것으로 유명해졌다는 것에는 동의하지만;)가 중요한 작품이 아니라 AT필드로 표현되기도 하는 마음과 마음, 타인과의 관계 맺기에 대한 깊은 성찰이 중요한 작품이라는 걸 깨닫게 된다. 흔히 들 말하는 신지의 '찌질함'은 어디서 오는가? 왜 수도 없이 본인에게 질문하고 답하기를 반복하고, 혹은 답을 찾지 못해 괴로워 하는가? 내가 타인과의 관계를 맺으면서 궁극적으로 바라는 것은 무엇인가? 행복해지기 위해서 인가? 그렇다면 행복이란 무엇인가?

이렇듯 '에반게리온'을 두고 누군가 정신 착란이라고 했던 것처럼 이러한 질문을 멈추지 않고 그 끝까지 가보려는 시도에서 시작된 작품이라 할 수 있을 것이다. 그렇기 때문에 그 과정은 깊어질 수록 가혹하고 아프기 마련이다. 또한 그렇기 때문에 과연 안노가 이 이야기를 어떻게 마무리 지으려고 하는지 기대와 걱정이 동시에 든다. 이미 안노 히데아키 만의 것이라고 할 수 없게 되어버린 '에반게리온'의 이야기를 다음 작품에서 어떻게 마무리 지을지. '에반게리온 : Q'는 '에반게리온 :ll '를 준비하는 하나의 과정 같은 영화였다. 어쩌면 '에반게리온 :ll '는 맨 처음으로 돌아갈 것만 같은 생각이 든다. 

ⓒ Khara. All rights reserved

'에반게리온 : Q'는 아무래도 신극장판 마지막 편이 나온 뒤에야 좀 더 많은 이야기를 할 수 있는 작품이 아닐까 싶다. 또 얼마나 기다려야 할지 모르지만 그래도 기다림이 있다는 것 자체를 그리워 할 수년 뒤를 미리 떠올려 보며 천천히 기다려 보련다.

1. 처음 'Q'를 보면 '파'가 보고 싶어질 줄 알았는데 오히려 '서'가 더 보고 싶어지더군요. 아예 '서'부터 쭉 다시 봐야겠어요.

2. 전 카오루와 신지의 므흣한 관계가 남남이라는 성별로만 규정 짓기에는 무리가 있다 고는 생각하지만 (그냥 존재와 존재로서), 그렇다 하더라도 카오루의 표정과 말투, 몸짓 하나 하나는 움찔 움찔 하게 만들더군요. 인정!

3. 다시 말하지만 '에반게리온 : Q'는 극장 상영에 최적화 된 작품입니다. 시네마스코프의 영상은 집에서는 그 만족감을 재현하기 어려워요.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

로마 위드 러브 (To Rome With Love, 2012)

수많은 이야기가 존재하는 곳, 로마

'미드나잇 인 파리'에 이은 우디 앨런의 또 다른 도시를 배경으로 한 영화 '로마 위드 러브 (To Rome With Love, 2012)'를 보았다. 사실 2010년에 발표한 '환상의 그대 (You Will Meet a Tall Dark Stranger, 2010)'부터 이 작품에 이르기까지 세 작품은 조금씩 다르기는 하지만 여러 명의 인물들이 한 곳을 배경으로 다른 듯 같은 이야기를 하는 구조를 보여주고 있는데, 이번 작품 역시 이와 크게 다르지 않다. 결론부터 이야기하자면 이런 형식의 영화 가운데 가장 완성도가 높았던 것은 역시 '미드나잇 인 파리'인 것 같다. '로마 위드 러브'는 각기 다른 인물 (혹은 커플)들의 이야기를 로마라는 매력적인 도시를 배경으로 들려주는데, 조금은 완전히 동화 되지 못한 느낌을 주기도 한다.

ⓒ  Medusa Film. All rights reserved

사실 '로마 위드 러브'를 보러 갈 땐 편한 마음으로 우디 앨런이 들려주는 농담과 삶에 대한 경험 들을 듣고자 했었는데, 막상 영화를 다 보고 나니  마냥 편안하게 즐기기만 하는 영화는 아니었다. 일단 가장 흥미로웠던 것은 역시 우디 앨런이 오랜 만에 자신의 영화에 직접 출연하고 있다는 점이었다. 물론 그의 수준급 메소드 연기를 보는 것도 충분히 즐겁지만, 그가 직접 출연한다는 사실은 그 이상의 생각할 거리를 던지고 있어 더 흥미로웠다. 극 중 우디 앨런은 보수적이고 고집 센 할아버지로 등장하는데, 그가 이 캐릭터를 통해 내 뱉는 한 마디 한 마디가 그가 이 작품의 감독이다 보니 흥미로울 수 밖에는 없었다. 마치 홍상수 영화 속 감독 캐릭터를 그냥 영화 속 캐릭터라고 보기 힘든 것과 같은 경우였는데, 워낙 이런 면에 솔직하고 거침없는 우디 앨런이다보니 한 마디 한 마디가 관객에게 콕콕 꽂히는 느낌이었다. 홍상수의 경우도 그렇지만, 우디 앨런은 자신에게 쏟아지는 세간의 평가나 이야기들에 대해 억울함보다는 초연 한 자세로 '난 상관없어 그냥 내가 하고 싶은 대로 할꺼야'라고 말하는 듯 했다. 그래서 그의 팬들은 아마도 그와 그의 작품을 더 좋아하는 것이겠지만.

ⓒ  Medusa Film. All rights reserved

'미드나잇 인 파리'에서도 그랬고 좀 더 앞선 작품을 들자면 '스쿠프 (Scoop, 2006)'에서도 그랬었는데, 우디 앨런은 전혀 그럴 것 같지 않은 배경과 이야기 속에서 자신 만의 판타지를 표현하곤 했었다. 장르 적인 판타지를 말하는 것인데, 사후 세계가 등장 한다 거나 유령과도 같은 인물이 섞여 있거나 하는 등이 그것이다. '로마 위드 러브'에서도 알렉 볼드윈이 맡은 역할이 여기에 포함된다고 할 수 있을텐데, 그가 유령인지 아닌지 가 하나도 중요한 포인트가 아니라는 점이 우디 앨런 영화 만의 매력이라고 할 수 있을 것 같다. 아무렇게 나 불쑥 끼어들고 등장해도 어색하지 않고 오히려 그 나름의 재미를 주며, 자신의 이야기가 없이 다른 캐릭터의 이야기 속에만 존재하는 인물들의 표현도 거추장스럽지 않다. 뭐랄까, 우디 앨런은 자신이 하고자 하는 이야기를 좀 더 풍성하게 만들기 위해 영화 속에 또 다른 화자 혹은 장치들을 적극적으로 활용하고 있는 듯 하다. 이러한 지점이 최근 우디 앨런 영화에서 묘한 매력을 주는 지점이 아닌가 싶다.

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우디 앨런이 끊임 없이 이야기하고자 하는 테마 중 하나가 바로 남녀 간의 사랑이라고 할 수 있을텐데, 이 노장은 아직도 신선한 감각으로 젊은 배우들과 호흡을 맞추며 또 다른 남녀 간의 미묘함을 이야기한다. 또한 이번 작품은 좀 더 풍자적인 성격이 짙은 작품이 아닐까 싶다. 도시로 온 두 남녀가 겪게 되는 의외의 에피소드를 통해 이들이 평소 표현하지 못하고 있는 욕망에 대해 유쾌하게 풀어내고 있으며, 제시 아이젠버그와 엘렌 페이지가 연기한 커플의 이야기도 자신의 자존심 혹은 자존감에 근거한 이들의 미묘한 감정 교류를 보여준다. 그리고 로베르토 베니니가 연기한 캐릭터의 에피소드는 어쩌면 이 쇼 비지니스의 세계를 살고 있는 모든 배우들을 향한 우디 앨런의 메시지 같아 보이기도 한다. '로마 위드 러브'의 아쉬운 점이라면 이렇듯 여러가지 이야기가 좀 뒤섞여 있다는 점이었는데, 하나의 이야기와 흐름에 완벽히 녹아든 '미드나잇 파리'나 '환상의 그대'에 비하자면 조금은 에피소드 별 주제가 달라 하나로 보기 어려운 점이 있었다. 차라리 완전히 에피소드 화 화여 나누었으면 어땠을까 하는 생각도.

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우디 앨런은 러닝 타임 내내 각각의 이야기를 쏟아내고는 마지막에 가서, 이건 그냥 수 많은 이야기 중 하나 일 뿐 또 다른 이야기를 들려 드릴 께요 라고 마무리한다. 사실 '로마 위드 러브'는 정작 로마에 가고 싶어지는 생각은 덜 드는 작품이었는데, 이 마지막을 보니 한 번 쯤 가보고 싶어졌다. 로마의 무엇이 그리도 우디 앨런에게 수많은 이야기 거리를 샘솟게 했는지 궁금해져서 말이다.

1. 이 영화를 통해 다시 보게 된 배우는 알렉 볼드윈이었어요. 최근 좀 우스운 역할로 자주 출연 해서인지 예전 꽃미남 시절의 알렉 볼드윈을 떠올리게 할 만한 매력은 엿볼 수 없었는데, 이 작품에서 그는 진짜 배우의 매력이 무엇인지 다시금 깨닫게 해주더군요. 이 다음에는 코엔 형제의 작품에서 만나볼 수 있었으면 더 좋을 것 같아요. 아니면 웨스 앤더슨!

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2. 좋아하는 배우들이 잔뜩 나오는 것 만으로도 황홀한 작품이죠. 엘렌 페이지, 페넬로페 크루즈, 앨리슨 필, 로베르토 베니니, 제시 아이젠버그 등. 특히 페넬로페의 출연은 그냥 관객에 대한 일종의 선물 같더군요!

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

내 인생의 마지막 변화구 - 블루레이 리뷰

간단한 줄거리..

거스 로벨(클린트 이스트우드)’은 야구방망이가 갈라진 것만 봐도 좋은 투수를 알아보는 수십 년 동안 야구계에서 최고의 스카우트였다. 하지만 이제 나이가 들어가면서 시력은 점점 떨어지고 구단은 그의 판단을 의심하기 시작한다. 위기에 놓인 그는 자신의 인생이 연장 없는 9회말 2아웃일수도 있다는 생각으로 마지막 스카우팅 여행을 떠난다. 파트너는 다름 아닌 어느 순간부터 사이가 나빠져 남보다도 못하게 서먹해진 딸 ‘미키(에이미 아담스)’. 껄끄럽고 불편한 동행에 나선 두 사람은 오랜 시간 가슴에 묻어두었던 둘의 과거에 대한 진실을 발견하면서 앞으로 남겨진 미래를 바꿀 수 있는 역전 찬스를 만나게 되는데…

배우로 다시 만난 클린트 이스트우드

2008년 '그랜토리노' 이후 배우로서는 더 이상 할 이야기가 없다며 은퇴를 선언했던 클린트 이스트우드가 다시 배우로서 복귀해 화제를 모았던 작품이 바로 이 작품 '내 인생의 마지막 변화구 (Trouble with the Curve, 2012)'이다. '그랜토리노'를 보면 알 수 있지만 확실히 클린트 이스트우드는 배우로서의 자신을 되돌아 보며 마지막으로 '그랜토리노'를 택한 것은 완벽한 선택에 가까워 보였었다 (그 이후 이 작품을 통해 다시 배우로 복귀하였지만 그래도 '그랜토리노'에 대한 이런 평가에는 변함이 없다)

이 작품 '내 인생의 마지막 변화구'의 내용은 둘째치고 제작과 관련된 이야기를 살펴보면, 그의 배우 복귀가 어느 정도 이해가 되는 부분을 발견할 수 있는데, 이 작품으로 처음 연출을 맡은 로버트 로렌츠가 누구인가를 따져보면 쉽게 알 수 있다. 로버트 로렌츠는 이미 오래 전부터 클린트 이스트우드의 작품에 제작과 조감독 등으로 인연을 맺어 온 '멜파소 프로덕션 (Malpaso Productions)'의 일원이라고 할 수 있을 텐데, 그가 처음으로 연출을 맡는 작품을 클린트 이스트우드로서는 돕지 않을 수 없었을 것이다.

클린트 이스트우드의 지난 작품들 블루레이의 부가영상을 보면 알 수 있지만, 그의 스텝들은 길게는 수 십 년 짧게도 수년 간을 함께 해온 가족 같은 끈끈한 관계를 유지하고 있는데, 그런 스텝 가운데서도 손꼽히는 로렌츠가 첫 연출을 하게 되었는데 어찌 이스트우드가 출연하지 않을 수 있었겠는가.

로버트 로렌츠에게는 조금 미안한, 하지만 어쩌면 너무 자연스러운 평가인지는 모르겠지만 이 작품은 클린트 이스트우드의 최근작 '그랜토리노'나 '밀리언달러 베이비' 등을 떠올리게 될 만큼 이스트우드의 연출 작이라고 해도 어색하지 않을 분위기를 보여준다.

이것이 왜 자연스러운 평가인가 하면 오랜 시간 이스트우드의 조감독으로 활동해 온 것은 물론, 그의 스텝들이 거의 대부분 그대로 참여하고 있는 작품이기 때문이다. 또한 스토리 측면에서도 또 다른 클린트 이스트우드의 영화로 자연스럽게 읽혀진다. 마치 그가 각본을 쓰고 연출했다고 해도 믿을 정도로 이 평범한 이야기가 조금은 남다르게 느껴지는 건 바로 그 가운데 클린트 이스트우드가 있기 때문일 것이다.

클린트 이스트우드는 본인 스스로를 본격적으로 노인으로 인정하기 시작한 시점부터 영화 속 캐릭터를 실존하는 본인 자신과 동일시 시켜왔는데, 이 작품에서 연기하고 있는 '거스'도 마찬가지다. 빠르게 변화하는 세상에 어울리지 못하고, 아니 어울리려고 하지 않고 본인이 옳다고 믿는 것을 고집스럽게 지키면서도 다른 한 편으론 어쩔 수 없음을 뒤늦게 인정하고 마는 최근 작에 등장한 캐릭터들의 모습은, 극중 캐릭터가 아니라 배우 클린트 이스트우드가 겹쳐져 여러 가지를 생각하게 만든다. 그가 스스로를 규정하는 방식은 그의 오랜 팬들에게 쓸쓸함과 세월의 무상함을 느끼게 하는데, 그러면서도 여전히 힘을 잃지 않는 클린트 이스트우드라는 배우의 힘을 새삼 체험하게 만든다.

비교적 평범한 이 이야기를 자연스럽고 끝까지 따라갈 수 있도록 만드는 데에는 노련한 배우들의 힘도 컸다. 존 굿맨, 에이미 아담스, 로버트 패트릭, 매튜 릴라드 같은 배우들은 물론, 최근 정말 오랜 만에 새 앨범을 내고 다시 가수로 돌아온 저스틴 팀버레이크도 자연스러운 연기를 선보인다.

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MPEG-4 AVC 화질은 블루레이 평균 수준의 화질을 수록하고 있다. 특별히 좋은 화질이라고 보기도 어렵지만 그렇다고 단점이 도드라지는 화질도 아니다. 클린트 이스트우드와 멜파소 프로덕션의 작품들은 좀 더 필름 라이크한 영상을 추구하는 편인데, 그 특유의 색감과 분위기가 이 작품에서도 여전하다. 어두운 장면의 표현도 크게 나쁘지 않고, 전반적으로 편안하게 감상하기에 무리가 없는 화질이다.

▼ 아래 사진을 클릭하면 확대됩니다.

DTS-HD MA 5.1 채널의 사운드 역시 잔잔한 드라마를 오버하지 않고 편안하게 들려준다. 전반적으로 조용하고 대사 위주의 드라마라 사운드 적인 매력은 좀 덜한 작품이지만, 중간중간 등장하는 야구 경기 장면에서는 좀 더 디테일 한 사운드를 확인할 수 있다.

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부가영상으로는 'Rising Through the Ranks'와 'For the Love of the Game' 이렇게 두 개의 영상을 수록하고 있는데, 첫 번째는 감독인 로버트 로렌츠를 중심으로 클린트 이스트우드와의 인연과 그의 첫 연출작으로서의 경험에 대해 들려준다.

두 번째 부가영상에서는 클린트 이스트우드, 에이미 아담스, 저스틴 팀버레이크 등의 인터뷰를 통해 각자가 맡은 캐릭터와 상대 배우에 대해 짧게 들려준다. 각각 5분, 6분 남짓한 부가영상으로 분량 상으로 조금 아쉬움이 남는다.

[총평] 클린트 이스트우드의 오랜 파트너였던 로버트 로렌츠의 첫 연출 작이자, '그랜토리노' 이후 이스트우드의 연기를 오랜 만에 만나볼 수 있었던 '내 인생의 마지막 변화구'는 비록 비범하지는 않지만 보는 내내 즐겁고 유쾌하면서 때론 찡했고, 클린트 이스트우드가 4년만에 다시 스크린에 복귀하여 주연을 맡았기에 또 다른 의미를 주는 작품이었다. 부디 앞으로도 이렇게 계속 작품 활동을 계속해 주시길 팬으로서 간절히 바래본다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)  
 

월플라워 (The Perks of Being a Wallflower, 2012)

청춘, 그 뜨거운 무한함에 대해

워낙에 사전 정보 없이 영화를 보는 편이기는 하지만, 이 작품 '월플라워 (The Perks of Being a Wallflower, 2012)' 역시 여주인공 엠마 왓슨 말고는 아무런 정보가 없는 영화였다. 심지어 남자 주인공인 로건 레먼을 어디서 봤었는지도 영화를 보는 중간에야 기억할 수 있었다 (그 영화는 나 혼자만 재미있게 본 것 같은 '퍼시잭슨과 번개도둑'이었다). 그저 엠마 왓슨 주연의 풋풋한 청춘 영화인가 보다 싶었던 '월플라워'는 오랜 만에 가슴이 뜨거워지는 청춘, 바로 청춘 영화였다. 좋은 청춘 영화는 언제나 옳다. 그리고 '월플라워'는 정말 좋은 청춘 영화다.

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청춘을 다룬 영화는 많지만 진짜 '청춘 영화'라고 부를 수 있는 영화는 별로 많지 않은데, '월플라워'는 어쩌면 그 뒤에 버티고 있는 다른 이야기를 하려는 듯도 하지만 결국엔 보편적인 청춘의 불안함과 자유, 무한함을 잘 표현해낸 작품이었다. '월플라워'를 글로 풀어내려고 보니 그리 쓸 말이 많지 않다. 영화를 보고 나서는 무한한 감동을 받고 무언가 한 바닥을 써내려 갈 것만 같았는데 막상 정리해보니 별로 특별한 이야기는 아닌 듯 했다. 샘과 패트릭, 찰리 그리고 친구들의 이야기는 조금씩 특별한 구석이 있기는 하지만, 그래서 각자의 이야기가 생겨난 계기가 되기는 하지만 영화는 그 자체에 주목하지 않는다. 원작 소설에서는 어떠했는지 모르겠지만, 영화로 표현 된 '월플라워'는 그냥 친한 친구들과 함께 한 어린 시절 사진 한 장으로 시작된 영화인 것만 같다. 왜 10대 시절 친한 친구들과 함께 한 사진들에는 그 사진에 등장하고 있는 이들 만이 느낄 수 있는 수많은 이야기가 있지 않은가. 이 영화가 바로 그렇다. 영화는 바로 사진 속 이들만이 알고 있는 이야기를 관객에게 솔직하게 들려준다.

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'월플라워'가 더 흥미로운 다른 이유는 7,80년대의 히트 넘버 들 때문인데, 주인공들이 아웃사이더의 성격을 갖고 있어서 이기도 하지만 극 중 등장하는 곡들은 평소 너무 좋아하는 취향의 곡 들이라 한 곡 한 곡 나올 때마다 완전히 동화 되는 느낌이었다. New Order, The Smiths, Sonic Youth는 물론이고 극 중 주인공들이 공연하는 영화 '록키 호러 픽쳐쇼'의 곡 들도 만나볼 수 있어서 더 좋았다. 영화 속 영화라 할 수 있는 '록키 호러 픽쳐쇼'는 평소에도 좋아하는 작품인데 이렇게 소품처럼 만나게 되니 더 흥미로웠다. 이런 문화를 이미 좋아해버린 탓에(?) 조금 아쉬웠던 점은 극 중 중요한 지점에 등장하는 곡의 제목을 미리 알고 있었다는 것이었는데, 주인공들이 라디오에서 듣고 무슨 곡인지 한참을 몰랐던 그 곡은 사실 너무나 유명한 데이빗 보위의 'Hero'였다. 원래 좋은 사운드트랙은 이미 유명한 곡을 삽입하였더라도 그 영화에 완전히 녹아 들도록 해 다시 금 그 노래를 듣고 싶도록 만드는데, 이제 보위의 'Hero'를 듣게 되면 '월플라워'가 가장 먼저 떠오를 정도로 인상적이었다 (그 이전엔 '물랑루즈'였을지도).

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믹스 테잎의 추억도 새록새록 떠올라 좋았다. 더블 데크가 유행하던 시절, 집에 사둔 테잎 들은 물론 라디오에서 흘러 나오던 곡 들을 녹음해 둔 것을 이용해 나만의 믹스 테잎을 여럿 만들곤 했었는데, 당시 좋아하던 이에게 늦은 밤까지 정말로 엄선에 엄선을 거친 곡들을 테잎의 양면 가득 담아, 가수와 수록곡들도 작은 글씨로 빼곡히 써서 선물했던 기억이 떠올라서 나도 몰래 흐뭇해 졌다. 그 땐 정말 좋은 곡 한 곡을 찾기 위해 정말 많은 곡 들을 들었었고, 그 곡들을 나만의 콜렉션으로 만들기 위해 각각의 이름으로 명명된 믹스 테잎으로 나뉘어 담기도 했었다. 예전엔 이렇게 사라진 문화들을 보면 단순히 '그 때가 좋았었지..'하고 아쉬워하곤 했는데, 이제는 오히려 이런 추억과 청춘을 가질 수 있었다는 것에 다행스럽다는 생각이 든다.

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극 중 샘(엠마 왓슨)이 터널을 지날 때 차 뒷 좌석에서 일어나 두 손을 양쪽으로 펼치고 나는 듯한 포즈를 취하는 장면을, 스틸컷으로만 보거나 다른 영화에서 봤다면 아마 손발이 오그라들었지도 모르겠다. 그런데 놀랍게도 이 장면은 이 영화에서 가장 감동적이고 인상적인 장면이었다. 청춘을 다룬 영화들에는 간혹 허세나 미화되는 경향이 있는데, '월플라워'에는 전혀 이러한 점이 없음에도 무한한 청춘의 에너지를 가슴으로 느낄 수 있었다. 그리고 몹시도 우정이 그리워졌다. 내 뜨거운 청춘은 다 지나가 버렸을까? 아님 아직도 무한한 가능성으로 남아 있을까.

1. OST가 너무 좋아요. 국내에도 라이센스로 발매되었는데 안지를 이유가 없습니다.

2. 곧 퍼시 잭슨 2가 개봉 예정인데, 이젠 퍼시 잭슨으로 분한 로건 레만이 더 어색할 것 같네요.3

3. 엠마 왓슨의 매력을 다시 보게 된 영화였어요. 헤르미온느도 물론 매력적이었지만, 마법 없이도 매력적인 그녀. 역시 최고의 머글이군요 ㅎㅎ

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

드디어 <에반게리온 : Q> 국내 개봉일이 일주일 앞으로 다가왔는데요, 그에 앞서 프리미엄 전야제의 내용이 공개되었습니다. 메가박스 홈페이지를 통해 프리미엄 전야제의 장소를 신청 받는 이벤트를 진행했었는데, 메가박스 코엑스 점과 목동점, 영통점 세 곳으로 최종 선정되었으며, 개봉일 하루 전인 4월 24일(수) 오후 8시에 상영이 확정되었습니다.

특히 코엑스에서 열리는 전야제의 경우 M2관에서 열리게 되어 더 기대가 되네요. 이번 전야제를 비롯해 전국적으로 코엑스/강남/신촌/이수/영통/대전/대구/울산/전주/해운대 점에서는 일반 영수증 티켓이 아닌 <에반게리온 : Q> 한정 티켓을 각 지점별로 1만장 한정으로 배포된다고 합니다.

개인적으로 티켓을 수집하고 있는 터라 이 보다 더 반가운 일은 없을 거 같네요.

저는 어제 기자 시사회에 참석하여 다시 <에반게리온 : Q>를 먼저 볼 기회가 있었는데요, 시사회에서 받은 에바 한정 티켓은 아래 사진을 참고해주시면 되겠습니다.

에바 한정티켓 배포극장과 에반게리온 정식개봉관은 다르다고 합니다. 위에 언급된 10곳의 극장은 티켓 배포극장으로서, 유료전야시사회 티켓발권을 시작으로 전국 10만장 한정수량으로 배포되는 지점입니다.

시사회 후기를 짧게 하자면, 역시나 전율은 그대로였고 마지막을 준비한다는 느낌을 조금 더 받을 수 있었어요. 구체적인 리뷰는 스포일러가 될 수 있으니 (예전에도 이야기했던 것처럼 에바 Q는 아무런 정보 없이 가는 것이 가장 좋은 감상 방법입니다), 개봉 시점에 맞춰 자세한 리뷰를 올리도록 하겠습니다.

M2관에서의 관람도 기대되네요!

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

오블리비언 (Oblivion, 2013)

기억이라는 것의 존재

이 작품을 연출한 조셉 코신스키의 전작이 '트론'이라는 것도 모른 채, 그저 톰 크루즈 주연의 SF 영화라는 정보 만으로 보게 된 '오블리비언 (Oblivion, 2013)'은 괜찮은 SF 영화였다. 일단 전작 '트론'과 마찬가지로 미래 다운 디자인과 컬러로 표현된 이미지들을 아이맥스의 꽉 찬 스크린을 통해 감상하는 것 만으로도 눈요기는 충분한 작품이었다. 여기에 '드론'과 주인공이 타는 비행체 등의 곡선 디자인은 이 영화의 가장 큰 매력이라고 볼 수 있을 텐데, 이런 디자인 적인 측면 만큼이나 심오한 주제를 다루고 있으나 그 깊이가 충분하지 못한 것은 조금 아쉬웠다. 하지만 그 반대로 '오블리비언'이 던진 화두는 그 자체로 흥미로운 것이었다. 바로 기억에 관한 것 말이다.

ⓒ Universal Pictures. All rights reserved

'오블리비언'을 보다 보면 여러 SF 영화들의 향기를 맡을 수 있는데, 사실 이런 경향은 단지 이 작품만의 특성이라기 보다는 근래의 SF 영화들에서 전반적으로 발견되는 경향이라고 할 수 있겠다. 즉, 작정하고 새로운 것 만을 보여주겠다고 나서는 영화가 아니라면 무엇을 이야기하든 거의 기존 SF 명작들이 다루었던 주제나 설정 등에서 완전히 자유롭기는 어렵다는 얘기다. 그렇다면 결국 어떤 주제를 다룰 때 그 깊이가 남다르거나, 시각적으로 압도해야만 더 매력적인 SF 영화라고 할 수 있을 텐데, '오블리비언'은 후자는 충분히 만족스러웠으나 전자는 그 가능성 만을 던져 놓은 작품이라 해야겠다. 그래서 인지 영화가 다 끝나고 나서, 분명히 모든 이야기를 다 마무리 했음에도 속편이 나왔으면 하는 바램이 들 정도였는데, 반대로 이야기하자면 이 영화가 다루려 했던 '기억'에 관한 시선은 제법 흥미로운 것이었다.

(아래 단락은 스포일러가 있습니다)

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'오블리비언'의 스토리는 크게 새로울 것은 없다. SF 영화를 여럿 본 관객이라면 다음을 유도하는 카메라 앵글만 봐도 '아, 다음은 어떻게 되겠구나'라고 어느 정도 예상할 수 있을 정도다. 톰 크루즈가 연기한 잭 하퍼의 이야기가 전개될 수록 잭 하퍼가 본인이 아닐 수 있겠다는 예상은 어렵지 않게 할 수 있는데, 이 영화가 좀 더 흥미로웠던 것은 바로 그 다음이었다. 이미 복제된 존재가 스스로의 존재 가치를 고민한다거나 혹은 그 존재의 가치에 대해 화두를 던지는 것이 대부분인데, '오블리비언'은 진짜와 가짜에 대한 상대적인 논의보다는 무엇이 진짜를 진짜 답게 만드는 지에 대해 이야기하고자 한다. 영화가 선택한 조건은 바로 '기억'이다. 만약 일반적인 경우라면 오리지널과 복제된 존재 간의 공통점 혹은 차이점에 대해 이야기하겠지만, '오블리비언'에는 오리지널이 현존하지 않는 다는 것, 그래서 복제된 가짜들만 존재한다는 것이 다른 이야기를 만들어 낸다.

그런데 관객은 처음부터 이 가짜에게 공감대를 느끼며 영화를 따라왔기에 나중에 등장한 가짜 잭 하퍼와 달리, 이 가짜를 사실상 오리지널로 판단하게 된다. 그런데 재밌는 건 이렇게 깨어있는 존재가 영화 초반부터 등장한 잭 하퍼 뿐이 아니라는 것이다. 더 정확히 이야기하자면 영화는 말미에  '내가 바로 잭 하퍼다'라고 말하는 또 다른 잭 하퍼를 완전히 인정해 버린다. 즉, 같은 기억을 공유하고 있는 같지만 다른 존재 들을, 명확히 같은 진짜의 잭 하퍼로 인정하고 있는 것이다. 이 지점이 이 영화에 가장 흥미로운 점이자 가장 아쉬운 점이기도 했는데, 이렇게 다른 복제 된 존재를 또 다른 존재가 아닌 복제된 오리지널과 동일한 진짜로 인정할 수 있다는 영화의 선택은 몹시 흥미로운 것이지만, 이런 흥미로움을 더 깊이 있고 매력적 이게 표현해 내기엔 부족했던 영화의 깊이 때문에 아쉬움으로 느껴지기도 했다.

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이렇게 민감하거나 철학적으로 여지가 있는 스토리는 드라마 장르보다도 더 치밀한 구성을 요구하게 되는데, 그런 면에서 '오블리비언'은 세심한 작품은 아니다. 디테일 한 퍼즐 맞추기로 관객의 호기심을 자극하기 보다는, 눈길을 확 잡아 끄는 디자인과 스케일 그리고 분위기로 느슨하게 전개되는 영화다. 그렇기 때문에 영화의 마지막 내내 간직하고 있던 비밀이 한 번에 풀려 버릴 땐 시원함 보다는 소소한 해소만이 느껴질 뿐이다. 그렇다고 액션이 강조된 영화도 아니라 조금은 어중간한 느낌도 있는데, 그런 면에서 감독의 전작인 '트론'이 겹쳐지는 면도 있었다.

하지만 그래도 결론적으로 이야기하자면 '오블리비언'은 괜찮은 SF영화였다. 더 심오할 수도, 더 박진감 넘칠 수도 있었다는 점에서 아쉬움과 매력이 동시에 느껴졌던.

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1. 개인적으로는 알렉스 프로야스가 연출을 했더라면 어땠을까 하는 아쉬움이 남네요.

2. 이 영화가 매력적인 첫 번째 이유는 역시 톰 크루즈.

3. 극 중 잭이 몰던 비행체는 모형이 나오면 하나 구입하고 싶을 정도. 물론 만족할 만한 수준으로 나온다면 가격이 문제겠지만요;;

4. '장고'에 이어 연이어 보게 된 조이 벨도 반가웠고, '왕좌의 게임'에 킹슬레어 니콜라이 코스터-왈다우도 반가웠어요.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

에반게리온 : Q 개봉에 앞서 만연한 불법 다운로드를 논하다
꼭 극장에서 봐야만 하는 영화가 바로 '에반게리온 : Q'

불법 다운로드라는 말을 꺼내는 것도 이제는 우습다. 아니 다운로드 앞에 '불법'이라는 말을 붙이는 것도 혼자 깔끔 떠는 것 같아 불편할 정도다. 실제로 내 가까운 주변만 봐도 불법 다운로드는 거의 생활화, 문화가 된 지 오래다. 몇년  전까지만 해도 내가 mp3나 영화를 불법 다운로드 받는 것에 대해 불편해 한다는 걸 알고 있었기 때문에 적어도 주변 사람들은 최소한 내 앞에서는 자유롭게 이야기하지 않았었는데, 이제는 그것조차 포기한 지 오래다. 누군가 토렌트라는 단어를 꺼낼 때, 어제 무슨 영화 받아서 봤다는 얘기를 할 때, 출근 길에 다운 받은 영화를 보다가 왔다는 얘기를 할 때 (물론 여기서 말하는 다운은 불법 다운이다), 전혀 흔들림이 없다는 걸 어렵지 않게 알 수 있다. 왜냐하면 더 이상 불법이냐 합법이냐의 수준이 아니라 '당연한' 수준이 되어버렸기 때문이다.

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이렇게 포기한 나도 몇 년에 한 번 씩은 울컥해서 불법 다운로드에 대해 글을 쓰기도 했었는데, 그 때마다 최소한으로 바랬던 것은 그냥 최소한 불법 다운로드를 자랑하지는 말자 라는 것, 이게 잘못이라는 것 정도는 알고 저지르자 하는 거였다. 곧 국내 정식 출시 예정인 호소다 마모루의 '늑대아이' 블루레이에 참여를 하게 되면서, 어쩌면 그 동안 잘 신경 쓰지 않았던 국내 불법 다운로드 문화의 실체를 좀 더 들여다 볼 기회가 있었는데, 너무나 자연스러운(?) 그 문화에 당황스러울 정도였다. '늑대아이' 블루레이의 일본반 출시에 맞춰 트위터를 보니 정말 가관도 아니더라. 그냥 다운 받았다는 것을 자랑하는 것 정도가 아니라, 이렇게 불법 다운 받은 영상에 자막 작업을 하게 되어 영광으로 생각한다느니, 무슨 님의 자막을 기다리고 있다느니, 이들에게는 이미 아무런 심리적 부담이나 허들이 없어 보였다. 그나마 패키지 시장에서 온라인 다운로드 그리고 불법 다운로드의 변화를 겪은 세대인 나와는 달리, 처음부터 불법 다운로드로 문화를 즐기기 시작한 어린 세대들에게는 전혀 거리낌이 없는 문화 그 자체였다.

불법 다운로드에 대해 이야기할 때마다 하는 얘기지만, 이건 다운로더 만을 탓하기는 어렵다. 이를 조장하다시피 한 사회 구조에 근본적인 문제가 있다고 할 수 있을 텐데, 웹하드 시장이 대세이던 시절 더 적극적으로 불법 다운로드를 단속했더라면 지금 같이 심한 상태는 아마 벌어지지 않았을 것이다. 하지만 웹하드 사업이 흥하던 시절이었기 때문에 이는 자연스럽게 묵인되었고, iptv가 대세가 되고 나서야 (돈 되는 사업이 되고 나서야) 그나마 iptv에 반하는 불법 다운로드에 대해 단속이 시작되었다고 해도 과언이 아닐 것이다. 하지만 이 때는 이미 불법 다운로드가 더 이상 불법이 아닌 지경이 되어버렸고, 허울 뿐인 단속과 캠페인 그 이상도 이하도 아니었다.

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매번 불법 다운로드에 대해서 말하고자 하면 하게 되는 넋두리가 길어졌는데, 어쨋든 이번 '에반게리온 : Q' 개봉을 앞두고 또 한 번 불법 다운로드와의 불편함 (전쟁이라고 하기엔 이미 한 쪽이 너무 강하다)을 이야기하지 않을 수 없었다. 왜냐하면 국내 극장 개봉 일인 4월 25일 하루 전인 24일에 일본에서 블루레이가 출시되기 때문이다. 즉, 운명적으로 '에반게리온 : Q'는 자기 자신과 경쟁하지 않을 수 없게 되어버렸다.

만약 지금이 불법 다운로드의 초창기(?)였다면 아마도 '불법 다운로드는 불법이라 절대 안되욧!'이라는 말로 설득하려 했을 것이다. 하지만 이미 여러분들이 더 잘 알다시피 이런 말이 통하는 시대는 지난 지 오래다. 그러면 굳이 8천원이 넘는 돈을 들여 (이런 말을 써야 하는 자체가 마음 아프지만 ㅠ) '에반게리온 : Q'를 극장에서 봐야 할 이유가 있느냐고 물을 수 있을텐데, 단연코 '그렇다'고 답할 수 있겠다. '에반게리온 : Q'는 스케일과 규모가 상당히 중요한 비중을 차지 하는 작품인 동시에, '에반게리온 : 파'와는 달리 시네마스코프로 제작된 작품이기 때문이다.

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알다시피 '에반게리온 : 서'와 '파'는 모두 1.85:1의 화면비로 제작된 영화였다. 그렇기 때문에 안 방에서 좋은 시스템을 갖추고 있다면 충분한 재미를 (어느 정도는) 느낄 수 있었는데, 이번 '에반게리온 : Q'는 2.35:1의 시네마스코프로 제작된 작품이라 이 것만으로도 극장에서 봐야 할 이유는 충분하다고 할 수 있겠다. 실제로 지난해 겨울 일본 극장에서 '에반게리온 : Q'를 보았을 때 시네마스코프 화면의 스케일을 확실히 체험할 수 있었는데, '서'나 '파'에서는 경험하지 못한 스케일을 느낄 수 있었다. 시네마스코프의 영상은 TV나 모니터로 보았을 때 위 아래로 블랙바가 생기기 때문에 꽉 찬 느낌을 받기 어렵기 때문에 극장에서 스크린을 통해 봐야 만 제대로 된 경험을 할 수 있을 것이다. 작품에 대해서는 스포가 될 수 있어서 더 말하기 어렵지만 이번 'Q'는 이 시네마스코프를 적극적으로 활용한 장면들이 많기 때문에 극장에서의 관람이 더더욱 최선일 수 밖에 없다는 점은 아무리 강조해도 과하지 않을 듯 하다.

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사실 나는 에바 덕후들이 새로운 에바 시리즈를 방구석에서 불법 다운 받아 감흥 없이 볼 것 같다라고는 생각지 않는다. 덕후들은 자신들이 좋아하는 일에 시간이나 돈을 투자하는 것에 소극적이지 않기 때문이다. 그래서 '아이언맨 3'와 같은 날 개봉하는 것도 크게 신경 쓰지 않는 부분이기도 하고.

'에반게리온 : Q'를 불법 다운 받아서 집에서 보는 건 결국 자기 손해다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

[블루레이] 라이프 오브 파이

믿음을 말하는 거대한 이야기

이안에게 제 85회 아카데미 시상식의 감독상을 안겨준 영화 '라이프 오브 파이 (Life of Pi, 2012)'는 복합적으로 흥미로운 작품이었다. 개인적으로 좋아하는 영화의 두 가지 스타일은 각각 정반대의 경우인데, 하나는 영화가 말하고자 하는 바가 너무나 분명해서 이를 영화가 이끄는 대로 끝까지 따라간 뒤 영화가 맺은 마지막에 동의하거나 그렇지 않거나 를 선택하면 되는 경우고, 다른 하나는 영화는 적게는 두 가지의 길을 많게는 모든 것이 다 가능하도록 설계 되어 있어서 영화 스스로는 답을 하지 않은 채 관객에게 질문을 던지는 경우다.

이안 감독의 '라이프 오브 파이'가 흥미로운 것은 보는 이에 따라 이 두 가지가 모든 가능하도록 만들어진 작품이기 때문이다. 꼭 보는 이에 따라서가 아니라 같은 사람에게서도, 곱씹어 보기에 따라서 명확하다고 생각했던 부분을 정반대의 경우로도 생각해볼 수 있고, 반대로 열려있다고 여긴 지점이 너무도 분명한 주장이었다는 것을 발견할 수 있기도 하기 때문이다. 하지만 이 영화가 넓게 보았을 때 '믿음'에 관한 영화라는 점만은 분명한 것 같다. 믿거나 말거나 말이다.

(스포일러가 있을 수 있습니다)

'라이프 오브 파이'의 이야기는 영화 후반부에 파이가 작가와 관객 모두에게 던지는 질문처럼 두 가지 이야기 중 무엇이 진실인가도 중요하지만, 그 가운데 어떤 것이 진실인가 라는 것보다는 둘 중 하나 혹은 모두가 다 이야기일 수 있다는 것이 더 흥미롭게 느껴진다. 우리가 영화 내내 공감하고 따라왔던 파이가 들려준 리차드 파커와의 '이야기'는 물론이고 이 이야기를 믿지 못하는 일본 선박회사 사람들에게 들려준 참혹한 이야기 역시 '이야기'일 수 있다는 점이다.

사실 영화를 보는 동안에도 내 생각은 불분명 했었다. 파이가 영화 내내 들려준 이야기에 흠뻑 빠져 한 순간도 의심하지 않았던 적도 있었고, 마지막 파이가 일본 선박 회사사람들에게 눈물을 흘리며 다시 이야기를 들려 줄 땐 '아!'하며 진실이 무엇인지 반대로 의심하지 않게 되었었다. 하지만 극장을 나오며 다시 곱씹어 본 영화는 과연 어떤 것이 진실인가를 넘어서서, 내가 더 믿고 싶은 것은 어느 쪽일까에 대해 생각해 보게 되었다. 어쩌면 영화가 궁극적으로 묻고 싶었던 바로 그 부분 말이다.

처음에는 단순하게 실제 참혹했던 일을 이렇듯 비유로 만들어낸 파이의 이야기에 목적성이 있다고만 생각했었다. 실화를 바탕으로 하고 있는 이 이야기(편의상)에서 내가 파이였다면 이런 오인 혹은 회피의 과정 없이 남은 삶을 이어갈 수 있었을까 하는 생각으로, 여기에 대입해 인간이란 무엇이든 믿는 바 대로 자신을 컨트롤 혹은 속일 수 있는 존재라는 메시지에 다다랐는데, 좀 더 생각을 이어가다 보니 이런 방식으로의 회피나 왜곡을 과연 옳다고 할 수 있을까에 대한 질문에 이르렀다.

만약 이 이야기를 근거로 파이에게 일어났던 실제의 일들을 유추해 본다면 (식인 섬을 비롯) 파이가 처했던 상황을 이해한다고 해도 어디까지 용인할 수 있는 가에 대해 쉽게 답하기가 어려웠다. 즉, 리차드 파커는 사실상 파이의 또 다른 자아가 표현된 것이라고 볼 수 있을 텐데, 이를 유체이탈 화법을 통해 3인칭 시점으로 본다면 리차드 파커를 탓하기는커녕 안쓰러움마저 들게 된다. 하지만 이것은 어디까지나 리차드 파커를 타자로 인정했을 때의 얘기지, 이것이 파이 본인의 이야기라면 답변은 달라질 수 밖에는 없다.

사실 여기서 리차드 파커의 이야기가 사실 파이 본인의 이야기였다는 것보다 더 중요한 건, 파이가 스스로 리차드 파커로 타자화 하여 또 다른 이야기의 가능성을, 또 다른 진실의 가능성을 만들었다는 데에 있는지도 모르겠다. 다시 말해 파이 스스로가 작가에게 이 이야기를 듣고 나면 신의 존재를 믿게 될 것이다 라는 식으로 의도한 것 자체가 비판적인 측면으로 접근할 수도 있다는 얘기다.

그렇다 보니 새삼 '라이프 오브 파이'가 '영화'라는 점을 자연스럽게 떠올려 보게 되었다. 모든 영화는 '영화'에 관한 영화라는 얘기처럼 이 작품 역시 같은 맥락으로 생각해볼 수 있었다. 영화라는 것은 2시간 정도의 시간 동안 감독이 철저히 주도권을 쥐고 관객을 믿게 만들거나 오해하게 만드는 예술이다. 즉, 어떤 영화라도 '만들어 졌다'라는 태생적 요소를 부정할 수 없다는 얘기인데, 그런 측면에서 '라이프 오브 파이'의 거의 대부분은 특히 더 가짜의 것들로 채워졌다는 점이 흥미롭다.

믿음에 관한 영화임에도, 아니 그래서 인지 몰라도 이 영화의 대부분은 가짜로 '만들어 진' 것들이다. 호랑이 리차드 파커는 물론 대부분 CG로 만들어졌고, 바다도, 하늘도, 대부분의 배경들도 CG로 만들어졌다. 그러니까 이 영화는 만들어진 것들이 겹겹으로 쌓여 복합적인 구조를 만들어내고 있는 영화다. 이 허구로 쌓인 겹겹의 구성이 본래의 진실을 더 강하게 만들고자 함인지, 반대로 본래의 진실 혹은 거짓마저 강하게 부정하려 하는 것인지는 잘 모르겠다. 모르겠다 라기 보다는 어느 한 쪽을 선택하고 싶지 않은 건지도 모르겠다.

영화는 처음부터 '믿는다'는 것에 대한 이야기로 몇 가지 테마를 던진다. 첫 번째는 수영장의 이름에서 따온 파이의 이름이 다른 의미로 읽혀 겪게 되는 과정을 통해, '이름'이라는 것 즉, 불리는 기호로서의 이름에 대해 다룬다. 조련사와 동물의 이름이 바뀌어 그대로 불리게 된 '목마름'과 '리차드 파커'의 경우도 마찬가지다. 영화는 이 '이름'이라는 것의 에피소드를 통해 부르기 전부터 존재했던 것 혹은 부르기에 따라 달라질 수 있는 것이라는 의미와 함께 믿음에 관한 이야기를 조금씩 시작한다.

그리고 그 다음에는 직접적으로 종교에 관한 이야기를 꺼내 든다. 파이가 종교를 만나고 믿게 되는 과정은 이 영화의 주제와 상당히 직접적으로 연결되어 있다고 볼 수 있을 텐데, 힌두 신이 예수님을 소개해주고, 예수님이 알라 신을 소개 해주었다는 식의 전개는 어쩌면 지금의 종교 논리로는 이해하기 어렵지만, 이 영화가 말하고자 하는 근본적인 '믿음'에 관한 측면에서는 자연스럽게 이해될 수 있는 전개였다.

여러 가지 종교를 이토록 직접적으로 다루면서도 모든 종교에게 거리낌 없이 받아들여지는 영화는 아마 그리 많지 않을 것이다. 더 나아가 '라이프 오브 파이'가 종교를 다루고 있는 방식은, 종교를 믿는 우리가 흔히 범하는 실수인 '믿음'이 아닌 종교 그 자체를 믿고 있는 현실을 자연스레 환기시키는 역할도 하고 있다. 종교에 대한 이야기의 비중이 러닝 타임 상으로는 그리 많지는 않았지만, 그럼에도 이 영화가 종교를 다루고 있는 방식은 그 어떤 영화보다 탁월하고 솔직했다.

이름과 종교를 아우르면서 믿음에 관한 것을 풀어내고 있는 것은 결국 '이야기'다. 이 영화는 결국 파이가 작가에게 들려주는 '이야기'의 형태를 취하고 있으며, 관객은 작가와 마찬가지로 이야기를 듣는 입장으로 파이가 겪은 일들을 듣게 된다. 파이는 작가에게 이야기한다. 내 이야기를 어떻게 믿느냐는 당신에게 달렸고, 이제 더 이상 내 이야기가 아닌 당신의 이야기라고. 이것은 앞서 이 영화를 '영화'에 대한 영화로 보았을 때 더 직접적인 메시지가 된다. 많은 관객들은 영화를 보고 나서 간혹 감독의 의도나 결론이 무엇인지에 더 초점을 맞추기도 하는데, '라이프 오브 파이'가 말하고자 하는 것은 영화라는 것은 감독의 예술이기는 하지만 결국 관객이 완성하는, 관객 한 명 한 명 각자의 것이 될 때 더 큰 의미가 있다는 것을 전달하려 하고 있다.

마지막으로 영화는 매우 직접적으로 관객에게 묻는다. '당신은 어떤 이야기를 믿겠습니까?'라고. 이 글을 시작할 때만 해도 결론을 내릴 수 없겠다 라는 것에서 시작했지만, 결론을 내려보자면 지금은 답할 수 없다 정도일 것 같다. 다시 말해 이 대답은 대답을 하는 시점에 따라 달라질 것 같다. 그런데 솔직히 인정하지 않을 수 없는 건, 내 마음 한 켠에서는 간절히 믿고 싶어하는 '의지'가 있다는 것이다. 이걸 논리적으로 설명하자면 필요 없이 장황해질 것만 같은데, 어찌되었든 무언가를 아무 조건 없이 믿고 싶어하는 마음이 있다는 것이 '라이프 오브 파이'를 통해 다시 한 번 확인하게 된 '사실'인 것 같다. 그것이 맹목이라는 이름으로 불리던, 신앙이라는 이름으로 불리던, 믿음이라는 이름으로 불리던 말이다.

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Blu-ray : Video

MPEG-4 AVC 포맷의 풀HD 화질은 그야말로 놀라움의 연속이다. 블루레이 리뷰를 작성하면서도 모든 스크린 샷을 다 화질 소개 용으로 써도 무방할 만큼, 화질의 우수성을 보여주는 장면들이 거의 대부분이다. 극장에서 볼 때도 화질이 좋게 느껴졌었는데, 블루레이의 화질이 보여주는 체감도는 그 이상이다.

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본문에도 이야기했던 것처럼 '라이프 오브 파이'는 CG의 활용도가 상당히 높은 작품인데, 극도의 디테일 한 표현으로 인해 '이게 진짜 블루레이 화질이구나'라는 생각이 절로 들 정도다. DVD의 화질이 아무리 좋다 한들 '라이프 오브 파이'를 DVD로 보면 감흥이 있을까 싶을 정도로 블루레이의 화질은 압도적이다. 표류하는 시간이 길어질수록 변해가는 파이의 피부 상태는 작은 상처 하나도 세심하게 표현하고 있는 화질을 통해 더 실감나게 확인할 수 있으며, 오랑우탄 '오렌지주스'의 털과 피부의 표현은 물론 그녀(?)의 표정 연기마저 돋보이게 만들 정도로 얼굴의 주름 하나까지 잡아낸다.

파이와 리차드 파커가 섬에 도착하게 되면서부터는 그야말로 화질의 깨알 같은 디테일을 확인할 수 있는데, 특이하고 잔 줄기가 많은 녹색 나무들의 갈라짐과 셀 수 없이 많은 미어캣들을 화면 가득 잡아내는 장면은 나도 모르게 '와!' 소리가 나올 정도로 놀라운 화질을 보여준다. 장면 자체가 자연 다큐멘터리 같은 아름다움과 경이로움을 주기 때문이기도 하지만, 분명 그 놀라움 가운데는 선명하고 날카로운 화질로 표현되는 미어캣 한 마리 한 마리의 표현력 때문이기도 하다.

어두운 장면에서도 화질의 우수성은 잘 드러난다. 특히 '라이프 오브 파이'의 어두운 장면들은 완전히 어두운 장면이라기 보다는 반사광이 화려하게 표현된 장면이라던가, 미미한 광량으로 인해 아직은 밝기가 남아있는 장면들이 많은데, 어쩌면 애매하게 표현될 수 있는 그 어슴푸레한 순간을 딱 그 수준의 광량이 느껴질 정도로 표현해 내고 있다. 또 어두운 밤 바다를 배경으로 바다와 하늘의 경계가 무너진 순간에 네온처럼 빛을 발하는 물고기들이 등장하는 장면은 장관인 동시에 블루레이 화질에 또 한 번 만족하게 되는 순간이기도 하다.

Blu-ray : Sound

DTS-HD MA 7.1 채널의 사운드 역시 레퍼런스로 평하기에 손색이 없다. 임팩트와 밸런스가 모두 수준급인 사운드를 수록하고 있는데, 파이가 난파되기 이전까지는 영화 음악과 함께 편안한 사운드를 주로 들려주다가, 침몰 되는 장면에서부터는 '퍼펙트 스톰' 부럽지 않은 강렬한 폭풍우를 안방으로 가져온다. 실제로 이 전까지 편안하게 영화를 즐기다가 이 장면에서 나도 모르게 볼륨을 줄이게 되었을 정도로, 침몰 순간의 혼란스러움이 휘몰아치는 사운드로 고스란히 느껴졌다.

리차드 파커의 으르렁 거리는 사운드 역시 굉장히 공간감 있게 울리는데, 특히 처음 리차드 파커가 배 아래에서 등장할 때의 그 사운드 적인 임팩트는, 깜짝 놀라 마치 영화 속 파이처럼 몸을 뒤로 젖혀 지게 만들 정도다.

또 하나 사운드 적인 묘미를 만끽할 수 있는 장면이라면 역시 물고기 떼가 등장하는 장면일 텐데, 복잡한 가운데 오히려 작은 소리들을 하나 하나 확인할 수 있을 정도로 사운드의 디테일이 돋보인다. 물고기 떼가 날아오는 소리와 다시 물 속으로 입수와 날기를 반복할 때 나는 마찰음 그리고 여기에 파이의 몸에 부딪혀 나는 마찰음까지, 적지 않은 소리들이 섞여 있음에도 개별의 소리가 잘 살아있는 장면이었다.

Blu-ray : Special Features

3D버전과 2D버전의 합본으로 출시된 블루레이 타이틀은 2장의 디스크에 나뉘어 수록되었다. 첫 번째 디스크에는 3D본편과 부가영상이, 두 번째 디스크에는 2D본편과 부가영상이 수록되었는데, 첫 번째 디스크에는 삭제 장면과 시각효과 과정에 대한 부가 영상 등이 수록되었으며 본격적인 부가영상은 두 번째 디스크에 수록 되어있다.

삭제 장면은 총 5가지가 수록되었는데 '아난디의 두 번째 춤'에서는 본편에서는 짧게 등장했던 아난디의 춤을 훨씬 더 긴 버전으로 만나볼 수 있는데, 이 버전을 본다면 극 중 파이처럼 아난디의 다양한 표정과 춤사위에 반하게 될지도 모르겠다. '해피 버스데이'는 물고기 떼가 지나간 이후, 바다 위에서 엄마의 생일을 기념하는 장면으로 파이가 낚시 등에 더 익숙해져 있는 모습을 확인할 수 있다. 그 밖에 파이가 리차드 파커의 몸짓과 소리를 그대로 흉내 내는 장면도 만나볼 수 있다.

'시각효과 과정'에서는 포스트 비즈, 프리비즈, 플레이트, 최종 버전 등으로 나뉘어 각각 시각효과가 최종적으로 적용되기 전 과정들을 보기 쉽게 설명해주고 있으며, 애니메이션을 통한 사전 시각화 과정 역시 비교하기 쉽게 소개해 준다.

두 번째 디스크에서 가장 대표적인 부가영상이라면 '감독의 여정'을 꼽을 수 있을 텐데, 1시간이 넘는 러닝 타임 동안 이안 감독을 중심으로 이 영화가 어떻게 기획되었고, 촬영 기간 동안 어떤 일들이 있었는지를 상세히 들려준다. 무려 4년이라는 제작 기간은 신념과 신뢰 없이는 불가능한 여정이었는데, 이안 감독과 제작진들은 마치 파이가 바다를 건널 수 있다고 믿었던 것처럼 이 작품을 영화화 할 수 있다는 신념이 있었고, 신뢰로 이어져 4년이라는 긴 시간을 가족처럼 버텨낼 수 있었다는 걸 알 수 있었다.

우스개 소리로 영화에서 절대 하지 말아야 할 3대 요소인 아이들, 동물, 물이 모두 나오는 영화라서 처음에는 모두들 꺼려한 아이템이기도 했다는데, 원작자 얀 마텔도 인터뷰를 통해 이야기하듯 처음 폭스가 영화화를 위해 판권을 구매하려 한다는 소식을 들었을 때 미쳤다고 생각했을 정도로 부정적이었다고 한다. 영화로 만들기에는 너무 복잡한 구조라고 여겼기 때문이었는데, 이안 감독과 제작진이 만들어 내는 과정 들을 보며 조금씩 가능성을 엿보게 되었다고 한다.

처음 영화사에 프리젠테이션 용으로 사용했던 다양한 컨셉 아트 장면들도 만나볼 수 있었는데, 영화 장면과 비교해도 손색이 없을 정도, 아니 오히려 더 예술적인 면모가 부각된 작품들로 감독이 연출하는 데에 많은 도움을 주었다고 한다. 그리고 영화의 중요한 비중을 차지하는 CG호랑이 때문에 철저한 사전 시각화 작업을 거칠 수 밖에는 없었는데, 실제 촬영에 들어가기 전 사전 시각화 작업에만 약 1년의 시간이 소요되었다고 하니 관객이 보게 된 결과물이 얼마나 오랜 시간 공들여 나온 '자연스러움'인지 새삼 느낄 수 있었다.

주인공 파이 역할을 맡은 수라지의 카메라 오디션 동영상도 만나볼 수 있는데, 수라지가 이 영화에 캐스팅 되기 된 계기가 우리가 흔히 듣는 바로 그 케이스, 동생 오디션에 따라 갔다가 우연히 캐스팅 된 경우라는 점도 흥미로웠다. 연기 경험이 전혀 없던 그에게 '라이프 오브 파이'가 주는 의미가 어느 정도 인지도 엿볼 수 있었다. 수라지는 영화 촬영 전에는 수영을 할 줄 모르는 것은 물론, 평생 바다를 직접 본 적도 없었다고 하는데, 수영을 배우고 보트 위에서 생존을 배우는 트레이닝 과정 자체가 수라지에겐 영화 속 파이처럼 큰 도전이자 모험이었다는 얘기도 만나볼 수 있다.

그리고 이 영화는 대부분이 대만에서 촬영되었는데, 대만에서 촬영한다는 건 이안에게는 큰 도전이었다. 이 정도 규모의 영화 촬영을 해본 적이 없는 대만이었지만 이안에게는 다양한 시설의 제작은 물론, 시장과 총리까지 직접 촬영장을 찾아 격려하는 등 적극적인 지원을 아끼지 않았기에 영화 제작 사상 가장 큰 파동 수조를 제작할 수 있었다는 뒷 이야기도 들려준다. 이 초대형 파동 수조는 그 제작과정만 봐도 얼마나 엄청난 규모인지를 실감할 수 있는데, 부가영상에서 이에 대해 자세히 소개해 준다.

부가영상을 통해 알게 된 사실 가운데 가장 흥미로웠던 것 중 하나는 리차드 파커, 즉 호랑이에 관한 내용들이었는데, 자연스러운 CG호랑이를 만들어 내기 위해 기술적으로 엄청난 조사와 시간을 투입한 것은 물론이요, 그와는 별개로 실제 호랑이 조련사의 적극적인 참여를 통해 더 진짜 같은 리차드 파커를 만들어낼 수 있었다는 걸 알 수 있었다. 실제로 이안 감독은 조련사인 티에리에게도 각본가의 공을 주어야 한다고 말할 정도로, 이안이나 각본가 혹은 애니메이터가 알지 못했던 호랑이의 습성과 심리를 티에리가 조언해 주었으며, 그의 말을 듣고 각본이 수정된 경우도 많았을 정도로 단순히 호랑이를 조련하는 것이 아닌 영적인 교류를 한다는 그의 방식을 그대로 따랐다고 한다. 그리고 영화를 설명하며 이야기했던 것처럼 이 작품에 등장하는 장면들은 상당 부분이 기술을 통해 만들어진 것이긴 하지만, 이 기술과 표현들이 얼마나 디테일하게 현실에 철저히 기반을 두고 임했는지를 깨달을 수 있었다.

그리고 마지막으로 영화의 주된 촬영 장소였던 대규모 파동 수조 세트에서의 촬영 이야기와 함께 3D 촬영에 대한 이야기도 수록되었다. 이안 감독은 처음부터 공간적인 규모와 범위를 느끼게 하려면 3D가 가장 효과적이라는 판단에 이 이야기를 3D로 촬영해야겠다는 계획을 가지고 있었다고 한다. '라이프 오브 파이'의 3D는 극장에서 볼 때도 그랬지만 3D 입체 효과를 일부러 과장하려고 하지 않고, 있는 그대로의 깊이를 표현하는 데에 집중하고 있으며 더 나아가 3D를 통해 감정을 전달하려고 노력하고 있다는 점이 다른 3D영화들과의 차별 점이라고 할 수 있을 것이다. 그리하여 '라이프 오브 파이'는 지금까지 나온 3D 영화들 가운데서도 단연 손꼽히는 3D영화가 될 수 있지 않았나 싶다.

'경이로운 영상'에서는 말 그대로 영화 속 경이로운 장면들이 어떻게 만들어 졌는지에 대해 집중적으로 소개하고 있는데, 특수효과 차원이 아니라 예술을 만들자는 취지에서 가능했던 작업이었음을 알 수 있었다. 이 작품의 영상 작업이 특별히 어려웠던 점은 영화의 이야기 상 가장 사실적으로 표현해야만 하는 숙명을 갖은 작품인 동시에, 대부분이 물 위에서 진행된다는 점 때문에 실제 촬영한 물과 CG로 만든 물이 자연스럽게 섞여야 했으며, 그 안에 CG캐릭터인 리차드 파커와 실사 캐릭터인 파이가 섞여 있고 이 모든 것들을 3D로 촬영된다는 점을 또 한 번 염두 해야 했기 때문에, 다른 작품들에 비해 곱절은 어려운 작업이었다. 여기에 더 나아가 기술적 완성도만을 추구하는 것이 아니라 감정을 싣는 것이 무엇보다 중요한 작품이었기에 더 오랜 시간이 필요했던 작업이었음을 그 과정을 통해 엿볼 수 있었다.

'생생한 벵갈 호랑이의 탄생'에서는 영화 속 리차드 파커의 제작 과정을 소개하고 있는데, 단순히 100% CG캐릭터로 표현하는 것이 아니라 실제 호랑이와 CG호랑이가 지속적으로 교차하는 방식이라 자연스러운 연결이 필요해 더 고도의 기술을 필요로 했던 작업이라는 걸 알 수 있었다. 또한 영화 속에서 파이가 보트 위에서 리차드 파커를 훈련시키는 과정은 그 자체로 독립된 또 하나의 영화라고 할 수 있을 정도로 중요한 장면이었는데, 그렇기 때문에 파이와 리차드 파커와의 영적 교감을 관객들도 느낄 수 있게끔 하기 위해 앞서 소개했던 조련사 티에리의 조언이 각본에도 적극 적용되었다는 걸 한 번 더 소개하고 있다. 또한 천 만개가 넘는 털로 이뤄진 리차드 파커를 표현해 내기 위해 수없이 복잡한 작업을 반복했다는 것도 (이런 작업을 거친 리차드 파커가 물로 뛰어드는 장면도 있으니 말 다했다 -_-;) 소개하고 있다.

그 밖에 마지막으로 갤러리와 총 7가지 장면의 스토리 보드가 수록되었다.

[총평] 이안 감독의 '라이프 오브 파이'는 결말이 열려있는 것인지 아닌지가 중요한 것이 아니라, 영화가 담고 있는 메시지와 그 메시지를 표현하는 영상과 표현 만으로도 충분히 감동적이고 깊이 있는 올해의 명작이다. 영화적으로는 물론 압도하는 화질과 사운드 그리고 성숙한 3D영화의 교본으로서도 완벽한 블루레이 타이틀이기도 하다. '라이프 오브 파이' 블루레이는 압도적인 화질과 사운드를 즐기기 위해서도 가끔 꺼내보는 타이틀이 되겠지만, 다시 한 번 파이의 이야기를 통해 무언가를 느껴보고 싶을 때도 꺼내보게 될 그런 작품이 될 듯 하다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)