the Real Folk Blues

빽투더 퓨처 데이 스페셜 아이템은 감동 그 자체!

한국 시간으로 어제, 미국 시간으로는 오늘인 2015년 10월 21일은 영화 '빽투더 퓨처' 팬들이라면 아마 누구나 기억할 만한 날일 것이다. 바로 1편의 마지막에 마티와 브라운 박사가 마티의 아이들 문제를 해결하기 위해 미래로 떠나게 되는데, 바로 그 미래의 시점이 2015년 10월 21일인 것이다. 그래서 다른 날도 아니고 10월 21일에 '빽투더 퓨처 2'를 극장에서 관람한다는 것은 정말 큰 의미가 있는 일종의 이벤트였는데, 감사하게도 이런 이벤트를 더 풍성하게 해줄 만한 특별 아이템이 제작되었다. 어제 내가 관람한 상상마당에서의 특별 상영은 관객 전원에게 이 아이템을 제공하는 것으로 공지되어 약 2분만에 매진이 된 것으로 알고 있는데, 다행히 서둘러서 좋은 좌석을 예매할 수 있었다 (참고로 다른 극장에서는 예매자 추첨이나 선착순 등의 이벤트를 통해 소량 제공하는 것으로 알고 있다).

그렇게 받아보게 된 빽투더 퓨처 스페셜 아이템은 정말 스페셜이라는 말이 부족할 정도로 완벽하고 정성이 듬뿍 담긴 아이템이었다. 영화 관련 굿즈를 제법 수집하는 편인데, 근래 몇 년간 수집한 아이템 가운데 단연 최고다. 특히 깨알 같은 디테일과 팬이 아니면 담아 낼 수 없는 정성스러운 아이템들은 감동마저 느끼게 할 수준. 그래서 오랜만에 아이템 소개만을 위한 포스팅도 이렇게 작성하게 되었다.

맨 위의 검은 봉투를 개봉하면 위와 같은 아이템들을 확인할 수 있는데, 일단 스윽 봐도 감동이 밀려온다 ㅠㅠ

위의 아이템은 양면으로 되어 있는데, 1987년 국내 개봉 당시의 홍보 팜플렛 내용을 고스란히 담아내고 있다. 최근에는 이런 복고풍 스타일로 최신 영화를 홍보하는 경우가 종종 있는데, 이건 오리지널이라고 보면 되겠다. 주옥 같은 다시의 홍보 문구들과, 한문과 영어가 뒤섞여 있는 문구들을 보면 정감이 넘친다.

"그레이트 썸머 버케이션"! "S.스필버그의 팔칠 핫 프레센트!"
"30년의 시간 차이에서 착상한 크리스탈 유우머"

"써스펜스와 폭소가 믹스된 뉴 어드벤쳐-무비"

"한번만 읽으면 세배로 재미있는 말씀들 아홉개"

"BEST중 BEST만을 선택합니다!"

세 장의 카드와 두 장의 스티커도 수록되었는데, 카드에는 1987년 당시 국내 개봉과 관련된 내용들이 역시 수록되었다. 새서울극장의 당시 영화 시간표와 대한극장과 당시 7~10월까지 달력이 포함된 내용은 정말 어렴풋한 추억을 떠올리게 한다. 이건 당시 실제 아이템을 소장하고 있지 않고는 제작 불가능한 내용들이라 할 수 있겠다.

다른 세 장의 옆서도 만나볼 수 있는데 왼쪽부터, 1955년으로 돌아갔을 때 조지 맥플라이가 잠들기 전에 보고 있던 SF매거진의 커버 이미지와 2편에 가장 중요한 아이템 중 하나인 스포츠 연감, 그리고 골디 윌슨 시장 선거 관련 이미지가 수록되었다. 이런 작은 옆서에서도 디테일을 느낄 수 있다.

1편에서 마티가 여자친구인 제니퍼를 기다리다가 행인에게 시계탑을 살리자는 홍보 전단지를 받게 되는데, 그 전단지도 그대로 담겨 있다. 마치 종이의 질도 진짜 전단지 같은 느낌이 나는 디테일을 수록하고 있어 놀랐는데, 더 놀란 것은 아래 사진 때문이었다.

그 장면을 보면 제니퍼가 마티와 헤어지면서 전화번호를 전단지 뒤에 적어주는데, 이 아이템도 혹시 몰라 뒤집어 보니 바로 그 메모까지 그대로 깨알같은 디테일로 실려 있었다. 이런 디테일은 단순히 영화 관련 아이템을 소장하게 된 느낌이 아니라, 실제 영화 속에 사용 된 아이템을 소장하는 듯한 느낌을 갖게해 더 큰 만족으로 다가온다. 아..진짜!

이 신문을 보고도 그 디테일이 나도 모르게 탄성이 나왔다. 극 중 마티의 행동에 따라 과거가 달라지게 되는데, 그 달라진 과거를 확인할 수 있는 USA TODAY 신문과 브라운 박사의 과거를 확인할 수 있는 hill valley telegraph를 마치 진짜 신문과 같은 디테일로 만나볼 수 있다. 일단 종이의 질에서 진짜 신문지 같은 재질로 제작된 것이 디테일을 더하고, 기사의 내용들 실려있는 내용들의 깨알 같은 디테일이 놀라운 수준이다. 딱 하나 조심할 것은, 이 아이템을 소중히 다루지 않고 그냥 책상 위에 올려 두었다간 잘 모르는 사람이 구겨 버릴 정도로 그냥 진짜 신문 같다는 것.

'빽투더 퓨처 2'편을 보면 아버지가 된 마티가 화상 전화 중에 해고를 당해 팩스로 해고 내용을 받게 되는데, 그 해고 팩스가 역시 완전 진짜 같은 디테일로 수록되었다. 누군가를 막 해고하고 싶을 정도의 디테일이다.

사실 이 놀라운 스페셜 아이템 중에서도 가장 감동 받았던 2개의 아이템 중 첫 번째는 바로 이 편지다. 1편에서 마티가 브라운 박사의 미래(혹은 현재)를 걱정하여 그 당부하는 내용을 편지로 써서 전달하게 되는데, 그 편지와 봉투가 역시 진짜 영화 속 소품처럼 재현되었다. 봉투 겉면에 적힌 'Do Not Open Until 1985'라는 메모를 보는 순간 나도 모르게 짠한 미소가 흘렀다.

봉투 안에는 그 편지의 내용 역시 소름 돋는 디테일로 수록되어 있었다. 와, 이런 아이템을 소장하게 되다니.

워낙 완벽한 디테일들의 아이템을 만나다보니 별 생각이 다 들었는데, 120% 디테일을 위해 찣겨진 부분을 이어 붙인 형태의 아이템이었다면 어땠을까 하는 과한 기대도 하게 될 정도.

마지막으로 감동 받은 아이템은 바로 이 사진. 1편에서 마티가 엉킨 시간 여행을 확인할 때 사용한 아이템인데, 조금씩 흐려져 가는 디테일도 만나볼 수 있고, 무엇보다 진짜 인화 된 사진 형태로 되어 있어 현실감을 높여준다.

많은 영화 관련 굿즈를 수집했지만 이번 빽투더 퓨처 스페셜 아이템 같은 경우는 그 중에도 손 꼽을 만한 퀄리티와 정성의 아이템이었다. 마치 내가 진짜 영화 속 소품을 소장하게 된 느낌이나 더 나아가 영화 속 주인공이 된 듯한 느낌마저 느껴질 정도의 완벽한 아이템이었다. 이렇게 의미 있는 날에 너무 완벽한 선물을 받게 된 것 같아 참으로 행복한 시간이었다.

더 비지트 (The Visit, 2015)

샤말란의 완벽한 코믹호러스릴러

M.나이트 샤말란이 돌아왔다. 다들 샤말란을 이야기 할 때 '식스센스'를 가장 많이 언급하기는 하지만, 내가 그의 작품 중 가장 좋아하는 건 '언브레이커블'이나 '싸인' 쪽에 가깝다. 많이들 샤말란의 이후 작품들에 대해 대부분 아쉬워 하는 것이 중론인데, 특히 호불호가 갈렸던 (그렇다기 보다 대부분 별로라고 했던) '해프닝'은 인상 깊게 본 편이지만, 나 역시도 '라스트 에어벤더'나 '애프터 어스'는 큰 실망을 했던 작품이었다. 이 두 작품에서 실망했던 것은 여러가지 이유가 있겠지만 결론만 이야기하자면 샤말란과는 애초부터 어울리지 않는 작품이었다는 점이 가장 큰 포인트다. 샤말란은 한정된 공간과 인물들을 배경으로 미묘한 심리와 그 안에서 서서히 조여드는 이야기의 긴장감을 잘 다루는 감독인데, 앞서 언급한 두 작품은 그에게는 어울리지 않는 좀 과한 배경과 스케일이었다. 그럼에도 샤말란을 (아직까지) 지지하는 입장에서 그의 신작은 여전히 기대하고 있었기에 이번 20회 부산국제영화제를 통해 조금 먼저 선보인 '더 비지트 (The Visit)'를 놓칠 수는 없었다.

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'더 비지트'는 명확한 컨셉 영화이지 장르영화다. 샤말란은 마치 로버트 로드리게즈가 그랬던 것처럼 영화의 타이틀서부터 이 영화가 명확한 장르영화라는 것을 강조한다. 그리고 그 전형적인 룰 안에서 충실히 룰을 따르며 자신의 장기를 펼쳐낸다. 이런 장르 영화에 익숙한 이들에게 '더 비지트'는 종합 선물 세트에 가깝다. 한정 된 (혹은 고립된) 공간, 한정 된 인물, 정해진 시간, 페이크 다큐멘터리 방식 (그로 인한 핸드 헬드 촬영방식까지), 고전 공포영화에 딱 어울리는 영화 음악까지. 공포 스릴러 영화의 고전적인 방식으로 샤말란은 오히려 이 전형적 요소들을 더 고전적으로 표현해 내는 것을 숨기지 않는다.

그래서 깔끔하고 무엇보다 몹시 재미있다. '더 비지트'가 재미있다고 이야기할 땐 두 가지의 다른 포인트가 있는데, 하나는 아역 배우들이 실제로 재미있는 장면과 대사들을 연출하는 것 때문이고, 다른 하나는 공포 영화에서 느낄 수 있는 시원한 쾌감의 재미다. 전자의 경우 남동생으로 나온 아역 배우는 자칭 랩 뮤지션을 꿈꾸고 있는데, 이 캐릭터가 이 페이크 다큐멘터리 안에서 펼치는 랩 뮤지션으로서의 자세가 촌스럽지 않고 제법 수준있는 재미를 준다. 확실히 대중적인 측면에 있어서 이 캐릭터의 성격이 없었다면 '더 비지트'는 더 심심하거나 조금 더 평범한 공포 스릴러가 되었을지 모르겠다.

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두 번째 재미 포인트는 조금 성격이 다른데, 공포의 요소가 커가면 커질 수록 웃음이 동반된 재미가 더해지는 경향이 있다. 약간의 B급 정서랄까. 로드리게즈의 영화처럼 의도 된 잔인함 혹은 촌스러움을 볼 때 처럼, 혹은 샘 레이미의 '드래그 미 투 헬'이 준 재미처럼 공포가 가중 될 수록 그 의도 된 장면이 끝나고 난 뒤에 땀이 한 번 스윽 지나가면서 시원한 쾌감이 느껴지는 특유의 재미가 있다. 그런 의미에서 '더 비지트'는 정말 재미있는 영화였는데, 스포일러가 될 수 있어 언급하지 않겠지만 이 영화 속에 등장한 거의 모든 무서운 설정과 행동, 장면들은 거의 모두 다 이런 성격의 재미를 담고 있어서 하나 같이 눈을 질끈 감는 동시에 웃음이 나는 경험을 할 수 있었다. 아, 이건 말로 설명하기가 어렵다. 아마 이런 류의 공포 영화를 즐겨 본 이들이라면 무슨 경험인지 어렵지 않게 알 수 있을 것이다.

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'더 비지트'는 이 장르 영화 속에 가족 드라마까지 삽입하였는데, 나는 오히려 조금의 감동 포인트도 없이 완전한 컨셉 장르 영화로 남는 편이 더 깔끔하지 않았을까 하는 생각을 했다. 하지만 이 가족 드라마의 테마 역시 전체적인 장르 영화의 완성도를 해칠 수준으로 포함되어 있지는 않고, 한 편으론 이 테마가 매우 중요한 테마로 낮은 곳에 깔려 있기 때문에 영화 속 내러티브가 가능해진 측면이 있어 오히려 보는 이에 따라서는 더 풍성해지는 역할을 할 수도 있을 듯 하다.

영화의 호불호나 샤말란 감독에 대한 선호도를 떠나, 단순히 러닝 타임에 가장 충실하고 깔끔하게 즐길 수 있는 영화를 현재 고르라면 주저 없이 '더 비지트'를 추천하고 싶다. 아, 혹시 몰라서 하는 말인데, 재밌다는 표현을 많이 쓰기는 했지만 많이 무서운 영화이기도 하다. 깜짝 놀래키고, 가슴 떨리고, 반전도 있고. 단지 그것들이 장르라는 놀이터 안에서 충실히 활용되고 있다 뿐이지, 무섭다. 깔끔하게 한 번 또 보고 싶다.

1. 이 영화를 보는 내내 개인적으로는 예전에 방영했던 코미디 프로인 임하룡, 이홍렬씨가 연기한 '귀곡산장'이 떠올랐어요. 왠지 그런 컨셉으로 보면 더 재밌는 영화 ㅋㅋㅋ '망태망태망망태 망구망구망망구 ㅋ'

2. 어디 이래서 자식 있는 분들 명절 때나 방학 때 시골 부모님 집에 애들 보낼 수가 있을지 ㅋㅋㅋ

  
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라이프 (Life, 2015)

아티스트가 되려 한 남자와 그렇지 않았던 한 남자

'컨트롤 (Control, 2007)'과 '모스트 원티드 맨 (A Most Wanted Man, 2014)' 등을 연출했던 안톤 코르빈이 시대의 아이콘이었던 제임스 딘의 이야기를 그린 영화 '라이프 (Life, 2015)'. 제임스 딘이라는 배우의 아우라가 워낙 강한 이상을 주고 지금까지도 깊은 여운을 남긴 탓에 그의 이야기를 그렸다는 것 만으로도 '라이프'는 호기심을 갖게 하는 작품인데, 안톤 코르빈은 제임스 딘이라는 한 남자의 이야기가 아니라 제임스 딘을 아이콘을 만든 화보를 찍은 주인공이기도 한 사진 작가 데니스 스톡에 이야기에 주목했다. '라이프'는 플롯 상으로는 아티스트가 되고자 했던 사진 작가 데니스 스톡이 주인공에 가깝고, 오히려 제임스 딘은 데니스가 아티스트로 발돋움 하는데 중요한 역할을 한 인물로 구성되어 있다.

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'남들이 아티스트라고 불러줘야 진짜 아티스트지' 라는 극 중 대사처럼, 단순한 사진 기자 혹은 사진사가 아니라 작가로서 새로운 작품을 이루고자 하는 데니스 스톡의 이야기에 집중한다. 데니스는 우연한 기회에 제임스 딘이라는, 당시에는 아직 인지도가 그리 높지 않았던 배우를 만나게 되고, 그에게서 남들이 보지 못했던 무언가를 발견하고 포토 에세이를 촬영해 라이프지에 싣고자 한다. 이 과정 속에서 데니스가 지미(제임스 딘)에게 느끼게 되는 것은 아티스트로서 존재감 혹은 질투다. 그의 시선에 포착된 지미는 스스로 아티스트가 되고자 하기는 커녕 오히려 이 헐리우드 비지니스에 염증을 느껴 일탈과 자유를 꿈꾸지만, 그가 동경하는 진정한 아티스트의 면모를 이미 갖추고 있기에 스스로를 자극하는 존재가 된다. 그렇다고 '라이프' 속 지미와 데니스의 관계를 보편적인 모짜르트와 살리에르의 관계로 묘사하고 있는 것은 아니다. 안톤 코르빈은 이 둘의 관계를 서로 자극 받는 적극적인 관계라기 보다는, 잠시 인연을 맺고 서로를 바라볼 수 있는 경험을 하게 된 건조한 분위기로 그린다. 지미와 데니스는 제법 많은 대화와 시간들을 함께 하지만 건조하다는 표현처럼, 서로 평행으로 달려가는 서로를 반대편에서 바라보고 있는 듯한 느낌을 준다.

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'라이프'는 제임스 딘을 전면에 내세우고 사실은 사진 작가 데니스 스톡에 대한 이야기를 하지만, 아마 안톤 코르빈이 더 매력을 느낀 인물은 역시 제임스 딘이었을 것이다. 제임스 딘이라는 배우가 기존에 갖고 있는 이미지 때문이기도 하겠지만, 태생적으로 우울함을 다루는 것에 민감한 촉각을 갖고 있는 안톤 코르빈은 데니스를 중심에 두면서도 제임스 딘이라는 캐릭터를 효과적이고 매력적으로 그려냈다. 특히 영화의 마지막 시퀀스를 보면 마치 감독이 '사실 내가 더 끌리는 인물은 지미야. 그가 갖고 있던 우울한 정서는 결국 해결되지 않았잖아?'라고 말하는 듯 했다. 영화가 끝나고 지문을 통해 제임스 딘이 어떻게 죽음을 맞게 되었고, 데니스도 그 이후 어떤 인생을 살았는지 간단히 소개가 되지만, 안톤 코르빈이 그려 낸 제임스 딘은 교통 사고로 불운한 죽음을 맞지 않았더라도 과연 그가 이 비지니스를 오래 견딜 수 있었을까 하는 질문을 던진다.

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완전한 제임스 딘의 영화인 줄로만 알았던 영화가 비중을 데니스와 반으로 나눠 갖거나 어쩌면 오히려 플롯의 중심에 있지 않았음에도 이 영화를 제임스 딘의 영화로 기억하게 될 것만 같은 이유는 바로 그 때문일 것이다. 데니스 스톡의 사진 속에 담긴 제임스 딘의 진짜 모습을 담고자 했던 영화는, 아마도 안톤 코르빈의 바람처럼 영화가 끝나고 나면 제임스 딘이라는 배우를 더 안타깝게 그리워하도록 만든다.

1. 이미 너무 유명해진 제임스 딘의 그 사진들이 만들어 지는 순간들이 영화 속에 등장하는데, 그 순간을 묘사하는 방식이 더 흥미로웠어요. 영화는 이 유명한 장면들을 아주 자연스러운 순간 속에 스쳐지나가도록 하는데, 특히 타임스퀘어 앞에서의 그 유명한 사진의 경우 배경이 되는 타임스퀘어를 한참이나 보여주지 않고 그 곳을 바라보는 인물들의 시선으로만 묘사하는 연출이 인상적이었다.

2. '라이프'를 보고 나면 바로 다시 보고 싶어지는 영화가 몇 편있는데, 개인적으로는 '컨트롤'이 몹시 보고 싶어졌고, 그 다음으로는 역시 '이유없는 반항'이 되겠네요.

3. 데인 드한은 자신 만의 제임스 딘을 연기하는 쪽 보다는 실제 제임스 딘을 재현하는 것에 더 포커스가 맞춰져 있어요. 모습은 물론 말투에서도. 데인 드한에게도 좋은 작품이었습니다.

  
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대니 콜린스 (Danny Collins, 2015)

만약을 실제로 만드는 이야기

1971년 비틀즈 해체 후, 오노 요코와 함께 지내던 존 레논 영국의 신인가수 스티브 틸스턴의 인터뷰 기사를 읽는다.  음악에 대한 고민이 많은 그에게 선배로서 해주고 싶은 이야기가 많았던 존 레논 직접 편지를 써서 잡지사로 보낸다.  2005년 미국의 한 수집가에 의해 존 레논이 스티브 틸스턴에게 보낸 친필편지가 공개된다. 34년만에 수신인에게 도착한 존 레논의 편지  만약, 그 때 편지를 받았더라면 무슨 일이 벌어졌을까? - 영화사 제공

이 실화를 바탕으로 각색한 '대니 콜린스'가 궁금했던 건 당연히 존 레논 때문이었다. 왜냐하면 영화 속에서 쉽게 만나보기 어려운 존 레논의 오리지널 곡들이 무려 10곡이나 이 영화에 커버 곡이 아닌 오리지널 그대로 수록되었기 때문이다. 사실 영화 자체가 궁금했다기 보다는 '도대체 어떤 영화이길래 오노 요코가 10곡이나 사용을 허락했을까'가 더 궁금해지는건 어쩔 수 없었다. 하지만 존 레논을 앞세운 홍보와는 다르게 '대니 콜린스'는 오히려 주연을 맡은 알 파치노라는 배우가 더 돋보이는 영화였다. 그의 연기력 때문이 아니라 마치 그가 연기한 극 중 대니 콜린스가 알 파치노를 그대로 떠올리게 하는 지점이 여럿 있었기 때문이다.

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엄청난 부와 성공을 거두고 노년에 이른 대니 콜린스는 우연히 자신이 데뷔할 당시 존 레논이 자신에게 두려워 하지 말고 같이 이야기해보자고 진심으로 연락하고자 했던 내용의 편지를 썼었다는 걸 뒤늦게 알게 된다. 영화가 존 레논을 활용하는 것은 딱 여기까지다. 이 실화를 영화화 하는 방식은 아마도 두 가지가 있었을 텐데, 하나는 만약 존 레논의 편지를 그 당시 받게 되었다면 어떻게 되었을까 라는 상상으로 이야기를 전개하거나 이 사실 자체를 반전으로 활용하는 것이 있을 것이고, 다른 하나는 바로 이 영화처럼 자신이 이미 놓쳐버린 그 기회를 뒤 늦게 알아 버린 주인공이 현재에서 그 기회를 다시 찾고자 하는 과정의 이야기를 그리는 것일 텐데, 설정만 두고 보았을 땐 전자가 확실히 호기심이 가는 편이지만 영화가 선택한 후자의 방식은 마치 이 작품에 출연하고 있는 알 파치노, 크리스토퍼 플러머, 아네트 베닝과 같은 노년의 배우들의 모습처럼, 편안하고 은은한 깊이를 느낄 수 있었던 또 다른 매력을 담고 있었다.

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이미 만약이라는 가정이 더 이상 의미 없는 순간에 그 만약이 지금에도 어떠한 변화를 만들어 낼 수 있는 지를, 영화는 과장하지 않고 설득력 있게 그려낸다. '대니 콜린스'의 줄거리를 말로만 전해들으면 정말 재미 없는 이야기로 느껴질 테지만, 영화는 분명 은은한 맛이 있다. 마치 연기하는 것 같지 않은 자연스러운 모습을 보여주는 알 파치노는, 이 영화의 제목을 '알 파치노'로 바꿔도 자연스러울 완성도를 만들어 낸다. 우리는 흔히 과거의 일을 두고 '만약 그 때 그랬다면 어땠을까?'하며 후회하는 것에 그치곤 하는데, 이 영화는 거기에 그치지 않고 그 만약을 현실에서 실제로 만드는 노인의 이야기를 통해 잔잔한 감동을 준다. 어쩌면 이렇듯 철저하게 배경으로만 활용된 것이 오노 요코가 존 레논의 곡을 허락한 이유일지도 모르겠따.

1. 멜리사 베노이스트가 출연한 것도 이 영화를 보게 된 이유 중 하나였어요 ㅎ

  
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[BIFF2015] 부산국제영화제 _ 넷째날/다섯째날 : 10월 9,10일

* 넷째날 쯤 되니 이제야 조금 영화제에 적응된 기분이 들었다. 이 날은 1시 타임을 패스하고 총 세 편의 영화를 예매해 둔 상태였다. 그리고 마지막날은 오전 10시에 영화의 전당에서 '이웃집 토토로'를 어렵게 예매해 두었다. 보통은 영화제의 초반에 방문하는 것이 대부분이었는데 이번처럼 중반부터 마지막까지 지내게 된 것은 처음이라 그 나름의 분위기도 새로웠다.

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1. 카우보이 (Les cowboys, 2015)

감독 : 토마스 비더게인

평화롭던 어느 날 갑자기 사라져버린 딸을 찾기 위해 아버지와 아들이 떠나게 되는 여정을 흥미롭게 다룬 로드무비이자 일종의 서부극. 자크 오디아르의 '예언자'와 '러스트 앤 본' 등의 시나리오를 담당했던 토마스 비더게인은 딸을 찾아가는 과정에 있어서 그 사건을 중심에 두고 그리기 보다는 그 사건으로 인해 말미암는 과정들과 그 안에 인물의 복잡한 심리를 드러내지 않고 지속적으로 묘사해 낸다. 난 서부극의 측면 보다는 오히려 9.11 이후 정치적으로 민감한 테러와의 관계를 한 가족을 중심으로 풀어내는 방식이 더 매력적이었다. 어느 편에도 서지 않는 영화의 선택도 흥미로웠다.

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2. 우리 승리하리라 (戦場ぬ止み, We Shall Overcome, 2015)

감독 : 미카미 치에

오키나와에 건설 예정인 미군 해군기지를 반대하는 작은 마을 사람들의 투쟁기를 가까운 거리에서 그린 다큐멘터리 영화다. 이것만봐도 알 수 있듯이, 나 역시 이 영화를 선택한 이유는 제주 강정마을 때문이기도 했다. '우리 승리하리라'를 보면 볼 수록 강정마을의 상황과 어쩌면 그렇게 똑같은지, 보는 내내 두 곳의 마을이 동시에 떠오르는 작품이기도 했다. 이번 부산국제영화제에 와서 많은 영화를 보았지만 눈물을 흘린 것은 이 작품이 처음이었다. 아무래도 영화가 현실을 넘어서는 것은 어렵다는 걸 깨닫는 동시에, 지금도 어딘가에서 언젠일지도 모를 승리를 위해 투쟁하고 있는 모든 이들이 떠올라 숙연해지고 죄스러운 느낌이 드는 작품이기도 했다.

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3. 해안가로의 여행 (岸辺の旅, Journey to the Shore, 2015)

감독 : 구로사와 기요시

구로사와 기요시의 신작 '해안가로의 여행'은 솔직히 조금 묘한 영화였다. 죽은자가 산자와 함께 여행을 떠나는 이야기를 담고 있는데, 이 과정을 그리는 방식에 있어서 다양한 해석이 가능하지만 다른 한 편으로는 너무 스스로 몰입한 나머지 공감을 얻기 힘든 이야기를 하고 있는 것은 아닌가 하는 생각도 들었기 때문이다. 낭만적으로 보자면 죽은자의 후회가 느껴져 쓸쓸한 영화였고, 한 편으론 모든 인물들이 공포스러움을 담고 있는 얼굴을 하고 있어 섬뜩한 영화이기도 했으며, 몰입하지 못한다면 조금은 헛웃음마저 나올 수 있는 설정의 영화이기도 했다. 100% 몰입이 어려운 관객 입장에서는 아마 이 영화를 보고 '나 꿍꼬또 기싱꿍꼬또' 정도의 말로 정리될지도 모르겠다.

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4. 이웃집 토토로 (となりの トトロ, My Neighbor Totoro, 1988)

감독 : 미야자키 하야오

뭐 더 말이 필요없는 작품. 이미 수없이 감상했지만 또 한 번 스크린을 통해 만나보고 싶어 어렵게 예매한 영화. 이번에 본 감상만 이야기하자면, 아직도 어린 아이들에게 통하는 토토로의 마법이 놀라웠고, 예전에 볼 땐 느끼지 못했던 부모의 마음이 점점 더 느껴지는 경험을 하게 되었다는 것이다. 뭐랄까. 예전엔 그냥 저런 판타지의 주인공이 되었으면 하는 바람으로 보았다면, 이번엔 너무 일로 바쁜 나머지 자신의 아이들에게 더 행복한 어린 시절을 주지 못했던 부모가, 부모인 자신들 대신에 토토로 같은 판타지의 존재가 아이들과 함께 행복한 시간들을 만들어 주길 뒤늦게 바라는 마음으로 만든 영화 같다는 생각이 들었다. 그렇게 '이웃집 토토로'는 또 다른 영화가 되어 있었다.

  
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[BIFF2015] 부산국제영화제 _ 셋째날 : 10월 8일

* 셋째날은 첫 영화의 시작이 10시 반으로 조금 여유가 있어서 숙소에서 아주 조금 더 여유가 있었다. 어제 메가박스 해운대 근처에 아침 일찍 커피를 바로 사먹을 만한 괜찮은 곳이 없다는 것을 확인했기에 오늘은 서면역을 나서면서 스타벅스에 들러 커피 한 잔을 샀다. 셋째날 역시 모든 영화를 해운대서 볼 예정이라 이동 이슈는 없었다 (사실 맨 마지막 8시반 타임 영화는 센텀시티로 이동해야 했는데 너무 피곤하기도 하고 내일도 스케쥴이 있어서 부득이하게 취소했다. 취소한 영화는 '귀향').

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1. 나의 딸 (The Daughter, 2015)

감독 : 사이몬 스톤

오스트레일리아 영화 '나의 딸 (The Daughter, 2015)'은 가족의 비극적인 이야기를 다룬 씁쓸한 드라마였다. 이야기 자체로 보았을 땐 특히 국내 관객들이라면 드라마에서 종종 접했을 만한 내용을 다루고 있는데, 영화적 연출 방식과 제프리 러쉬, 샘 닐 등 베테랑 배우들의 연기를 통해 설득력있게 전달된다. 이 이야기의 결말은 어떠한 선택도 하지 않고 있다. 그 이야기가 어떻게 결론 나는가에 대한 것보다 그 과정 속에 겪게 되는 고통과 슬픔에 대해 말하고자 하는 작품.

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2. 끝없이 흐르는 강 (The Endless River, 2015)

감독 : 올리버 헤르마누스

남아프리카공화국의 작은 마을을 배경으로 여기서 벌어진 끔찍한 살인사건과 그 피해자가 겪게 되는 짧은 여정에 대해 담고 있는 영화. 결론부터 이야기하자면 아쉬운 점이 더 많은 영화였다. 살인사건을 통해 모든 것을 다 잃게 된 인물들이 서로 말로 표현할 수 없는 연대를 느끼며 서로 위로하며 동행하게 되는 과정을 그리고 있는데, 모든 것을 잃게 된 이들에 대한 묘사는 나쁘지 않았으나 이 사건을 풀어내는 방식에 있어서는 무언가 하다가 만 느낌이 강했다. 특히 엔딩의 경우 열린 결말이나 여운이 남기 보다는 반드시 해결해야 할 부분을 그냥 남겨둔 느낌이 강했다.

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3. 필름시대사랑 (Love and..., 2015)

감독 : 장률

오늘 본 세 편의 영화 가운데 가장 기대했던 장률 감독의 작품. 거기에 전작을 함께 했던 박해일과 안성기, 문소리, 한예리까지 출연했다고 하니 기대감을 더 컸다. 그런데 막상 보게 된 영화는 상당히 의외의 모습을 하고 있었고, 몹시 실험적인 작품이었다. 총 4개의 장으로 구성된 영화는, 하나의 이야기를 두고 다른 방식 혹은 시선으로 묘사하는 상당히 형식적(부정적 의미가 아닌)이고 관념적인 작품이었다. 영화를 만드는 것 혹은 영화라는 예술 자체에 대한 질문과 애정을 던지듯이 질문한 뒤, 마치 장률 감독은 그에 대한 여러 버전의 답을 하고자 하는 것 같아 보이기도 했다. 같은 이야기를 인물(배우)들을 지운 뒤 소리만을 통해 표현하는 것이나 역시 모든 인물을 지우고 시선만이 존재하는 방식으로 표현하는 것은, 인상적인 것을 넘어서서 확실히 실험적인 성격이 강했다. 제 3장의 '배우'는 특히 인상적이었는데 영화에 출연하고 있는 네 명의 배우들의 전작들의 영화 장면으로 새로운 이야기를 써내려가는 방식은, 또 다른 실험이었다. 결론적으로 이 영화엔 정성일이 필요하다.

  
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[BIFF2015] 부산국제영화제 _ 둘째날 : 10월 7일

* 첫째날 정신 없이 영화보고 서면역에 잡아 놓은 숙소에서 간단하게 하루를 정리한 뒤 본격적으로 시작 된 부산국제영화제 둘째날. 이 날은 아침 10시부터 메가박스 해운대에서 관람이 있어서 일찌감치 숙소를 나섰다. 꼭 그렇게 의도한 건 아니었는데 이 날 본 영화 4편이 모두 메가박스 해운대에서 상영되는 터라 별 이동없이 한 곳에서 편하게 영화제를 관람할 수 있었다 (그래서 좀 지루하기도 했음). 단점으로는 메가박스 해운대가 입점해 있는 쇼핑센터 건물이 마치 신촌 메가박스의 경우처럼 다 입주되지 않은 상태라 별다른 즐길거리가 없었다는 점 (메가박스의 저주인가;;). 1층에 KFC와 버거킹이 있긴 했는데 모든 식사를 햄버거로 할 수는 없어서 터미널 근처까지 걸어나가 라면과 김밥을 사먹었다는.

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1. 여고생 (Girl on the Edge, 2015)

감독 : 박근범

'여고생'이라는 제목처럼 두 여고생의 무언가 그 시절에만 할 수 있는 이야기를 다룬 스케치 같은 작품이 아닐까 했는데, 그와는 전혀 다른 소녀의 영웅담이었다. 영화가 끝나고 GV가 있어서 좀 더 이야기를 전해 들을 수 있었는데, 박근범 감독은 애초부터 여학생이 중심이 된 여성 영웅영화를 만들고자 하는 의도가 있었다고 한다. 영화 곳곳에는 그러한 의도가 드러난 장면들이 여럿 발견되기도 했다. 조금 아쉬운 점이라면 그 영웅담을 완성하기 위해 조금은 세상의 이야기가 이 두 소녀의 현실에 버겁게 끼어들고 있다는 점인데, 확실히 그 둘 간의 이질감이 느껴져 조금은 몰입하기 힘든 순간들이 있었다. 하지만 두 주인공을 연기한 공예지, 박예영 배우와 박혁권, 명계남 등 특별출연한 배우들의 연기를 보는 재미가 있었던 작품.

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2. 지아장커 : 펜양에서 온 사나이  (Jia Zhangke, a Guy from Fenyang, 2015)

감독 : 월터 살레스

지아장커의 신작 '산하고인'을 놓치게 된 바람에 그의 관한 다큐영화라도 봐야겠다 싶어 선택한 영화. 일단 확실히 다큐멘터리 '영화'라는 것이 느껴질 정도로 잘 짜여진 구성과 이야기가 돋보이는 영화였다. 지아장커가 어떤 시절을 겪었는지에 대해서도 지루하지 않게 조명하고 있으며, 무엇보다 그의 전작들을 소개하는 방식에 있어서 억지스럽지 않으면서도 그 영화들을 다시금 보고 싶도록 만드는 매력을 담고 있다. 조금은 어렵게만 느껴졌던 그의 전작들을 좀 더 이해할 수 있는 계기가 되었으며, 그의 신작 '산하고인'과 동시에 그의 필모에서 가장 중요하다고 생각되는 '플랫폼 (Platform, 2000)'을 꼭 보고야 말겠다는 결심을 하게 하는 작품이기도 했다. 그리고 또 하나, 특별히 좋아한다고는 생각하지 않았었는데 내가 의외로 그의 작품들을 거의 다 극장에서 봤다는 사실도 발견.

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3. 빙하와 하늘 (La glace et le ciel, Ice and the Sky, 2015)

감독 : 뤽 자케

평소 애니메이션 만큼이나 다큐멘터리에도 관심이 많아 영화제에서도 다큐멘터리 영화에 주목하곤 하는데, 뤽 자케의 '빙하와 하늘 (La glace et le ciel, Ice and the Sky, 2015)'은 칸영화제의 폐막작으로 초대되었던 작품이라하여 더 관심이 갔던 작품이었다. 인간이 지구와 자연에 끼치는 영향 혹은 피해에 대해 이야기하는 다큐멘터리들은 여럿 있어왔는데, 뤽 자케는 충격적인 영상이나 자료들을 통해 관객에게 경고하기 보다는 빙하와 기후 연구에 평생을 바친 한 남자의 이야기를 통해 조용히 행동하기를 권한다. 새삼스럽지만 이 영화를 통해 과학이라는 것의 놀라움을 깨닫는 동시에, 인간이 지구의 역사에 얼마나 작은 존재인지 하지만 얼마나 지구의 역사를 빠르게 변화시키고 있는지 알게 해준다.

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4. 인투 더 포레스트 (Into the Forest, 2015)

감독 : 패트리샤 로제마

7일날 본 4편의 영화 가운데 가장 기대했던 작품. 아무래도 엘렌 페이지가 출연하기 때문에 기대가 컸던 작품이다. 엘렌 페이지와 에반 레이첼 우드가 출연하다는 것 말고는 시놉시스 한 줄도 읽지 않고 보게 된 영화였는데, 약간은 의외의 생존 영화였다. 숲 속의 집에서 아버지와 함께 살고 있던 두 딸은 전국적으로 벌어진 정전 사태로 인해 이 곳에 고립되어 살아남게 되면서 벌어지는 일을 다루고 있는데, 숲속이라는 공간과 이 가족이 살고 있는 집 그리고 자매의 이야기만으로 영화를 가득 채운다. 생존을 소재로 하다보니 조금은 공포스러운 요소가 있지만 '인투 더 포레스트'를 공포/스릴러라 하기 보다는 오히려 익숙한 것들 혹은 집과 같이 이별할 수 없는 것들과의 이별을 이야기하는 드라마라고 볼 수 있겠다. 엘렌 페이지의 베드씬은 개인적으로 조금은 충격적이었는데, 그 수위도 그랬고 그녀의 최근 커밍아웃 때문이기도 했다. 엘렌 페이지는 조금은 의도적으로 이러한 베드씬을 선택한 것이 아닐까 싶었다 (오히려 그 전에는 이 정도 수위의 베드씬이 없었기에 더욱). 커밍아웃 이후에도 연기에 달라질 것은 없다는 것 말이다.

  
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[BIFF2015] 부산국제영화제 _ 첫째날 : 10월 6일

* 아침 일찍 KTX를 타고 부산역에 도착한 것이 10시 50분쯤. 바로 센텀시티역으로 출발하여 영화의 전당에 도착. 일단 10월 6일날 볼 영화 3편에 대한 티켓만 찾아서 잠시 영화제의 분위기를 느껴본 뒤, 아점을 먹으려고 했더니 마땅한 곳이 근처에 바로 없어서 할 수 없이 스타벅스에 들러 샌드위치로 가볍게 요기. 그리고 정말 오랜만에 긴 시간을 할애해 방문한 부산국제영화제의 첫 영화로 '디판'을 관람.

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1. 디판 (Dheepan, 2015)

감독 : 자크 오디아르

자크 오디아르 감독의 작품은 '예언자 (Un Prophète , A Prophet 2009)'와 '러스트 앤 본 (Rust & Bone, De rouille et d'os, 2012)'을 인상 깊게 보았던 터라 이번 그의 신작 '디판'도 주목하는 신작이었다. 올해 칸영화제의 황금종려상을 수상한 것으로 더 화제가 되었던 이 작품은, 스리랑카 내전을 피해 프랑스로 망명한 두 남녀와 한 아이의 삶을 다룬다. '디판 (Dheepan)'은 극 중 남자 주인공이 프랑스로 망명하기 위해 선택한 가짜 신분의 이름인데, 그렇게 디판은 처음 만난 여자와 어린 소녀를 아내와 딸로 위장하여 불안한 동거를 시작한다. 자크 오디아르는 유려한 연출력을 통해 영화의 말미에 이르기까지 커다란 사건 없이도 시종일관 불안한 분위기를 조성한다. 오히려 일어날 법한 위험이나 사건이 벌어지지 않는 것이 더욱 불안하게 만든다. 이러한 분위기는 가짜 신분과 가짜의 삶을 불안하게 유지하고 있는 이 세 명의 인물을 대변하고 있을 뿐 아니라, 진짜가 되고자 하는 이들의 욕망을 억누르고 가엽게 바라본다. 영화의 마지막은 과연 해피엔딩이었을까?

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2. 더 비지트 (The Visit, 2015)

감독 : M. 나이트 샤말란

샤말란 영화다. 결론부터 이야기하자면 오랜만에 샤말란 영화를 처음부터 끝까지 흥미롭고 무엇보다 재미있게 보았다. 물론 난 말 많은 '해프닝 (The Happening, 2008)'도 인상 깊게 보긴 했지만, 이것과는 별개로 '더 비지트 (The Visit, 2015)'는 좀 더 대중적으로 반응을 이끌어 낼만한 요소가 많은 영화였다. '더 비지트'는 공포/스릴러 영화의 클리셰를 거의 다 가져왔다고 봐도 과언이 아닐 것이다. 한정된 공간, 핸드 헬드 촬영, 1인칭 시점 촬영, 페이크 다큐, 정해진 시간, 다양한 복선 등 새로운 이야기를 기대한 관객들에게는 반복으로 느껴질 수도 있겠지만, '더 비지트'는 새로운 충격 보다는 작정하고 기존 방식의 장점들을 모두 가져와서 깔끔하게 끝나는 영화를 지향하는 쪽에 가깝다. 알고도 당하는 것처럼 저 다음엔 저렇게 되겠구나 싶었지만 그래도 무섭고, 심지어 반전이라고 할 수 있는 내용도 중간쯤 예상이 되었는데 그래도 실망스럽지 않았다. 무엇보다 이 무서운 스릴러 영화는 의외로 귀엽고, 코믹하기까지 하다. 소름돋는 공포가 아니라 그 순간이 지나고 나면 시원하게 웃게 되는 조금은 변태(?)같은 공포 영화랄까? 오히려 드라마 적인 요소가 조금 있는데, 이것이 없었더라면 더 깔끔한 영화가 되지 않았을까 싶을 정도. 또 나만 좋아하는 샤말란 영화가 되려나?

3. 여름의 조각들 (Summer Hours, 2008)

감독 : 올리비에 아사야스

이 작품도 올리비에 아사야스 이름만 보고 급하게 예매했던 영화였는데, 알고 보니 2008년 작이었고 본 듯 했으나 본 적은 없는 그런 영화였다. 추천한 이의 말처럼 정말 우리나라 가족의 모습과 유사한 모습과 갈등이 흥미로웠고, 유산이라는 것에 대해 생각해 보게 되는 동시에 조금은 별개로 프랑스라는 나라가 얼마나 문화와 역사에 대해 자부심을 갖고 있는지를 사이드로 엿볼 수 있는 작품이기도 했다. 삼대의 세대를 다루는 방식에 있어서 어느 한 세대에 치중되거나 특히 전통을 중시한 나머지 손자 세대를 그저 가볍고 의미 없는 존재로 그리는 것이 아니라, 그 이어짐의 변화가 자연스러운 것임을 포용하는 시선이 인상적이었다. 그렇게 오래 전 작품이 아님에도 풋풋함 마저 느껴지는 줄리엣 비노쉬도 인상적이었고.

  
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지금은맞고그때는틀리다 (Right Now, Wrong Then, 2015)

무릅쓰고 편안하게

홍상수 감독의 신작 '지금은맞고그때는틀리다' (제목을 붙여 쓴 것이 감독의 의도인 듯 하여 그대로)는 감독의 최근작들의 경향과 마찬가지로 같은 인물들의 다른 이야기를 다루고 있는 작품이다. '북촌방향'이나 '옥희의 영화' 그리고 '다른 나라에서' 등과 이 영화가 다른 점이라면 두 가지의 다른 이야기의 구분이 더 명확한 동시에 특별한 시공간적 (혹은 차원적) 변화로 인한 이야기의 갈래가 아닌 아주 미세한 말과 행동으로 인한 변화의 줄기를 따르는 영화라는 점이다.

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텍스트를 이렇게 저렇게 분석해 보고 픈 마음이 가득 들었던 '북촌방향'과 같은 영화와는 다르게 '지금은맞고그때는틀리다'는 얼핏 또 같지만 다른 이야기를 영화적 구성을 곁들여 펼쳐 놓은 영화가 아닐까 싶지만, 사실은 훨씬 더 직관적이고 가벼우며 편안한 작품이다. 1부의 이야기는 극 중 영화감독인 함춘수 (정재영)의 주관적인 기억 혹은 조작된 과거, 아니 이런 구성적 가능성은 다 재쳐두고, 그저 솔직함 보다는 무언가를 얻기 위해 계산하고 절제하고 고민한 결과물을 만나게 된다. 함춘수는 우연히 만나게 된 윤희정 (김민희)에게 호감을 느끼고 그녀에게도 호감을 얻기 위해, 쉽게 말해 되지도 않는 말로 그녀를 칭찬하고 환심을 사기 위해 많은 말과 행동을 하며 이른바 그녀에게 많은 공을 드린다. 하지만 어찌보면 처음부터 잘 될리 없었던 이 불안한 관계는 결국 더 나아가지 못하고, 함춘수는 다음날 그 화를 고스란히 떠안으며 쓸쓸히 수원을 떠난다.

그에 반해 2부의 이야기는 훨씬 더 자연스럽다. 2부의 함춘수 역시 윤희정의 환심을 사기 위해 노력하기는 하지만, 그 과정에서 자기 자신의 한계를 분명히 알고 드러낸다. 2부의 이야기에서 가장 흥미로웠던 건 그녀의 그림에 대해 냉정하게 이야기해서 관계가 어긋나는 듯 했지만 그렇지 않았고, 특히 그녀의 지인들과 함께 한 술자리에서 추태를 부렸지만 관계가 깨어지기 보다는 오히려 '그럴 수도 있지'하는 정도로 지나간다는 점이다.

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'지금은 맞고 그때는 틀리다', '그때는 맞고 지금은 틀리다'라는 영화의 제목처럼, 이 이야기는 아주 작은 말들로 인해 관계가 어떻게 변할 수 있는지를 보여주는 거울도 되지만, 그보다는 바로 그 순간 순간의 말과 행동에 너무 집중하고 고민하며 살아가는 나에게 '그렇게 솔직하게 다 보여줘도 아주 큰일이 일어나는 건 아니야'라고 말하는 것 같아 인상적이었다. 영화 속 대사를 빌리자면 이 루틴이 깨진다고 세상이 망하는 건 아니라는 걸 유쾌하게 전하고 있달까. 지금은 맞다고 생각했던 것들이 그 때는 틀렸다고 생각되었을 수 있고, 그 반대의 경우도 존재하기 때문에 결국 아무 소용없다는 허무한 감정보다는, 그러니까 너무 일희일비하며 자신을 옥죄일 필요는 없다는 말로 느껴졌다. 그래서인가, 근래 본 홍상수 감독의 영화 가운데 가장 소소하고, 부담 없고, 좋은 의미에서 머리 쓸 일 조차 거의 없는 편안한 작품이었다. 그리고 역시나 묘하게 또 보고 싶은, 그래서 그 순간의 찰나를 발견하고 픈 영화이기도 했다.

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1. 이번 영화는 수원화성 근처를 배경으로 하고 있는데, 영화를 본 다음 날 바로 다녀왔어요 (이건 곧 별도로 쓸 예정). 영화 속 처럼 추운 겨울에 한 번 더 다녀왔으면 좋겠다 생각이 들더군요.

2. 김민희의 연기는 너무 자연스러워서 연기와 실제가 구분이 안되는 차원이더군요. 이 영화의 유일한 성립필요 조건은 극중 김민희가 연기한 캐릭터가 얼마나 매력적이냐 라는 것 정도였을텐데, 완벽 그 자체.

3. 최화정의 '감독님 왜 그러세요!' 이 대사 잊지 못할 것 같아요 ㅋㅋ

  
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메이즈 러너 : 스코치 트라이얼 (Maze Runner: The Scorch Trials, 2015)

미로를 빠져나온 다음의 이야기

지난 해 개봉했던 시리즈의 첫 편인 '메이즈 러너 (The Maze Runner, 2014)'는 여러 모로 부족한 작품이기는 했지만, 딱 봐도 3부작의 첫 편이라는 성격에서 봐줄 만한 설정과 떡밥들이 아주 신선하지는 않아도 흥미로운 편이었고, 무엇보다 그 주인공들이 소년소녀들이라는 점에서 또 다른 활기가 느껴진 나쁘지 않은 액션 시리즈의 서막이었다. 이 말을 반대로 얘기하자면 3부작을 염두에 두지 않고 첫 편만 독립적으로 본다면 역시 좋은 평가를 하기엔 쉽지 않은 작품이라는 얘기가 되는데, 그렇기 때문에 두 번째 이야기가 더 기대되는 작품이기도 했다. 무지와 미로를 중심으로 이야기를 풀어간 전편은 딱 그것이 어느 지점에 달했을 때 끝나버렸던 것과는 달리, 속편인 '스코치 트라이얼'은 전 편의 이런 점을 빠르게 만회하려는 듯 상대적으로 빠른 속도의 전개와 많은 이야기를 쏟아낸다. 그리고 그것은 '스코치 트라이얼'의 장점이자 단점이 된다.

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일단 액션과 오락적인 측면에서는 무언가 이야기가 궁금증만 잔뜩 풀어놓고 제대로 알려주는 것은 하나도 없었던 전편에 비하자면 확실히 속도감도 흥미도 높아진 편이다. 131분으로 제법 긴 러닝 타임임에도 그다지 지루함을 느끼지 못했던 것도 이런 전개와 속도감 때문이라 할 수 있겠다. 하지만 아쉬운 건 다음 작품을 위해 빠르게 속도를 내야해서 였는지 몰라도 오히려 전편과는 전혀 다르게 갑자기 너무 많은 이야기를 쏟아낸 듯한 측면이 있다는 점이다. 전편에서는 이야기가 너무 진전이 안된 측면은 있어도 그렇기 때문에 미로라는 설정에 집중하여 더 타이트한 긴장감을 느낄 수 있었던 것에 반해, '스코치 트라이얼'에서는 갑자기 더 큰 세상으로 나와 다양한 설정들이 이전 설정에 미처 적응하기도 전에 등장하고 지나가는 느낌이 강하다. 그렇기 때문에 특히 새롭게 등장한 캐릭터들에 대해서는 그저 등장 이상의 비중을 느끼기는 어려운 상황이고, 주인공 무리 역시 토마스의 이야기로 더 집중되고 좁혀진 느낌이다.

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'스코치 트라이얼'이 액션은 더 강해지고 공포와 스릴러까지 더해지는 흥미 요소는 더해졌음에도 오히려 기대감이 있었던 전작에 비해 좀 아쉽게 느껴지는 건, 바로 이 이야기가 주인공인 토마스 중심으로 훨씬 더 좁혀졌다는 이유 때문이다. 다른 영화 같으면 이러한 아쉬움이 들지 않았겠지만 (오히려 장점으로 여겨졌을 확률이 높다), '메이즈 러너'의 경우 가장 매력적인 포인트가 바로 소년소녀들이 등장하여 '무리'를 지어 행동하고 공동체적인 성향을 띈다는 점이기 때문이었는데, 새롭게 무리에 속하게 된 아리스는 물론이고 기존 무리에 속해있던 민호와 트리사, 뉴튼 등의 캐릭터들이 별로 눈에 띄지 않고, 무엇보다 공동체적인 행동이 보여지지 않았기 때문에, 그저 평범한 액션 영화의 구조를 갖게 된 것 같아 매력이 덜해진 느낌이었다. 다시 말해 '메이즈 러너'는 설사 액션이나 스릴러 등 모든 측면이 다른 유사 영화들에 비해 떨어진다 하더라도 그 중심에 소년소녀들이 놓여있다는 설정 만으로도, 자신만의 매력을 지닌 작품으로 더 의미를 둘 수 있었는데, 속편에 와서 대중적 인기의 포인트는 더 가져갔을 지언정 유니크한 매력 포인트는 놓치게 된 것 같아 아쉽게 느껴졌다.

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가끔 3부작으로 애초부터 기획 된 작품들의 전작들을 이야기할 때 하곤 하는 말인데, 시리즈의 마지막 편에서 끝내주게 마무리하면 전작들의 아쉬운 점들은 대게 상쇄되기 마련이다. '메이즈 러너' 시리즈는 아슬아슬 하기는 하지만 아직 그 희망의 끈을 놓게 하지는 않았다는 점에서, 3편을 또 한 번 기다려본다.

1. 후반부에 가서는 제법 유명한 배우들이 한꺼번에 여럿 등장하더군요.

2. 잰슨 역의 에이단 질렌과 해리엇 역의 나탈리 엠마뉴엘은 '왕좌의 게임'으로 익숙한 배우라 반갑.

  
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마션 (The Martian, 2015)

다시 우주를 꿈꾸게 만드는 휴먼드라마

리들리 스콧이 다시 한 번 우주를 배경으로 한 영화로 돌아왔다. 더 정확히 이야기하자면 화성을 배경으로 한 아주 현실적이고 과학적인 드라마로 돌아왔다. 맷 데이먼이 또 한 번 우주비행사로 등장하는 이 영화는 기존 리들리 스콧이 우주를 다뤘던 영화들과는 조금 성격을 달리 한다. '프로메테우스 (Prometheus, 2012)'를 통해 근원에 대한 연구를 스릴러의 방식으로 풀어냈다면, 이 영화 '마션 (The Martian, 2015)'은 '에이리언' '프로메테우스' 등과는 달리 아주 철저하게 과학적이고 또한 현실적, 개인적인 시점으로 화성이라는 공간과 인간의 이야기를 풀어냈다.

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리들리 스콧의 '마션'은 일종의 생존 드라마다. 홀로 화성이라는 공간에 남게 된 과학자가 살아 남기 위해 어떤 일들을 겪게 되는 지에 관한 보고서 혹은 일기와도 같은 내용인데, 여기서 이 영화가 다른 생존 영화들과 가장 큰 차이점이라면 바로 그 홀로 남게 된 주인공이 과학자 (식물학자)라는 점이다. 많은 SF영화들이 정도의 차이는 있겠지만 과학적 사실이나 이론을 바탕으로 설정이나 전개를 펼쳐 나가곤 하는데, 직접 검증을 다 해볼 수는 없지만 (아마도) '마션'은 다른 무엇보다도 과학적 근거가 드라마에 바탕이 되는 것이 가장 중요한 포인트인 걸 알 수 있었다. 즉, 실제 과학적 이론에 근거한 내용 등이 영화의 전개 과정을 위해 근거 정도로 존재하는 방식이 아니라, 직접적인 대사나 설정을 통해 이런 이야기가 어떻게 가능했는지를 입증하고자 하는 것처럼 보인다. 다시 말해 지독한 장인인 리들리 스콧은 우주를 배경으로 하고 있는 여러 이야기 가운데 이론적으로 타당하면서도 드라마가 가능한 원작 이야기에 매력을 느낀 것으로 볼 수 있겠다.

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우주를 배경으로 홀로 남게 된 주인공을 다뤘다는 점에서 '그래비티 (Gravity, 2013)'를 연상케 하는데, 가장 큰 차이점이라면 '마션'은 커뮤니케이션이 매우 비중있게 다뤄지고 있는 이야기라는 것이다. 서두에 언급했던 '캐스트 어웨이'와는 달리 '마션'의 주인공 마크 (맷 데이먼)는 적극적으로 지구와 커뮤니케이션 할 수 있는 방법을 찾는다. 이것 역시 지극히 과학자 적인 입장에서 현실적인 행동이라 할 수 있는데, 자신이 처한 상황을 냉정하게 파악하고 철저하게 계산해 생존 가능한 확률을 높이거나 더 나은 선택을 하고자 하는 행동에서 말미암은 최선의 선택이 바로 자신을 구해줄 수 있는 곳과의 연락을 통해 그 확률을 높이는 것이기 때문이다. 그 커뮤니케이션 방법에 있어서도 이론적으로 가능한 방법과 그것이 어떻게 가능했는지를 매끄럽게 설명하는 데에 영화는 많은 공을 들인다. '마션'의 가장 큰 매력이라면 이 같이 과학적 이론에 근거한 장면들을 묘사할 때 최대한 '왜?'에 대한 답을 관객이 이해할 수 있도록 보여주면서도 그것이 결코 지루하거나 딱딱하지 않게 유머와 음악을 가미한 드라마로서 유려하게 풀어내고 있다는 점이다. 즉, 화성에 홀로 남은 주인공을 묘사하는 전반적인 방식에서 공포와 외로움이 주가 된 것이 아닌, 희망적이고 논리적이며 유쾌함마저 느껴지도록 묘사하고 있다는 점이다. 생존 가능성이 낮은 상황에 놓인 주인공이 그 와중에도 유쾌함을 유지할 수 있었던 건 아마도 확률이 낮기는 하지만 가능한 확률도 분명 존재한다는 과학자로서의 믿음 (신앙적 믿음이 아닌) 때문일텐데, 영화 역시 바로 이 주인공의 심리와 분위기를 같이하며 이 외로운 싸움을 희망적이고 가능한 이야기로 그려내고 있다.

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'마션'의 가장 큰 매력 중 또 다른 것은 바로 영화에 삽입 된 기가 막힌 노래들이다. 이미 너무도 익숙한 록과 팝 넘버들이 정말 거푸 기가 막히다는 표현을 써야할 정도로 완벽하게 녹아 들어 있는데, 그 가운데서도 신의 한수는 역시 데이빗 보위의 'Starman'을 들 수 있겠다. 단순히 음악적인 측면에서도 완벽하게 영화의 리듬과 맞물리는 곡인 'Starman'은 또한 내용적으로 보나 이 곡을 부른 데이빗 보위로 보나 우주적인 메시지를 담고 있다는 점에서도 완벽한 싱크로율을 보여준다. 나중에 이 영화가 블루레이로 출시된다면 이 곡이 등장하는 시퀀스를 반복적으로 자주 보고 싶을 정도로, 멋진 영화 음악이었다. 이 밖에도 단순한 삽입곡이 인물의 설정과도 자연스럽가 녹아있는 아바의 'Waterloo'도 흥미롭고 다른 곡들도 영화의 유쾌하고 가벼운 리듬과 잘 맞아 떨어지는 느낌이다.

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'마션'을 이야기할 때 또 하나 빼놓을 수 없는 것은 바로 화성이라는 공간의 묘사다. 이미 여러 작품들의 제작 과정을 통해 리들리 스콧이 평소 영화를 만들 때 최대한 실제하는 것으로 모든 것을 만들고자 함은 잘 알고 있는데, 그래서인지 '마션'에 등장하는 화성 역시 로케이션 촬영으로 착각할 만큼 실제하는 듯하고 무엇보다 몹시 아름다운 풍광을 담고 있다. 이것은 조금 의도적인 것일지 모르나 영화가 그린 아름다운 화성의 모습은 확실히 '꼭 한 번 가고 싶다'는 욕구를 불러 일으킨다. 두려움과 미지의 대상이기는 하지만 그래도 꼭 한 번 탐험해보고 싶은 욕망을 (오랜만에) 다시 불러 일으킨다. 다시 말해 다시 우주를 꿈꾸게 만든다. 크리스토퍼 놀란의 '인터스텔라'와 마찬가지로 리들리 스콧의 '마션' 역시 이제는 아무도 우주 탐험을 꿈꾸지 않는 현실에 대해 안타까워 하며 만든 작품일지도 모르겠다. '인터스텔라'가 낭만적 가족드라마였다면 '마션'은 좀 더 유쾌한 과학적 수필같다. 벌써부터 블루레이로 출시 될 '마션'이 기다려진다. 매번 그렇듯 이번에도 영화 만큼이나 제작 과정이 궁금해지는 리들리 스콧의 매력적인 영화였다.

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1. 원작 소설도 잘 나온 것 같아 빠르게 구매해서 읽어봐야 겠어요.

2. 사운드트랙은 무조건x10 구매입니다.

3. 3D로 감상하였는데 3D로 볼 충분한 가치가 있는 영화였습니다. 아이맥스로도 개봉하면 좋을 텐데 개봉할런지 잘 모르겠네요;;

4. 그저 맷 데이먼 혼자만 나오는 (마치 '더 문'처럼)영화 같지만 유명한 배우들이 정말 여럿 등장합니다. 제시카 차스테인, 제프 다니엘스, 케이트 마라, 세바스찬 스탄 (윈터솔저), 치웨텔 에지오포 그리고 숀 빈까지. 숀 빈이 죽는지 안 죽는지는 비밀로 ㅋ

  
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스트레이트 아웃 오브 컴턴 (Straight Outta Compton, 2015)

드디어 나온 리얼 힙합 전기 영화

음악 영화 혹은 뮤지션의 삶을 다룬 전기 영화는 실존하는 뮤지션의 음악을 스크린을 통해 만나고 내가 인상 깊게 들었던 그 앨범이 어떤 과정으로 탄생하게 되었는지를 볼 수 있어 특별한 재미를 주는 장르인데, 어쩌면 진작에 나왔어야 할 N.W.A.의 전기를 다룬 작품이 드디어 개봉했다. '네고시에이터 (The Negotiator, 1998)', '이탈리안 잡 (The Italian Job, 2003)' 등을 연출했던 F. 게리 그레이 감독이 연출한 '스트레이트 아웃 오브 컴턴 (Straight Outta Compton, 2015)'은 N.W.A 음악의 고향인 컴턴 지역을 중심으로 이들의 탄생과 흥망성쇠를 유려하게 그려낸다. 아, 혹시 N.W.A가 누구인지 모를 수도 있겠으니 누구나 알만 한 설명을 하자면, 에미넴, 50cent 등을 프로듀싱하고 그 보다 고가 헤드폰 브랜드의 이름으로 더 유명한 닥터 드레가 멤버로 있었던 그룹이 바로 N.W.A 다. 어쩌면 이러한 접근이 더 호기심을 불러 일으킬지도 모르겠다.

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블랙 뮤직을 좋아하기는 하지만 N.W.A의 역사에 대해서 아주 자세하게 알고 있는 편은 아니었는데, 물론 대부분의 전기 영화 (특히 뮤지션의 삶을 다룬 영화)가 그렇듯이 많이 알면 알 수록 더 흥미로운 장면들을 발견할 수 있음은 물론이다. 하지만 앞서 유려하게 그려냈다고 얘기했던 것처럼 N.W.A를 그저 고가 헤드폰 브랜드를 만든 이가 속했던 그룹 정도로만 알고 있어도 이 영화를 즐기기엔 전혀 문제가 없다. 오히려 전기 영화로서 다른 작품들과 유사한 전개와 방식이라는 점이 조금 흔하게 느껴지는 단점이 될 수는 있겠다. 어쩌면 그렇게 전기 영화의 주인공은 흥망성쇠의 이야기가 유사한지, N.W.A의 이야기도 이와 크게 다르지 않다. 그저 음악만 알았던 인물들과 우연히 스타가 되거나, 스타가 된 뒤 음반사와의 계약 문제 (혹은 사기)로 인해 어려움을 겪고, 성공을 하면 할 수록 멤버들 간의 갈등이 커지는 등의 이야기는 '스트레이트 아웃 오브 컴턴'에도 존재하는데, 이건 실화가 그런 것이니 사실 뭐라 할 수는 없겠다. 하지만 이 작품 역시 이러한 전기 영화의 유사함이 잘 느껴지지 않을 정도로 매력적인 음악이 존재한다. 앞서 이야기했던 것처럼 그 익숙한 곡들이 어떻게 탄생했는 지를 지켜보는 건 이 영화의 가장 큰 매력 중 하나다.

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그리고 이 영화가 흥미로운 또 다른 지점은 이 영화가 흑인 영화임을 강조하고 있다는 점인데, 이렇게 영화가 그들의 인종적 존재를 강조하고 있는 것은 단순히 N.W.A의 메시지가 본래 그런 것이었다는 것 뿐은 아닐 것이다. 이와 비슷한 느낌은 최근작 '셀마 (Selma, 2014)'를 보면서도 느낄 수 있었는데, 누군가의 전기 영화를 통해 과거를 이야기하는 듯 하지만 그 안에는 당시 문제가 되었던 것들이 아직도 진행 중이라는 메시지가 겹쳐 있다는 걸 영화도 현실도 부정할 수 없는 듯 했다. 길에서 아무 이유 없이 흑인이라는 이유로 경찰들에게 폭력적으로 검문을 당하고 의심 받는 상황은, 지금도 정도의 차이는 있겠지만 완전히 해소되었다고는 볼 수 없고 오히려 근본적인 인식은 달라진 것이 없다는 걸 요즘도 지속적으로 벌어지는 인종차별 사건을 통해 알 수 있는데, 영화 속에 등장하는 당시의 사회 문제는 확실히 지금의 현실을 떠올리게 한다.

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사실 이 작품을 보기 전에 가장 우려했던 두 가지는, 실제 주인공인 닥터 드레와 아이스 큐브가 제작을 맡고 있어 이야기를 너무 그들 중심으로 미화하지 않을까 하는 점과 너무 많은 이야기를 다루려다 지루해 지지는 않을까 하는 점이었는데, 결론적으로 둘 다 우려를 불식 시키기에 충분했다. 앞서 이야기했던 것처럼 당시 N.W.A를 둘러 싼 디테일한 사실들을 다 알지는 못하지만 그래도 영화에서 그들이 스스로를 과하게 미화하려 하지 않았다는 건 알 수 있었다. 이 부분은 자연스럽게 두 번째 우려와도 연결이 되는데, 어떤 이야기를 일부러 미화하려다 보면 자연스럽게 거추장스럽고 지루해 지기 마련인데, 그렇지 않았기 때문에 영화는 147분의 제법 긴 러닝타임에도 지루함이 전혀 느껴지지 않았을 만큼 깔끔한 전개를 보여주고 있다. 솔직히 지루하지 않을까 라는 우려를 했던 것과 모순적일 정도로, 좀 더 길었으면 좋겠다 라는 생각이 들 정도로 오히려 몇 몇 이야기는 더 깊게 소개해도 좋았을 것 같다는 생각마저 들었다. 그 만큼 몇몇 이야기나 인물들은 그저 등장하는 수준에 그치거나, 조금은 빠르게 갈등이 마무리 되는 경향도 없지 않았다.

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영화적 완성도나 메시지를 다 떠나서 뮤지션의 삶을 다룬 전기 영화가 좋았느냐 아니냐는 결국 영화를 보고나서 그 뮤지션의 앨범을 바로 찾아 듣고 싶어지는지 아닌지로 결판 난다고 생각하는데, '스트레이트 아웃 오브 컴턴'은 영화의 사운드 트랙은 물론 N.W.A의 데뷔 앨범서 부터 아이스 큐브의 솔로 데뷔 앨범 등 영화가 끝나고 듣고 싶은 앨범 리스트가 가득 했다는 점에서 아주 만족스런 음악 영화였다고 자신있게 말할 수 있겠다.

1. 아이스 큐브를 연기한 배우는 워낙 싱크로율이 높아서 놀라웠는데 알고 보니 아들이더군요 ㅎㅎ

2. 추억의 힙합 의류 브랜드들도 반갑더군요. 예전에 한창 사 입던 시절이 생각나서 ㅋㅋ

3. 영화의 마지막 크레딧과 함께 멤버들의 실제 히스토리를 보여주는 장면에서는 약간의 야심 같은 것이 느껴지더군요. 주로 닥터 드레에 관한 것이었는데, 마치 '내가 이런 일들을 겪고 지금 최고의 자리에 서 있다'라고 직접 말하고 싶어하는 듯한;;

  
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사도 (The Throne, 2014)

이야기를 완성하는 배우들의 압도적 연기력

아마 많은 이들이 사도세자 이야기가 또 한 번 영화화 된다고 했을 때 '이미 너무 잘 아는 이야기인데 더 할 이야기가 있나?'라고 생각했을지도 모르겠다. 그만큼 사도세자 이야기는 조선왕조의 수 많은 이야기 가운데서도 영화나 드라마 등을 통해 자주 만나볼 수 있었던 역사였다. 결론부터 이야기하자면 이준익 감독은 이 익숙한 이야기를 최대한 다른 시각으로, 즉 역사적 의미나 더 정확한 역사 구현이 아닌 철저하게 개인적인 사연으로 사도세자 이야기를 풀어냈다. 왕이 되지 못한 사도세자와 당시 왕이었던 영조의 역사를 되짚는 것이 아니라, 아버지로서의 영조 그리고 아버지가 조선의 왕이었던 아들 세자의 이야기에 깊게 파고 들었다.

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사도세자 이야기가 여러 번 영화나 드라마로 소개되었다고는 하나 이전에 관객이 알고 있는 정보를 감안하지 않는다 해도 '사도'의 이야기는 충분히 성립한다. 이준익의 전작 '왕의 남자'가 그랬던 것처럼 (아니 어쩌면 그 보다 더), 영화 '사도'를 지배하고 있는 감정은 비극과 깊은 슬픔이다. 영화는 이 비극이 갑자기 찾아온 것이 아니라 처음부터 어떻게 시작되었는지 플래시백 형태로 보여준다. 즉, 영화의 첫 장면에서 후반부에 등장하는 비극적 사건을 미리 보여주고, 그 일이 일어나기 이전에 어떤 일들이 있었는 지를 보여줌으로서 관객들로 하여금 시작부터 비극적 시각으로 이 이야기를 바라보도록 만든다. 이것은 영화가 이 이야기를 어떤 식으로 바라보고 있는 지에 대한 성격을 알 수 있는 부분인데, 앞서 이야기했던 것처럼 '사도'는 처음부터 끝까지 비극의 기운이 감도는 작품이다. 또한 그 비극을 해결할 방법이 없었다는 걸 (굳이 역사적 사실에 근거하지 않더라도) 관객들이 느끼게 함으로서, 인물들의 슬픔이 더 깊게 느껴지도록 한다. 영화가 영조와 세자, 특히 세자를 바라보는 시선은 애처로움 그 자체다. 스스로 아무것도 할 수 없었던 운명에 처한 것도 애처로운데, 그가 바랐던 것이 어쩌면 아주 사소하고 개인적인 것 뿐이었다는 이야기로 세자를 비극적 운명을 자처했다기 보다는 선택권 없이 놓여 버린 가여운 존재로 바라보고 있는 것이다.

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'사도'가 흥미로운 또 다른 지점은 바로 그 영화의 애처로운 시각에 관한 것인데, 세자와 그를 지지하는 인물들은 물론, 그를 시기하고 반대의 편에 서 있는 인물들조차 날이 서 있지 않다는 점이다. 다시 말해 보통 극 중 인물을 관객이 애처롭게 여기도록 만드는 방식으로는 주인공과 다른 편에 서 있는 인물들이 더 가혹하게 주인공을 밀어 붙임으로서 그 효과가 더해지는 경우가 많은데, 이 작품의 경우는 대표적인 대립 구도에 서 있는 영조의 묘사 방법은 물론이고, 반대의 편에 서 있는 여러 가신들과 인물들에게서도 그러한 가혹함 혹은 날 섬이 느껴지지 않는 다는 것이 인상적이었다. 즉, '사도'에 등장하는 모든 인물들에게는 정도의 차이는 있겠지만 세자에 대한 안쓰러워 하는 감정이 존재한다는 것이다. 이준익 감독은 모든 인물들이 이러한 분위기를 유지하게 함으로서, 관객들이 세자에게 더 큰 감정적 몰입과 동정의 마음을 갖도록 했고, 그것은 정확히 통했다.

'사도'가 슬픔을 전하는 방식은 주인공을 사면초가로 밀어 넣는 방식이 아니라, 이미 사면초가에 운명적으로 놓여버린 인물을 애처롭게 바라볼 수 밖에는 없는 주변을 드러내는 방식에 가깝다. 이러한 방식을 극대화 한 인물이자 이 영화의 성격을 규정하는 가장 중요한 인물인 영조의 묘사를 보면 명확하게 알 수 있는데, 영조라는 캐릭터를 철저하게 '아버지'의 모습으로 그리려 한 것이 그것이다. 즉, 겉으로는 그렇게 얘기하지 않지만 속으로는 진심이 아니었던, 혹은 진심으로 잘 되었으면 하는 바람에서 한 행동이었다는 것을 (그 행동의 결과에 대한 옳고 그름과는 별개로) 송강호라는 배우를 통해 120%로 표현해 낸다. 예전에 '색, 계' 같은 영화에 대해 이야기할 때도 비슷한 얘기를 했었는데, 영화는 어쩔 수 없이 배우의 영화 외적 이미지가 직접적으로 개입하게 되는 겨우가 있는데, '사도' 역시 우리가 이미 잘 알고 있는 송강호라는 배우의 인상이 영조라는 캐릭터를 이해하는 데에 영향을 끼치고 있음을 부정할 수 없을 것이다. 만약 잘 모르는 배우이거나 악당으로 깊은 인상을 남긴 배우가 이 역할을 연기했더라면 아마 영조의 깊은 진심이 미처 다 전달되지 않았을 지도 모른다. 하지만 송강호라는 호소력 짙은 배우가 이를 연기함으로서, 관객은 최소한 좀 더 영조의 진심을 듣고자 하는 입장을 취하게 된 측면이 분명 존재한다.

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세자 역시 영조와 비슷한 측면이 있다. 조금 다른 점이라면 배우의 선한 이미지 때문이 아니라 연기력 그 자체로 강한 설득력을 갖게 되었다는 점인데, 유아인이 최근 작 '베테랑'에서 악역을 연기했음에도 워낙 잘 한 덕에 그 초점이 연기력으로 집중되었던 것은, '사도'를 만나게 되는 관객들로 하여금 기대감을 갖게 하였는데, 놀랍게도 유아인이 연기한 세자는 그러한 기대를 넘어서서 이 영화가 전하고자 했던 비극의 주인공으로서의 사도 세자를 완벽하게 그려내고 있다. 관객들 입장에서는 거의 연달아서 유아인이라는 배우를 스크린에서 만나게 된 것이나 마찬가진데, 조태오가 아직도 생생한 관객들로 하여금 아주 짧은 시간에 완벽히 사도 세자의 인상을 주기에 충분했을 만큼 유아인의 연기는 인상적이었다. 만약 올해 지금까지 개봉한 한국 영화 가운데 연기력 만으로 꼽자면 이 영화 '사도'를 주저 없이 꼽을 만큼, 유아인과 송강호의 연기는 이 영화의 설득력 그 자체였다. 그렇게 영화가 설득력을 갖게 되면서 결국 이 비극적 운명에 놓여야만 했던 아버지 영조와 아들 사도세자의 이야기에 다시 한 번 흠뻑 빠질 수 있었다 해도 과언이 아닐 것이다.

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보통 영화 속 이야기가 너무 슬픔과 비극을 강조할 땐 강요하는 듯한 느낌이 들어서 오히려 빠지지 못하는 경우가 있는데, 이준익 감독의 '사도'는 분명 비극을 감정적으로 강조하고 있지만 그것이 설사 강요라 해도 넘어가고 싶을 만큼의 힘을 가진 비극이었다. 그리고 '왕의 남자' 와 마찬가지로 영화가 거의 끝나 갈 때 한 명의 인물을 깊이 그리워 하게 되는 경험을 다시 한 번 할 수 있었다. 확실히 유아인은 지금이 전성기다. 그가 만든 사도 세자를 만나는 것 만으로도 '사도'는 충분히 볼 가치가 있다.

1. 전 워낙 사전 정보를 얻지 않은 터라 문근영이 나오는 줄도 몰랐어요;;; 후반부의 분장은 좀 충격;;;

2. 소지섭이 깜짝 등장한다는 건 이미 알려진 사실이지만, 이 사실을 몰랐더라도 영화를 보게 되면 그가 분명 나오게 될 것이라는 걸 알게 될 정도로 닮은 아역이 나옵니다 ㅎ

3. 좀 가벼운 얘기로 영화 속 영조와 사도 세자의 이야기는 '동상이몽 괜찮아, 괜찮아'에 딱 어울리는 주제라는 생각이 ㅋ

예법과 공부를 엄하게 가리켜 훌륭한 왕으로 자라길 바랐던 아버지와 그저 아버지의 따뜻한 말 한 마디가 간절했던 아들.

  
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종이 달 (紙の月 Pale Moon, 2014)

공허하게 떠도는 유령의 그림자

무언가 말로 형용하기 어려운 영화들이 있다. 담아내고자 한 이야기가 너무 거대해서 일일이 말이나 글로 옮기는 것이 버거운 경우도 있고, 정반대로 명확하게 전달하기 보다는 모호하게 담아내 딱 부러지게 표현하기 어려운 경우가 있는데, 요시다 다이하치의 '종이 달 (紙の月 Pale Moon, 2014)'은 후자에 더 가까운 작품이다. 국내 개봉 포스터를 보면 메인 카피로 '그녀가 그토록 원한 건 무엇이었을까?'라는 문구가 있는데, '종이 달'은 이 질문에 대한 답이지만 영화가 끝나도 그 명확한 답은 주지 않는다. 아니 주지 않았다기 보다는 애초에 답이 없었다는 편이 더 맞겠다. 은행의 계약직 사원으로 평범한 생활을 해오던 리카 (미야자와 리에)에게 어느 날 갑작스럽게 하지만 오래 전 부터 이미 천천히 그녀를 잠식했었던 '무엇'으로 인해, 그녀의 삶은 조금씩 아주 조금씩 뒤틀려 간다. 이렇게 평범하고 별 문제 없어 보이던 그녀가 깊은 늪에 빠지게 된 것은 무엇 때문이었을까? 그녀가 그토록 원한 건 무엇이었을까?

(내용에 대한 스포일러가 있을 수 있습니다)

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'종이 달'엔 크게 두 가지 사건이 하나로 묶여 전개 된다. 하나는 유부녀인 리카가 우연히 만난 젊은 남자와 부적절한 관계에 빠져드는 것이고 다른 하나는 은행원인 그녀가 거액을 횡령하게 되는 범죄에 대한 것이다. 하지만 '종이 달'이 가리키고 있는 손가락 끝은 불륜이나 범죄 사건이 모두 아니다. 반대로 이야기하자면 그녀가 우연히 만난 젊은 남자와 관계를 맺고 일탈하게 되는 것은 그를 진정으로 사랑하기 때문이 아니며, 은행원의 신분을 이용하여 점점 큰 금액을 횡령하는 범죄를 저지르게 되는 이유는 돈에 대한 욕심이나 부에 대한 욕망 때문이 아니다. 영화는 처음부터 이 두 가지의 가능성을 부정한 뒤, 그렇다면 그녀는 왜 이런 행동들을 하게 되는지에 대해 아주 천천히, 섬세하게 묘사해 간다. 아무것도 일어나지 않는 듯한 대화나 장면에서도 그녀의 마음 속은 복잡한 소용돌이가 일고 있는 것을 발견해야 한다. 별 문제 없어 보이는 남편과의 관계로 무언가 단절된 듯한 느낌이 있고, 퇴근 길에 우연히 들린 화장품 가게에서 평소 완 다르게 과소비를 하게 되는 모습에서도, 직장 동료의 얘기를 흘려 듣는 듯 하는 순간에서도 그녀는 미묘하게 흔들리고 있음이 목격된다. 그리고 이 작은 일상의 순간들은 거대한 파도가 되어 그녀를 삼켜버린다.

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리카가 점점 더 고가의 사치를 누리게 되고, 그에 따라 더 큰 비용을 횡령함에 따라 점점 더 늪의 수렁으로 깊게 빠져드는 과정도 일련의 다른 이야기와는 조금 달리 볼 필요가 있다. 흔히 평범한 인물이 범죄, 도박 등 어떤 것에 빠져들게 되면서 나중에는 스스로를 제어하지 못할 정도로 완전히 잠식되는 이야기가 일종의 중독에 관한 것이라면, 리카의 행동은 삶에 대한 적극적인 태도 혹은 완전한 탈출(자유)에 대한 추구라고 봐야 할 것이다. 즉, 리카의 이상 행동이 점차적으로 커져가는 과정은, 그 과정 속에서 아직까지도 그녀가 얻고자 하는 답을 얻지 못했기 때문으로 볼 수 있다는 것이다.

그렇다면 다시 영화의 첫 번째 질문으로 돌아가서, 그녀가 그토록 원한 건 무엇이었을까? '종이 달'이 말하고자 하는 바는 자신이 무엇을 원하는 지도 정확히 알지 못한 채 일상을 살아내야 했던 인물에 대한 질문이다. 리카가 남편이 아닌 다른 남자를 만나 관계를 맺는 것은 그저 흔한 일탈이 아니라 그 남자에 대한 가여움 때문이다. 큰 비용을 빚지고 대학생 신분으로 학비도 내기 힘든 그를 리카는 진심으로 돕고 싶은 마음 때문이었고, 그와 동시에 그녀가 점점 더 큰 사치를 하게 되는 것은 일종의 행복을 사고자 한 행위였으나 끝까지 알 수 없었기에 계속 되었다고 봐야 할 것이다 (그런 의미로 영화가 리카와 관계를 맺게 되는 남자를 빚 때문에 의도적으로 리카에게 접근하거나 이용한 것으로 그리지 않은 것은, 리카의 행동에 대한 질문과 답이 흐려지는 것을 막기 위함이었을 것이다).

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'종이 달'이 범죄영화거나 스릴러가 아니라는 점은 후반부에 드러난 영화의 태도에서 다시 한 번 확인할 수 있다. 결국 모든 범죄 행위가 발각된 리카는 자신의 죄를 묻는 동료와의 대화 중 자신의 진심을 처음으로 드러낸다. 그리고 리카의 진심을 듣게 된 동료 역시 그녀를 연민과 더 나아가 부럽기까지 한 눈으로 바라본다. 그런 의미로 이 시퀀스에서 리카가 유리창을 깨고 달려가는 장면은 몹시 인상적이었다. 왜냐하면 이건 그럼에도 아직 답을 찾지 못한 그녀가 결국 삶의 늪에 잠식되어 스스로 죽음을 수긍하게 되는 것이 아니라 그럼에도, 설령 그것이 유령처럼 현실을 떠도는 것일지라도 이 곳에서 벗어나 여정을 계속 하겠다는 것으로도 느껴졌기 때문이었다. 물론 리카의 여정은 또 다시 파국으로 혹은 죽음으로 치닫을 확률이 더 클 것이다. 답을 찾기엔 그녀는 이미 너무 오랜 시간을 그 속에서 살아냈고, 더 나아가 그 답이라는 것이 정말 존재하는지 조차 불확실하기 때문이다.

'종이 달'은 그래서 참 쓸쓸한 영화였다. 그것은 아마도 모든 것을 잘못한 그녀를 동정할 수 밖에는 없었던 이 가짜 세상 때문일지도 모르겠다.

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침묵의 시선 (The Look of Silence, 2014)

악마와 얼굴을 마주하다

조슈아 오펜하이머의 '침묵의 시선 (The Look of Silence, 2014)'은 1965년 인도네시아 수하르토 군부정권 하에서 벌어진 100만명에 달하는 공산당 학살 사건을 되짚는 여정이다. 물론 당시에는 공산당이라는 명분으로 진행된 대학살이었지만 그들은 공산당이 아니었고 그저 군부정권에 반대하는 일반 국민들이었다. 전쟁의 상처를 안고 있는 국가들에게는 비슷한 역사적 사건들을 찾아볼 수 있는데 (우리나라도 마찬가지), 인도네시아의 경우가 조금 다른 점이라면 독일 나치의 경우와는 달리 아직까지도 완전히 씻어내기는 커녕 진행중이라는 점이다 (이 점도 우리나라와 마찬가지). 조슈아 오펜하이머는 오랜 시간을 들여 당시 형 람디를 끔찍하게 잃었던 아디와 함께 당시 학살을 저질렀던 이들을 한 명 한 명 만난다. 앞서 이야기했던 것처럼 아직 그 정치적 상황이 진행되고 있기 때문일까? 관객은 이 여정에서 살아있는 악마의 얼굴을 마주하게 된다.

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피해자가 가해자를 직접 만나게 되는 여정은 고통스러울 수 밖에는 없다. 하지만 아디의 여정이 더 참혹한 건 형을 비롯해 수 많은 사람들을 잔인하게 학살했던 이들이 아직까지도 그 때를 자랑스럽게 추억하고 있다는 점이다. 한 명 한 명 현재를 살고 있는 가해자들을 만날 때 마다 놀라운 장면을 목격하게 되는데, 낯선 이방인인 조슈아의 카메라 앞에서 학살 당시를 구체적으로 기억하며 직접 몸으로 재연까지 해가는 그들의 모습은 충격적이고 안쓰러움을 넘어서 뭐라 해야 할지 답답할 지경이다. 아직도 그들의 기억 속에는 공산당들을 처단했던 애국적인 행동인 동시에 영광스럽고 주변에 자랑할 만한 멋진 추억인 것이다.

보통 이러한 역사나 사건을 다룰 때 갖게 되는 시각은 가해자 개인의 잘못이라기 보다는 전체적으로 미쳐있었던 시절의 탓으로 돌리는 경우가 많다. 피해자와 가해자 할 것 없이 모두가 자신이 무슨 일을 하는지 조차 정확히 알지 못하고 행했던 미친 시절. 사안에 따라 조금씩 다를 수 있겠지만 그 얼마나 세상이 미쳐있었던들 피해자와 가해자는 같을 수 없다. '침묵의 시선' 속 조슈아의 카메라 앞에 선 가해자들의 얼굴에는 연민을 갖기 힘든 악마의 얼굴이 담겨 있었다. 백번 양보해서 말해 그들은 정말로 피해자들이 짐승 같은 공산당인줄로만 알았고, 미쳐버리지 않으려고 무서운 마음에 피해자의 피를 마셨다고 해도 그들의 행동을 그저 미친 시절의 벌어진 어쩔 수 없는 행동으로 볼 수는 없다는 것이다. 조슈아 오펜하이머는 이러한 선택을 관객이 직접 할 수 있도록 최대한 객관적인 (하지만 직접적인) 시선으로 바라보고자 한다. 오히려 피해자인 아디와 제 3자인 조슈아는 가해자들을 이해해보려는 마음마저 느껴진다. 지금이라도 가해자들이 당시를 후회하며 '그 땐 어쩔 수 없었어요, 나도 내가 무슨 일을 하는지 몰랐으니까요. 미안합니다'라고 사과를 하거나, 그렇진 않더라도 '그 땐 왜 그렇게까지 해야했는지 모르겠네요'라며 후회라도 했으면 했을 텐데, 놀랍게도 가해자들의 입에선 왜 다 지난 일을 일부러 들춰 내냐는 화가 돌아 올 뿐이다.

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다시 말하지만 이 이야기는 결코 시대의 탓으로 마무리 되어서는 안된다. 앞서 영화의 시각이 객관적이라고 했지만 이 이야기는 놀랍게도 객관적이면 객관적일 수록 한 편에 일방적으로 서게 되어 버리는 구조다. 시대의 탓으로 돌리기엔 가해자들의 지금 태도는 물론이고 하물며 지금의 태도가 아직 진행중인 상황 때문이라는 점을 감안하더라도, 과거의 참혹했던 학살은 누가 억지로 시켜서 한 일이라고 해도 이해를 하기 어려울 정도로 악마스러운 행동이었기 때문이다. 영화 속에 등장하는 몇 번의 가해자와의 대화를 보면서 나는 진짜 악마라는 것이 존재한다는 것을 눈으로 확인할 수 있었다. 인간이라는 존재가 얼마나 나약한지, 스스로 옳고 그름은 물론 인간성마저 쉽게 포기해 버린 것을 보았을 때 그것은 악마의 얼굴을 보았다고 밖에는 이야기할 수 없었다.

조슈아 오펜하이머의 '침묵의 시선'은 그 어떤 다큐멘터리 영화보다 직접적이고 극적인 작품이다. 만약 이 영화 속에 담으려 했던 진실의 크기가 조금이라도 작았더라면 그의 연출 방식에 수긍하지 못했을 정도로, '침묵의 시선'은 그 어떤 극영화보다 극적이고 긴장감 넘치며 공포스럽다. 사실 영화 초반만 해도 자신이 피해자의 가족임을 숨기고 가해자들을 만나 그 때의 이야기를 듣는 것으로, 가해자들이 현재 어떤 가치관으로 살고 있고 당시를 어떤 식으로 기억하고 있는 지를 (그야말로)객관적으로 보여주는 이야기 일 줄로만 알았다. 하지만 아디와 조슈아의 여정은 그것보다 훨씬 직접적이었다. 아디는 점점 그들이 불쾌해 할 정도로 질문의 강도를 높여가고, 나중엔 자신이 당신이 당시 학살했던 이의 동생이라는 점을 그 앞에서 밝히기도 했으며, 더 나아가 자신의 가족 가운데 당시 학살에 가담했던 이를 찾아가 직접적으로 되묻기까지 한다. 어떤 주먹질도 총칼도 등장하지 않지만 이 대화 장면은 어떤 액션 영화보다도 긴장감 넘치고 공포스러운 장면이었다. 그래서 이런 감정을 느끼는 내가 죄스럽기까지 할 정도였다 (이것이 바로 감독의 연출 방식에 대해 수긍하지 못할 뻔한 이유이기도 했다).

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최근들어 다큐멘터리 영화라는 것에 대해 더 깊게 생각해 보고 있는데, 점차 다큐와 극영화의 경계가 무의미해지고 있는 현실 속에서 '침묵의 시선'은 어떻게 바라봐야 할지 모르겠다. 이 작품은 한 편으론 기획과 연출이 직접적으로 가미 된 작품이지만 다른 한 편으론 과연 이것을 다큐멘터리라는 장르에 가둬둘 수 있을까 싶을 정도로, 감당하기 힘든 진실과 사건 그리고 사람이 담긴 이야기였기 때문이다. 그래서인지 영화를 보는 내내 차라리 이 이야기가 픽션이기를 간절히 바랄 정도였다. 이 충격적인 역사를 아주 조용하지만 용기있게 거슬러 올라가는 아디는 차라리 히어로 영화의 주인공이기를 바랬을 정도로, 이 진실은 몹시 위태로워 보였다. 그리고 아디가 용기를 내면 낼 수록 더 겁이 났다. 아마도 그 이유는 이 인도네시아의 참혹한 역사가 전혀 남의 나라의 이야기로 느껴지지 않았기 때문일지도 모른다.

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우리나라도 한국전쟁 이후 가해자였던 일본과 더 질이 나쁜 권력 세력이었던 친일파에 대한 청산이 제대로 이뤄지지 않은 슬픈 역사를 지닌, 아니 진행중인 나라라고 할 수 있겠다. 영화 속에서 당시를 추억하며 그 끔찍한 학살이 이뤄진 스네이크 강 앞에서 손가락으로 V를 만들며 기념 사진을 촬영하는 가해자들의 모습을 보았을 땐, 기가 차는 것과 동시에 친일 행위를 부끄러워 하기는 커녕 정당화 하려는 친일파 세력들의 모습이 떠올랐다. 우리는 아디처럼 이 악마들과 얼굴을 마주하고 진실을 되물을 수 있을까. 그런 용기를 갖는 나라가 되었으면 좋겠다. 그리고 최소한 내가 그런 용기를 갖지 못하더라도 그 용기가 정의로운 행동이고 응원할 수 있는 양심을 한 사람 한 사람이 갖고 있는 나라였으면 좋겠다.

1. 이 작품 보다 먼저 제작되고 전 세계적으로 화제가 된 감독의 전작 '액트 오브 킬링'은 미처 못보았는데, 꼭 찾아 봐야겠네요 (국내에 정식으로 플레인에서 블루레이로도 출시 예정입니다).

  
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돌비 애트모스로 더 실감나게 즐기는 앤트맨

(Ant-Man, Dolby Atmos)

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앤트맨 (Ant-Man, 2015)

평범해서 기대되는 마블의 새로운 영웅

아마도 원작 그래픽 노블의 홍보 문구였던 것 같은데, '나도 드디어 앤트맨의 팬이라는 걸 자랑스럽게 얘기할 수 있다'라는 식의 멘트였다. 그 만큼 '앤트맨 (Ant-Man, 2015)'의 영화화 에는 '어벤져스'로 대표되는 마블의 여러 작품들의 성공이 큰 영향을 끼쳤다는 걸 인정하지 않을 수 없을 것이다. 이 이야기로 글을 시작한 이유는 다른 슈퍼 히어로들에 비해 앤트맨은 비교적 평범하고 현실적인 모습을 하고 있기 때문이다. 지금까지 영화화 된 마블 히어로들 가운데 비슷한 캐릭터를 꼽자면 스파이더맨 정도를 꼽을 수 있을 듯 하다. 지극히 현실적인 문제에 처해 있는 주인공과 전혀 다른 세계에서 진행되던 최첨단 과학기술과의 우연한 만남과 사고로 인해 발생하고 전개되는 '앤트맨'은, 확실히 '아이언맨'이나 '토르' '캡틴 아메리카'와는 다른 종류의 재미와 이야기를 담고 있는 또 다른 마블 히어로였다.

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'아이언맨'의 로버트 다우니 주니어도 처음엔 그랬지만 그보다도 폴 러드가 마블의 새로운 영웅을 연기한다고 했을 땐 적지 않게 놀랐었다. 국내에도 소개되었던 '아워 이디엇 브라더 (Our Idiot Brother, 2011)'를 비롯해 그가 다른 영화에서 주로 보여주었던 캐릭터는 코미디, 드라마 장르를 기반으로 한 캐릭터였기에 그가 일반 액션 영화의 주인공을 맡는 다고 해도 제법 놀랐을 텐데, 그냥 액션 영화도 아닌 마블 히어로를 연기한다고 했을 땐 놀라지 않을 수가 없었다. 그런데 '앤트맨'을 보고나서는 어느 정도 그의 캐스팅에 대해 수긍이 되는 점이 있었다. '앤트맨'은 확실히 다른 슈퍼 히어로들에 비해 개인적으로나 그가 처한 현실을 봐서도 매우 평범한 이야기를 담고 있는데, 가족에 대한 이야기가 중심이 되는 드라마 적 요소가 강조된 캐릭터라는 점에서 폴 러드의 캐스팅은 나쁘지 않은 선택이었다고 할 수 있겠다. 더불어 '아이언맨'과 마찬가지로 대부분의 액션 시퀀스는 헬멧을 착용한 채로 이뤄지는 점도 두 가지 면을 모두 만족시킬 만한 요소였다고 할 수 있겠다. 새롭게 마블 시네마틱 유니버스에 합류한 캐릭터답게 재미 만큼이나 캐릭터의 성격에 대한 설득력이 필요했다는 점에서, 이번 '앤트맨'은 나쁘지 않은 소개였다.

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이미 영화화 된 캐릭터들도 마찬가지지만 특히 새롭게 등장하는 히어로들의 경우 마블 시네마틱 유니버스에서 어떤 역할을 하게 될 것인가가 그 독립적인 영화에 대한 관심보다 더 크다고 해도 과언이 아닐 텐데, '앤트맨' 역시 '앤트맨'이 영화화 된다는 소식 만큼이나 그가 '캡틴 아메리카 : 시빌워'에 등장한다는 소식이 더 화제가 되기도 했었다. '시빌워'의 갈등 전개로 보았을 때 그가 캡틴 아메리카의 편에서 어떤 역할을 하게 될지가 가장 기대되는 부분인데, 그런 측면에서 봤을 때 이번 '앤트맨'은 그가 어떠한 능력치를 갖고 있고, 그 능력치로 인해 어떠한 미션 수행이나 다른 히어로들과의 상성 측면에서 어떠한 구도를 만들어 낼지 예상하고 기대할 수 있기에 충분한 근거를 담고 있다. 사실 다른 마블의 속편들을 이야기할 때도 몇 번 이야기했었지만 (특히 '토르 2'의 경우), 마블 시네마틱 유니버스가 만들어지면서 일부 속편들과 새로운 캐릭터들의 작품은 독립적으로 존재하기 보다는 이 세계관의 구성을 위해 재료로서 존재하는 성격이 더 짙어지고 있는데, '앤트맨'도 그 편에 더 가깝다. 이것은 '앤트맨'의 장점이자 단점인 부분으로 관객들이 어떠한 기대를 갖고 이 작품을 접하느냐에 따라 호불호가 갈릴 수 있을 듯 하다.

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독립적인 작품의 성격으로 보자면 '앤트맨'은 단순히 작아지는 것이 능력 이상의 어떤 영향력이 있는지에 대한 근본적 물음에 대해 답하고 있는 흥미로운 액션 영화였다. 처음 '앤트맨'을 알게 되고 나서도 크게 매력을 느끼지 못했던 것은 곤충 크기로 작아지는 것이 능력이라기보다는 핸디캡에 가깝지 않나 싶었던 생각 때문이었는데, 물론 작아지는 것이 포인트이기는 하지만 작아지는 만큼 본래 크기로 빠르게 전환할 수 있다는 점에서 특별한 능력 발휘가 가능한 지점이 있었고, 곤충 크기로만 할 수 있는 미션에 대한 설득력도 흥미롭게 묘사되고 있다. 사실 '앤트맨'에 가장 우려했던 점은 혹시 이 영화의 몇몇 장면들에서 '애들이 줄었어요'가 연상되지 않을까 하는 우려였는데, 실제 비슷한 장면들이 많았음에도 그 일상이 거대해지는 장면들이 코믹하게 그려지는 것을 최대한 지양한 연출로 인해 여기서 오는 코믹함은 거의 없었다. 하지만 이 설정 만이 가질 수 있는 장점을 최대화 한 장면들 (이를테면 크기가 작아지는 앤트맨은 물론, 모든 사물을 작게 혹은 크게 만들 수 있는 무기가 활용되는 장면)은 특별한 긴장감과 재미를 주고 있어, 후반부의 클라이맥스를 장식하고 있다.

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결론적으로 '앤트맨'은 세계를 구한다는 정의감이나 대의가 아닌 그저 딸을 아끼는 아버지의 소소한, 하지만 위대한 마음을 묘사하는 소시민 영웅인 동시에, 신체를 마음대로 작게 만들었다가 다시 정상으로 돌릴 수 있다는 설정을 통해 평범한 현실 세계를 다른 시각으로 묘사할 수 있는 장점을 가진 영화이자 캐릭터였다. 그리고 앞서 이야기했던 것처럼 독립적 작품으로서 조금은 아쉬운 점들도 곧 다가올 '캡틴 아메리카 : 시빌 워'의 전초전이라는 성격을 감안하면 나쁘지 않은 영화라고 할 수 있겠다. 새삼 느끼지만 세계관을 형성한다는 것은 이래서 매력적인 것 같다. 서로 보완하고, 서로 영향 받는.

1. 쿠키 장면이 2개 있습니다. 특히 두 번째 장면은 '시빌 워'에 대한 직접적 내용을 담고 있죠.

2. 미드에서 만났던 여러 배우들이 등장하더군요.

3. 돌비애트모스로 관람하였습니다. 이와 관련된 글을 짧게 한 번 더 쓸 예정입니다.

  
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아메리칸 울트라 (American Ultra, 2015)

결코 가볍지만은 않은 스파이 영화

흔히 말하는 킬링 타임용 영화로 가장 사랑 받는 장르는 이른바 요원물 이라고 할 수 있는 스파이 영화일 것이다. CIA, IMF, MI6 등 국가의 정보기관에서 일하는 특수한 능력의 요원들이 펼치는 불가능한 미션들은 2시간 남짓 한 짧은 시간 내에 기승전결을 펼쳐내기 가장 좋은 재료 중 하나이기 때문이다. 니마 누리자데가 연출한 '아메리칸 울트라 (American Ultra, 2015)' 역시 일종의 요원물이다. 기본 설정이 가장 유사한 작품을 꼽으라면 맷 데이먼 주연의 제이슨 본 시리즈를 떠올릴 수 있을 텐데, 어떤 연유로 인해 자신이 비밀 작전을 통한 요원이라는 점을 모르고 있는 주인공 마이크 (제시 아이젠버그)가 그 사실을 어떤 사건을 통해 알게 되면서 벌어지는 과정을 그리고 있기 때문이다. 본 시리즈와 다른 점이라면 '아메리칸 울트라'는 훨씬 더 가볍고, 개인적이며, 현실적인 작품이라 하겠다. 사실 이미 스파이 코미디 액션 물로 홍보되었던 터라 큰 기대를 하지 않고 즐겁게 러닝타임을 보낼 생각만으로 관람하게 되었는데, 조금은 의외로 가볍지 만은 않은 스파이 영화였다.

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일단 자신이 특수 훈련을 받은 요원이라는 사실을 알게 되기 이전의 이야기가 '아메리칸 울트라'에서는 중요한 모티브로 작용한다. 연인 관계인 마이크와 피비 (크리스틴 스튜어트)의 로맨스는 영화의 특성상 큰 비중을 갖고 묘사되지는 않지만, 중요한 모티브로 작용하고 있을 만큼 핵심은 계속 놓치지 않고 있다. 즉, 그냥 쿨하기만한 스파이 액션 영화인 줄로 알았던 '아메리칸 울트라'를 조금 특별하게 하는 첫 번째 이유라고 할 수 있을 텐데, 이 두 주인공의 애틋한 로맨스는 뻔한 듯 하지만 의외의 감동도 불러 일으키며 아주 명확한 기승전결을 그려낸다. 스파이를 주인공으로 한 영화에서 주인공의 로맨스는 어느 정도 전형화 되어 있는 것이 사실인데, 마이크와 피비의 로맨스는 조금은 더 일반적 로맨스 영화에 등장할 법한 구성으로 이뤄져 있어서, 앞서 이야기한 것처럼 의외의 감동 포인트마저 불러 일으킨다.

그냥 쿨하기만한 스파이 액션 영화가 아닌 조금 특별한 두 번째 이유는, 이 '요원'이라는 캐릭터를 아주 가볍게만 바라보고 있지 않다는 점이다. 보통 쿨함이 강조된 액션 코미디 장르에서는 쉽게 정형화되고 단순화 되는 경향이 많은데, '아메리칸 울트라'는 그런 가운데서도 아주 심각한 스파이 영화에서 주로 나올 법한 갈등 요소를 녹여내는 데에도 비중을 두고 있다. 가볍게 이야기하자면 거대한 국가를 통해 벌어진 인간에 대한 실험과 그 실험을 통해 인간성을 잃게 된 요원들에 대한 직접적인 질문은, 이러한 영화에서는 잘 등장하지 않는 것으로 조금은 '어라?'하고 놀라게 되는 부분이었다. 즉, 이런 장르 영화의 경우 주인공의 특수 능력을 화려하게 그리는 것에 주목하지만, 이 영화는 화려함이 최우선이라기 보다는 고통스러움도 동반하고자 하는 것이 엿보인다.

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그래도 어찌 되었든 이 영화의 가장 큰 매력을 꼽으라면 제시 아이젠버그와 크리스틴 스튜어트의 연기를 꼽을 수 있겠다. 두 배우 모두 캐릭터와 완벽하게 맞아 떨어지는 싱크로율을 보여주고 있는데, 더 나아가 특히 제시 아이젠버그의 경우 그가 출연했던 다른 작품들과 마찬가지로 이번에 연기한 '마이크' 역시 마이크 라기 보다는 제시 아이젠버그를 만나볼 수 있어 더 만족스러운 경우였다. 배우들 가운데는 작품마다 전혀 다른 인물로 태어나는 메소드 연기를 보여주는 이들도 있지만, 정반대로 무슨 영화에 출연하든 배우가 먼저 떠오르게 되는 경우도 있는데 제시 아이젠버그도 후자에 조금 더 가까운 배우인 듯 하다. 이러한 경우는 호불호가 갈릴 수 있을 텐데 (비슷한 배우로는 키아누 리브스가 있다) 글쎄 아직까지 제시 아이젠버그는 그의 특별한 연기 톤과 발성, 목소리 등의 매력만으로도 충분하기 때문에 계속 비슷한 캐릭터를 만나는 것에 거부 반응은 없는 편이다. 이 작품 역시 그래서 좋았고, 그래서 더 뻔하지 않은 영화가 될 수 있었던 것 같다.

크리스틴 스튜어트 역시 마찬가지다. 그녀와 아주 딱 맞는 캐릭터처럼 느껴졌는데 제시 아이젠버그와의 호흡도 좋아서 정말로 오래된 커플을 보는 듯 했다. 참고로 '아메리칸 울트라'는 속편의 가능성도 대놓고 드러내고 있는데, 속편은 확실히 전작에 비해 더 뻔한 영화가 될 확률이 높지만 이 두 배우의 호흡이라면 한 번쯤은 더 기대해 볼 만 하겠다.

1. 아무래도 한국사람으로서 이 영화에서 가장 기억에 남는 건 어쩔 수 없이 너구리 일 것 같네요 ㅋ 미국에서는 그래도 슾이라고 수저로 떠먹는 것이 인상적이더군요 ㅎ

  
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[EIDF2015] 퀸 오브 사일런스 (The Queen of Silence, 2014)

영화가 응원하고자픈 소녀의 꿈

데니사는 폴란드의 집시 캠프에 불법 거주하고 있는 열 살 소녀로 귀가 들리지 않는다. 춤과 리듬으로 가득한 자신만의 세상에서 살며, 데니사는 쓰레기더미에서 주운 발리우드영화에서 본 화려한 여인들의 흉내를 낸다. 춤추는 동안만큼은 잔인한 현실을 떠나 여왕이 될 수 있었던 소녀는 마침내 말로 할 수 없었던 기쁨과 슬픔, 그리고 공포와 같은 감정들을 표현해낸다.

아그니에슈카 즈비에프카 감독의 '퀸 오브 사일런스 (The Queen of Silence, 2014)'는 귀가 들리지 않는 집시 소녀 데니사의 이야기를 통해 은근히 한 소녀의 꿈과 집시의 삶에 대해 이야기하고자 한다. 들리지 않는 소녀의 장애에 관한 묘사는 비교적 가혹하지 않다. 관객에게 일부러 들리지 않는 고통에 공감하도록 주입하지 않고, 데니사를 둘러 싼 동네 아이들의 짓궃은 놀림과 장난들도 데니사를 피해자로서 묘사하지 않는다. 물론 여기에는 감독의 의도 못지 않게 데니사 자체가 워낙 밝고 건강한 모습을 보여주는 것도 무시할 수 없을 것이다.

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'퀸 오브 사일런스'가 조금 특별했던 건 이 영화의 연출 방식 때문이었다. 다큐멘터리 영화가 100% 실제의 것 만을 다룬다고 보기 어려운 측면이 분명 있기는 하지만 (감독의 연출 의도에 따른 편집이 가해지기 때문) 일반적인 다큐 영화가 관찰자로서 존재하는 것을 기본으로 한다는 점에서 이 작품은 카메라가 적극적으로 이야기에 개입한 영화라고 할 수 있겠다. 데니사는 발리우드 영화를 보며 영화 속 주인공들처럼 춤을 추는 것을 좋아하는데, 영화는 마치 한 편의 발리우드 영화처럼 중간 중간 연출된 댄스 장면을 삽입하였다. 즉, 데니사가 맨 앞에서고 몇몇 실제 아이들과 동원된 엑스트라 연기자들이 함께 하는 댄스 장면이 등장한다는 것이다. 일반적인 다큐멘터리에서는 보기 힘든 장면으로 조금 이질적이고 불편할 수 있는 방식인데, 그러게 느껴지기 보단 오히려 '그렇게 해서라도' 데니사의 꿈을 조금 이라도 이뤄주고픈 영화의 마음이 느껴져 조금은 행복해지고 또 조금은 애잔해졌다.

만약 실제 데니사의 이야기가 조금 더 희망적이거나 더 행복해 지는 일을 영화 속에서 만나볼 수 있었더라면 이 연출된 댄스 장면이 더 이질감이 느껴졌을지도 모르겠다. 하지만 어쩌면 함께 지내던 가족들과도 떨어져 더 먼 다른 나라에서 홀로 지내게 되고, 듣는 것 역시 그다지 진전이 없게 된 현실에 비춰 보았을 때 감독은 더 적극적으로 영화를 통해서 데니사를 응원하고 싶었던 것이 아닐까 싶다. 실제로 '퀸 오브 사일런스'는 일반적인 다큐와는 다르게, 실제 주인공들과 함께 만든 영화에 가깝다. 그냥 의미상 함께 만든 영화가 아니라, 실제로 데니사와 아이들이 이 작업을 이해하고 연기하며 함께 만든 영화.

아마 이 작품을 본 대부분의 관객들이 그러하겠지만, 영화를 보고 나면 어떤 감정이 들기 이전에 데니사의 환하게 웃는 미소가 가장 먼저 떠오를 것이다. 그 미소가 남긴 의미가 깊은 여운으로 남는 영화.

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판타스틱 4 (The Fantastic Four, 2015)

과연 속편은 계속 될 수 있을 것인가

마블의 영화들이 하나 둘 씩 성공하고 '어벤져스'로 대변되는 유니버스의 구조가 대중화 되면서, 그간 주목을 받지 못했던 작품들이 영화나 드라마 등으로 제작되거나 오래 전에 영화화 되었던 작품들이 다시 리부트 되는 경우도 심심치 않게 나타나게 되었는데, '판타스틱 4' 역시 새로운 감독과 배우들로 리부트 되었다. '판타스틱 4'는 팀 스토리가 연출을 맡아 2005년과 2007년에 각각 '판타스틱 4'와 '실버서퍼의 위협'을 내놓았는데, 제시카 알바, 크리스 에반스 (이 때만 해도 크리스 에반스는 그리 주목 받지 못했었다) 등이 주연을 맡아 속편까지 나오긴 했지만 그리 좋은 평가를 받지는 못한 작품이었다. 그렇기 때문에 이번 '판타스틱 4'의 리부트는 기대될 수 밖에는 없는 프로젝트였는데, 일단 연출을 맡은 이가 '크로니클'을 연출한 조쉬 트랭크라는 점이 첫 번째였고 최근 핫 한 케이트 마라, 마일즈 밀러, 마이클 B.조던, 제이미 벨 등이 새롭게 팀을 이룬다는 점이 두 번째 포인트였다. 하지만 기대와는 달리 관람 전 시사회나 여러 평가들은 하나 같이 좋지 않은 평들 뿐이어서, '혹시나 했지만 역시인가' 하는 아쉬움을 미리 갖게 했었다. 워낙 기대치를 낮춘 탓인지는 몰라도 전작들과 비교했을 때 그 정도로 최악인가 싶은 생각은 들었다. 하지만 그렇다고 결론이 바뀔 만한 수준은 아니었다는 것도 분명한 사실.

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일단 리부트 답게 새롭게 정한 작품의 방향성은 매우 마음에 들었다. (설령 관객들이 이 부분에서 지루해 할 확률이 높다해도)히어로 물에 절대 빠져서는 안되는 것이 바로 히어로가 되기 까지의 과정에 대한 이야기라고 할 수 있을 텐데, 조쉬 트랭크의 '판타스틱 4'는 거의 대부분의 분량을 여기에 쏟고 있다고 해도 과언이 아닐 정도로, 이 4명의 젊은 남녀가 어떻게 판타스틱 4가 되었는 지를 주목한다. 홀로 영웅인 다른 영화들 과는 달리 4명이 팀으로 존재하는 작품이기 때문에 한 명 한 명의 히스토리는 길지 않지만, 네 명이서 (혹은 세 명) 함께 프로젝트를 진행하는 과정 속에서 이들이 평소 어떤 가치관을 갖고 있었고, 어떤 갈등이나 관계에 있었는 지를 비교적 상세하게 묘사하려 한다. 이 부분은 앞서도 언급했던 것처럼 히어로 물이라면 반드시 선행해야 할 이야기인 동시에, 처음부터 시리즈를 염두에 둔 작품이라면 화려한 액션 연출 보다도 더 세심하게 신경 써야 할 부분으로, '크로니클'의 분위기가 살짝 느껴질 정도로 나쁘지 않은 과정이었다.

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특히 개인적으로 주목했던 건 이들이 사고로 인해 특별한 능력을 갖게 된 이후, 그 능력을 바라보는 각자의 시선과 주변의 시선에 대한 묘사였다. 역시 히어로 물에서 가장 중요한 갈등 요소이자 테마라고 할 수 있는 것이 특수 능력을 축복으로 받아들일 것이냐 저주에 가까운 치료해야 하는 것으로 받아들일 것이냐 하는 부분일텐데, '판타스틱 4'는 상대적으로 이 능력을 치료해야 하는 것의 측면으로 바라보면서 조금 더 어둡고 무거운 분위기 속에 과정을 그려낼 수 있었다.

아주 짜임새 있거나 매력적인 수준은 아니었지만 그래도 그 방향성 측면에서는 옳았고 납득할 만한 수준이었던 이 전반부의 내용은 아쉽지만 단 한 순간에 허무하게 깨져버리고 만다. 앞서 이야기한 부분들이 어느 정도 마무리 되어감을 느낄 때 까지만 해도 괜찮았는데, 영화는 너무 갑자기 마치 극 중 차원 이동처럼 엄청난 거리를 점프하여 '자, 이제 우리는 판타스틱 4야!'라고 선언해 버렸고, 여기에 실소가 나오지 않을 수 없었다. 무엇보다 이렇게 끌고 올 때까지 갈등이 봉합되지 않았던 캐릭터들이 너무 한 순간에 약속이나 한 듯이 하나가 되기로 한 점은, 납득이 안된다기 보다도 중간에 장면이 삭제되었나? 싶을 정도였다. 혹여 대중적으로 흥행 성적이 좋지 못하더라도 리부트 답게 캐릭터들의 생성 과정에 대한 성격과 납득할 만한 공감대를 형성했다면 생각보다 별로 볼거리가 없었던 작품에도 나쁘지 않은 평가를 할 수 있었을 텐데, 잘 나가다가 스스로 한 번에 포기해 버린 느낌이었다. 그래서 마치 영화가 중간에 끝난 것만 같은 느낌이 강하게 들 수 밖에는 없었다. 실제로 '어? 여기서 끝이야?' 싶을 정도로 이 영화가 선택한 클라이맥스는 중간 정도의 임팩트 밖에는 없었다.

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조쉬 트랭크는 둘 중 하나를 선택했어야 하는 것이 아니었나 싶다. 아마도 처음 이 리부트가 결정되면서부터 한 편이 아닌 시리즈의 연속성을 스튜디오는 고려했을 텐데, 그것이 감독에겐 이도저도 아닌 독이 된 듯 했다. 캐릭터의 탄생에 대한 공감대 형성도 이뤄내지 못했고, 그렇다고 다른 마블 히어로 영화 같은 화려한 볼거리도 사실 보여주지 못한 채 너무 영화 스스로 '우린 1편 입니다. 자, 이제 속편을 기대하세요'라고 처음부터 말하고자 하는 바가 너무 강했던 것 같다.

과연 속편은 계속 될 수 있을까?

1. 케이트 마라도 그렇고, 마일즈 텔러도 그렇고 배우들이 좋아서 기대를 했었는데...

  
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