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택시운전사 (A Taxi Driver, 2017)
목격자로서 정의롭게 기록하는 



역사를 배경으로 한 영화는 항상 위험함이 존재한다. 실제로 있었던 일이라는 사실 만으로도 흥미를 자극하는 장점이 있기는 하지만, 그렇기 때문에 더더욱 조심스럽게 다뤄야 할 필요가 있기 때문이다. 특히 가까운 과거의 경우, 또 그 역사적 사실의 피해자가 존재하는 경우는 섣불리 접근해서는 안될 정도로 앞서 언급한 장점에 비해 위험성의 부담이 더 큰 장르가 바로 과거사를 배경으로 한 영화라고 할 수 있을 텐데, 그런 측면에서 장훈 감독의 신작 '택시운전사'는 아직 그리 오래되지 않은 80년 광주 5.18의 시간을 배경으로 하고 있는 아주 위험한 영화다. 


5.18 광주를 다룬 영화는 상업영화 가운데도 이미 여러 편이 있었는데 '화려한 휴가'처럼 제대로 된 방향성을 잡지 못해 좋지 못한 평가를 받은 영화도 있었고, '26년'처럼 많은 기대를 모은 것에 비해 영화적 완성도에 대한 아쉬운 평가를 받았던 영화도 있었다. 지금까지 내가 본 광주 민주화운동을 다룬 영화 가운데 가장 인상적이었고 가장 효과적인 영화를 꼽으라면 단연 김현석 감독의 '스카우트 (Scout, 2007)'를 주저 없이 꼽을 수 있겠다. 


당시 한창 코미디 영화로 주가를 올리던 임창정 주연의 영화로 코믹한 느낌을 강조한 포스터와 홍보로 많이 알려지지는 않았으나, 이 영화는 놀랍게도 1980년 광주의 공기를 가장 잘 표현해 낸, 특히 직접적으로 개입하지 않고 간접적인 방식을 택하면서도 5.18을 대하는 태도에 있어서 가장 올바름을 보여준 영화였다. 서두에 이야기했던 것처럼 섣불리 피해 당사자의 입장으로 참혹한 역사의 중심에 서서 어설픈 공감대를 자랑하듯 전시하지 않고, 스스로 최대한 한 발 물러섬으로써 광주를 바라보는 진심을 느낄 수 있었던 좋은 영화였기 때문이다 (스카우트는 광주 얘기가 나올 때마다 추천하는 영화다).




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장훈 감독의 '택시운전사'는 '스카우트'에서 조심스럽게 한 발 더 접근한 영화다. 영화는 이번에도 제삼자의 시선으로 이야기를 다루고 있지만, 좀 더 당시의 현실을 전달하는 목적을 달성하기 위해 조심스럽게 한 발 내딛는 것을 선택한 영화다. 그리고 이 영화는 잘 알려졌다시피 실제 존재했던 인물들에게 아주 많은 빚을 지고 있는 영화이기도 하다. 당시 완전히 통제되었던 언론 탓에 광주의 참혹한 현실은 외부에 전혀 알려지지 못하고 있었는데, 독일 기자 위르겐 힌츠페터 (토마스 크레취만 분)는 한 택시운전사의 도움으로 광주에서 취재를 할 수 있었고, 영화 '택시운전사'는 이 과정을 중심으로 1980년 5월 광주를 바라본다. 즉, 서울 택시를 몰던 소시민으로 우연히 광주에 오게 된 김만섭 (송강호 분)과 독일 기자 피터의 목격자적 입장이 이 영화의 시선이자 목적으로 볼 수 있다.


사실 많은 재난 영화 혹은 특수 상황을 배경으로 한 드라마들이 이런 비슷한 방식을 취하고 있기는 하다. 영화에서 벌어지는 커다란 재난 혹은 사건과는 전혀 무관했던 평범한 인물이 우연히 사건에 휘말리게 되면서 사태의 본질을 파악하고 관객들에게도 공감대를 유도하는 방식 말이다. 이런 구조는 또한 대부분 평범했던 인물이 영웅적 면모를 보여주면서 문제의 중심에 도달, 해결하는 이야기로 귀결되곤 하는데, 일반적인 액션, 재난 영화에서는 오락적인 측면으로 쉽게 수용되는 부분이지만 실제 역사를 배경으로 하는 경우에는 아무래도 주저해야만 하는 방식이기도 할 것이다. 


'택시운전사'는 분명히 '스카우트'와 비교해서는 물론이고 이 한 편만 두고 보아도 제삼자가 역사의 중심에 더 많이 접근해 있는 영화다. 하지만 그럼에도 이 영화가 이런 실수를 범했던 다른 역사 배경 영화들에 비해 좋았던 건 접근에 주저함이 보일 정도로 조심스럽고, 최대한 제삼자이자 목격자임을 망각하지 않으려고 노력하고 있기 때문이다.




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아슬아슬한 부분이 없었던 것은 아니다. 만섭이 피터의 탈출을 위해 벌이는 자동차 추격 장면이나 그 이전에 금남로 현장에서 보여주는 장면들은 자칫 타자의 영웅적 면모로 비칠 수 있는 (그저 장르적 장치로 소비될 수 있는) 면이 없지 않지만, 그래도 결과적으로 만섭과 피터는 목격자임을 잊지 않고 목격자가 할 수 있는 최선의 것을 고민하는 것에 집중한다. 만섭은 집에 홀로 남겨진 어린 딸에 대한 걱정으로 하루빨리 서울로 돌아가고 싶지만 직접 목격한 참혹한 현실 앞에 보통의 인간으로서 양심의 가책을 느끼게 된다. 만섭이 느끼는 죄책감이나 양심의 갈등은 거대한 정의나 영웅적 면모와는 거리가 멀다. 그저 인간이라면 누구라도 느껴야 할 것들로 인한 지극히 현실적인 갈등이다. 


사실 여부와는 상관없이 만섭이 광주로 다시 돌아갈 것이냐 말 것이냐를 깊이 갈등하는 장면은 그래서 더 인상적이었다. 만약 만섭이 다른 재난 영화의 주인공들처럼 이 문제의 심각성을 깨닫고 사태의 중심으로 들어가 해결하려고 했다면, 설령 그것이 역사적 사실이라고 하더라도 현재의 관객들에게는 더 큰 울림을 주지 못했을 것이다. 하지만 자신은 이미 할 바를 다했고, 누구 하나 돌아가지 않는다고 해서 욕하는 이도 없을 것이고, 더군다나 홀로 남겨진 어린 딸을 위해서라도 서울로 가야 할 이유가 충분한 상황을 알기에 눈물로 결심하는 이 장면은 정의롭지 못한 일을 맞닥들이게 되었을 때 목격자로서, 제삼자로서 그럼에도 어떻게 행동해야 하는지에 대해 더 큰 설득력을 가질 수 있었던 장면이었다. 할 수 있는 최소한의 것을 하는 것에서 한 발만 더 나아가 행동할 수 있다면 어떤 세상이 또 어떤 인간이 될 수 있는지를 생각해 보게 만드는 순간이었다.




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그리고 '택시운전사'를 보며 또 하나 생각해 보게 된 건 직업인으로서의 윤리랄까, 역할에 관한 점이었다. 최근 종영한 드라마 '비밀의 숲'에서도 이와 비슷한 인상을 받을 수 있었는데, 거대한 음모와 부정의가 판치는 가운데 이를 해결하기 위해서는 거대한 힘도 필요하겠지만 그보다는 직업인으로서 각각의 개인이 각자의 맡은 바를 제대로 하기만 해도 막을 수 있는 일이 아니었을까 하는 메시지를 이 영화에서도 발견할 수 있었다. 


독일 기자 피터는 실제 인터뷰에서도 밝혔던 것처럼 엄청난 사명감으로 당시 광주로 향했던 것이 아니라 기자이기 때문에, 기자로서 알려야 할 일이 있다면 취재를 해야 한다는 직업윤리에 기반해 행동했던 것이고, 영화 속에 등장하는 여러 광주 택시운전사들의 대사에서도 '택시운전사가 손님을 가려 받으면 되나'처럼 기본적으로 택시운전사로서 자신들이 할 수 있는 바를 충실히 했다는 것을 영화는 놓치지 않는다. 직접 데모에 나서지 않는 이들도 데모에 참여한 이들을 위해 먹을 것을 내주고, 쉴 곳을 내주며 응원의 힘을 불어넣었던 것처럼, 당시 광주는 광주 시민 모두가 각자 자신의 방식대로 민주주의와 정의를 위해 할 수 있는 최선의 것들을 너무나 당연하게 행동으로 옮겼던 현장이었다는 것 또한 잊지 않는다. 이 역시 최대한 있는 그대로, 하지만 목격자의 입장에서 바라보고자 하는 것이 이 영화의 시선이다.



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장훈 감독의 '택시운전사'는 역사적 비극을 당사자가 아닌 목격자로서 어떻게 바라보고 행동해야 하는 가에 대한 고민의 결과물이자 호소가 담긴 질문의 결과물이다. 1980년 5월 광주에서 벌어진 일들에 대해 아직도 많은 이들이 제대로 알고 있지 못하고 있는 것이 현실이다. 이 영화는 당시를 기억하고 5.18에 대해 잘 알고 있는 이들보다는 아직 제대로 광주의 의미에 대해 알지 못하는 더 많은 이들을 위한 영화다. 그래서 철저하게 목격자의 입장을 취하고 있지만, 반대로 목격자만이 할 수 있는 일들에 대해 메시지를 던지는 영화다.




1. 이 영화에서 가장 판타지스럽다고 생각되었던 후반부 검문 장면은 사실을 배경으로 한 장면이라고 하더군요.
2. 자동차 추격 장면은 확실히 조금 이질적인 시퀀스였어요. 이 부분이 조금만 더 세련되었다면 더 좋은 영화가 되었을 듯.

3. 초반부 만섭이 광주로 향하기 이전 장면들에 여러 복선들이 있더군요.

4. 이렇게 5.18 광주를 다룬 영화들은 조금씩 한 발씩 나아갔으면.



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

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군함도 (The Battleship Island, 2017)

영화와 영화 외적인 것들의 필연적 충돌



류승완 감독의 신작 '군함도'는 처음 제작 사실이 알려졌을 때부터 기대와 걱정, 바꿔 말하면 반가움과 못마땅함이 존재했었던 논란의 영화였다. 흥미로운 건 기대하고 못마땅해하는 이유가 각각의 것이 아니라 동일한 점이었다는 거다. 화려한 캐스팅은 더 많은 대중들에게 기대를 갖게 하는 동시에 영화가 원했든 원치 않았든 간에 천만 영화라는 타이틀이 제작 단계에서부터 얘기된 점은, 더 많은 곱지 않은 시선을 이 영화에 갖도록 만들었다. 영화가 관객을 만나게 된 지금도 이 상황은 크게 달라지지 않았다. '군함도'는 현재 가장 많이 이야기되고 있는 영화이지만 아이러니하게도 영화가 담으려 했던 메시지나 내용적인 것에 대한 담론보다는 영화 외적인 것들에 대한 이야기가 훨씬 더 비중 있게 다뤄지고 있다. 아, 물론 내용에 대한 이야기들도 논란이 되고 있긴 한데 이 부분에 대해서도 이 글을 통해 이야기해보려고 한다.


'군함도'는 큰 규모의 제작비가 말해주듯, 처음부터 대중적인 측면을 고려하지 않을 수 없었던 즉, 더 많은 관객을 대상으로 한 영화임을 결코 간과할 수 없었던 영화였다. 혹자들은 이런 경우 작가로서의 감독이 상업적인 것을 위해 많은 것을 포기했다라며 평가 절하하곤 하는데, 내가 봤을 때 '군함도'의 경우 이건 포기라기보다는 선택에 가깝다. 작은 규모로도 풀어낼 수 있는 이야기가 있고 대규모의 투자가 꼭 필요한 이야기가 있는데, 물론 '군함도'를 주제로도 충분히 훨씬 적은 규모의 영화를 만들 수도 있었겠지만, 류승완 감독이 만들고자 했던 건 기본적으로 장르 영화였고 대규모의 투자가 필요한 영화였다. 


그리하여 결과적으로 지금까지 한국영화에서는 볼 수 없었던 대규모 세트 촬영과 이를 기반으로 한 스펙터클한 화면과 액션의 동선을 가능하게 해 확실히 진일보한 수준을 보여준다 (다른 얘기로 최근 논란이 되는 점을 감안했을 때, 그리고 이 영화가 애초부터 작은 기획으로 시작했다고 가정한다면 '군함도'는 지금과 같은 액션 영화가 아니라 라즐로 네메스 감독의 '사울의 아들 (Son of Saul, 2015)'처럼 만들었어야 지금의 논란을 모두 해결할 수 있었을 것이다. 그랬다면 지금과 같은 논란은 없었을 거고, 배급사가 무리한 독과점을 시도하지도 않았을 거고 그리 많지 않은 관객 만이 영화를 관람했을 거다).



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이야기의 구성 측면에서 '군함도'는 장르 영화의 전형적인 모습을 보여준다. 황정민과 김수안이 연기한 이강옥과 소희의 이야기는 쉽게 로베르토 베니니의 '인생은 아름다워'를 연상시킨다. 참혹함 속에서도 현실적인 생존을 위해 노력하는 모습과 서로가 서로에게 반드시 탈출해야만 하는 (특히 이강옥에게) 이유가 되는 이야기는 가장 전형적인 구조이지만 그와 동시에 가장 보편적 정서로 많은 대중들에게 쉽게 어필할 수 있는 장점이 되기도 한다. 소지섭이 연기한 최칠성의 이야기는 '군함도'의 또 다른 줄기 이야기라고 할 수 있는데, 이후 등장하는 박무영(송중기)의 이야기와 마찬가지로 커다란 하나의 이야기에 잘 묻어나지 못하는 양상을 보여준다. 


박무영의 이야기는 전개상 반드시 필요한 것으로 볼 수 있으나 최칠성의 이야기는 필요보다는 선택 측면으로 개입되었다고 볼 수 있는데, 결과적으로 하나의 이야기에 더 집중하기 어렵도록 만드는 장치가 아니었나 싶다. 박무영이 개입되는 시점부터 영화는 빠르게 탈출(재난) 영화로서 전개되기 시작하는데 개연성을 위해 몇 가지 장치들을 마련해두기는 했지만 아무래도 조금은 급작스럽게 장르 영화로서 탈바꿈되어 달려 나간다는 인상을 지우기 어렵다. 



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사실 '군함도'는 장르 영화로서만 보았을 때 그리 나쁘지 않은 영화라고 볼 수 있다. 대규모의 촬영 현장에서 만들어낸 (CG가 아님을 확인시켜주는) 장면들은 그 자체로 압도되는 측면이 있고, 그만큼 볼거리 측면에서도 러닝 타임 내내 지루하지 않게 몰입할 수 있다. 하지만 이 영화가 아쉬움을 남기는 측면은 아이러니하게도 바로 그 배경이 '군함도'라는 점 때문이다. 결과적으로 생각해보면 '군함도'라는 역사적 사실을 배경으로 대규모 장르 영화를 만든다는 것은 여러 가지 측면에서 (예상하지 못했던 반응들까지 더해서) 참 어려운 도전이었구나 싶다. 결론적으로 이 영화는 군함도라는 역사적 사실에 대한 인식과 이를 통해 전달하려던 메시지에 대한 부분은 물론, 탈출 영화로서의 스펙터클 모두 최대한으로 뻗지 못하고 아쉬운 지점에서 그치고만 느낌이 강했다.


특히 아직도 청산되지 않은 역사의 아픔을 제3 국의 시선이 아닌 당사국의 입장에서 그리고 있는 만큼 강제 징용 피해자들에 대한 묘사에 (그것이 허구라 해도) 더 신중을 기하는 것이 필요했는데, 장르적 전개를 위해 총, 칼과 폭발에 스러져 가는 모습을 전쟁영화의 방식으로 잔인하게 묘사한 것은 그 참혹함을 부각하기 이전에 상처를 더 짓누르는 효과가 크지 않았나 싶다. 보통의 전쟁 영화에서 우리 편 혹은 우리 군이 죽음을 맞을 때의 묘사도 이와 크게 다르지 않지만 관객의 심리에서는 일본에게 강제 징용된 피해자들의 죽음을 맞는 장면이 훨씬 더 감정적으로 수용하기 어려울 정도로 받아들여진 측면이 분명 존재했다. 물론 여기에는 조선인들 간에 갈등 전개에 불만을 가진 이들의 반대가 더 컸을 텐데, 그런 측면이 더해지면서 이 대탈출의 서사는 완전히 살아나지 못하게 되었다. 



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그리고 시기적인 정서도 무시할 수 없는 요인이라고 생각된다. 비극적 역사를 배경으로 한 영화의 경우 관객들이 그 역사적 사실을 얼마나 알고 있느냐가 영화를 감상하는 데에 적지 않은 평가 요인이 된다고 말할 수 있을 텐데, 군함도에서 벌어진 강제 징용 역사의 경우 최근 '무한도전'을 비롯해 몇몇 강의 프로그램이나 언론을 통해 이슈가 된 만큼, 관객들의 뇌리 속에는 깊은 상처와 슬픔이 최근의 기억으로 남아 있었기에 이를 장르 영화로 소화해낸 (물론 영화가 담으려던 본질은 그게 아니었다고 생각하지만) 영화 '군함도'가 더 날카로운 시선으로 또 정서적 거부감으로 다가올 수도 있었겠다는 생각이 든다.


천만 영화. 천만 관객을 목표로 한 영화들은 대부분 어느 정도의 논란을 가져오기는 했지만 '군함도'의 경우는 좀 더 양상이 복잡한 경우다. 일단 개봉일 기준으로 전체 스크린의 대부분이라 할 수 있는 숫자의 스크린을 점유한 것 자체는 한 사람의 관객으로서 참혹하고 끔찍한 심정이 들 정도로 분명 정상적인 상황은 아니었다. 설령 그것이 합법적일지라도 말이다. 


더 많이 보고 싶어 해서 더 많은 상영관을 가져갔다는 말은 얼핏 보면 그럴듯해 보이지만, 이것이 문화 산업이라는 점을 감안한다면 이건 불공정 거래에 가까운 현상이라고 말할 수 있을 것이다. 점차 시일이 지나면서 '군함도'의 스크린 점유율은 줄어 가고 있지만 이후 개봉될 예정이라는 확장판의 소식까지 더해 만들어진 (만들어 내야만 하는) 천만 영화가 되어 간다는 아쉬움을 지울 수 없다. 이렇게까지 무리하지 않아도 충분히 목표로 했던 것들을 이뤄낼 수 있지 않을까 싶은데, 실패를 몹시 두려워하는 자본주의 시스템이 뭔가 억지로 무리를 하고 있는 느낌이다. 



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이와 별개로 이 독과점의 문제의 탓을 감독에게 돌리는 것도 정상적이지 못하다고 본다. 물론 관객이 정서적으로 받아들이기에 그 영화를 대표하는 인물은 감독이기 때문에, 더군다나 일부에서 실망하는 것처럼 류승완 감독이 평소 진보적인 태도로 스크린쿼터나 대기업, 자본에 대해 비판적인 입장을 보여주었었기 때문에 더 그럴 수 있다는 점은 어느 정도 이해하지만, 마치 이 모든 것이 감독의 의도인 양 또는 심한 말로 돈 맛을 알아 버린 감독이 투자/배급사인 CJ와 손잡고 변절 아닌 변절했다느니 하는 (사실 이것보다 훨씬 더 심한 수위의 표현들이 많다) 의견들은 수용하기 어려울뿐더러 다른 의도에 의한 것이 아닌가 하는 의심마저 든다 (물론 이런 의견을 갖는 전체를 매도하는 것은 아니다). 스크린 독과점과 관련해 가장 고통스러운 사람은 아이러니하게도 류승완 감독 본인이 아닐까 싶다. 



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솔직히 스크린 독과점과 관련한 부정적 의견들은 일부 의견들의 발언 수위가 너무 수준 낮다는 (욕설 수준) 문제가 있기는 하지만, 수위의 대한 정도만 걸러 낸다면 어느 정도 이해할 수 있는 선의 논의라고 생각된다. 하지만 이 영화의 내용을 두고 벌이는 논쟁은 참으로 말도 안 되는, 그야말로 저의가 의심되는 움직임이라고 밖에는 생각할 수 없다. '군함도'를 두고 일본군에 대한 참상을 고발하는 내용이 아니라 오히려 찬양하는 가운데 조선인들끼리 다투는 내용을 담은 친일 영화라는 의견들이 있는데, 이건 정말 말도 안 되는 얘기다. 영화가 담고 있는 내용에 대한 팩트부터 말하자면 '군함도'는 일본 제국주의에 대한 비판적 시각이 짙게 깔린 동시에 단 한 명의 일본군도 미화하거나 그들도 피해자라는 식의 묘사는 존재하지 않으며, 강제 징용된 조선인들 사이에 존재하는 친일파가 영화의 주된 갈등으로 등장한다.


묘한 공격 지점이 되고 있는 이 부분은 오히려 내가 이 영화에서 가장 인상적으로 본, 가장 좋아하는 지점이다. '군함도'는 단순히 제국주의 일본 군의 참상을 평면적으로 그려내는 구도가 아니라 시대를 살아 남기 위해 스스로도 피해자이면서 가해자에게 기생해 목숨을 부지하려 했던 친일파들에 대한 적대심과 비판적 태도를 적극적으로 드러낸 점이 가장 마음에 들었다. 예전 ‘지슬’에 대한 글을 쓰면서 가해자인 군인들도 사실 피해자라는 영화의 시선에 대해 아직은 시기상조라는 비판적 의견을 이야기한 적이 있는데, 그것과는 전혀 다른 것이 '지슬'의 경우는 말했다시피 가해자를 일정 부분 미화하는 (군함도의 경우로 보자면 일본군을 미화하는) 경우고, '군함도'의 경우는 피해자 가운데 자신은 피해자가 되지 않기 위해 어쩌면 가해자들 보다도 더한 악행을 저지른 또 다른 가해자인 친일파를 묘사하고 있는 경우이기 때문이다. 



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‘군함도’가 묘사하는 친일파 인물들의 비중은 오히려 일본군의 만행에 대한 비판의 목소리를 내기 전에, 내부에 숨어 있거나 오히려 큰소리치고 기득권으로서 여전히 권력을 행사하고 있는 친일파 세력의 청산이 반드시 필요하다는, 즉 아직도 이러한 전후 청산의 과정이 제대로 이루어지지 못한 만큼 선행되어야 할 역사적 심판에 대한 감독의 메시지를 느낄 수 있는 부분이었다. 다소 신파적이라고 지적받는 마지막 장면 (김수안 배우의 응시) 같은 경우도 나는 이러한 심판과 감시의 눈빛이라고 생각된다. 


친일파들이야 말로 일본의 여러 가지 악행들이 점점 잊히거나, 친일파에 대한 존재는 지워버린 채 오로지 일본군의 악행 만이 강조되고 기록되기를 간절히 바라고 있을 텐데, '군함도'가 담고 있는 메시지는 그들에 대한 강한 심판과 감시, 다시 말해 그들의 악행을 반드시 역사에 기록해 미래로 전달해 내겠다는 의지의 표현이기 때문이다. 그래서 나는 몇 가지 아쉬운 점들이 있었음에도 많은 기득권 세력을 불편하게 만든 (더군다나 천만 관객을 목표로 한 대자본의 영화가) 메시지를 담은 영화라는 점에서 '군함도'를 응원한다.



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

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  1. 꼬부인 2017.08.08 17:07

    저도 동감이요..
    두 주먹 꽉쥐고 '친일파 청산'을 외치게 하는 영화였어요.

    많은 이들이 지적하는 일본군을 찬양...한다는 게 어떤 부분에서 느껴지는 건지 잘 모르겠더라고요..




최적화된 환경에서 다시 본 <옥자>

(Okja, Dolby Atmos, 2017)


봉준호 감독의 신작 '옥자'를 다시 보았다. 이미 리뷰 글을 통해 '옥자'에 대해 한 번 이야기를 했던 것처럼, 다른 넷플릭스 오리지널 영화들처럼 집에서 즐겨볼 수도 있었으나 동시에 극장 상영을 한다면야 이 기회를 놓칠 이유가 없었기 때문에 개봉일에 맞춰 다른 개봉 영화들처럼 극장을 찾아 관람을 했었다. 오히려 극장에서 한 번 보고 나서 글을 쓸 때 명확히 기억이 나질 않거나 다시 보고 싶은 장면들을 집에 와서 바로 넷플릭스로 다시 볼 수 있어서 편리한 점도 있던 옥자의 동시 상영에 대한 경험이었다.


그런데 그렇게 이미 두 번 아닌 두 번의 감상을 했음에도 또 한 번 극장에서 '옥자'를 보게 된 이유는 다름 아닌 그 영화가 상영되는 극장과 소스의 환경 때문이었다. 같은 영화를 여러 번 반복해서 보길 즐기는 입장이긴 하지만, 그럼에도 역시 영화를 볼 때 가장 중요한 것은 첫 번째 경험 그리고 어떤 환경에서 감상하느냐 하는 것이다. 그렇기 때문에 좋아하는 영화는 집에서 멀리 떨어진 곳의 극장이라 하더라도 일부러 힘들게 찾아가 관람을 하곤 하는데, 그건 모두 첫 번째 관람을 내가 선택할 수 있는 가장 최적의 환경에서 하고 싶기 때문이다. 봉준호 감독의 '옥자'의 경우 비록 첫 번째 관람 시에는 내가 선택할 수 있는 것 가운데 최적의 선택이었던 '극장 상영' 자체를 선택하는 것에 만족할 수 밖에는 없었으나, 더 좋은 환경에서 관람할 수 있는 기회가 있다니 이 기회를 뿌리치기가 어려웠던 것이 사실이다.


블루레이 타이틀 리뷰를 오랜 기간 해온 리뷰어로서 돌비 애트모스 (Dolby Atmos) 사운드 시스템은 아주 익숙한 편인데, '옥자'를 바로 이 돌비 애트모스 사운드로 감상할 수 있는 기회가 생겨서 파주에 위치한 명필름 아트센터를 지난 주말 찾게 되었다. 참고로 파주 명필름 아트센터는 지인의 사무실이 근처에 있어서 몇 번 방문해 본 적이 있었는데, 카페를 즐기거나 다른 구경을 해 본 것과는 달리 정작 영화를 관람하게 된 것은 이번이 처음이었다. 역시나 소문대로 영화 감상에 아주 쾌적한 환경이었고, 이번에 감상한 돌비 애트모스 사운드를 비롯해 상영 시스템도 깔끔해서 영화 감상에 더할 나위 없이 편안한 환경이었다. 파주라는 거리를 감안할 때 자주 방문하기는 어려운 것이 사실이나, 이번 '옥자'의 경우처럼 돌비 애트모스 사운드로 상영되는 작품을 관람하고자 할 때는 먼 거리를 달려 방문한 보람이 충분히 느껴질 만한 극장 환경이었다.





영화 상영에 앞서 간단히 돌비 관계자 분이 나와서 돌비 애트모스 사운드 시스템에 대한 설명과 상영될 영화 '옥자'의 사운드에 대해 소개하는 시간이 있었다. 돌비 애트모스 사운드가 다른 사운드 포맷들과 가장 차별되는 점이라면 스피커를 활용함에 있어 단순한 채널의 개념이 아니라, 객체 기반의 개념으로 활용 가능하다는 점이다. 즉, 5.1 채널, 7.1 채널 등과 같이 리어와 서라운드, 우퍼 등으로 이뤄져 각각의 채널에 위치에 맞는 사운드를 분리해 제공하는 것과는 달리, 천장을 비롯해 좌우 후면에 이르기까지 훨씬 더 많은 수의 스피커들 하나하나를 독립적으로 활용하여 각각의 원하는 위치에 감독이 원하는 사운드를 담아낼 수 있다는 얘기다.

 

아주 단순화시켜서 말하자면 화면에서 소리의 움직임이 전후 좌우로 이동할 때 다른 사운드 시스템에 비해 훨씬 더 여백 없이 자연스럽게 공간을 휘감을 수 있다는 것이고, 궁극적으로 영화를 만든 감독의 본래 의도를 현재로서는 가장 제대로, 디테일하게 구현할 수 있는 시스템이 돌비 애트모스 사운드라고 말할 수 있겠다. 실제로 봉준호 감독 역시 명필름 아트센터를 찾아 '옥자'를 관람하고는 자신의 의도에 가장 부합하는 사운드를 들려주었다며 크게 만족했다고 한다.





그렇게 돌비 애트모스로 다시 보게 된 '옥자'는 조금의 과장을 더해 처음 보았을 때와는 조금 달라진 영화였다. 확실히 사운드의 장악력이 압도적이다 보니 장면이 전하고자 하는 의도와 감정이 더 짙게 느껴졌으며, 특히 영화의 여러 추격과 액션 시퀀스를 좀 더 효과적으로 감상할 수 있었다. 이를테면, 초반 미자가 산을 내려와 미란도 본사에서 트럭을 쫓는 시퀀스는 좌우보다는 상하의 움직임이 많은 장면인데, 스크린을 기준으로 전후로 이동하는 사운드가 확실히 더 귀에 느껴졌으며, 인트로 장면에서 흐르던 수록곡 역시 전체적으로 하나의 사운드로 섞여 들린다기보다는 독립적으로 들리는 동시에 공간감 있게 펼쳐지고 있어서 오히려 더 장면에 잘 녹아드는 느낌이었다.


그리고 확실히 보통의 사운드로 감상할 때보다는 공간감과 거리감이 탁월해서 인물들이 거리를 두고 대화를 나누거나 또는 인물을 중심으로 거리를 두고 떨어져 있는 곳에서 들려오는 사운드들의 거리감이 좀 더 선명하게 전달되었다. 또한 많은 이들이 지적하지 않는 부분인데, 오히려 이렇게 전체적인 사운드의 공간감이 느껴지는 것에 비례해 센터에서 전달되는 대사 전달이 훨씬 더 선명해진 것을 느낄 수 있었다.





마지막으로 이번 상영에서는 감상할 수 없었지만 '옥자'는 돌비 애트모스로 제작된 것은 물론, 돌비의 새로운 이미지 기술인 돌비 비전 (Dolby Vision)으로도 제작되었다. 2017년 출시된 LG OLED TV 모든 모델, 마찬가지로 올해 출시한 LG의 스마트폰인 LG G6이 돌비 비전을 지원하고 있으며 넷플릭스 프리미엄 요금제를 이용하고 있다면 돌비 비전으로 스트리밍이 가능하다. 참고로 돌비 비전은 HDR 기술을 통해 더 선명한 색상과 명암, 밝기 그리고 깊은 블랙과 입체감을 제공하는 포맷으로 마치 돌비 애트모스가 그러했듯이 돌비 비전까지 더해진 '옥자'를 경험해 본다면 또 어떤 감흥을 선사할지 기대가 되지 않을 수 없다.




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

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이 포스팅은 돌비 코리아로부터 소정의 원고료를 지원받아 작성되었습니다




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박열 (Anarchist from Colony, 2017)

박열, 아니 가네코 후미코에 대해


'이 영화는 고증에 충실한 영화입니다.’

‘이 영화에 등장하는 인물은 모두 실존인물입니다’


이준익 감독의 신작 ‘박열’은 이렇게 시작한다. 이것은 굉장한 자신감을 드러내는 일종의 선언이자 이 영화가 실화를 어떤 마음 가짐으로 다루고자 했는지 관객에게 전하는 메시지다. 최대한 고증에 신경을 쓴 영화들 조차 ‘실화를 바탕으로 했습니다’ 정도로 언급하는 것이 보통인데, 이 영화는 고증에 ‘충실’했음을 영화의 무엇보다 가장 먼저 알리고 있다. 실화를 바탕으로 한 영화들은 극소수의 경우를 제외한다면 실화 속 이야기나 인물에게 깊은 감동이나 인상을 받고 그 감동을 더 많은 이들에게 전하고자 영화로 제작하게 된 것이 대부분일 것이다. 그럼에도 대부분의 실화를 기반으로 한 영화들은 그 가운데서 그 메시지를 좀 더 극대화시키기 위해서, 또는 좀 더 대중적인 언어로 관객들에게 극적 요소를 더하기 위해서 허구의 장치를 정도에 따라 가미하는 것이 일반적인데, ‘박열’은 그런 여지를 영화 스스로가 배제하고 있다. 꼭 실화를 있는 그대로 만드는 것만이 미덕은 아닐 것이나, 영화가 고증에 충실했음을 강하게 어필하고 있는 이유에는 주목해볼 필요가 있다.




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앞서 이야기했던 것처럼 그 이유를 통해 이 영화가 갖는 가치관과 태도를 엿볼 수 있기 때문이다. 이준익 감독의 ‘박열’은 마치 가네코 후미코가 자신의 자서전의 원고를 동료에게 전하면서 절대 화려하고 포장하는 말들로 꾸미지 말라고 했던 것처럼, 우직할지언정 외적 요소를 최소화하려고 노력한 영화다. 바로 그것이 박열과 가네코 후미코를 제대로 알리는 방법이라고 생각했기에.


이 영화를 보며 가장 놀랐던 건 ‘아니, 겨우 몇십 년 밖에 되지 않은 이들의 이야기를 왜 전혀 몰랐던 거지?’하는 무지로 인한 것이었다. 실제로 일제 시대 독립운동 과정 중에 민족을 위해 자신을 바쳤던 인물들에 대한 후세의 평가는 잘못되거나 숨겨져 온 경우들이 적지 않은데, 대부분은 그들이 해방 이후 납북되거나 북으로 전향했기 때문에 정치적인 이유로 이들의 삶을 가리고자 했던 경우들이었던 것 같다. 영화를 보고 난 뒤 찾아본 결과 박열의 경우도 해방 이후 납북되었는데, 다른 이들 (예를 들면 김원봉 같은)과는 성격이 좀 다르긴 하지만 (참고로 박열은 이후 건국훈장을 받고 북에서의 죽음이 알려지자 남한에서도 사회장 수준의 추도식을 치르기도 했었다) 어찌 되었든 다른 독립 운동가들에 비해 후세에 덜 알려진 경향이 있다 할 수 있겠다. 




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이 영화의 제목은 ‘박열’이지만 영화의 내용이나 실존 인물들의 삶을 비춰보자면 가네코 후미코의 비중이 절반, 혹은 절반 이상이라고 감히 말할 수 있을 것 같다. 반대로 말하자면, 이 영화는 페미니즘 적인 측면에서 보았을 때도 다른 보통의 영화들에 비해 훨씬 진일보한 시각을 갖고 있기는 하지만 (물론 여기에는 실존 인물의 삶 자체가 그렇게 만들었다고 해야겠지만) 만약 성별이나 국적이 반대의 경우였다면 이 영화의 제목과 비중은 당연히 지금의 가네코 후미코가 우선되었을 정도로 후미코의 삶은 한 인간으로서, 제국주의 시대를 살던 아나키스트로서 압도적인 삶이었다.


영화 ‘박열’은 박열과 후미코 두 사람의 이야기를 일종의 로맨스로 그리고자 한 것도 사실이지만 그럼에도 그들의 삶에 누가 되지 않는다고 말할 수 있는 건, 보통의 로맨스가 아닌 그들 만이 가능했을 방식의 로맨스로 그려냈기 때문이다. 대역죄인으로 억울하게 몰려 심문과 재판 과정에 놓이기 되는데, 둘을 심문하는 검사를 가운데 두고 두 사람이 서로의 (동지로서의) 진심을 확인하는 시퀀스는 영화적으로도 몹시 매력적이다. 또한 그저 돌아이처럼 묘사되는 과정 속에서도 그들의 자신의 논리를 정색하며 펼칠 때 순간적으로 다시 집중하게 만드는 것이 가능했던 것도 이 영화 만이 갖는 독특한 리듬이라고 할 수 있겠다. 보통 같으면 나라를 위해 모든 것을 바친 이들을 어떻게 돌아이처럼 묘사할 수가 있냐고 되묻게 될지 모르겠지만, 이 영화는 앞서 말했던 것처럼 고증에 충실한 영화다. 그들은 20살, 22살의 청춘이었다. 그래서 이 영화가 던지는 또 다른 메시지는 청춘에 관한 것이다. 조금, 아니 많이 쓰라리지만 비켜나갈 수 없는 송곳 같은 질문을 스스로에게 던지게 된다. 나의 스무 살은 그만큼 뜨거웠는가에 대해 말이다.




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사실 영화 한 편을 보고 나서 짧은 시간 박열과 가네코 후미코의 삶에 대해 찾아본 것이 전부이기 때문에 단언할 수 없는 것들이 많지만, 그럼에도 정보를 찾아보고 난 뒤 더 분명해진 점이라면 박열보다는 가네코 후미코의 삶에 더 주목할 필요가 있다는 점이다. 실제로 해방 이후 박열의 행보를 보면 아쉬운 행보가 없지 않은 것, 즉 좀 더 가치 판단이 필요한 부분이 있는 것에 비해, 가네코 후미코의 삶이 주는 메시지는 ‘도대체 어떻게 그럴 수 있었지’ 싶을 정도로로 인상적인 것을 넘어 경의로운 삶이었기 때문이다. 그래서, 나는 영화를 보고 난 뒤 가네코 후미코의 삶이 더 궁금해졌다. 가네코 후미코라는 아나키스트를 알게 된 것만으로도 이 영화 ‘박열’이 주는 의미는 결코 적지 않다.




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1. 가네코 후미코를 연기한 최희서 배우는 ‘동주’에도 출연했고 ‘옥자’에도 잠깐 출연하는데, 오랜만에 제대로 된 발견이네요. 다음 작품이 정말 기다려집니다. 


2. 이 영화에서 가장 잘못된 홍보 포인트라면 이제훈 배우의 얼굴과 함께 '나는 조선의 개새끼로소이다'라고 써있는 메인 포스터라고 할 수 있겠는데, 이것만 보면 일제 시대 일본에서 살았었던 좀 특이한 조선인에 대한 이야기 정도로 보이거든요. 제국주의에 맞선 아나키스트들의 이야기로는 보이지 않아요. 실제로 그래서 못 볼뻔 했던 영화이기도 했구요.


글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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  1. Favicon of https://cloud1.tvple.me/movie BlogIcon 영화다시보기 2021.03.24 14:38

    잘 보고 갑니다...

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옥자 (Okja, 2017)

부조화의 조화까지는 도달하지 못한 아쉬움


넷플릭스를 통해 제작되어 더 큰 화제, 아니 영화 외적인 요소로 더 많은 말들이 먼저 오갔던 봉준호 감독의 신작 ‘옥자’. 결론부터 말하자면 ‘옥자’는 봉준호 감독의 필모그래피를 종합하는 성격이 강한 동시에, 전작 ‘설국열차’가 그러했듯이 근본적으로 해외 시장을 기반으로 만든 한국영화라 할 수 있겠다. 어떤 감독의 세계관을 집대성한 성격의 작품들의 경우 아주 분명하게 장단점이 드러나곤 하는데 ‘옥자’ 역시 그러하다. 전체적으로 스토리와 구성 측면에서 ‘괴물’, ‘플란다스의 개’와 겹쳐지는 부분이 상당히 많은데, 아무래도 장점들만 (꼭 장점들만 가져왔다고 보기는 어렵지만) 뽑아 하나로 다시 합쳐지는 과정을 겪다 보니 각각의 깊이는 떨어질 수 밖에는 없고, 순간순간의 매력은 여전하지만 큰 그림으로 보았을 때 헐거워지는 측면이 발생한다. 재료가 너무 다양한 탓에. 그리고 그 재료들이 너무 매력적이었던 탓일까. 그 재료 하나하나는 다른 완제품의 맛과 대등할 정도로 매혹적이었지만, 모두를 버무린 ‘옥자’라는 요리의 맛은 오히려 조금 싱거운 맛이었다. 차라리 섞어 먹지 말고 따로 하나 씩 먹어볼까 하는 생각이 들 정도로.


본인은 별로 좋아하지 않는 것으로 알고 있지만 ‘봉테일’이라는 그의 별명은 그의 팬들과 관객들로 하여금 그의 영화를 볼 때 무의식적으로 디테일을 찾는 것에 집중하게 만들었고, 이점 역시 초반에는 봉준호라는 감독의 세계관에 매력을 느끼게 하고 더 관심을 갖게 하는 장점으로 작용했지만 오히려 시간이 갈수록 그의 작품을 제대로 감상하는 것을 막는 걸림돌로 작용하는 듯하다. ‘옥자’라는 제목과 슈퍼돼지 그리고 글로벌한 세계관은 그 자체로 이질감을 주는데, 이건 봉준호 영화가 항상 선호하는 방식이다. 어울릴 것 같지 않은 것들의 조화를 억지로 만들어 내기보다는 부조화 그 자체를 아슬아슬하게 버무려내는 기술, 그리고 크기로만 따지자면 비교가 되지 않는 거대한 음모 혹은 이야기 속에 원치 않게 놓여 버린 소시민 주인공. 마지막으로 그 주인공이 거대한 이야기 속에서 선택 혹은 마주하게 되는 극도로 현실적인 결말. 이러한 봉준호 세계관의 익숙함은 ‘옥자’에도 그대로 반영된다. 



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이러한 봉준호의 영화적 구조가 반복되었음에도 매번 매력적인 스토리텔링이 가능했던 것은 그 커다란 구조적 세계관과 디테일한 설정들의 유기적인 연결 고리와 조화 때문이었다. 봉준호의 이야기들은 ‘그래서 결국 어떻게 될까?’를 궁금하게 만드는 영화라기보다는 순간순간에 흥미를 느끼는 중에 나도 모르게 결론에 달해 있을 정도로 그 과정의 리듬과 긴장감을 즐길 수 있었다. 관객의 대부분이 이미 결말을 알고 있는 ‘살인의 추억’과 같은 영화가 대표적이다. 대한민국에서 가장 유명한 미제사건을 주제로 했지만 관객은 자기도 모르는 사이에 ‘이거 혹시 범인이 잡혔었나?’라고 착각을 하게 될 정도로 과정의 치밀함과 영화 만의 스토리텔링에 완전히 빠져들게 된다. 


‘옥자’ 역시 영화가 시작하고 얼마 되지 않아 이야기의 구조를 파악하게 되면 어렵지 않게 전개 과정을 예상할 수 있게 된다. 더군다나 ‘옥자’는 가축이 아닌 가족으로서 등장하는 ‘옥자’라는 슈퍼돼지 캐릭터를 통해 아주 직접적으로 자본주의 시스템과 이를 소비하는 방식에 대한 메시지를 드러내고 있는 영화이기 때문에, 숨은 메시지를 어렵게 찾아낼 여지도 많지 않다. 그렇다면 결국 봉준호의 영화들이 매번 그래 왔던 것처럼 그 과정에서 다시 한번 다 알고 있는 얘기라고 생각하고 있는 관객들을, 알지만 사실 모르는 미지의 세계로 끌어당겨야 하는데 이 영화는 그 유혹의 강도가 솔직히 그리 강하지 못하다. 익숙한 이야기들은 익숙한 대로 마무리되고 그 과정의 리듬 감도 많이 떨어지는 편이다. 



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오프닝 크레디트를 보며 유명한 배우들의 이름과 스텝들의 이름들 가운데서 개인적으로 더 주목했던 이름은 음악을 맡은 정재일이었는데, 본래 그의 팬이었기에 그가 맡은 영화 음악에 대해서도 기대가 컸다 (크레디트 상으로는 정재일 외에 젬마 번즈가 함께 참여한 것으로 되어 있다). 하지만 ‘옥자’의 음악은 무엇을 말하고자 하는지는 너무도 분명해 보였으나, 그래서 너무 직접적이고 오히려 장면 자체를 설명하려 드는 아쉬운 부분이었다. 흔히 장면의 감성과 정반대 되는 음악을 선곡해 그 감정을 더 극대화시키곤 하는데, ‘옥자’의 음악 역시 그러한 시도를 하고 있으나 결과는 ‘그런 시도를 하려 했구나’라는 것을 알게 되는 것에 그칠 뿐이었다. 


앞서 봉준호의 영화들이 어울리지 않는 인물들, 세계관들을 동시에 가져와 균열에 가까운 부조화를 만들어 내는 것이 매력이라고 했는데, ‘옥자’의 몇몇 장면들과 음악은 아쉽지만 그저 균열과 이질감에서 멈춰버린 경우가 많았다. 이건 아마도 더 많은 관객, 그러니까 더 다양한 나라의 관객들을 상대하고 있다는 걸 감독은 물론 모든 스텝들이 인지한 상태에서 제작되었기 때문에 발생하게 된 일종의 부담감의 산물이 아닐까 싶다. 이러한 부담감(기대감)이 없을 땐 오히려 본인이 원하는 100%의 색깔을 내는 것에 더 집중하게 되는데, 좀 더 대중적인 색깔, 더 많은 색깔을 포용해야 된다는 의도가 오히려 한 두 가지 색을 분명히 낼 때보다 여러 측면에서 흐려진 결과물을 만들어 낸 것이 아닌가 싶다.



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‘옥자’에는 몇 번의 빠른 전개 시퀀스가 등장한다. 수평으로 수직으로 인물들이 추격의 형태로 이동하는 장면들은 이 장면 이전까지 끌고 오던 이야기의 긴장감을 배가 시키며 그대로 속도감을 더해 단 번에 다음 단계로 이동시키는 기능을 해야 하는데, ‘옥자’의 경우는 그 이전에도 확실한 매력을 보여주지 못한 탓도 컸지만 결정적으로 빠른 속도로 진행되는 추격의 장면들이 그리 인상적이지 못했다. 그 사이사이에 들어 있는 빛나는 유머들이 오히려 안타까울 정도로, 그 시퀀스가 끝나고 난장판이 된 채 남겨진 배경을 보면 ‘휴~’하며 잠시 가슴을 쓸어내리며 숨을 돌리기보다는 조금 허무한 감정이 들뿐이었다. 캐릭터들의 경우도 만화 속에 등장하는 인물들이 연상될 정도로 전형적으로 과장된 인물들이 많았는데, 본래 좋아하던 배우들이어서 더 아쉬움이 느껴졌다. 배우들의 연기가 아쉬웠던 것도 아니고, 그 과장됨을 통해 무엇을 말하고자 하는지도 이해되었지만, 서두에 이야기했던 것처럼 그 의도가 영화 전체와 자연스럽게 녹아들지는 못하는 것 같았다.


아쉬운 마음에 이야기를 하다 보니 어째 느끼는 것보다 더 별로라고 하는 것 같은 글이 되어버렸지만, 그건 진심으로 별로여서라기보다는 더 좋을 수 있었는데 하는 아쉬움 때문이다. ‘옥자’에서도 여전히 장면의 디테일, 설정의 디테일 하나하나는 매력적이다. 그리고 봉준호가 이 이야기를 통해 영화에서 결론을 낸 방식 역시 여전히 의미 심장하고 앞으로의 고민과 옅은 희망을 동시에 느끼게 만든다. 모두를 계몽하려고 노력하다가 실패하는 것은 오히려 쉽다. 하지만 긍정적인 변화를 위해 현실적인 (그것이 절반 이상의 실패 혹은 극소수의 승리라 할지라도)한 걸음 걷는 것을 택하는 봉준호 세계관의 결말은 이번에도 많은 것을 생각해보게 만든다.



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마지막으로 영화를 봤던 이 날, 삼겹살을 저녁으로 먹자는 말에 단호히 거절할 수 있었던 건 순전히 ‘옥자’ 때문이었다. 적어도 한 동안은 어쩔 수 없이 먹지 못하지 않을까. 바로 채식주의자가 되기로 결심하지는 못해도, 적어도 한동안은 고기를 먹지 않는(못하는) 것이, 이 영화와 마찬가지로 내가 선택할 수 있었던 가장 현실적인 선택일 것 같다.




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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더 킹 (The King, 2016)

거짓된 우상의 가짜 충고에 대해


한재림 감독의 신작 '더 킹 (The King, 2016)'은 대한민국의 근현대사를 되짚으며 그 가운데 권력의 정점에 서 있었고 또 서고자 했던 이들의 이야기를 들려준다. 흔히 말하는 상위 1%의 권력. 이미 우리가 다른 여타의 한국 영화들을 통해 봐왔던 검사가 중심에 선 이야기가 '더 킹'에서도 다시 한번 반복된다. 사실 영화를 보기 전 이 영화의 시놉시스와 예고편을 보았을 땐, 그 어떤 영화보다 더 극적이고 상상을 뛰어넘는 현재의 국정농단 시국 탓에 '대한민국에서 과연 누가 왕이냐?' '왕이 한 번 되어보자!'라는 식의 이 영화가 과연 현실의 판타스틱함을 넘어설 수 있을까 싶었다.


더 정확히 말하자면 현재의 시국 상황이 '더 킹'이 늘어놓으려는 대한민국의 어두운 역사를 너무 시시하게 만들어 버리진 않을까 싶었다. 하지만 이번 국정농단 사건을 겪으며 한층 성숙(?)해진 탓인지 오히려 영화 속 인물들의 행동 하나하나에 일희일비 하기보다는 차분한 자세로 영화 곳곳을 느껴볼 수 있었다. 아마 다른 때 같았으면 '저건 좀 심한데'라던지 '저건 너무 극적이다'라고 했을지도 모를 장면들이 '그럴 수도 있겠네'정도로 받아들여진 건 극적인 재미 요소 측면에서는 조금 아쉬운 점일지 모르나, 영화가 전하고자 한 메시지 전달에 있어서는 더 깊이 느껴볼 수 있는 기회가 되기도 했다.



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일단 영화 자체에 대해 얘기해보자면 대한민국의 최근 역사를 직접적인 배경으로 활용하고 있지만 그 역사의 이면을 진지하게 들춰 내려는 시도보다는, 좀 더 가볍고 친절한 방식을 통해 이야기하듯 소개하고 있다. 조인성이 연기한 박태수라는 캐릭터의 내레이션을 통해 영화는 아주 상세하고 설명적으로 이야기를 전개해 나가는데, 좀 더 대중적인 측면은 있지만 확실히 관객이 스스로 생각해볼 수 있는 여지는 줄어든 것이 사실이다. 정작 영화의 마지막은 아주 직접적으로 질문을 하는 방식인 것에 반해 실제로는 다른 영화들보다도 더 가능성은 덜한, 일방적 서사에 가까운 편이다. 영화를 보는 내내 '15세 관람가'라는 등급에 대해 조금 갸우뚱하게 되는 장면들이 많았는데, 폭력이나 노출 수위를 떠나 영화가 선택한 친절한 소개 방식은 확실히 15세 관람가에 더 적합한 편이긴 하다. 


대한민국 사회를 배경으로 검사와 조폭이 등장하며 개천에 용 나는 서사가 갖고 있는 장점과 단점을 이 영화는 모두 갖고 있는데, 만약 이 영화에게 그럼에도 검사와 조폭이 나오는 아주 새로운 것을 기대했다면 당연히 실망하겠지만, 이미 그런 기대감이 없었다는 점에서는 제법 괜찮은 점들이 있었다. 즉, 커다란 줄기의 서사에는 유사한 구성의 영화들과 다를 것이 없지만, 그 전개 과정에 있어서 이 영화가 선택한 유쾌한 요소나 자조적인 풍자는 확실히 대중적인 측면에서 (15세 관람가라는 이유와 더불어) 장점이 될 만한 것으로 느껴졌다. 


앞서 서두에 현재의 국정농단 사태가 오히려 이 영화를 관람하는 데에 득이 된 점들도 있다고 말했었는데, 이를 테면 박태수나 권력 최상위에 있는 한강식(정우성)으로 대표되는 검사와 권력자들이 유흥을 즐기는 장면들에서의 낯설 정도의 유치함과 가벼움이 그렇다. 보통 같았으면 이러한 유치한 그들의 행동이 영화마저 가볍게 만들어 버리는 단점으로 지적되었을 텐데, 최근의 사건을 겪으며 알게 된 실제 권력자들의 민낯과 수준 낮음의 경험이 영화 속 권력자들의 유치함을 '그럴 수도 있겠네'라며 바라보게 만들었달까. 겨우 저런 놈들 한테 지배당하고 있는 현실의 대한 씁쓸한 자조가 드는 장면들이었다.



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내가 이 영화에서 발견한 부분은 오히려 영화보다 현실에서 더 자주 겪게 되는, 그러니까 실제 하는 어떤 문제에 대한 부분이었다. '더 킹'은 주인공 박태수의 삶을 통해 그가 어디서부터 어떻게 잘못되기 시작했는지를 아주 직접적이고 친절하게 설명해 나가는데, 이는 영화의 말미에 박태수의 삶을 '만약... 그랬다면..'하는 식의 되짚는 방식으로 또 한 번 그가 뒤틀리기 시작한 순간을 관객에게 인지시킨다. 한재림 감독의 '더 킹'은 다소 친절하고 여지가 많지 않은 서사라 아쉬운 점도 있지만, 메시지를 전달하고자 하는 목적에서는 더 선명한 영화가 아닐까 싶다. '그럼에도 불구하고'라는 메시지 말이다.


사실 직장 생활을 비롯해 사회에 나와 이런저런 인간관계들을 겪고 조직이나 사회 속에서 성장해 나가고 또 성공하려면 반드시 부딪히게 되는 순간들은, 이 영화 속 박태수가 맞닥 들였던 그 순간과 크게 다르지 않다. 단지 검사라는 직업 혹은 위치가 더 표면적인 욕망의 끝에 쉽게 다다를 수 있다는 점이 다를 뿐이다. 누구나 더 큰 사회에 나와 어떤 지점에 이르게 되면 자신의 소신과 현실이 직접적으로 부딪히게 되는 순간이 있다. 그때 만나게 되는 존재가 바로 이른바 선배 혹은 어른이라고 불리는 자들이다. 여기서 말하는 어른들은 사회에서 지탄받는 이들도 아니고 더 나아가 영화 속 한강식 같은 이처럼 교활하고 악한 이도 아니다. 오히려 현 사회를 살아가는 데에 있어 센스 있고 지혜롭고 능력 있는 이들로 평가받는 경우가 대부분이다. 그들은 바로 그 현실과 소신이 맞닥들인 그 순간에 '현실은 달라, 적당히 봐가면서 하는 게 잘하는 거야'라며 충고를 건넨다. 그리고 그 충고는 실제로 현실에서 제법 도움이 되는 충고가 되기도 한다.



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하지만 그것은 엄밀히 말하자면 거짓된 우상의 가짜 충고에 가깝다. 이미 많은 타협을 통해 스스로가 세뇌되고 무뎌져 버린 이들이 다음 사람에게 전하는 더 빨리 타협하고 순응하는 노하우 그 이상도 이하도 아닌 경우가 많다. 영화 속 한강식과 그 주변의 인물들이 박태수에게 전하는 충고가 바로 이것과 같다. 그가 그토록 원했던 바를 진짜 이뤄낼 수 있는 방법을 (어쩌면 유일한 방법) 알려주기는 하지만 그런 결정과 선택들이 어떤 것들을 포기하고 또 앗아가는지에 대해서는 설명하지 않는다. 그리고 그로 인해 돌이킬 수 없게 되는 것들에 대해서도 설명하지 않는다, 아니 엄밀히 말하자면 우리는 대부분 이러한 얘기들을 듣고 싶어 하지 않는다. 


'더 킹'의 박태수는 이러한 거짓 우상의 가짜 충고를 통째로 흡수해 더 이상 돌이킬 수 없게 된 지경까지 몰아넣는다. 만약 이 영화가 더 현실적이고 공포스럽고 또는 장르적인 냄새를 풍겼더라면 아마 박태수를 그대로 놔두는 채 영화를 마무리했을 것이다. 그것이 누군가에겐 더 큰 메시지로 와 닿을 수 있기 때문이다. 하지만 좀 더 대중적인 방식을 택한 이 영화는 박태수에게 한 번의 기회를 더 제공하기로 한다. 그것이 성공했느냐 실패했느냐는 사실 이 영화에서는 크게 중요하지 않다. 여기서 중요한 건 박태수가 한 번의 기회를 더 갖게 되었다는 점이다. 이 영화는 아주 직접적인 역사를 배경으로 하고 있지만 반대로 많은 부분에서 판타지적인 요소를 담고 있는데, 어쩌면 박태수에게 가능했던 그 한 번 더의 기회야 말로 현실에서는 불가능한 판타지일지도 모르겠다. 그래서인가, 영화 속 박태수가 처음 가짜 충고를 듣던 그 순간이 더 오래 기억에 남는다. 



1. 류준열의 연기가 인상적인 가운데 김소진 배우가 연기한 안희연이라는 캐릭터가 가장 매력적이었어요. 사투리를 다른 의도로 활용하지 않고 자연스러움과 아우라를 동시에 보여준 캐릭터. 가장 눈에 띄는 역할과 배우였음.


2. 이 영화가 정우성이라는 배우를 활용하는 방식도 좋았어요. 캐릭터가 아닌 정우성이라는 배우가 갖고 있는 이미지로 관객을 최대한 현혹시키고 또 반대로 그가 연기하는 캐릭터에게는 한 없이 가벼움을 줘서 그 이중성을 관객들이 생각해 보도록 만드는 방식.


3. 그리고 전반적으로 한 세대 어린 배우들로 세대교체된 듯한 느낌도 좋았어요. 류준열을 비롯해 박정민, 정은채, 고아성까지.


4. 솔직히 약관의 나이로 검사가 되어 권력의 끝까지 승승장구하는 한강식이라는 인물을 보며 현실의 누군가를 떠올리지 않을 수 없더군요. 현실의 그분도 사전 구속영장이 청구되었죠.





글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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춘몽 (A Quiet Dream, 春夢, 2016)

꿈처럼 유령처럼 살아있는 존재들


장률의 신작 '춘몽 (A Quiet Dream, 春夢, 2016)'은 제목 그대로 꿈이라는 구조를 현실에 녹여낸, 소소한 에피소드 같지만 사실은 쓸쓸한 영화였다. 익준과 종빈, 정범 이 세 남자는 예리라는 인물과 그녀가 있는 고향주막을 중심으로 엮여, 아니 모여 있다. 이 세 남자와 한 여자의 관계는 쉽게 홍상수 영화의 그것을 떠올리게 하고 실제로 그들이 나누는 대화 내용은 얼핏 그런 듯도 보이지만, 조금만 들여다보면 이들의 관계는 전혀 다른 성격이라는 걸 쉽게 알 수 있다. 마치 세 감독의 전작에서 자신들이 연기했던 캐릭터의 연장선처럼 보이는 이들과 그 중심에 있는 한예리가 연기한 예리라는 캐릭터는 모두의 공통점이라면 각자의 이유들로 사회에 섞이지 못하고 (포용되지 못하고) 주변에 머물고 있는 인물이라는 점이다. 




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그들이 존재하고 있는 수색이라는 공간도 특별한 의미를 지닌다. 실제로 수색은 내게도 어렸을 때부터 머물지는 않았으나 종종 지나치는 동네로 익숙하지는 않아도 어색하지는 않은 공간인데, 영화 속에 등장하는 것처럼 쓰레기 더미로 가득 차 있는 상암이 디지털시티라는 이름의 화려함으로 거듭나면서 오히려 수색이라는 공간의 그늘짐은 더 짙어진 경향이 있다. 장률 감독은 인터뷰를 통해 수색을 떠올렸을 때 컬러 이미지는 떠오르지 않고 흑백으로만 기억이 되는 공간이라 흑백을 선택했다고 말하기도 했는데, 나 역시도 적은 기억이지만 수색이라는 동네를 떠올리면 흑백과 전신주, 송전탑 등의 차가운 느낌만이 남아있다는 걸 이 영화를 보며 새삼 떠올려 볼 수 있었다.


근래에는 어떤 동네보다도 첨단을 달리고 있는 상암동의 바로 옆, 지하로 연결되는 다리 하나만 건너면 갈 수 있는 수색동의 이미지는 주인공 네 사람의 이미지와 그대로 겹쳐진다. 그들은 각자의 이유로 사회에서 소외되고 중심이 아닌 주변에 머물고 있는 이들이지만, 마치 수색동이 그런 것처럼 화려함과 사회의 중심에서 아주 먼 곳에 동떨어져 있는 것이 아니라 바로 옆, 주변에 살아가고 있다는 점이다. 나는 이 영화를 보며 '유령'과 '살아있다'라는 두 단어가 떠올랐는데, '춘몽'은 단지 사회의 중심에 들어오지 못한 이들이 유령처럼 떠돌고 있다는 얘기를 하고 싶은 것이 아니라, 이 유령처럼 느껴지는 존재들이 바로 곁에서 살아있다 라는 이야기를 하고자 하는 것처럼 들렸다. 




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예리를 비롯해 이들의 삶은 항상 죽음 혹은 위험과 맞닿아 있는 긴장감이 느껴지는데 (그렇게 고요하고 평온하게 묘사하는데도 말이다), 그러한 긴장감을 오히려 현실로 느끼게 해주는 장치가 바로 꿈이 아닐까 싶다. '춘몽'은 꿈과 현실의 경계를 명확하게 하고 있지는 않지만, 중간중간 마치 꿈과 같은 장면들이 현실에 개입하는 것을 통해, 이들 삶의 위태로움을 쓸쓸하게 바라보는 한 편 위로하는 듯한 시선도 느낄 수 있었다. 


장률 감독의 영화 중에서 가장 좋아하는 작품은 '두만강'인데, 그 이유는 경계인이라는 장률 감독 자신의 정체성이 가장 직접적으로 드러난 작품이기 때문이다. 다시 말해 다른 한국 출신 감독은 소화하기 어려운, 그 만이 할 수 있는 이야기를 영화라는 매체를 통해 가장 효율적으로 묘사했다고 여겨지기 때문이다. '춘몽' 역시 많이 유연해지기는 했지만 내면에는 여전히 이방인으로서의 정체성과 이야기가 짙게 깔려 있다.


이방인으로서 정체성의 관한 이야기가 관객에게 각자 다른 방식으로 쓸쓸하게 받아들여질 수 밖에는 없는 것이, 지금의 우리 사회가 처한 유령 같은 또 다른 정체성이 아닐까 싶다. 그래서인가, '춘몽 (春夢)'이라는 이 영화의 제목은 왠지 더 쓸쓸하다.




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1.  양익준, 윤종빈, 박정범 이 세 감독의 메소드 연기는 이 영화를 재미있게 즐길 수 있는 가장 큰 포인트에요. 이 세 명이서 만드는 짧은 대화 시퀀스들의 재미는 앞서 이야기했던 홍상수 영화의 그것과 비교해도 뒤지지 않는 빅재미가 ㅋㅋ


2. 아, 세 감독의 메소드 연기 못지않은 이준동 대표의 연기도 빼놓을 수 없겠네요 ㅎ 왠지 현장에서는 많이 즐거웠을 듯한 ㅎㅎ


3. 이주영 배우도 인상적이었어요. 어서 '꿈의 제인'도 보고 싶네요~




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr

  
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밀정 (The Age of Shadows, 2016)

아름다워. 하지만


김지운 감독의 신작 '밀정'을 보기 전, 이 영화의 실제 주인공 격이라 할 수 있는 황옥의 이야기에 대해 먼저 살펴볼 기회가 있었다. 아주 자세하게 살펴본 것은 아니었지만 황옥의 삶은 지금까지도 역사가들에게 조차 그가 끝까지 의열단 단원이었는지 아니면 일본 경찰이었는지에 대해 의견이 분분하다는 사실에서 알 수 있듯이, 황옥이라는 인물의 삶과 그가 당시 행했던 행동과 결과들은 일제 강점기 대한민국이라는 시대를 설명하는 존재인 동시에 몹시 영화적인 인물로서 아마도 영화감독이라면 누구라도 관심을 갖지 않을 수 없는 인물이라고 말할 수 있겠다. 그렇기 때문에 비록 실존 인물의 이름을 그대로 사용하지는 않았지만 황옥의 이야기가 영화화된다고 했을 땐 그 존재의 모호함을 어떻게 시대와 함께 그려낼 것인지 큰 기대를 갖고 보게 된 작품이 바로 김지운의 '밀정'이었다.




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하지만 영화는 기대와는 다르게 송강호가 연기한 이정출이라는 인물 (영화 속에서 황옥과 같은 인물)이 과연 어느 편에 섰었는지 모호하게 묘사하기보다는, 의열단과 뜻을 함께 했다는 확신으로 그려내고 있었다. 앞서 잠시 언급했던 것처럼 실제 황옥의 삶을 보면 의열단으로서는 결코 이해가 되지 않는 행동들을 했다던가 반대로 일본 경찰이라면 좀처럼 이해가 되지 않는 행동들을 일제 시대와 해방 이후까지 번갈아 가며 행했었기 때문에 그가 과연 어느 편에 섰었는지가 매우 불확실한 인물인데, 영화 속 이정출로 분한 황옥의 모습은 초반에는 살짝 모호한 느낌을 주기는 했으나 중반 이후부터, 그리고 마지막에 가서는 아주 확고한 시선으로 조선을 위해 행동한 인물로 묘사하고 있었다. 


물론 이 같은 영화의 선택이 잘못된 것은 아니지만 (이 영화는 실명으로 등장시키지 않았을뿐더러 다큐멘터리도 아니니까), 황옥이라는 인물을 영화화하고자 했을 때 그리고 '밀정'이라는 제목 역시 그러하듯, 일제 강점기라는 특수한 시대의 상황 속에서 영어 제목처럼 시대의 그림자처럼 존재했던 이정출이라는 인물의 위태로움에 대한 묘사와 영화가 끝났을 때 극장을 나오며 '과연 이정출은 어느 편에 섰던 것일까?'라고 되묻게 되는 영화가 되었으면 어땠을까 하는 아쉬움이 남았다.



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영화의 이러한 선택과 별개로 1920년대 일제 강점기를 배경으로 하는 영화의 이미지, 미장센은 역시 기대한 대로 매혹적이었다. 당시 상해를 배경으로 한 아름다운 미장센이 스크린 가득 펼쳐졌을 땐, 아마도 김지운 감독이 이 영화를 처음 선택했을 때 바로 이런 장면들을 표현하고 싶어서 선택한 것이 아니었을까 싶을 정도로, 평소 김지운 감독의 영화에서 기대대는 바와 영화적 시대가 완벽하게 맞아떨어진 모습이었다. 기차 씬도 전체적인 긴장감의 묘사가 흥미로웠고 후반부의 볼레로를 배경으로 한 씬은 반어적인 음악이 적중한 매력적인, 또 보고 싶은 멋진 씬이었다.


김지운 감독의 인터뷰를 나중에 읽어보니 처음에는 존 르카레의 스파이 영화들처럼 차갑고 건조한 스파이 영화를 만들고자 싶었으나 후반부가 되었을 때 독립운동을 한 인물들에 대해 감화되어 감정적인 측면을 강조하지 않을 수 없었다는 이야기를 보았는데, 그래서인가. '밀정'은 매력적인 요소가 충분했음에도 전체적으로 보았을 땐 조금 아쉬운 점이 남는 작품이었다. 


내가 가장 아쉬웠던 지점은 두 군데 정도인데, 장면으로 두 곳 정도이지만 아쉬웠던 이유는 사실 같다. 하나는 중반쯤 독립군들이 밀정으로 인해 함정에 빠져 참혹하게 사살될 때 스윙 재즈 곡인 'When you’re smiling'이 반어적인 느낌을 주며 배경에 흐르는 장면이다. 이런 반어적 음악의 사용은 참혹함을 강조시키기거나 혹은 정반대로 풍자할 때 사용되기도 하는데, 특히 선과 악이 모호한 주인공 혹은 인물이 또 다른 악을 처단하거나 할 때 비극적인 느낌이 아닌 음악을 활용함으로써 그 인물의 선악의 모호함과 함께 그 행위 자체의 선악의 불분명함을 강조하는 효과를 낸다. 하지만 '밀정'에서 독립군들이 총격을 당해 살해당하는 장면에서 리듬감 있는 재즈 음악이 흐를 땐, 반어적 활용에서 오는 재미나 메시지보다는 1차적인 불편함이 더 컸다. 이러한 반어적 음악의 활용은 앞서 이야기했던 것처럼 그 액션 (폭력, 살인 등)을 행하는 인물이나 당하는 인물의 선악이 불분명하거나 특히 가하는 쪽이 분명한 정의라고 말할 수 없는 경우에 성립된다고 볼 수 있는데, 독립군들이 살해당하는 장면은 명확한 슬픔과 아픔의 역사이기에 아직은 반어적으로 표현하기엔 보는 입장에서 불편함이 더 앞섰다. 더군다나 독일의 경우와는 다르게 아직까지도 확실한 전후 처리, 그러니까 친일 세력에 대한 벌과 독립운동가들에 대한 보상이 제대로 이루어지지 않은 현실에서는 더욱더 불편한 영화적 기술처럼 느껴졌다.



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같은 이유로 기차 씬에서 이정출과 김우진 (공유)이 대화를 나누는 씬들도 불편함이 느껴졌다. 이 기차 안에서 벌어지는 상황은 매우 중요한 상황으로 밀정, 그러니까 배신자가 누구인지가 드러나는 동시에, 경성에 잠입하려는 의열단들과 이를 저지하려는 일본 경찰이 서로 교차하기를 반복하는 장면으로서, 사실상의 클라이맥스로 볼 수 있는 씬이다. 이 가운데 이정출은 김우진과 몇 차례 조우하게 되는데, 그 대화 시퀀스를 보면 공유가 연기한 김우진은 밀정을 색출해 내고 또 무사히 경성에 도착하기 위한 말만을 전하는 반면, 송강호가 연기한 이정출은 이 대화 속에서 배우 송강호 특유의 말투와 유머를 구사한다. 


예를 들면 김우진이 어떻게 하라고 이정출에게 말하자 이정출이 지나가는 말처럼 대답하기를 '저 새끼는 나한테 자꾸 명령을 하고 그래'라며 투덜대는 장면 같은 거다. 이런 생활감, 현실감 있는 대사들로 관객의 웃음을 만들어 내는 연기는 오달수 배우나 송강호 배우 등이 많은 영화를 통해 자주 보여주었던 스킬인데, 그런 대사들이 적절한 곳에 사용되었을 때는 아주 반가울 일이지만 이 중요한 순간에서의 웃음 포인트 (실제로 여기서 관객들이 제일 많이 웃었다. 그만큼 이 영화는 웃을 만한 장면이 없는 내용이기도 하고)는 긴장감을 완화시켜 준다기보다는, 긴장감을 떨어 뜨리는 동시에 이정출이라는 캐릭터의 무게감마저 떨어 뜨리는 역효과가 있었다. 너무 내용이 무겁다고 판단된 탓에 긴장을 덜어주고 재미를 주려 했다면 이러한 대화 시퀀스는 사건이 전개되는 시점에 삽입되는 편이 좋았을 텐데, 그 중요한 그 기차 씬 중간에 벌어지는 코미디 아닌 코미디는 분명 아쉬운 선택이었다.



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김지운 감독의 '밀정'은 결과적으로 그 스스로 조금 모호한 지점에 놓여 버린 영화가 아닐까 싶다. 감독이 애초 그리고 싶었던 것처럼 황옥이라는 인물의 삶을 냉전 시대의 스파이 영화처럼 차가운 분위기로 그려내거나 아니면 의열단의 독립운동을 중심으로 더 감정적이고 에너지 넘치는 영화를 만들었어도 좋았을 텐데, 그 두 가지를 적절히 섞으려 했던 것이 오히려 조금은 어중간한 영화로 남는 결과가 되지 않았나 싶다. 


역사를 다룰 땐, 특히 일제 강점기와 독립운동 같은 정의롭지 못한 자들과 정의로운 자들의 결이 분명한 역사를 다룰 땐 행여 더 투박할지언정 포기해서는 안 되는 지점들이 있다고 생각한다. '밀정'은 영화적으로만 놓고 보았을 땐 이미지 적으로 매력적이고 흥미로운 작품이었지만, 역사적 측면으로 보았을 땐 조금 더 신중하게 선택했으면 어땠을까 하는 아쉬움이 남는 영화였다. 



1. 써놓고 보니 마치 프로불편러가 작성한 글 같은데 영화의 전부가 그런 아쉬움으로 가득 차 있다는 건 물론 아니에요. 오히려 몇 가지 지적한 부분들이 전체적인 그림을 해하는 역할을 하고 있기에 그 부분을 특별히 콕 집어 얘기한 경우죠. 


2. 비슷한 주제를 다룬 '밀정'과 '암살'을 비교했을 때 영화적으로만 보면 '밀정'이 훨씬 매력적이지만, 역사를 대하는 태도나 신중함에 있어서는 '암살'이 더 낫다고 볼 수 있겠네요. 암살은 맞고 밀정은 틀렸다가 아니라, 암살이 밀정보다 역사를 다루는 측면에서는 더 나은 점수를 줄 수 있다는 얘기.


3. 전 개인적으로 일제 시대 그리고 독립운동의 근 현대사를 다룬 영화가 지금보다 훨씬 더 많아져야 한다고 생각해요. 영화로 풀어내기에 매력적인 소재인 동시에 학교에서 하지 못하는 역할을 영화가 할 수 있는 경우이기도 하고요. 독립운동에 대한 이야기가 더 많은 영화와 프로그램 등으로 만들어져서 많은 억울한 독립운동가들의 넋을 위로하는 동시에, 권력을 쥐고 있는 많은 친일파 세력들을 더 자주 불편하게 만드는 계기가 되었으면!




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr

  
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베테랑 블루레이 : 역대급 부가영상을 만들어냈다!

(Veteran : Blu-ray special features Review)


블루레이로 영화를 다시 혹은 처음 즐기게 될 때 가장 큰 매력은 최고 수준의 화질과 음질로 접하게 되는 영화 본편의 재미도 있겠지만, 그야말로 블루레이를 통해서만 만나볼 수 있는 제작 과정 등의 뒷이야기를 첫 번째로 꼽을 수 있을 것이다. 영어로는 Special Features라고 주로 부르고 우리 말로는 부가영상으로 이르는 이 영화에 대한 다양한 영상들들은, 제작 과정에 대한 내용들을 전반적으로 다룬 메이킹 다큐멘터리나 감독, 배우, 스텝 들의 주요 인터뷰 영상, 그리고 각종 예고편 및 시사회 등의 모습을 담은 영상 그리고 감독을 중심으로 영화에 참여한 이들이나 평론가 등이 참여한 음성해설 (코멘터리) 등으로 이루어져 있다.






블루레이를 보고 난 뒤 개인적으로나 또는 매체 등에 기고를 적지 않은 시간 동안 해오면서 하나 아쉬운 점이 있었다. 특히 국내 영화의 블루레이 타이틀에 대해서 말이다. 앞서 이야기했던 것처럼 극장이 아닌 블루레이를 통해 영화를 다시 보게 될 때 가장 궁금하고 기다려지는 매력 포인트가 바로 부가영상이라고 할 수 있을 텐데, 한국 영화의 부가영상 구성이나 완성도는 매번 아쉬움이 남는 수준이었다. 굳이 변호를 하자면 결국 국내 시장 상황의 현실을 또 얘기하지 않을 수가 없는데, 실제로 감독 본인이 DVD나 블루레이 제작에 대한 열의를 갖고 프리 프로덕션 단계에서부터 많은 자료들을 최대한 남기고자 노력한 경우도 없지 않았으, 이후 영화의 흥행 성적에 따라, 혹은 흥행을 했더라도 물리 매체를 중심으로한 국내 2차 시장의 규모가 워낙 협소하다 보니 제작비를 감안하여 최소한의 부가영상이 수록되는 경우가 대부분이었다.






양적으로 부가영상이 많은 경우는 적지 않았으나 질적으로 보았을 때는 확실히 만족도가 떨어지는 경우가 대부분이었다. 몇 개의 주제로 나누어 부가영상이 수록된 경우에도 인터뷰 등이 중복되어 수록되는 경우가 많았고, 블루레이의 부가영상임에도 특별히 촬영 소스에는 큰 신경을 쓰지 않은 탓에 SD급의 떨어지는 화질로 수록된 경우도 없지 않았다. 또한 전반적으로 DVD나 블루레이를 애초부터 감안하지 않은, 그러니까 부가영상으로 활용될 수 있음을 크게 고려하지 않은 다른 성격의 영상들이 끼워 넣기 식으로 수록되는 경우가 대부분이라, 구성 측면에서는 특히 아쉬운 면이 컸었다.



하지만 최근 몇 년 사이 한국 영화가 성장하는 가운데 작품성과 흥행성을 동시에 인정받는 스타 감독들이 등장하고 그들이 자신의 작품에 더 큰 영향력을 끼칠 수 있는 환경이 조금씩 마련되면서, 어쩌면 가장 근본적인 곳에서부터 긍정적인 변화가 일기 시작했다. 쉽게 말해서 그 영화를 (아마도) 가장 사랑하는 이라고 할 수 있는 감독 본인이, 자신의 영화가 그냥 그저 그렇게 평범한 (솔직히 말해 허접한) 물리 매체로 제작되는 것에 더 큰 반대 목소리를 낼 수 있는 여건과 분위기가 조성되었다는 것이다. 이렇게 말하면 오해가 생길 수도 있으니 긍정적인 의미로 바꿔 말하자면, 감독이 자신의 작품이 더 나은 2차 물리 매체 (블루레이)로 제작될 수 있도록 더 적극적으로 제작사에 어필하는 일이 생기기 시작했다는 것이다.  그런 결과물을 첫 번째로 확인할 수 있었던 것이 바로 류승완 감독의 최근작 '베테랑'이 아닐까 한다. 적어도 내가 확인한 바로는 그렇다. 








예전에 '베를린'의 DVD가 발매되었을 즈음 류승완 감독을 만나 이야기를 나눴을 때 '베를린' DVD 그리고 그 당시 곧 발매 예정이었던 블루레이에 대해 적지 않은 아쉬움을 이야기하던 기억이 난다. 감독 역시 이 시장의 규모나 현실을 모르는 것은 아니었으나, 자신의 영화가 더 풍성하고 높은 완성도의 블루레이로 발매되기를 원하는 갈증을 해소하기엔 아무래도 부족함이 많았기 때문이다 (이 점 역시 오해가 있을까 부연을 하자면, 해당 타이틀의 완성도가 특별히 떨어졌기 때문이라기보다는 류승완 감독이 평소 DVD나 블루레이에 관심이 많았기 때문에 그 어떤 팬들 보다도 더 나은 블루레이가 나오길 바랐다는 얘기다). 






그래서인지, 이후 '베테랑'의 블루레이 제작에는 더 적극적으로 의사 표현이 있었고 결국 기획과 제작을 맡은 CJ E&M의 주도 하에 제작 진행 및 오소링을 맡은 플레인 아카이브 그리고 구성/편집을 맡은 RABBIT ON THE MOON 까지 세 회사의 협엽을 통해 그간 한국 영화 블루레이에서는 보기 어려웠던 부가영상을 만나볼 수 있게 되었다.






그럼 본격적으로 '베테랑' 블루레이의 부가영상에 대해 살펴보자. 앞서 언급했던 것처럼 전반적으로 한국영화 블루레이, DVD의 경우 부가영상을 처음부터 염두에 두지 않는 경우가 (아직도) 대부분이기 때문에, 추후 발매되는 매체의 부가영상 역시 인터뷰가 여러 번 중복되거나, 다른 목적을 위해 촬영된 인터뷰나 촬영 장면을 범용 적으로 사용하는 경우가 많은데, 이번 ‘베테랑’ 블루레이는 무엇보다 기획 단계에서부터 부가영상(메이킹)을 염두에 두었다는 것을 쉽게 알아차릴 수 있을 정도로, 다양한 인터뷰들과 많은 촬영 분량이 있었음을 확인할 수 있다. 다시 말해 추후 천만 관객을 넘는 흥행이 있고 나니 진행한 부가적인 인터뷰 등이 아니라 이미 영화 제작 당시 많은 인터뷰나 자료들을 현장 촬영해 두었다는 얘기다 (물론 이후 진행된 인터뷰 들도 있고).






또 하나 흥미로운 점은 전체적으로 부가영상이 메뉴에 맞춰 수록하는 것에 급급한 것이 아니라, 전체적으로 기획/편집된 영상이라는 점이다. 예를 들어 감독이나 배우의 인터뷰 중간중간에 그 인터뷰와 직접적으로 언급되는 영화 속 장면이 삽입된 것은 물론, 영화 속 장면을 인용해 인터뷰 중간에 유머를 넣은 것도 한국영화 부가영상에서는 거의 첨 보는 경우라 신선하게 느껴졌다 (솔직히 영화를 볼 때 보다 더 놀랐다!). 어쩌면 벌써 한 참 전에 이런 부가영상을 가진 한국 영화 블루레이가 있었어야 했는데, 이제야 제대로 된 타이틀을 만나게 된 기분이다.




'탐문수사 (기획 배경/자료조사)'에서는 류승완 감독의 상세한 인터뷰를 영화 속 장면들과 함께 흥미롭게 전한다. ‘베테랑’이라는 제목을 선택한 이유와 이 제목이 영화에 미친 영향들 그리고 이런 구도의 이야기를 기획하게 된 배경의 이야기를 들려준다. 또한 단순히 ‘베테랑’에 국한된 이야기뿐만 아니라 감독의 전작인 ‘부당거래’와 ‘베를린’의 영향 혹은 유사한 점과 차이점 들도 들을 수 있어 유익하다. 그리고 이 영화를 위해 만난 실제 형사들, 경찰, 사회부 기자, 기업 관련인 등과의 취재 과정에 대한 이야기도 전해 들을 수 있다. 더 실감 나고 디테일한 묘사와 이야기 전개를 위해 얼마나 많은 현실 속 인물들을 만나 취재를 진행했는지 새삼 확인할 수 있는 부분이었다.





'작전설계 (캐스팅/로케이션)'를 통해서는 주요 캐릭터들에 대해 왜 그 배우를 캐스팅하게 되었는지 뒷 이야기를 들려준다. 감독의 인터뷰는 물론 배우들의 인터뷰 역시 부가영상을 위해 별도로 제작된 인터뷰 영상이라 무엇보다 메리트가 있다. 또한 이런 배우 인터뷰 부가영상의 경우 유명한 1~2명에 그치는 경우가 많은데, 광수대 팀원 전원의 캐릭터 소개와 적지 않은 분량의 배우 인터뷰가 수록된 점도 확실히 인상적이다.


로케이션에 대한 부분도 조화성 미술감독의 인터뷰를 통해 자세하게 들려준다. 극 중 경찰서의 촬영지는 어떤 곳인지 또 조태오의 공간은 어떤 곳에서 촬영되었는지에 대해 소개하는데, 단순히 로케이션 및 세트에 관한 미술적 설명뿐만 아니라, 그 로케이션 장소가 영화적으로 갖는 의미까지 감독의 인터뷰를 통해 더한다. 






'사전훈련 (액션 메이킹)'에는 류승완 영화에서 절대 빠질 수 없는 액션 메이킹에 대한 내용이 담겨 있다. 처음부터 감독이 좋아하는 성룡 영화의 액션을 구현하고자 했던 이 영화의 액션 디자인에 대해, 감독과 무술감독인 정두홍 감독의 인터뷰를 통해 소개한다. 




'현장출동 (촬영/미술)'에서는 조화성 미술감독의 인터뷰를 통해 영화의 미술에 대한 이야기를 제법 상세하게 들려준다. 세트 디자인과 각 공간에 놓인 소품들에 대한 의미들에 대해 어떠한 의도를 가지고 배치하게 되었는지 들려주는데, 영화를 볼 때 미처 다 포착하지 못했던 미술적 요소들에 대한 디테일을 확인할 수 있다.





사실 편집이라는 역할은 하나의 영화를 완성하는 데에 연출만큼이나 지대한 영향을 미치는 요소라 할 수 있는데, 그간 한국영화에서는 편집자에 대한 조명이 많지 않았던 것에 반해 이번 ‘베테랑’ 블루레이에서는 별도의 '사건수습 (편집/CG/음악)' 섹션을 통해 영화의 편집에 대한 이야기를 상세하게 들려준다. 


이 영화의 편집을 맡은 김상범 편집감독의 인터뷰가 수록되었는데, 감독의 인터뷰와 코멘터리만큼이나 흥미롭고 유익한 섹션이었다. 참고로 김상범 편집감독은 ‘올드보이’ ‘친절한 금자씨’ ‘왕의 남자’ ‘아저씨’ ‘부당거래’ 등 약 80여 편의 한국영화의 편집을 맡은 마스터 편집 감독이다.





마지막으로 '사후보고 (개봉/반응/속편계획)' 에서는 해외 관객들의 반응에 대한 이야기들도 만나볼 수 있는데 국내 관객과는 조금 차이를 보이는 해외 관객들의 반응 뒷이야기도 흥미롭다. 속편에 관한 이야기도 전해 들을 수 있는데, 언젠가 만나보게 될 ‘베테랑 2’가 벌써부터 기대되는 영상이었다.





* 삭제 장면에는 이동휘 배우의 씬들이 제법 있었다.




'베테랑' 블루레이의 부가영상은 전체적으로 각 섹션별 분량이 아주 많은 편은 아니었는데 (각 20~30분 수준), 확실히 양적인 아쉬움이 느껴지지 않을 정도로 구성과 편집이 특히 마음에 쏙 드는 완성도였다. 류승완 감독의 인터뷰는 각 섹션들을 통해 거의 대부분 등장함에도 중복된 내용이 거의 없을 정도로 정보량이 상당했으며, 무엇보다 영화를 더 재미있고 풍성하게 만들어 주는 '부가영상' 본연의 기능을 충실히 해냈다고 말할 수 있을 정도로 재미있고 유익한 인터뷰 들이었다.




* SITGES 영화제에서 류승완 감독에게 보내 온 친필(?) 선물 ㅎㅎ




마지막으로, 영화 장인 리들리 스콧의 DVD나 블루레이를 주의 깊게 살펴본 이들이라면 아마 잘 알겠지만, 그가 연출한 영화의 블루레이에서는 종종 그의 버금가는 잘 짜인, 완성도 높은 메이킹 다큐를 만나볼 수 있었다. 그 메이킹 다큐멘터리들을 만든 이는 감독이자 프로듀서인 찰스 데 라우지리카 (charles de lauzirika)라는 감독이다. 한 번 그의 메이킹 다큐의 매력에 흠뻑 빠지게 된 이후에는 리들리 스콧의 영화만큼이나 그가 만든 영화의 메이킹 다큐를 기다리게 될 정도로 그가 만든 부가영상의 완성도는 영화를 보는 또 다른 재미가 되었다 (찰스 데 라우지리카의 작품들에 대해서는 나중에 한 번 별도로 자세히 소개해 볼 예정이다). 



* 찰스 데 라우지리카가 작업한 메이킹 다큐가 수록된 리들리 스콧의 '프로메테우스' 블루레이 부가영상에 대한 소개 글

프로메테우스 _ 그 숨겨진 이야기가 궁금하다면






* '베테랑' 블루레이의 부가영상을 제목 그대로 스페셜한 메이킹으로 만들어 낸 제작진들!


국내에서도 최근 '올드보이' 블루레이의 부가영상으로 메이킹 다큐멘터리인 '올드 데이즈'가 별도로 제작되기도 했는데, 물론 '올드 데이즈'는 그야말로 앞으로 다시 나올 수 있을까 싶을 정도 규모의 시도이기는 했지만, 그 정도까지는 아니더라도 영화의 매력을 한층 더 배가 시키는 역할을 하는 메이킹 다큐멘터리를 한국 영화 블루레이에서도 자주 만나볼 수 있기를 바란다. 또 전체적으로 기획된 구성의 부가영상을 지속해서 만나볼 수 있기를 바란다. 


이 글의 제목처럼 '베테랑' 블루레이의 부가영상은 해외 영화 블루레이의 부가영상과 비교했을 때 압도적인 역대급 완성도를 보여준다고 까지는 말할 수 없을 것이다. 하지만 그간의 한국영화 블루레이의 아쉬움과 현실로 미뤄봤을 때 '베테랑'은 그런 첫 번째 시도로서 몹시 반가운 블루레이임이 틀림 없다.






글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 
  
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[아쉬타카의 레드필]

파수꾼의 추억


윤성현 감독의 빛나는 데뷔작 '파수꾼 (Bleak Night, 2012)'는 그 해 가장 인상적이었던 영화 중 한 편이었다. 오늘 하고자 하는 얘기는 영화 '파수꾼'이 개인적으로 조금 다르게 느낄 수 밖에는 없었던 이유 때문이다.


* 참고로 영화에 대한 리뷰는 여기로 (파수꾼 _ 시작과 끝을 알 수 없는 애처로운 간극) 이 때도 살짝 오늘 할 얘기에 대해 언급한 적이 있었다.


영화가 시작하고 얼마 되지 않아 나는 속으로 '어? 설마?'라는 말을 내뱉게 되었는데, 바로 극 중 배경이 된 장소가 몹시 낯이 익은 장소였기 때문이다. 주인공 삼인방이 함께 야구도 하고 또 걸터앉아 담배도 피우며 시간을 보내는 곳으로 나오는 기차역이 아주 익숙한 곳이었기 때문이다. 내가 기억하는 모습과는 조금 다른 풍경이 있었던 탓에 확신까지는 하지 못했었으나, 영화 말미 크래딧을 보고 나서야 내 기억 속의 원릉역이 맞다는 걸 알 수 있었다.



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(내가 살던 때만 해도 철로 옆에 고층 아파트들이 들어서기 전이었다)


이 장소가 내게 특별할 수 밖에는 없는 것이, 실제로 원릉역은 내가 중고등학교를 다니던 때에 자주 오가던 혹은 만남의 장소로 이용되던 아주 익숙한 곳이었기 때문이다. 이 원릉역을 사이에 두고 아래쪽은 성사동으로 주공아파트 단지가 위치하고 있었고 위 쪽은 주교동으로 버스 종점 정류장과 함께 주택단지들이 주를 이루고 있었다. 나는 바로 이 원릉역에서 약 5분도 채 걸리지 않는, 바로 약이 내다 보이는 주공아파트 단지에 당시 살고 있었다. 풀이 우거진 계단을 올라 원릉역 철로를 지나서 나오는 버스 종점에서 버스를 타고 고등학교를 다녔더랬다. 그리고 영화 속과 비슷하게 원릉역에서 친구들과 자주 만나기도 했다.


영화와 다른 점이라면 내가 살 때만 해도 이 곳은 많지는 않아도 가끔 기차가 다니는 곳이었기 때문에 영화 속처럼 학생들이 죽치고 담배를 피거나 철로 위에서 놀거나 할 수는 없는 곳이었다. 또, 앞서 이야기했던 것처럼 원릉역은 꼭 기차를 타지 않더라도 이동 통로로 활용이 잦은 위치이기도 했다. 하지만 조금 비슷한 점이라면 실제 원릉역은 (그럼에도) 밤이 되면 불빛이 어둡고 으슥한 느낌이 있어서 무서운 형님들이 돈을 뺏거나, 혹은 구석에서 술을 마시는 일들도 가끔 있는 곳이었다.




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'파수꾼'을 처음 보고 긴가민가 했던 이유는 철로 옆에 높게 솟은 고층 아파트 풍경 때문이었다. 나는 이 동네에서 어린 시절과 청소년 시기를 모두 보냈지만, 20살이 넘어서 얼마 되지 않아 서울로 독립을 하게 되어 한 동안 가보지 못했던 터라 주공아파트가 재개발되고 신도시가 생겼다는 건 (영화를 볼 때만 해도) 말로만 들었었기 때문이었다.


영화 속에서는 철로 뒤로 고층 아파트들이 늘어서 있지만 내가 살던 당시, 그리고 열차가 다니던 당시의 풍경은 5층짜리 주공 아파트가 늘어선 풍경이었다. 만약 신도시가 들어서기 전에 이 영화가 촬영되었더라면 영화 속에서 내가 살던 주공아파트 107동의 모습도 발견할 수 있었을 것이다. 


'파수꾼'이 내게 특별한 이유는 단순히 내가 살았던 곳이 영화 속에 등장해서가 아니다. 잠깐 이야기했던 것처럼 이 동네는 내가 떠나고 얼마 지나지 않아 주공 아파트 단지 전체가 재개발되면서 동네 자체가 전혀 달라져 버렸다. 즉, 내가 어린 시절과 청소년기를 보낸 작은 단지들의 모습을 이제는 어디서도 찾아볼 수가 없게 된 것이다. 영화 속에 등장한 원릉역은 비록 그 경계에 있었던 중간 지점이기는 했지만 그럼에도 예전 모습을 거의 그대로 간직하고 있었기에 추억이 남다를 수 밖에는 없었다. 여기서 참 크고 작은 많은 일들이 있었는데...



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(저 멀리 보이는 교회 건물 바로 옆 빌라 반지하 집에서도 수년을 살았던 기억이...)



그렇게 항상 마음속에 남아 있던 영화 '파수꾼'을 어제 오랜만에 케이블 티비를 통해 다시 보게 되니, 나도 교복 입고 원릉역을 넘나들던 그때가 다시 떠올랐다.



[아쉬타카의 레드필]

네오가 빨간 약을 선택했듯이, 영화 속 이야기에 비춰진 진짜 현실을 직시해보고자 하는 최소한의 노력

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올드 데이즈 (Old Days, 2016)

올드보이는 어떻게 만들어졌나


메이킹 다큐멘터리 성격 영화에 대한 글 제목으로 '어떻게 만들어졌나'는 너무 뻔하고 전형적이라 최대한 피해보려 했지만, '올드 데이즈 (Old Days, 2016)'는 박찬욱 감독의 2003년작 '올드보이'가 어떤 과정과 일들을 겪으며 만들어졌는지에 대한 그대로의 작품이라 피할 수가 없었다. 솔직히 '올드보이' 블루레이에 부가영상으로 처음 기획된 이 다큐가 전주 영화제에서 상영되었을 정도로 한 편의 '영화'가 되었다는 소식을 듣게 되었을 때, 이건 분명 과잉이라는 생각을 했었다. 개인적으로도 너무 해보고 싶었던 작업, 그러니까 좋아하는 영화가 어떻게 만들어졌는지에 대한 긴 호흡과 디테일한 자료를 기반으로 한 다큐멘터리 성격의 영상이 우리 영화에도 있었으면 좋겠다고는 늘 생각해 왔지만, 그것이 블루레이 부가영상이 애초 기획이었던 것에서 확장된 버전으로 발전된 것은 조금 무리가 되지 않을까, 과잉이지 않을까 하는 우려보다는 걱정이 앞섰기 때문이었다. 


걱정 외에 다른 의미로 보자면, 과연 메이킹 다큐를 만드는 데에 한 편의 영화와 동일한 수준의 규모나 의미 부여가 필요한 가에 대한 생각이 있었다. 다시 말하면 '올드보이'라는 영화가 10주년을 맞아 재상영도 할 만큼 박찬욱 감독의 필모그래피에 있어 중요한 작품이기도 하고 또 해외에서 특히 인정받는 작품이라는 점에서, 냉정하게 보자면 당위성보다는 영화의 명성에 기댄 다큐 제작이 아닐까 싶었던 것이다.




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하지만 '올드 데이즈'를 다 보고 나니 왜 그래야만 했는지, 왜 굳이 '올드보이'의 제작 과정을 다룬 다큐멘터리를 블루레이에 수록될 부가 영상에 그치지 않고 영화화까지 발전시켜야 만 했는지 단숨에 알 수 있었다. 즉, '올드 데이즈'는 단순히 '올드보이'라는 작품의 명성을 더하기 위해 기념 적으로 제작되고 기획된 작품이 아니라, 역으로 말해 '이런 제작과정을 통해 탄생된 영화는 도대체 어떤 영화일까?'하고 궁금증이 생길 정도로 제작과정 자체가 하나의 역사이자 놀라움 그리고 시대의 공기를 느낄 수 있는 작품이라는 말이다.


2003년 '올드보이'에 참여했던 감독과 배우, 스텝들은 지금은 각 분야에서 모두 주역을 맡고 있는 마스터들이지만 당시엔 완전 신인들이 대부분이었고, 경력이 많은 스텝들은 그리 많지 않았었다. '올드 데이즈'는 바로 그들이 어떻게 현장에서 싸우고, 부딪히고, 이겨내며 '올드보이'라는 영화를 완성시켰는지에 관한 기록이다. 


간혹 오래전 작업한 (특히 현재는 걸작이 된) 영화를 배우와 스텝들이 추억하며 회고하는 메이킹의 경우, 당시 어리고 미숙했던 자신들을 되돌아보며 '그때는 참 뭘 몰라서 그랬던 것 같아요. 지금 다시 하라면 아마 다를 거예요'라는 식의 인터뷰를 듣게 되는 경우가 많다. 하지만 '올드 데이즈'에 수록된 당시 스텝들의 인터뷰들에서 하나 같이 공통적으로 발견할 수 있었던 건 '다시는 만날 수 없는 현장' '다시는 할 수 없을 것 같은 영화'라는 것이었다. '올드보이'가 자신의 첫 번째 영화였던 스텝들도 있고, 나이도 비교적 어린 나이라 그 모든 것을 감당하기에는 턱 없이 부족했던 상황과 조건이었지만, 그럼에도 모든 것이 익숙하고 숙련된 지금에 와 다시 하라고 해도 할 수 없을 것만 같다는 그들의 진심에서 다시 한번 왜 이 다큐멘터리가 필요했는가를 확인할 수 있었다.




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'올드보이'는 내용적인 면이나 스타일, 구조 등 모든 면에서 에너지가 넘쳐나는 영화였다. 혹자는 과잉의 영화라고 할 만큼 모든 분야의 에너지가 한계 이상으로 분출되고 있는 벅찬 영화였다. '올드 데이즈'를 보고 느꼈던 건, 아마도 이 영화가 그렇게 엄청난 에너지 (지금에 와서 다시 구현하려고 해도 과연 할 수 있을까 확신할 수 없는, 아니 불가능하다고 느낄 정도의)를 영화라는 포맷 안에 다 담아낼 수 이유가, 감독 한 명 혹은 예술적 능력이 압도적으로 출중한 몇몇 아티스트가 자신의 능력을 십분 발휘한 영화여서가 아니라, 감독과 배우를 비롯한 모든 분야의 스텝들이 자신들의 한계치 이상의 에너지를 끌어내는 것에 기적처럼 성공했기 때문이 아니었을까 하는 점이었다. 


정확히 뭐라 말하기는 어려워도 그 당시의 순간에 내가 한국 영화의 중요한 순간에 함께 하고 있다는 공기가 느껴져, 내가 할 수 있는 한 최대한을 해보자 라는 수준이 아니라 반드시 이 영화가 원하는 수준을 내가 해내야만 한다는 부담감과 책임감이 만들어낸 괴물. 그런 에너지들이 마치 어떤 상자 안에 봉인되듯이 '올드보이'라는 영화 안에 봉인되는 것에 성공한, 그런 괴물 같은 우연 혹은 사건이었던 것은 아닐까 라는 생각이 이 작품을 보는 내내 들었다. 


솔직히 박찬욱 감독의 영화를 너무 좋아하는 팬으로서 '올드보이'가 가장 좋아하는 영화인가라는 질문엔 선뜻 답하기는 어렵지만, 흥미로운 건 지난 10주년 상영회 (리뷰 : 올드보이 10주년 - 다시 보니 완벽한 우진의 영화더라)에서 다시 보게 되었을 때 느꼈던 것처럼 '올드보이'는 시간이 지날수록 더 좋아하게 되는 영화가 되고 있다는 점이다. 그리고 이번 '올드 데이즈'와의 만남은 그런 느낌을 더 강하게 만드는 계기가 되었다.


이미 여러 번을 보고, 수 없이 영화 음악을 듣고, 여러 버전의 타이틀을 갖고 있는 작품임에도 '올드 데이즈'를 보는 내내 속으로 '아... 빨리 올드보이를 다시 보고 싶다'라는 생각이 계속 들었다. 


다시 맨 처음으로 돌아가, 블루레이의 부가 영상의 가장 큰 미덕이라면 결국 영화보다 더 재미있는 비하인드 스토리를 들려주는 것 자체에 있는 것이 아니라, 그로 인해 이 영화가 다시 보고 싶어 지고, 더 사랑하게 만드는 역할을 하는 것에 있다고 할 수 있을 텐데, '올드 데이즈'는 그렇게 익숙한 '올드보이'를 또 보고 싶게 만드는 또 한 번의 놀라운 영화였다. 

곧 블루레이로 다시 만나게 될 '올드보이'가 너무나도 기다려진다.



1. 플레인 아카이브는 (본인들은 쑥스럽겠지만) 정말 대단한 일을 해냈네요. 박수쳐주고 싶습니다!

2. 한국영상자료원에서 있었던 상영회 후 GV 자리도 참 좋았습니다. 특히 '올드 데이즈'에서는 만나보기 어려웠던 조영욱 음악감독님의 얘기들이 흥미로웠어요.




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 
  
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최악의 하루 (Worst Woman, 2015)

해피엔딩이 필요해



'조금만 더 가까이 (Come, Closer, 2010)'를 연출했던 김종관 감독의 신작 '최악의 하루 (Worst Woman, 2015)'는 주인공 은희 (한예리)가 만나게 되는 세 명의 남자와의 이야기를 다룬 하루 동안의 이야기다. 제목에서 또 한 여자와 세 명의 남자가 얽히게 된다는 줄거리에서 쉽게 홍상수의 영화들을 떠올려 보게 되는데, 영화는 실제로도 중반까지는 어느 정도 홍상수 영화에서 느꼈던 남녀 관계에 대한 이야기를 들려주는 듯 한다. 그렇게 은희가 만났던 두 남자의 한 편으론 찌질하고 또 다른 한편으론 찌질하다 못해 무례하기까지 한 이야기를 아름다운 남산을 배경으로 즐기고 있는데, 소설가인 료헤이 (이와세 료)의 이야기가 조금씩 짙어질 수록 '아, 이 영화는 무언가 결이 좀 다른데?' 싶은 생각이 들기 시작했다. 그리고 영화의 초반 부에 등장했던 료헤이의 내레이션과 연습실에서 대사를 읊던 은희의 모습이 다시 떠올랐다. 


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자신의 소설 속 인물들을 가혹한 상황 속에 몰아 넣고 탈출할 곳을 주지 않았던 작가의 이야기와 할 때는 진짜인데 끝나고 나면 가짜인 것이 연극(연기)이라는 영화 속 대사는, 은희가 하루 동안 겪게 되는 이른바 최악의 사건들 그리고 또 다른 최악의 하루를 맞게 된 소설가 료헤이의 이야기와 겹쳐지면서 단순한 남녀 관계의 시작과 끝에 관한 이야기가 아닌 전혀 새로운 방향성의 이야기를 발견할 수 있게 했다. 그런 면에서 이 영화는 앞서 언급한 홍상수 감독의 영화들보다는 오히려 이와세 료가 출연하기도 했던 '한여름의 판타지아'와 더 가깝다고 볼 수 있겠다. 같은 이유로 시달리는 것에 가까운 은희와는 정반대로 배경이 되는 도시의 작은 골목들과 그 속에 위치한 자연에 가까운 공간인 남산 산책로의 아름다운 풍경들은 영화가 말하고자 하는 메시지에 대한 복선으로 볼 수 있다. 그저 아름다운 영상미 만을 위해 활용된 것이라기 보다는 메시지가 주는 희망과 포용의 느낌을 담아내기 위한 그릇으로 존재한다.



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그리고 극장에서 그 해피엔딩이 언급된 대사를 듣는 순간 나도 모르게 갑자기 눈시울이 뜨거워졌다. 속으로 생각하기에도 '어? 이건 좀 너무 갑작스러운데?' 라고 스스로에게 느낄 정도로 갑작스러운, 하지만 송곳 같이 마음에 다다른 대사가 바로 해피엔딩, 어쩌면 너무 뻔하고 순진하다고 자주 여겨지는 해피엔딩에 관한 것이었다. 


다른 영화 글을 통해서도 종종 이야기한 적이 있지만 나는 대책없는 순진함 혹은 무턱대고 해피엔딩스러운 이야기를 별로 좋아하지 않는 편인데, '최악의 하루'에 담겨 있는 해피엔딩에 관한 내용은 분명 그것들과는 다르게 느껴졌다. 이건 그냥 연출의 힘이라고 밖에는 말할 수 없을 것 같다. 갑자기 다른 시공간으로 느껴질 정도로 공기가 달라진 늦은 밤 시간의 남산 산책로에서 영어가 서투른 두 남녀가 각자의 하루를 돌이켜 보며 (그럼에도)행복을 찾고자 하는 그 간절함은, 급작스러울 수 있는 해피엔딩의 감성을 너무나도 정확히 관통시켰다. 행복한 결말을 맺는 다는 것의 진짜 의미를 새겨보는 동시에, 영화를 만드는 작업 혹은 영화 속 인물을 연기하거나 소설 속 인물을 대하는 (행하는)방식과 태도에 대해 찬찬히 생각해 보게 만드는 영화였다. 소품 같은 이야기와 전형적인 메시지를 너무 판타지적으로 승화시키지 않으면서도 알맞게 그려낸 매력적인 영화였다.




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 
  
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부산행 (Train To Busan, 2015)

세월호 이후, 혐오의 시대에서 생존하려면



연상호 감독의 첫 번째 실사영화 '부산행 (Train To Busan, 2015)'은 그의 전작 '돼지의 왕'이나 '사이비'를 통해 보여주었던 것처럼 한국사회를 배경으로 한 인간 군상들의 이야기를 담아낸다. 좀비들의 확산으로 마비가 되어가는 짧은 시간 동안, 부산으로 향하는 KTX열차 안을 배경으로 현재 대한민국이 처한 막막한 현실과 특수한 재난 상황에 놓인 각기 다른 이해 관계의 인물들의 충돌을 빠른 템포로 그려낸다. 물론 '부산행'의 주요 모티브가 되는 것 중 하나는 좀비가 맞지만 이 영화를 좀비 영화라고 보긴 어렵다. 좀비라는 설정은 말 그대로 이 재난을 가져온 소재와 장르적인 요소로만 활용되고 있고, 영화의 구성은 오히려 전형적인 재난 영화에 가깝다. 좀비와 재난. '부산행'은 이 두 가지에서 떠올려 볼 수 있는 흐름을 크게 벗어나지 않는다. 오히려 전형적인 것에서 오는 장르적 쾌감을 만끽하는데에 더 신경을 쓰는 것처럼 보인다. 그럼에도 이 영화가 단순한 장르 영화 이상의 인상을 주는 이유는 어쩔 수 없는 현실의 무게 때문이다.



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지금은 시간이 많이 흘러 거의 색이 바래지기는 했지만 한 때 미국 영화는 9/11 테러 사건을 전후로 나뉜 다고 말할 수 있을 정도로, 9/11 이후의 미국 영화들을 직간접적으로 또는 스스로가 인지하지 못했더라도 무의식적으로 9/11의 기억과 충격에서 자유로울 수 없었는데, 최근의 한국 영화들에서도 이러한 경향이 도드라지고 있는 것을 발견할 수 있다. 이 이야기를 본격적으로 하기 전에 미리 말하고 싶은 점은 '부산행'을 세월호 참사와 전혀 연결 짓지 않아도 영화는 장르 영화로서, 그리고 연상호 감독이 꾸준히 해오던 테마의 발전으로서 충분히 성립 가능한 영화라는 점이다. 다시 말해, 처음부터 세월호 사건을 염두에 두고 만든 작품은 아니라는 점이다 (앞서 언급한 9/11 이후 미국 영화들의 다수도 직접적으로 연관 지어 제작된 영화는 아니었다). 


하지만 '부산행'은 세월호 참사를 이제 그만 좀 얘기하자고 주장하는 이들이 아니라면 어쩔 수 없이 세월호 참사를 떠올릴 수 밖에는 없는 이야기다. 많은 이들이 좀비들에게 공격을 받고 사회 시스템이 붕괴되기 시작할 때 정부와 언론은 일부 과격 시위 단체가 문제를 일으키고 있다며 국민들에게 전한다. 또한 실상은 기하 급수적으로 늘어나는 좀비들의 확산을 막지도, 문제의 원인을 밝혀내지도 못한 상황에서, 현재 모든 상황을 완벽히 관리하고 있다며 안심하라는 기자회견을 연다. 영화에는 나오지 않았지만 아마도 완전히 좀비들을 막아낸 이후에 상황에도 현실과 비슷한 대처를 하지 않았을까? 끝까지 좀비는 없었다고 부정하다가 나중에야 천천히 진실이 밝혀져도 또 딴소리와 책임 소재를 묻는 공방으로 시간이 흘러 잊혀지기 만을 바랬을 것이다. 세월호 때도, 메르스 때도 정부는 모두 구조 했다고, 완벽하게 관리하고 있다는 거짓말로 안심시키는 동안 누군가는 목숨을 잃거나 피해를 입게 되었었다. '부산행'의 시작은 너무 현실적이어서 '영화네, 영화!'라고 웃어 넘길 수가 없을 정도다. 



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(그나마 마동석이 연기한 '상화'같은 영화적인 캐릭터가 없었더라면 이 영화는 더 현실같아서 비참 했을지도 모른다)



그렇게 철저하게 고립된 KTX 안의 상황은 더 지옥과도 같다. 말도 안되는 영화적인 캐릭터인 상화를 앞세워 좀비들을 물리치고 아직 좀비들을 직접 경험하지 못한 승객들이 대피하고 있는 열차 간으로 이동해왔지만 상황은 더 절망적이다. 상대적으로 안전한 곳에 머물러 있던 승객들에게 주인공 일행은 감염 되었을지도 모를 위험한 존재이자, 생존을 걱정해야 하는 상황에서 생존의 확률을 낮추는 변수인 동시에, 정반대로 버팀막이 되어 주었으면 하는 존재이기도 하다. 사실 이 상황에서 가장 중요한 것은 이 칸의 승객들이 처음 부터 전체적으로 나서서 이들을 막고 못들어 오게 하자고 했던 것이 아니라는 점이다. 어떻게 해야할지 모르겠고 스스로의 양심과 갈등을 겪고 있을 때 앞으로 나서서 큰 목소리를 낸 용석 (김의성)의 행동 이후에야 함께 목소리를 내게 되었다는 점이다.


여기에는 두 가지 포인트가 있다. 하나는 다른 대부분의 승객들 모두 저들이 감염 되었으면 어쩌지 하는 걱정을 조금씩 갖고는 있었으나, 차마 이 상황에서 그들을 내치는게 양심에 걸리기도 하고 또 자신만 너무 나쁜 이가 될 것 같아 주저하고 있던 바를 용석이라는 매게체로 인해 자신들의 욕망을 타인의 손을 통한 방식으로 해결할 수 있었다는 점이다. 다시 말해 모두가 자신이 피해나 손해를 입을 수 있는 상황에 놓이게 되었을 때 이기적인 마음을 갖고 있지만, 그와 동시에 내가 나서서 혹시라도 몰매를 맞기는 싫은 또 다른 이기적인 생각 또한 갖고 있다는 점이다. 한편으론 전면에 나서서 생존을 위해 이기적인 자신을 드러내는 것에 주저함이 없는 이성적인 용석 보다도 용석의 등 뒤에 숨어 목소리를 보태며 주인공 일행을 배척한 승객들이 더 나쁜 이라고 말할 수 있다는 것이다.


다른 하나는 만약 용석이 아니라 다른 이가 용석과 다른 목소리로 주인공 일행을 다 같이 구하자고 외쳤더라면 이 상황이 바뀔 수도 있지 않았을까 하는 희망이다. 앞서 언급했던 것처럼 그 칸에 타고 있던 대부분의 승객들은 적어도 처음에는 양심에 가책을 느껴서 선뜻 어떻게 하자는 말이나 행동을 주저하고 있었는데, 그렇기 때문에 누군가가 마치 용석이 그랬던 것처럼 '자, 여러분 저들을 빨리 도웁시다. 이리와서 함께 도와주세요!'라고 외쳤다면 아마 전혀 다른 상황이 벌어졌을 수도 있었다는 것이다.  




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만약 이 영화같이 장르 영화의 구성에 충실한 재난 영화를 세월호 참사 이전, 아니 자신에게 깊이 각인 된 어떠한 현실의 인재나 사건 등의 발생 이전에 보았다면, 장르 영화의 쾌감에만 충실하게 즐겼을지도 모르겠다. 재난 상황 속에서 국가나 정부가 뉴스 등에 나와 하는 말은 '뭐 영화 속 정부 모습이 다 저렇지'하고 그냥 넘어갔을 것이고, 열차 속에서 벌어지는 여러 갈등 들도 '아..이거 너무 뻔한데'라며 조금은 전형적인 측면에 심심해 했을 수도 있었을 것이다. 하지만 이 영화는 어쩔 수 없이 세월호 참사라는 실제 재난을 느껴야만 했던 그 이후의 영화다. 떠올리지 않을 래야 떠올리지 않을 수 없을 정도로. 

그렇기 때문에 다들 안전한 열차 안에서 대기해 달라는 안내 방송이나 정부의 브리핑을 들었을 땐 '아, 만약 나에게도 저런 상황이 닥치면 그냥 하라는데로만 해서는 안되겠다'라는 생각이 들고, 또 세월호 이후 그 유가족들과 이 참사를 두고 벌어지는 대한민국 사회의 만연한 혐오를 지켜 보았기에 부끄럽지만 내 가족들에게 '혹시 저런 일이 생기면 절대 나서지 말고, 남들 생각하지 말고 너만이라도 꼭 살아야 돼'라고 가르치거나 당부할 수 밖에는 없는 현실이 씁쓸했다. 


예전 같았으면 이런 재난 영화를 보고는 희생하는 캐릭터들을 보면서 '나도 저렇게 되어야지'혹은 누군가에게 이야기할 때 '우린 저런 사람이 되자'라고 말해왔는데, 이번에 보게 된 '부산행'의 느낌은 조금 달랐다. 이 영화 속 재난이 더 이상 스크린 안에서만 벌어지는 일이 아니라는 것을 최근 몇 년간 실감할 수 있는 일들이 많았기에, 마치 영화 속 용석이 재수 없고 화가 치밀지만 실제 상황이라면 저렇게라도 나와 내 가족은 살아 남아야 하지 않을까 하는 생각마저 하게 되어 더욱 가슴이 아팠다. 더 나아가 세월호 참사 유가족들과 그 참사 속에서 영웅적인 면모를 보인 이들이 겪게 되는 고통과 사회의 무시를 넘어선 질타를 보며, 누군가에게 '그래도 영웅이 되어야 해'라고 선뜻 말하기가 주저 될 수 밖에는 없었다 (말이 라도 말이다). 



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마지막으로 '부산행'을 보고 나서 죄책감이라는 단어를 떠올렸다. 더 큰 잘못을 한 이는 따로 있으나 양심을 가진 이들이 겪어야만 했던 커다란 죄책감들. 그래서 차라리 스스로 좀비가 되기를 선택하다시피 한 어떤 장면은, 처연함도 들었지만 최소한의 양심을 가진 이들을 죽거나 죽지도 못하는 자가 되도록 만드는 현실이 떠올라 더 안타까웠다. 



1. 저는 어쩔 수 없이 세월호를 떠올렸지만 본문에도 썼던 것처럼 이 영화는 애초부터 의도를 갖고 만들어진 영화도 아닐 뿐더러, 그렇게 읽히지 않아도 충분한 상업 장르 영화입니다.


2. 혹시나 중간에 공유가 카누 마시는 장면이 나오면 어쩌나 걱정했는데 다행히 ㅎ


3. 마동석이 연기한 상화라는 캐릭터는 '베테랑'에 등장하는 아트박스 사장 캐릭터의 연장선이라 해도 전혀 이상하지 않은데, 만약 마동석=아트박스 사장 캐릭터가 수 많은 한국 영화에 조금씩 다 등장하는 일종의 신개념 캐릭터를 구현해 보면 어떨까 하는, 말도 안되는 상상을 해보았어요 ㅎㅎ 무슨 영화에 나오든 마동석이 연기한 캐릭터는 덩치 좋고 힘좋은 아트박스 사장인데, 각 영화마다 분량이 조금씩 다른거죠. 마치 마블 시네마틱 유니버스에서는 모든 캐릭터가 동일한 시대를 사는 것처럼, 코리안 시네마틱 유니버스에서는 마동석 캐릭터가 모두 동일하게 존재하는. 말도 안되는 ㅋㅋ


4. 아, 스크린X 극장에서 보았는데 확실히 좀비 나오는 장면들에서는 몰입도가 더 좋더군요. 특히 모든 장면이 스크린X면 좀 정신 없을 것 같다 싶었는데, 다행히 좀비가 나오는 액션 장면들만 활용되고 있어서 좋았어요. 


5. '서울역'도 곧 개봉인데, 더 기대됩니다!



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  
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  1. 익명 2016.07.26 22:47

    비밀댓글입니다

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비밀은 없다 (The Truth Beneath, 2015)

암묵적 은폐 되었던 진실들을 꺼내다


'미쓰 홍당무 (2008)'를 연출했던 이경미 감독의 신작 '비밀은 없다'는 올해 개봉한 한국 영화 가운데 손꼽힐 만한 성격(그렇다, 성격이다)과 스타일의 작품이다. 거두절미 하고, '비밀은 없다'가 색다른 가장 원초적인 이유는 대부분의 한국 영화가 잘 다루지 않았던, 발견하지 않았던, 혹은 발견했으나 별로 대수롭지 않게 넘겼던 정서를 전면에 내세운 영화이기 때문이다. 솔직히 말해서 손예진과 김주혁이 전면에 나선 포스터, 그리고 아이의 실종과 대선 15일전.. 등의 문구를 내세운 포스터를 보았을 땐 이 영화의 내면을 미처 예상하기 어려웠었다. 바로 앞서 언급한 대부분의 한국 영화들로 인한 선입견이라면 선입견 때문이었는데, 역시 '미쓰 홍당무'를 연출했던 이경미 감독은 뻔한 이야기를 꺼내들지 않았다. 




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'비밀은 없다'는 관객들이 쉽게 흥미를 가질 만한 전제의 이야기를 가지고 있다. 선거를 보름 앞 둔 후보자 부부와 경쟁 후보와의 묘한 관계는 그 이상의 음모나 모략이 있을 것만 같아 기대를 모으고, 여기에 아이의 실종이라는 사건의 발생은 이 두 가지 이야기가 어떤 식으로 관계를 형성하며 미스테리를 전개해 나갈지 역시 기대가 되기 때문이다. 단, 조금 다른 점이라면 '비밀은 없다'가 관심을 가지고 있는 이야기는 일반적인 것과 조금 다르다는 점이다. 미리 (잘못)짐작한 이야기로 보자면 이 영화는 남편의 선거와 관련된 이야기가 중심이 되어 아내의 이야기와 딸의 실종 이야기가 연관되어 전개될 것으로 보기 쉽지만, 이 영화는 손예진이 연기한 '연홍'을 통해 잘 드러나듯이 그런 상황 속에서도 홀로 꿋꿋이 딸의 실종과 관련된 사건 만을 파고 들고자 한다. 아마도 주객이 바뀐 다른 영화였다면 딸 아이의 실종으로 인해 반쯤 미쳐버린 엄마 정도로 묘사되었을지 모르지만, '비밀은 없다'는 그 반쯤 미쳐버릴 수 밖에는 없는 엄마의 심정에 주목한다. 하지만 영화는 연홍을 그저 폭주하는 인물로 바라보는 시선들을 담아내는 것에도 주저하지 않는다. 오히려 이렇게 '뭣이 중헌지'도 모르고 날 뛰는 세상과 인물들을 비웃기라도 하듯, 연홍은 딸의 실종 사건의 본질에 홀로 더 깊이, 깊이 다가간다.



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그리고 '비밀은 없다'에는 한 편에서 괴이하다고 까지 표현되는 여중생 소녀들의 이야기가 있다. 하지만 사실 이 소녀들의 이야기가 이상하다고 느껴지는 것은 무지, 아니 몰이해 때문이라고 볼 수 있을 것이다. 혹은 사회가 만들어낸 일종의 이상향으로 인한 최면의 결과에 가깝다. 남성 중심의 사회, 권력자 중심의 사회에서는 그 반대 편 (약자의 편)의 이야기에 대해 권력층 본인은 물론 전체적인 사회의 분위기 조차 상대적 약자 층의 이야기에는 큰 관심이 없거나 큰 중요성을 느끼지 못하는 경우가 많은데, 이는 다시 말해 무시를 한다기 보다 관심이 별로 없어서 그냥 큰 문제를 일으키지 않는 선에서 적당히 존재했으면 하고 바란다는 것이다 (이 영화에선 후보자의 아내와 중학생 딸이 여기에 해당한다). 그러니까 중요한 선거를 앞 둔 종찬(김주혁)의 입장에서는 아내나 딸이나 별 문제 없이 남아 있기를, 최소한 중요한 선거가 끝날 때 까지만이라도 자신의 일에 영향을 주는 일은 없었으면 하고 바란다는 것인데, 이 영화는 보란 듯이 사건을 터뜨리고 모두를 역으로 무시한 채 오직 딸을 되찾는 것에만 집중하는 연홍의 이야기를 영화의 한 가운데로 끌고왔다는 점에서부터, 같은 배경의 다른 이야기가 될 수 밖에는 없는 것이다. 


그래서 일부 관객들은 민진이와 미옥이의 이야기 비중이 커지고 깊이를 더해가면서 무언가 이질감을 느끼게 되지만, 사실 이 이질감은 앞서 이야기했던 것처럼 몰이해에서 오는 것이 더 크다는 점이다. 특히 중학생이 아닌 관객들. 더 나아가 중학생 소녀를 자녀나 형제 등으로 함께 하고 있다 하더라도, 그저 공부 열심히 하고 별 탈 없이 졸업하고, 고등학교 가고 또 대학가기 만을 바라고 그것이 너무나 일반적이고 자연스럽다고만 여기는 관객들의 입장에서는, 민진이와 미옥이가 영화 속에서 겪는 일들이 비현실적으로 느껴지기에 몰입을 해치는 요소가 되어 영화 전체가 혼란스러워 지는 느낌을 받을 지도 모른다는 것이다. 하지만 이경미 감독은 그저 왕따 라는 것 만으로는 다 설명되지 않는 이 시기의 혼란과 더 나아가 어디에나 존재하지만 내 가족과 주변 사람의 이야기만 아니면 상관 없다고 여기는 왕따 이야기를 다시 꺼내들며, 이 가족과 사회로부터 소외된 시기에 대해 이야기하고자 한다. 나는 오히려 이 이야기를 민진이와 미옥이가 주인공인 이야기로 접하는 것보다는, 본인도 역시 잘 몰랐던 어른인 연홍이 사건을 통해 알게 되는 방식을 취한 것이 더 좋았다. 어쩌면 이 과정은 연홍이 민진의 실종과 이와 연결된 다른 사건들을 풀어가는 전개보다도 더 의미 있고 본질적인 미스테리의 해결 과정이라고 볼 수 있기 때문이다. 



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또 하나, 이 암묵적으로 은폐되다시피 한 진실들을 마주하게 된 연홍이 굉장히 빠른 시점에서 또 빠른 속도로 각성하는 것이 인상적이었다. 초반 연홍은 자신의 출신에 대한 루머 등으로 선거 과정에서 논란이 되는데, 아이를 잃고 그것에만 집중하게 된 연홍이 거친 사투리로 남편을 몰아 붙이는 장면은 더 이상 이 시점에서 누군가에게 잘 보이거나, 누군가를 위해서 보여주기 식 행동을 하지 않겠다는 의지가 본능적으로 튀어나온 장면이라 그 이후 이어진 뺨을 되갚아 주는 장면과 더불어, 아주 원초적이면서도 자연스러운 (심지어 쾌감까지 느껴지는)인물의 묘사였다. 다시 말해 왜 쾌감이 느껴졌나 생각해보니, 따지고보면 너무 자연스러운 인물의 행동인데 그간의 한국 영화에서는 좀 처럼 찾아볼 수 없었던 여성 캐릭터의 행동과 성격이었기 때문이었다. 이 외에도 연홍의 캐릭터에서 느껴지는 대부분의 쾌감과 공감대는 대부분 너무 당연하지만 우습게도 대부분의 여성 캐릭터가 그간 그렇지 않았다는 것에서 오는 상대적인 감흥이었다는 점은 마냥 좋아할 수 만은 없는 씁쓸한 점이기도 하다.



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이경미 감독의 '비밀은 없다'는 단순히 미스테리 스릴러 장르를 위한 제목처럼 보이지만, 영화를 다 보고나면 한 편으론 암묵적 침묵 속에 벌어지는 잘못과 범죄에 대해 경고의 메시지의 비밀은 '없다'로 느껴지기도 하고, 다른 한 편으론 많은 사람들이 편리하게 생각하기 위해 역시 암묵적으로 비밀로서 규정한 것들에 대해 있는 그대로를 꺼내 놓으며 비밀이 '아니다'라고 말하는 역시 경고의 메시지로 느껴지기도 한다. '비밀은 없다'는 그 자체로도 흥미로웠지만 이 영화가 어떻게 읽히고 느껴지는 가에 대해서도 많은 것을 생각해 보게 만들었던, 몹시 매력적인 작품이었다.


1. 글 중에는 따로 언급을 못했지만 이 영화는 미술과 음악에 많은 공을 들인 영화라는 걸 쉽게 느낄 수 있을 만큼 인상적인 장면들이 많았던 작품이었어요. 극장에서 빠르게 내려간 것도 너무 아쉽지만, 나중에 블루레이라도 온전히 출시되어 그 질감과 디테일을 놓치지 않고 즐길 수 있었으면 좋겠네요.


2. 손예진의 캐스팅은 여러 모로 큰 의미가 있었던 것 같아요. 앞서 언급 했던 것처럼, 무지와 몰이해에서 빠르게 각성하고 변해 가는 인물을 표현하기에 손예진이라는 배우가 가진 기존의 이미지와 그녀가 이번 영화에서 보여준 연기 사이의 거리는, 더 큰 몰입도를 주기에 완벽한 캐스팅이 아니었나 싶은.


3. 영화를 보면서 민진이 역할을 연기한 배우 어디서 많이 봤는데 누구지 싶었는데, 오디션 프로에 나왔었던 신지훈 양이더군요. 기존에 노래하는 모습만 봐서 매치가 바로 안된 듯.


4. 아마도 이 영화는 이번에 많은 관객들이 자의반 타의반으로 놓쳐버린 경우가 많을 텐데, 나중에 더 많이 찾아보게 되는 영화가 반드시 될 것 같아요. 





글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  
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우리들 (The World of Us, 2015)

현실의 굴레를 꿰뚫은 치명적 섬세함의 결정체



윤가은 감독의 장편 데뷔작 '우리들 (The World of Us, 2015)'은 어린이들을 주인공으로 한 전체관람가의 영화다. 하지만 요즈음은 보기 드문, 말그대로 전체가 관람해야 할 정도로 훌륭한 작품이다. 처음 이 작품을 접하게 된 건 화려한 색감과 일러스트가 인상적이었던 포스터 이미지에 끌렸기 때문이었는데, 이 포스터를 보고 '혹시...'했던 기대감은 '역시...'로 확인할 수 있었다. 고레에다 히로카즈의 '아무도 모른다'가 연상되는 데뷔작인데, 대한민국의 현시점에서 누구나 공감할 수 있지만 누구도 쉽게 이야기를 꺼내지 못하는 부분에 대해 잔인하리만큼 섬세한 시선으로, 하지만 아이들이라는 순백의 도화지로 투명하게 그려낸 완벽에 가까운 작품이라 감히 말하고 싶다. 




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어떤 이유에서인지, 아마도 집안의 경제적인 수준으로 인한 이유 때문에 선이 (최수인)는 보라 (이서연)를 비롯한 같은 반 친구들에게 따돌림을 당하는 외톨이다. 그러던 어느 날, 4학년 여름방학을 앞 둔 날 전학을 오게 된 지아 (설혜인)와 처음 만나게 된 선이는 바로 둘도 없는 친구가 되어 많은 시간을 함께 놀며 보내게 된다. 그렇게 같은 반 친구들과의 관계가 좋지 못했던 선이는 지아와 친해지면서 하루 하루 행복한 시간을 보내게 되는데, 지아가 같은 학원을 다니는 보라와 친해지게 되면서 지아 역시 선이와 거리를 두려고 한다. 


'우리들'은 초등학교 4학년 여자 아이들이 겪게 되는 작지만 큰 우주의 이야기로 봐도 좋다. 극 중 방학을 맞아 담임선생님은 아이들에게 '너희들, 초등학교 4학년 여름방학이 얼마나 중요한 시기인지 알아?'라며 방학동안 알차게 보낼 것을 당부하는데, 이 대사는 처음에 들으면 '피식'하고 웃게 되는 농담 같은 이야기지만, 한 번 더 생각해 보면 정말로 그 나이 때의 아이들에게 그 시간들이 얼마나 중요한 시기인지를 깨닫고 피식했던 웃음을 지우게 된다. 아이들이 한 인간으로서 자아와 가치관을 형성해 나가는 그 중요한 시기에, 친구와의 관계에서 겪게 되는 모든 일들은 하나도 중요하지 않은 것이 없다. 반 친구들과 친해지기 위해 노력하고, 왜 자신을 따돌리는지에 대해 고민하고, 나를 좋아하지 않는 친구가 왜 그런지 궁금하지만 그보다는 그 친구에게 어떻게 더 다가갈 수 있을지 조심스럽고. 선이는 모든 것이 조심스럽다. 


매일 같이 노는 친구에게 맞고 오는 선이의 동생 윤이 (강민준)에게는 그럼에도 그 친구와 노는 것이 가장 중요한 것처럼, 어른들에게는 그저 아이들이 친구를 사귀고, 다투고 하루하루 다들 그렇게 보내는거라고 쉽게 생각할 수 있지만, 그 또래의 아이들에겐 마음이 통했으면 하는 친구와 사이가 좋지 못한 것 보다 더 큰 고민과 괴로움은 없을 것이다. 영화는 그렇게 선이와 지아의 이야기를 통해 이 아이들이 겪는 복잡한 삶의 고민을 아주 섬세한 시선으로 담아낸다. 



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친구와의 관계에서 답답함과 힘겨움을 느끼는 선이를 보니 내 어린 시절이 떠올랐다. 그 때 나는 지금 생각하면 우습지만 그 당시에는 나를 싫어하는 친구가 있는 경우는 물론이고 더 나아가, 나를 좋아하지 않는 친구가 있다는 (있을 수 있다는) 사실 자체에 엄청난 괴로움을 느꼈던 것 같다. 지금이야 '그럴 수도 있지'라는 어른의 가치관이 생겨버렸지만, 그 당시에는 '왜 나를 싫어하지?' '나는 잘못한게 없는데 무슨 오해가 있는거지?'라며 그 상황과 분위기 자체를 견디기 힘들어 했었던 것 같다. 비단 나 뿐만이 아니라 선이와 지아의 이야기는 아마도 대부분의 어른들이 겪었을 어린 시절의 고민거리를 떠올리게 한다. 누군가에게 처음으로 미움을 받는 것. 그래서 그 미움이 왜 발생했는지 그 이유를 따져 묻기 이전에 당황스러움이 먼저 들게 되는 감정의 변화는 처음에는 누구나 겪었을 생경함이었을 거다. '우리들'이 놀라운 건 누구나 겪었지만 제대로 풀어내거나 표현된 적은 드물었던 어린 시절의 감정과 처음 겪었던 답답함들을 정말로 100%에 가깝게 묘사해내고 있다는 점이다. 3D입체영화도, 물과 바람이 뿜어져 나오는 4D영화도 아니었으나 '우리들'은 가히 내가 영화 속으로 들어가 체험하고 있다는 실감이 날 만큼 섬세한 감정선의 작품이었다.




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하지만 '우리들'이 더 강렬하게 다가왔던 건 영화 속 아이들의 감정과 관계의 뒤틀림 뒤에 보일 듯 말듯 존재하고 있는 현실의 문제 때문이었다. 즉, 선이와 지아 그리고 보라가 겪게 되는 문제의 원인이 되는 어른들의 현실의 문제 말이다. 경제적으로 잘 살고 못살고 하는 문제. 누군가는 더 큰 집에 살고, 누군가는 더 작은 집에 살고, 누구는 좋은 차를 타고, 누구는 차가 없고. 누구는 생일을 맞아 어디서 어떻게 파티를 할까 고민하지만 그 순간 누군가는 생일 선물을 살 돈이 없어서 속앓이를 해야만 하는. 더 나아가 반 친구들이 다 다니는 학원을 다니고 싶지만 우리 집 형편이 좋지 못하다는 것을 이미 잘 알고 있어서 스스로 마음을 접어야 하는 이런 현실 말이다. 


나는 아이를 낳기 전부터 언젠가 아이를 낳게 된다면 이 같은 대한민국의 현실 속에서 어떻게 키울 것인가에 대해 고민하고 또 고민했었는데, 아무리 고민해도 그 답은 쉽게 내릴 수가 없었다. 쉽게 생각하면 태어나면서부터 경제적인 환경을 통해 경쟁이 시작되는 아이들의 현실을 탈피해 자주적이고 독립적인 아이로 키워내고 싶지만, 이건 자칫 부모의 과욕 혹은 자만일 수도 있다는 불확신 역시 드는 부분이었다. 다시 말해 부모는 현실의 불합리함을 벗어나 현명한 삶을 이루고자 한다고 하지만, 그로 인해 아이가 겪어야 할 여러가지 문제들, 영화 속에서도 등장했던 따돌림이나 사회의 일원으로 속하지 못하는 것에서 오는 괴로움 들을, 그 작은 아이에게 선택권 없이 겪도록 하는 것이 반드시 좋은 일인지에 대해서는 선뜻 답을 내놓기가 어려웠기 때문이다. 


'우리들'은 바로 이 지점을 잔인하리만큼 꿰뚫고 있는 영화다. 그 섬세함이 좋았던 건 이 현실을 그리면서 더 극적인 효과를 위해 과장되거나 섣부른 판단을 하는 지점이 없었기 때문이다. 예를 들어 선이의 부모에 대한 묘사가 가장 인상적이었다. 아마도 이런 고민을 겪는 외로운 어린이 주인공을 그린 다른 영화였다면 아버지는 그야말로 알콜 중독자고, 어머니 역시 빠듯한 살림고로 인해 아이의 고민을 어쩔 수 없다는 이유로 완전히 무시하는 인물로 그려졌을 텐데, 이 영화 속 선이의 어머니는 빠듯한 살림고 속에도 최대한 두 아이의 삶을 돌보려 노력하고, 그렇다고 모든 것을 무시해가며 아이에게 헌신하지도 않으며 매일 같이 반복되는 어린 아들의 트러블에도 현명하게 대처해 낸다. 나는 그래서 선이 만큼이나 선이 어머니 캐릭터가 인상적이었는데, 그렇기 때문에 이 영화를 보는 내내 더 심장이 조마조마 하고 답답함이 느껴지기도 했다.



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차라리 선이의 아버지가 알콜 중독자로 아주 나쁜 아빠였다면, 그리고 선이의 엄마도 하루하루 사는 것에 목 매달려 선이의 삶은 관심 조차 없는 무정한 엄마였다면, 그리고 선이를 따돌리는 보라도 어쩜 저렇게 나쁜 애가 있을 수 있을까 싶을 정도로 고약한 아이였다면, 선이가 겪는 고민과 힘겨움들에 오히려 탈출구가 보였을 텐데, 전혀 그렇지가 않고 너무 현실적이었기에 그 답답함은 이루 말할 수가 없었다. 앞서 내가 내 아이를 이 현실 속에서 어떻게 키워가야 할지에 대해 아직도 명확한 답, 아니 방향성을 갖지 못했다는 것처럼, 영화 속 선이와 아이들의 이야기는 그 어떤 것도 쉽게 해결하거나 매듭지어질 수 없는 것들이었다. 경제적인 생활 수준의 차이는 선이가 아니더라도 모두가 같을 수 없고, 그로 인해 발생하는 교육(학원)의 차이 역시 발생할 수 밖에는 없으며, 이 차이로 인해 아이들이 겪게 될 아픔 역시 그저 어린 아이들 보고 현명하게 대처하라고 놔둘 수는 없는 어른의 문제가 공존하기 때문이다. 


'우리들'은 이 현실의 문제에 대해 그 어떤 영화보다 섬세하게 다루고 있지만 그럼에도 그 어떤 답도 선뜻 내리지 않고 있다. 영화의 마지막 선이는 반친구들과의 피구 게임에서 맨 마지막에 지목되는 것에서 결국 벗어나게 되었지만, 이것이 과연 해결이라고 영화는 결코 말하지 않는다. 나는 누구도 쉽게 답할 수 없는 이 문제에 대해 영화가 섣불리 답을 내놓지 않은 태도가 오히려 인상적이었다. 그 문제의 본질의 깊이를 이해하지도 못하고 자신 만의 답을 내놓는 것에 비하자면, 윤가은 감독은 깊이있게 파고들어 이해한 덕분인지 쉽게 답을 내릴 수 없음을 알아차린 듯 했다. 그래서 이 영화엔 막연한 긍정도 없다. 




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영화를 보는 내내 현실 속에서 답을 찾지 못했던 문제가 고스란히 재현된 탓에 심장이 답답하고 또 울컥하게 만드는 순간도 여럿 있었다. 그 만큼이나 슬펐던 건 객석 뒤에서 영화 중반 소리 내어 훌쩍이던 어느 어머님 때문이기도 했다. 아마도 또래의 아이를 키우고 계실 그 분의 울음 소리는 이 영화가 얼마나 현실을 꿰뚫고 있는 지에 대한 증거인 동시에, 우리가 처한 어려운 문제를 재차 확인하는 순간이기도 했다.


나도 얼마 전 아빠가 되었다. 그래서 '우리들'은 더 특별한 영화일 수 밖에는 없었다.



1. 진짜 아역 배우분들 어쩜 이렇게 연기를 다 다 다! 잘하나요!!! 이선 역할을 연기한 최수인 배우는 아카데미 여우주연상 받아야 하는 것 아닌가욧! 

2. 올해 '우리들'보다 더 추천하고 싶은 영화가 나올까 싶네요. 



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  
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아가씨 (The Handmaiden, 2016)

내 인생을 망치러 온 나의 구원자


(내용에 대한 스포일러가 있을 수 있습니다)



박찬욱 감독의 신작 '아가씨 (The Handmaiden, 2016)'는 압도적인 미장센과 진취적인 이야기 그리고 감독 특유의 유머러스함과 캐릭터가 위태롭고 매혹적인 에너지를 내뿜고 있는 작품이다. 영화는 총 3부의 구성으로 이루어져 있으며 1부는 숙희의 입장을 중심으로 이야기가 전개되고 2부는 히데코의 어린 시절을 비롯해 그녀의 입장으로 1부 벌어졌던 이야기를 다시 소개하고, 3부에서는 전체적인 이야기를 종결지으며 두 여인을 비롯해 백작과 코우즈키의 이야기도 모두 마무리 한다. 트위터에서 누군가가 '1,2부의 제목은 아가씨고 3부의 제목은 아저씨'라고도 했는데, 아주 틀린 말은 아니다. 간단히 이야기해서 1부의 이야기는 숙희의 입장으로 전체적인 이야기와 캐릭터를 소개하고 2부에서는 이미 알고 있는 이야기의 진실이 무엇인지를 히데코와 백작 캐릭터를 중심으로 보여주는데, 반전의 요소가 있지만 결코 반전을 위한 구성이나 이야기는 아니다. 그렇게 진실이 무엇인지 2부를 통해 소개한 뒤 영화는 3부를 통해 4명의 주요 캐릭터들을 각각 마무리 한다. 즉, 3부는 종결, 해결의 측면 혹은 목적이 강한 파트다. 




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'아가씨'는 동성애를 다루고 있긴 하지만 근래 동성애를 다룬 좋은 영화 중 하나였던 토드 헤인즈의 '캐롤'과는 조금 결을 달리하는 영화라고 말할 수 있겠다. '캐롤'은 말 그대로 동성 간의 사랑에 대해 놀라울 정도로 아름답고 미묘한 감정 선을 유려하게 그려낸 작품이라면, 박찬욱의 '아가씨'는 동성애를 다루고는 있지만 동성 간의 사랑이 중심에 있다기 보다는 오히려 남성 중심의 세계 관을 풍자하고 여성 캐릭터가 독립적으로 향하는 것에 더 관심을 두고 있는 것 처럼 보인다. 즉, 박찬욱에겐 동성애라는 소재가 더 이상 사회 통념 하에 극복해야 할 과제라기 보다는 이미 극복한 다음의 이야기, 즉 '동성애가 더이상 그렇게 특별한 일이야?' 싶을 정도로 아무렇지 않은 듯 다음 스텝으로 건너 뛴 듯한 느낌이다. 다시 말해 히데코와 숙희의 관계와 감정을 '캐롤'의 그것과 1:1 비교를 한다는 것은 의미가 없다는 얘기다. 히데코와 숙희가 서로에 대해 느끼는 감정은 여성이 여성을 사랑하는 것과는 조금 다른, 서로가 자신의 삶의 굴레를 깨고 나아가는데 절대적인 역할을 하는 구원자의 성격이 더 강하기 때문이다. 



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하지만 그런 측면에서 보아도, 그러니까 스스로 자신의 삶을 찾아 떠나는 두 여자 인물들에 비해 두 남성 캐릭터인 백작과 코우즈키의 모습은 직접적인 형태로 풍자되고 하찮게 묘사되고 마무리 되는 구조를 담고 있음에도, 이 영화를 페미니즘 영화라고 부르기는 어렵지 않을까 싶다. 페미니즘 영화를 추구하지 않는 다는 측면에서가 아니라, 영화가 표현한 방법에 있어서 페미니즘 영화라고 하기엔 여전히 애매한 측면이 없지 않았기 때문이다. 히데코와 숙희의 베드씬은 수위 만을 놓고 보자면 제법 파격적인 수준이었으나 감정적으로는 전혀 야하지 않은, 그러니까 두 인물의 감정 선이 녹아들어 있지는 않은 베드씬이라 다른 동성 간의 (이성 간도 마찬가지고) 베드씬과는 다르게 성적 흥분이 들지는 않는 건조한 장면이었다. 이를 바꿔 말하자면 영화 말미에 등장하는 히데코와 숙희의 베드씬은 과연 그 정도의 묘사와 비중으로까지 필요했는가에 대한 질문이 생긴다. 3부는 두 여성 주인공의 해피 엔딩만큼이나 두 남성 주인공의 배드 엔딩(?)의 비중이 큰데, 마치 이 마지막 베드씬은 두 여성 캐릭터를 위한 (그녀들이 원한) 것이라기 보다는 오히려 두 남성 캐릭터의 배드 엔딩을 더 가혹하게 만들기 위한 일종의 도구로 활용된 측면이 더 크게 느껴졌다. 1,2부에 비해 3부는 전체적으로 극이 고조되거나 클라이맥스에 이른다는 느낌보다는, 풀어 놓은 매듭을 모두 정리하는 완결(해결)의 느낌이 더 강한데, 그 보다는 두 여성 캐릭터의 해피 엔딩의 깊이나 감정선에 더 많은 비중을 할애 했더라면 어땠을까 싶었다.




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위 단락에 조금만 더 보태자면, 그렇게 아쉬움이 남기는 하지만 반대로 그것이 바로 박찬욱 스타일의 영화가 아닌가도 싶다. 감정적으로 공감대가 넓고 보편적인 방식 대신, 가지 않은 길을 택하고자 많이 고민하고 자신의 취향을 영화 속에 녹여 내는 것에 주저함이 없는 것. 그래서 모두가 그를 주목하던 시점에서도 자신이 가장 하고 싶었던 '사이보그지만 괜찮아' 같은 영화를 낼 수 있는. 그런 측면에서 보자면 3부의 전개와 묘사는 1,2부 보다도 더 박찬욱 스러운 모습이었다. 


박찬욱 감독의 영화는 오랜 시간 함께 해온 스텝들의 결과물도 연출 만큼이나 큰 기대를 갖게 하는데, 류성희 미술감독이 만들어 낸 미장센은 '아가씨'의 전부라고 할 수 있을 정도로 압도적이다. 히데코가 살고 있는 코우즈키의 대저택은 이 영화의 주인공 중 하나로 부르기에 손색이 없을 정도로, 그 자체가 캐릭터의 성격을 대변하는 가장 훌륭한 매개체인 동시에 스스로 캐릭터가 되기도 한다. 낭독회가 진행되는 공간은 특히 그 거리감과 구도가 예술이었는데, 좌우로 보았을 땐 인물들이 어느 정도 거리를 두고 띄엄 띄엄 앉아 있는 구도가 매력적이었으며, 앞뒤로 보았을 때도 히데코와 남성 캐릭터들의 거리 (가까이 있을 때 보다도 더 긴장감을 불러 일으키는 거리)가 영화에 리듬과 긴장을 담아 내고 있다. 류성희 미술감독에게도 이번 '아가씨'의 디자인은 모든 것이 총망라된 몹시 모험적이고 고된 작업이었을 텐데, 그 결과물은 정말 환상적이다.



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압도적인 미장센 만큼이나 눈을 뗄 수 없는 것이 바로 히데코를 연기한 김민희와 숙희를 연기한 신인 배우 김태리의 연기다. 이제 더 이상 연기에 관해서 칭찬을 하는 것이 새삼스러워진 김민희의 경우, 연기가 업그레이드 된 것은 물론이요, 그 아름다움이 몇 배는 업그레이드 되어 버린 모습을 '아가씨'를 통해 확인할 수 있었다. 특히 아무것도 모르는 상속녀로 그려지는 1부 속 숙희의 시선으로 그려지는 히데코의 모습은, 깨어질 듯한 위태로운 아름다움을 거의 완벽하게 표현해 냈다고 해도 과언이 아닐 것이다.


하지만 그래도 이 영화의 발견은 단연 김태리다. 보통 몇 천대 일의 경쟁률을 뚫고 캐스팅 된 배우라는 수식어는 이제 더 이상 관심을 끌지도 매력적이도 않은 것이 사실인데, 김태리의 캐스팅의 경우 새삼스럽게 '아..그 수 많은 경쟁자를 과연 물리치고 선택 될 만하구나!'라는 탄식이 절로 나올 정도로 놀라운 발견이었다. 물론 캐릭터 자체가 매력적이기도 하지만 김태리라는 배우의 얼굴 만이 가진 매력이 숙희라는 캐릭터의 매력을 배가 시켜준 느낌이었고, 애정, 애증, 행복, 모성애 등 다양한 감정을 표현해 내는 데에 있어서 어색함이 하나도 느껴지지 않았던, 딱 맞는 연기와 캐릭터였다. 그리고 하정우는 자신이 가장 잘 할 수 있는 연기를 독보적으로 해냈다. 백작 캐릭터는 자칫하면 풍자의 깊이는 없이 그저 우스꽝스럽기만한 것으로 전락할 수 있었는데, 제대로 우습게 보이는 동시에 연민마저 느껴지는 백작 캐릭터를 적절한 비중으로 연기해 낸다.



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결론적으로 박찬욱의 '아가씨'는 특유의 조소와 미장센이 시대극이라는 배경과 두 여성 캐릭터라는 매력을 통해 발산 된 흥미로운 작품이었다. 원작 소설을 읽어 보지 않은 입장에서 '내 인생을 망치러 온 나의 구원자'라는 설정은 정말 매력적인 것이었다. 이것에 집중해서 영화에 빠져든다면 좀 더 흥미롭고 매력적으로 영화를 즐길 수 있지 않을까 싶다.



1. 극장에서 문소리 배우는 등장과 동시에 관객들이 웅성웅성 했지만 상대적으로 이동휘 배우는 관객들이 갸우뚱 하더군요 ㅎ

2. 히데코 아역으로 나온 배우가 너무 매력적이었어요. 어디서 분명 본 것 같았는데 나중에 찾아보니 본적이 없더군요...(이상해;;;)

3. 영화를 보고 나니 주연 캐릭터 중 몇몇은 일본 배우가 했어도 좋았겠다 싶더군요.

4. 아... 앞으로 김태리 라는 배우는 과연 어떤 영화를 보여줄까요. 몹시 기대됩니다!!!




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  
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  1. 방랑늑대 2016.06.07 10:01

    아역은 검색해보니 조은형이라는 배우군요. 보면서 사쿠라 마나가 조금 떠오르기도 했습니다만...암튼 저도 뭔가 낯이 익은 얼굴이다 싶었는데 검색해보니 다른 작품에서 먼저 본 적이 없는 얼굴이어서 신기했습니다.

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2016.06.07 23:11 신고

      그러니까요 ㅎ 전 영화를 보고 거의 확신하며 '저 일본 아역 배우가 여기 나오네, 어디서 봤더라?' 했었거든요. 분명 본 얼굴인데 닮은 사람을 본 건지 아직도 믿기지가 않을 정도 ㅎㅎ

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곡성 (哭聲, 2016)

의심과 현혹으로 탄생한 지옥



(이 글에는 스포일러가 있습니다)


나홍진 감독의 신작 '곡성 (哭聲, 2016)'은 인간의 의심과 무지 그리고 그로 인한 현혹을 주제로 신과 악마의 이야기를 가장 현실적인 공간의 배경에 풀어 놓은 흥미로운 작품이다. 내가 좋아하는 영화 중 하나는 감독이 분명한 하나의 의도를 가지고 있음에도 관객들로 하여금 다양한 해석이나 이해가 가능하도록 만든 구조의 작품들인데, '곡성'도 그 중 하나다. 개봉 첫 날 부터 이 이야기를 어떻게 해석할 것인가에 대해 다양한 담론이 형성되고 있는데 (담론이라기 보다는 궁금함으로 인한 해석과 설명들), 이런 영화들은 사실 한 가지의 답이 존재한다기 보다는 몇 가지의 답이 존재한다고 볼 수 있겠다 (하긴 모든 영화가 그렇지만). 그만큼 개봉 전부터 많은 기대를 불러 모았던 나홍진의 '곡성'은 충분히 흥미로운 영화다.



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영화는 처음부터 끝까지 의심에 관해 이야기한다 (영화의 시작 인용한 성서 구절과 마지막 동굴 시퀀스에서 외지인이 들려주는 대사는 그렇게 의심이라는 주제로 수미상관을 이룬다). 그리고 그 의심이 어떻게 발생하게 되었는지 그 과정의 가벼움에 대해서도 말한다. 작은 시골 마을에서 의문의 연쇄 살인이 발생하고 동네에서는 사람들의 입을 거쳐 흉흉한 소문이 돌기 시작한다. 바로 외지인인 일본인 (쿠니무라 준)이 범인이라는 혹은 귀신이라는 얘기. 경찰인 종구 (곽도원)는 처음에는 말도 안되는 소리라며 웃어 넘겼지만 주변 사람들로부터 전해 들었던 이야기에 자신도 모르는 사이에 영향을 받게 되 그 역시 외지인을 의심하기 시작하고, 몇 가지의 확신할 만한 상황들이 벌어지게 되면서 이 의심은 더 확고한 확신으로 번져 간다. 한 번 생겨난 의심 그리고 이를 더 확고하게 해 줄 만한 말들과 현실들이 더해지면서 사태는 것잡을 수 없이 빠르게 전개 되어 간다. 


여기서 중요한 건 종구의 의심과 현혹됨이 관객에게도 동시에 진행되고 발전된다는 점이다. 관객은 주인공인 종구의 시점을 공유하며 같은 입장에서 인물들을 의심하고 그 현혹된 시점으로 이야기를 바라보게 된다. 의심에 관한 텍스트는 주인공의 결백 등과 맞물려 다른 영화에서도 종종 만나볼 수 있었던 이야기인데 '곡성'은 여기에 종교적인 이야기를 적절하게 겹쳐 놓았다. 신, 특히 종교야 말로 의심이라는 것에서부터 태어났으면서도 의심이 허용되지 않는 존재가 아니던가. 나홍진은 이를 아주 효과적으로 활용하며 관객들의 의심 역시 십분 활용한다.




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쿠니무라 준이 연기한 외지인의 모습은 영화 속에서 가장 (특히 초반)공포스럽고 악마 같은 존재로 그려진다. 벌거벗은 채로 고라니를 뜯어 먹고, 그것이 설령 꿈이라고 하더라도 새빨간 눈동자를 한 모습과 피해자들을 전시해 놓듯 사진들로 가득 찬 그의 공간은 그를 연쇄 살인마 이상의 악마로 (혹은 귀신으로)의심하고 확신하기에 충분해 보인다. 그리고 이 외지인 귀신을 떨쳐내기 위해 고용된 무당 일광 (황정민)은 그 등장에서 부터 완벽하게 일본인의 대척점에 있는 인물로서 묘사된다. 더 나아가 일광이 한참 귀신을 쫓기 위해 굿을 벌이던 중, 종구가 결국 약해진 딸의 모습을 보고 마음이 약해져 굿판을 중지 시키게 되었을 때 관객은 '아, 조금만 더하면 귀신을 죽일 수 있었는데 아쉽다..'라는 생각까지 이르게 된다. 


하지만 이 후 외지인은 힘을 잃고 일광도 떠나고 종구의 딸은 병원에 맡겨진 뒤 영화는 다른 국면을 맞게 된다. 그간 일방적으로 확신을 가졌던 종구의 시점을 뒤흔든다. 귀신이라고 믿었던 외지인이 만져지고 죽음에 이르는 것을 종구가 직접 목격하게 되는 것 (그 시체를 다른 사람들이 볼까봐 길 아래로 던져버리는 행동도)이나 이를 멀리서 마치 귀신처럼 지켜보는 무명 (천우희)의 모습은 무명 = 목격자, 외지인 = 귀신이 아니라 일광의 전화가 알려준 것처럼 무명 = 귀신, 외지인 = 무당 이라는 해석으로 단숨에 전환된다. 그러면서 영화는 마치 이것이 반전인 것처럼 급박하게 휘몰아 친다. 마치 귀신일지도 모를 무명을 종구가 다시 마주하게 되는 위기의 순간으로.




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딸과 가족의 목숨이 귀신 혹은 악마에게 모두 빼앗겨 버릴 위기에 놓여있는 종구 앞에 이제는 가장 두려운 존재인 무명이 나타난다. 무명은 딸과 가족을 살리려거든 닭이 세 번 울 때까지만 참으라고 말한다. 하지만 이미 자신이 직접 외지인의 시체를 목격한 경험과 일광의 전화로 무명의 존재에 대해 깊이 의심하게 된 종구는 이러지도 저러지도 못한다. 이 상황은 외지인이 악마임을 확신하고 죽이고자 찾아간 부제인 이삼 (김도윤)의 상황과 겹쳐진다. 그리고 이전과는 달리 귀신이 아닌 악마 적인 모습을 대놓고 드러내는 외지인과 이삼의 대화가 영화의 주제를 직접적으로 드러낸다. 외지인은 이삼에게 '너는 나의 존재를 의심해서 알아보고자 온 것이 아니라, 자신의 의심을 확인하러 온 것이 아니냐'는 식으로 묻는다. 대답하지 못하는 이삼에게 외지인은 마치 영화의 시작 성서에서 인용된 예수의 말씀처럼 '영은 살과 뼈가 없으되 나는 있느니라' '나를 만져보아라'라고 말하며 마치 십자가의 못 박힌 예수의 상흔과 같은 손바닥의 상흔을 보여준다. 


이 동굴에서의 대화는 겉으로는 반그리스도 적인 메시지를 담고 있는 듯 하지만, 사실 그것을 말하고자 하는 것은 아니다. 앞서 이야기했던 것처럼 '곡성'의 반그리스도적 상징과 묘사들은 '의심'이라는 주제를 효과적으로 설명하기 위한 도구로서 스며들어 있다. 언급 했던 것처럼 종교, 신 과 같은 절대적인 믿음의 상징들은 의심이라는 주제를 설명하기에 가장 직접적이고 효과적인 도구이기 때문이다. 의심이 아니라 자신의 의심을 확인하려고 온 것이 아니냐는 질문은 이 영화의 핵심이다. 참으로 별 것 아닌 말들과 오해들로 갖게 된 의심이 어떻게 확신이 되고 그 확신을 포기하는 것을 인간이 과연 해낼 수 있는 존재인가에 대한 비관적인 질문은 영화 '곡성'이 던지는 진짜 질문이다. 악마, 악, 공포 등을 말하고자 하는 것이 아니라, 인간의 의심과 그 의심이 스스로 끌어들인 현혹이 어떤 지옥을 만들어 냈는지를 말하고자 한다. 어떻게 보느냐에 따라 같은 인물이 귀신도 그 귀신을 쫓으려는 무당도 될 수 있고, 악마가 신(예수)의 모습과도 하나도 다르지 않을 수 있다는 것을 통해 말이다. 




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의심이 형성되는 과정에서 영화가 지속적으로 말하고자 한 또 한 가지가 바로 무지다. 귀신을 봤다는 사냥꾼이 자신의 텅빈 냉장고를 보여주며 '이게 바로 증거다'라고 말할 때 종구와 관객 모두가 웃어 넘기지만 사실 이 장면 역시 영화의 메시지와 깊게 맞닿아 있다. 부활한 예수를 보고 직접 손과 발을 만져보고서야 믿게 된 제자들을 보고 '너희는 나를 보고야 믿느냐'라고 말한 예수의 말처럼, 이 장면 역시 의심의 관한 영화의 메시지를 더욱 견고하게 한다. 


'곡성'에서 말하는 무지란 전혀 모르는 것이 아니라 제대로 알지 못하는 것이라고 볼 수 있겠다. 무명도, 귀신에 씌인 딸도 종구를 똑바로 쳐다보며 이렇게 묻는다. '뭐가 중요한지 알기나 해'.

몇 번을 묻지만 이 질문은 오히려 너무 직접적이라 종구는 결코 있는 그대로 받아들이지 못한다. 이미 종구의 마음엔 확신 만이 있기 때문이다. 혹자는 이렇게 벌어지는 상황들로 인해 계속 불안해 하는 종구에게 무슨 확신 만이 있냐고 말할 수도 있겠지만, 따지고보면 종구는 불분명한 것들로 인해 불안함을 겪어 왔다기 보다는 지속적으로 확신을 가져왔다고 볼 수 있다. 단지 그 확신이 계속 옮겨 갔을 뿐이지. 편협된 혹은 어쩔 수 없이 편협된 정보들로 이룬 자신 만의 결론과 확신을 두고 직접적으로 질문을 받게 되었을 때 제대로 답하지 못하고 스스로 혼란에 빠져 버리는 인물들의 모습에서 이 비극은 더 깊어져만 가고, 맨 마지막 종구가 남긴 '괜찮아, 아빠가 다 해결할께'라는 말은 이 비극을 쉽게 해피엔딩으로 위로하지 않는다. 



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나홍진은 이번에도 관객들을 아주 불편하게 하고 특히 영화 속 인물들을 아주 고약하게 괴롭히고 마는 것으로 볼 수도 있겠지만, 내 생각은 조금 다르다. 영화가 주인공을 무력하게 만드는 것을 대부분의 관객들은 불편해 하는데, '곡성'은 결과만 보면 그렇지만 자세히 보면 딸과 모든 것을 잃어버린 종구에 대한 연민과 위로가 담겨 있는 작품이다. 이 영화는 악마와 맞서 싸우는 퇴마사의 이야기거나 혹은 연쇄 살인사건을 파해치는 형사나 전문가의 이야기가 아니라는 점이 중요하다. 작은 시골 마을에서 별다른 걱정 없이 살아온 듯한 평범한 주인공이 어느 날 연쇄 살인과 귀신이라는 거대한 사건을 맞닥 들이게 되고, 더 나아가 바로 자신의 딸이 휘말리게 되면서 겪게 되는 과정은, 영화의 주제인 의심과 무지의 매개체로 활용되고 있기도 하지만 한 편으론 어쩔 수 없이 당할 수 밖에는 없었던 한 인물의 비극 그 자체라는 점을 영화는 주지 시킨다. 


그저 평범한 사람이 과연 자신의 딸의 목숨이 걸려 있는 상황에서 합리적 의심과 자가 비판 등을 통해 냉철하게 상황을 판단하여 누구의 말이 옳은 것인지 선택할 수 있겠는가 라는 것의 위로. 그리고 끊임 없이 '왜 우리 딸이' '왜 아무 잘못도 없는 우리 딸에게 이런 일이'라고 무언가 이유가 있을 것이라고 (그래야 스스로 이해할 수 있고 해결할 수 있다고 믿기 때문에) 묻지만, 마치 낚시 처럼 그저 네 딸이 걸려든 것 뿐이라는 얘기를 듣게 되는 종구의 모습에서는, 아무것도 할 수 없었던 상황에서 가족을 잃거나 상처를 받아야 했던 피해자들에 대한 위로가 엿보인다. 다시 말해 영민한 전문가가 자신의 꾀에 빠져 스스로 자멸하는 패배가 아니라, 어쩌면 의심할 수 밖에는 없고 빠르게 의심을 확신으로 만들지 않으면 안되었던 종구의 비극을 말이다 (그 상황에서 유일하게 믿고 의지할 수 밖에는 없었던 존재가 악마의 하수인이었던 일광이었다는 점도 가슴이 아프다).



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만약 '곡성'을 미스테리 스릴러 장르로만 본다면 아쉬운 점이 없지 않을 듯 싶다. 개연성을 중시하는 시점으로 바라 본다면 몇 몇 장면은 완벽하게 설명되지 않는 측면이 있고, 어떤 측면으로 보아도 모든 퍼즐 조각이 다 맞아 떨어지는 명쾌한 해석은 어렵기 때문이다 (아, 환각 버섯으로 인한 사건으로 보면 100% 이해될지도 모르겠다). 글의 마지막 이야기했던 것처럼 만약 '곡성'을 피해자에 대한 위로의 방식으로 본다면 좀 더 이해하기 쉬울 지도 모르겠다. 인간은 어떤 문제에 직면하거나 특히 피해를 입었을 때 그 원인과 이유에 대해 (반드시)정답을 알고자 하는데, 세상에는 왜 이런 일이 벌어지는지 이해하거나 알 수 없는 일들이 벌어지고, 왜 나인지 알 수 없는 일 가운데는 가족을 잃게 되는 끔찍한 일들도 있으며, 피해자들은 결국 의심하고 또 확신하는 것 외에는 아무 것도 할 수 없는 지옥같은 현실에 놓이기도 한다는 것. 나홍진의 '곡성'은 의심과 현혹으로 탄생한 지옥을 그리지만, 그럴 수 밖에는 없었던 피해자들에 대한 위로도 담아낸 작품이었다.



1. 홍경표 촬영 감독이 담아낸 영상미가 인상적이었어요. 오컬트적 요소를 담은 영화 답게 곡성의 아름답고도 서슬퍼런 풍광은 현실과 비현실의 경계를 넘나드는 듯 한.


2. 영화에 대한 평을 보니 호불호가 극과 극으로 나뉘고 있는데, 뭐 둘 다 그럴 수 있는 영화라는 생각이 (물론 그 중에는 아예 잘못 읽고 있는 경우도 있긴 하지만). 영화의 주제와 빗대어 얘기하자면 이미 재미있게 봤거나 재미없게 본 이들이 나중에 평을 나누다가 바뀔 가능성은 제로에 가깝다고 생각해요. 재밌다는 사람이 재미없다는 글을 보는 이유는 '재미없을 리가 없는데'라는 의심을 확인하기 위해서고 그 반대의 경우도 마찬가지일 테니까요. 그래서 이 논쟁에 뛰어 들고 싶다가도 절대 끝날 수가 없는 (답이 없는. 둘다 맞는) 논쟁임을 깨닫고 현혹되지 말아야지 하고 있지요 ^^;;



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  
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  1. BlogIcon 임명자 2016.06.09 05:59

    드디어 내 의심을 종결할 만한 평이 나온 것 같은데요~ 잘 읽었습니다


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4등 (4th Place, 2014)

1등이란 이름아래 스러져 간 소중한 것들에 대해



'해피 엔드 (1999)' '사랑니 (2005)' '은교 (2012)' 등을 연출했던 정지우 감독의 신작 '4등'은 제목에서 알 수 있듯이 1등만을 위해 살아가는 (살아가도록 만드는) 대한민국의 현실에 대한 감독의 질문 이자 대답 같은 작품이다. 부모의 열성적인 지원과 함께 수영을 한 지 2년 쯤 되어 가는 준호는 열심히 하지만 항상 4위를 기록해 부모를 애타게 한다. 부모는 더 좋은 성적을 내고자 준호가 매달을 딸 수 있도록 만들어 줄 코치를 수소문 하게 되고, 전직 천재 수영선수라 불리웠던 광수를 만나게 된다. 아, 영화는 그 이전에 광수의 수영선수 시절 이야기를 먼저 흑백으로 들려준다. 광수가 왜 수영선수를 그만 두게 되었는지에 대한 사건과 그 사건에 얽혀 있는 준호의 아버지 이야기도 함께. 



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정지우의 '4등'이 다루고 있는 이야기를 좁게 보자면 자녀를 어떻게 키울 것인가 하는 교육 방법에 관한 것이다. 영화는 아이를 가르치고 더 잘되도록 함에 있어서 폭력이라는 것이 (사랑의 매라고 불러도 상관없다) 어떤 영향을 끼치고, 무엇보다 그 폭력의 기억이 어떻게 되물림 되는 지를 보여준다. 어린 시절 폭력을 경험한 인물이 나중에 자신도 어른이 되었을 때 문제를 해결하는 방법으로 폭력을 사용하게 되는 점은 한편으론 익숙할 정도인데, 그 인물이 폭력을 어떻게 정당화 하는 가에 있어서 영화가 보여주는 방식은 더 현실적이고 날이 서있다. 자신의 현재를 비관하며 그 때 감독님이나 부모님이 더 강하게 폭력을 써서 라도 본인을 질책하지 않은 것에 대해 후회를 느끼는 장면은, 단순한 폭력의 되물림이 아니라 어린 시절의 폭력이 그리고 이를 둘러싼 사회의 분위기가 어떻게 폭력을 정당화 하고 피해자 스스로를 길들이는지 적나라하게 드러낸다. 


하지만 이 영화가 말하고자 하는 더 큰 메시지는 폭력의 되물림 혹은 기들여짐에 있지 않다. '4등'에서 가장 현실의 문제성을 날카롭게 다루고 있고 한 편으론 모두가 (잘못 되었다는 것을) 알지만 은연 중에 정당화 하거나 숨기고자 하는 불편한 진실은 준호의 엄마 캐릭터에서 아주 잘 드러난다. 준호가 이 경쟁 사회에서 도태되지 않고 살아남는 것을 넘어서서 성공하기를 진심으로 바랐을 준호의 엄마는, 매번 4등으로 매달 권에 미치지 못하는 준호를 더 강하게 만들기 위해 할 수 있는 모든 수단을 동원한다. 그리고 그 수단 가운데는 폭력의 묵인도 포함되게 된다. 준호의 엄마는 준호가 코치인 광수로 부터 폭력을 당한다는 것을 알게 되지만, 그것으로 인해 준호가 성적을 올릴 수 있다면 감수해야 할 것으로 여긴다. 그리고 실제로 그 폭력을 동반한 교육의 방식이 성적 상승으로 이어지게 되는 것을 경험하게 되면서 이 진실은 모두가 알지만 아무도 입밖으로 꺼내려 하지 않는 것이 되어 버린다. 



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그런 준호가 결국 폭력에 못 이겨 수영을 그만 둔 다음 그 잘못된 자식 사랑의 방식이 고스란히 동생에게 이어지는 장면도 공포스럽다. 더군다나 한창 준호의 수영을 지원하던 시절, 절에 가서 사실은 준호가 매달을 딸 수 있도록 하는 것 외에는 준호의 동생은 물론, 가족에 대한 기도는 전혀 없었다는 것을 알 수 있는 장면을 떠올려 봤을 때, 무엇이 준호의 엄마를, 그리고 아이를 둔 가족이라는 존재를 이렇게 한 방향으로만 앞만 보고 질주하도록 만들었는지 답답한 마음으로 질문하게 된다.


영화 '4등'은 생각보다 훨씬 복잡한 영화다. 제목으로 미뤄 봤을 때, 1등만이 인정 받는 세상은 잘못되었다, 매달 밖의 4등도 중요하다. 순위가 무슨 의미가 있는가? 하는 것으로 순진하게 풀어볼 수도 있겠지만, 현실에서 그렇게 하는 것이 얼마나 쉽지 않은 것인지. 또 전반적으로 대한민국 사회가 얼마나 이 경쟁의 분위기에 골이 깊은지도 그냥 넘어가지 않는다. 


나는 언젠가 부모가 된다는 생각을 하게 되면서 부터, 대한민국이라는 사회에서 아이를 키우는 것. 더 직접적으로는 아이의 미래와 경쟁에 뛰어들 것인가 말 것인가 하는 문제에 대해 깊이 고민하게 되었는데, 그러한 고민이 이 영화에도 깊이 자리잡고 있다. 부모로서 아이를 키우는 데에 있어서 어느 선까지 적정한 응원이자 지원이고, 어느 선부터가 강요이자 폭력인지는 결코 쉬운 문제가 아니다. 또한 과정이나 의도와는 상관 없이 그 결과로 인해 아이가 더 나은 기회는 물론, 동등한 출발선에 설 기회조차 얻지 못하게 되는 것이 불보듯 뻔하다면, 부모는 아이를 위해 그 과정의 선함보다는 결과의 나음을 택해야 하는 것인지에 대한 문제는, 어느 누구도 쉽게 답할 수 있는 문제는 아닐 것이다. 


(다음 단락에는 스포일러가 있을 수 있습니다)


영화는 현실에 대한 깊은 이해를 통해 이 쉽지 않은 문제를 충실하게 던진 뒤 자신 만의 대답도 조심스럽게 꺼내 놓는다. 결국 많은 일들을 겪게 된 준호는 코치인 광수가 부모에게 얘기했던 것처럼 그냥 애가 혼자 하도록 놔두는 것을 자의 반 타의 반으로 택하게 되는데, 그렇게 진심으로 자기가 하고 싶은 걸 하게 되자 결국 2등도 아닌 1등을 하게 되는 마지막 장면은 조금 아쉬움이 남는다. 한 편으론 아이가 스스로 하고 싶은 걸 찾아 할 수 있도록 부모가 지켜 보았을 때 가장 좋은 결과를 낼 수 있다는 것으로 이해할 수도 있겠지만, 결국 그 결과로서 '1등'이라는 등수를 보여준 것은 더 큰 아젠다는 해결하지 못하는 한계를 드러낸 장면이기도 하기 때문이다. 더불어 준호가 스스로 수영을 하고 싶다는 결심을 하게 되는 과정에서도 '1등'을 해야 만 하고 싶은 걸 할 수 있기에 꼭 1등을 해야겠다고 말하는 장면 역시, 조금은 다시 제자리로 돌아오는 듯한 아쉬움이 남는 장면이었다. 차라리 대회 장면이 아니라 준호가 정말 하고 싶은 수영을 하기 위해 홀로 수영장을 찾아 자유를 만끽하는 순간을 엔딩으로 했거나, 대회 장면으로 하더라도 순위 발표 이전에 마무리 했다면, '이렇게 하는 것이 진짜 1등을 만드는 것입니다'라는 느낌보다는 '1등도 4등도, 아이들에겐 등수가 중요하지 않아요'라는 느낌을 받을 수 있었을 텐데, 결국 준호가 1등이 되는 마지막은 한 편으론 아쉬운 부분이었다.


(스포일러 끝)



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정지우 감독의 '4등'은 아이를 키우는 부모들은 물론, 대한민국이라는 치열한 경쟁 사회를 살고 있는 모든 관객들에게 '어떻게 살 것인가'에 대한 진지한 고민을 하게 만드는 좋은 작품이었다. 사실 너무 경쟁이 치열하고 조금만 쉬어 가려하면 그 사이에 순위가 바뀌어 버리는 탓에 쉴 틈 조차 없는 현실을 감안했을 때, 그럼에도 진지하게 다시금 어떻게 살 것인가에 대한 고민이 필요하다는 영화의 메시지는, 그 어떤 메시지보다 날카롭고 많은 것들을 생각하게 만드는 질문이었다. 


어떻게 살아가야 할까. 나도 이제 다시 그 출발점에 서 있다.



1. 배우들의 연기가 참 좋더군요. 박해준 배우나 아역인 유재상 군 말고도 개인적으로는 코치를 소개해주는 교회 분으로 등장하는 배우의 연기가 인상 깊더라는.


2. 이런 영화가 더 많은 극장에서 볼 수 있어야 하는데, 안타깝습니다. 적은 상영 횟수라도 꼭 찾아서 관람하시길!



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  
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동주 (The Portrait of A Poet, 2015)

부끄러움이 절실한 시대에 바침


인생은 살기 어렵다는데 시가 이렇게 쉽게 씌여지는것은 부끄러운 일이다.

륙첩방은 남으 나라 창밖에 밤비가 속살거리는데, 

등불을 밝혀 어둠을 조금 내몰고,

시대처럼 올 아침을 기다리는 최후의 나

나는 나에게 작은 손을 내밀어 눈물과 위안으로 잡는 최초의 악수.

(윤동주 - 쉽게 쓰여진 시 中)


이준익 감독의 '동주'는 나라를 빼았긴 암흑과도 같았던 시절을 배경으로 애국심을 이야기하고자 하는 영화가 아니다. 독립운동이라는 숭고한 행동에 대해서도 또한 일제 강점기 라는 시대적 배경에 대해서도 조심스레 한 발 물러서 있는 이야기다. 그리고 그 중심에는 윤동주라는 청년이 있다. 시를 통해 자신의 이야기를 하고 싶었던 한 청년의 이야기. 그렇게 영화 '동주'는 물러설 곳이 없었던 어두운 현실 한 가운데 있었던 청년 윤동주와 송몽규의 이야기를 들려줌에 있어 시대 정신을 소홀히 하지 않으면서도 문학적인 내러티브로, 마치 윤동주의 시와 같은 쓸쓸함을 머금은 공기를 전한다.



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그리고 한 사나이가 있습니다. 어쩐지 그 사나이가 미워져 돌아갑니다. 

돌아가다 생각하니 그 사나이가 가엾어집니다. 도로 가 들여다보니 사나이는 그대로 있습니다. 

다시 그 사나이가 미워져 돌아갑니다. 돌아가다 생각하니 그 사나이가 그리워집니다.

(윤동주 - 자화상 中)


영화 '동주'는 우리에게도 익숙한 윤동주의 시 구절을 내러티브로 활용한다. 영화 속 장면과 시의 구절이 뜻하는 바가 실제로 반드시 맞아 떨어지는 것은 아니지만, 그런 착각이 들도록 하는 것을 주저하지 않을 정도로 영화는 윤동주의 시 한 구절 한 구절의 힘을 관객에게 최대한 가슴 깊이 전달하고자 한다. 문학 장르 가운데서도 '시'라는 형태는 가장 쉬운 방식인 동시에 가장 그 깊이를 다 소화하기 어려운 문학이기도 한데, 영화 '동주'를 보고나면 실제로 학창시절 별다른 생각 없이 혹은 그저 문장의 아름다움 만으로 읽었던 윤동주의 시에 대해 조금이나마 가슴으로 느낄 수 있게 해준다. 설령 그 구절이 영화가 만들어 낸 것과는 다른 심정으로 쓰여졌다해도 말이다. 그 지점이 영화 '동주'의 첫 번째 의미다. '시'가 죽어버린 시대에 '시'를 통해 자신을 표현하고자 했던 윤동주를 다른 요소를 최대한 섞지 않고 그려내고자 한 점. 그것은 아마도 박정민이 연기한 송몽규라는 인물을 비중있게 다루게 되면서 윤동주라는 인물을 좀 더 시대의 그림자처럼 그려낼 수 있는 공간이 생겼기 때문일 것이다. 앞서 언급했던 것처럼 '동주'는 그저 시집을 내고 싶었던 청년 윤동주의 심정과 그로 인해 느껴야 했던 부끄러움을 묘사하면서도 동시에 일제 시대라는 무시하려해도 할 수 없는 시대의 문제와 그 시대를 독립운동이라는 정신으로 이겨내고자 했던 이들의 숭고함도 가볍게 다루지 않는다. 어느 한 편으로 기울었다면 결코 좋은 작품이 되기는 힘들었을 영화였을 텐데, 이준익 감독은 균형점을 찾는 것에 성공했다.



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죽는 날까지 하늘을 우러러 한 점 부끄럼이 없기를.

잎새에 이는 바람에도 나는 괴로워했다. 

별을 노래하는 마음으로 모든 죽어가는 것을 사랑해야지

그리고 나한테 주어진 길을 걸어가야겠다. 

오늘 밤에도 별이 바람에 스치운다.

(윤동주 - 서시 中)


영화 '동주'가 말하고자 했던 건 결국 부끄러움에 관한 것이다. 부끄러워 한다는 것. 부끄러움을 안다는 것. 윤동주의 이야기를 지금에 와서 다시 꺼내고자 했던 이유는 어쩌면 그 부끄러움 때문이었을 것이다. 일제 시대가 그랬던 것처럼 한 개인이 할 수 있는 일에는 분명 한계가 있을 수 밖에는 없을 것이다. 힘이 없고, 앞이 보이지 않고 그래서 두려워서 그저 닥친 현실과 벌어진 정의롭지 못한 일들에 대해 모른척 하거나 무시하려 자기 합리화를 했을지도 모른다. '동주'는 바로 그런 자들, 이런 저런 이유들을 들어 그럴 수 밖에는 없다고 스스로를 속여가며 못 본척 하는 이들에게 보내는 뼈저린 부끄러움에 관한 이야기다. 그리고 최소한의 부끄러움조차 느끼지 못하는 현실에게 보내는 과거로부터의 메시지다. 꿈을 꾸는 것조차 사치처럼 느껴졌던 시대에 시인이라는 작은 꿈을 꾸었던 윤동주가 거대한 시대 앞에서 죽음으로 느껴야만 했던 부끄러움. 그 부끄러움을 통해 과연 현재의 우리는 얼마나 부끄러움을 안다고 말할 수 있는 가를 되묻는다. 그리고 최소한 부끄러워는 해야 할 양심은 가져야 하는 것이 아닌가 하고 묻는다. 윤동주라는 한 청년의 짧은 삶과 그가 남긴 시를 통해서.



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이 영화를 보며 많은 것들에 대해 부끄러운 마음이 들지 않을 수 없었다. 우리 최소한 부끄러워 하자. 그것이 시인 윤동주의 삶이 우리에게 전하는 절실한 외침이다.




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  
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내부자들 : 디 오리지널

3시간이 지루하지 않은 감독판



이미 지난 11월 개봉해서 청소년 관람불가 등급 영화로는 상당한 흥행 성적을 거두고 있는 우민호 감독의 '내부자들'이 무려 50분 분량이 추가 된 '디 오리지널'이라는 이름의 감독판으로 다시 개봉했다. 만약 이 영화를 아직 보지 않았다면 고민할 것 없이 '디 오리지널'을 선택했을테지만, 이미 2시간 10분 버전의 '내부자들'을 보았고 아주 만족하지는 않았던터라 이 감독판을 볼 것인가 말 것인가 고민이 들었었는데, 우연한 기회에 (다른 영화를 보러 갔다가 극장을 잘 못 찾아가서 시간이 되는 영화를 고르다보니)결국 이 3시간 분량의 감독판을 다시 보게 되었다. '내부자들'에 대한 전반적인 리뷰는 지난 글을 참조하고, 이번에는 간단하게만 소감을 추가하고자 한다.




내부자들 _ 뜨거운 연기로 살려낸 암울한 현실 - 리뷰 보기




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1. 추가 된 분량의 대부분은 안상구 (이병헌)와 이강희 (백윤식)에 관한 내용으로 특히 안상구가 어떻게 이강희를 형님으로서 믿게 되었는지에 대한 부분이 강조되었고, 이강희를 중심으로 한 조국일보의 기획회의 부분이 새롭게 추가되었다. 일반판을 보고 가장 아쉬웠던 것은 내러티브에 대한 완성도가 부족하다는 점이었는데, 충분한 시간을 부여 받은 감독판에서는 이러한 부족한 점이 확실히 보완된 느낌이었다.


2. 전체적으로 내러티브의 완성도가 높아지다보니 3시간이라는 긴 러닝 타임은 물론, 이미 그 가운데 2시간 10분의 내용을 보았음에도 지루하다는 느낌 없이 감상할 수 있었다. 특히 오프닝을 조상구의 인터뷰 장면으로 시작한 것이 좋았고, 추가된 장면에 권력자들의 과한 접대 장면이 더 추가되지 않은 것도 마음에 들었다. 그 정도면 이미 충분했기에.


3. '디 오리지널'에서 가장 마음에 들었던 장면은 조국일보를 배경으로 편집위원(?) 5인이 참여하는 기획회의 혹은 밀실회의 장면이었다. 이 장면은 본편에서 아예 빠져 있던 시퀀스였는데, 그렇다보니 여기에만 등장하는 배우들은 아예 첫 출연이나 다름 없었다. 이 중에는 동룡이 아버지이자 학주 역할을 맡았던 유재명 배우도 있었다. 그리고 이 장면은 명백히 '팅커 테일러 솔저 스파이'의 오마주이기도 했다.



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4. 그리고 메시지가 더 직접적이었다. 이전 리뷰를 하면서 말미에 '과연 우장훈이 강 건너로 가지 않을까?'라고 했었는데, 이번 감독판에서는 영화가 끝나고 이강희의 전화 통화 장면이 추가되었는데, 여기서 더 직접적으로 암울한 현실에 대한 메시지를 전달한다. 관객들을 더 불편하게 만드는 이 마지막은 아마 '내부자들'이 가장 말하고자 했던 추악한 현실에 대한 메시지일 것이다.


5. 감독판에서도 달라지 않은 두 가지가 있는데 하나는 이병헌을 비롯한 배우들의 연기력이 끝내준다는 점이고, 다른 하나는 라면이 먹고 싶어진다는 점이다.




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  
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