the Real Folk Blues

제 2회 씨네아트 블로거 정기 상영회가
11월 29일(토) 저녁 8시에 아트하우스 모모에서 개최됩니다.

약 일주일 간의 블로그 방문자 투표 결과
최종 상영작은 <쥴 앤 짐 Jules et Jim>으로 결정되었습니다


투표 초반에는 <메멘토>가 앞서 나가다가
<불안은 영혼을 잠식한다>와 <쥴 앤 짐>이 경합을 벌인 결과
<쥴 앤 짐>이 40%라는 높은 지지율로 최종 선정되었습니다.

<불안을 영혼을 잠식한다>에 투표해 주신 많은 분들께서는
아쉽지만 다음 번 상영을 다시 기대해 주시기 바랍니다.

씨네아트 블로거 정기 상영회는
관객들이 영화를 직접 고르고, 함께 보고, 이야기하는
새로운 컨셉의 상영회입니다.

또한 유명인사나 평론가 없이, 블로거들과 관객들이 동등한 시각에서
그리고 편안한 마음으로 영화에 대한 감상을 교류할 수 있는
색다른 씨네토크도 함께 진행됩니다.

제 1회 상영회 관련 공지 포스팅 보기
제 1회 상영회 후기 포스팅 보기

제 2 회 상영회 관련 공지 및 투표 포스팅 보기

제2회 정기 상영회 후보작 다섯 편과
최종 투표 결과



======== 씨네아트 블로거 환빛님의 추천의 글 =======

저 에게 <쥴 앤 짐>은 연애를 다룬 영화들 중에서 가장 최고라고 생각되는 영화입니다. 누벨바그의 거장 프랑수아 트뤼포가 창조한 삼각 관계 로맨스에서 절친한 친구 사이인 쥘과 짐은 카트린이라는 한 이상적인 여인과 사랑에 빠지게 됩니다. 누벨바그의 여신이라고도 불리는 잔느 모로가 맡은 카트린은 자유롭고 솔직한 성격의 캐릭터로, 영화 속에서 그 무엇보다도 매혹적인 존재입니다. 하지만 그들이 나누는 사랑에서 달콤하고 행복한 부분만을 발견할 수 있는 것은 아닙니다. 오히려 <쥴 앤 짐>은 사랑이란 소유할 수도 없고, 공유할 수도 없는 것이라는 성찰을 통해 사랑의 씁쓸한 단면도 함께 생각하게 만듭니다. 또한 이 영화에서 주목해야 할 것은 세 사람이 달리는 유명한 장면으로 대표되는 영화 속의 아름다운 영상미입니다. 실험적인 촬영 기법에 기반한 독특한 스타일 때문에 오랜 시간이 흘렀지만 아직도 세련되고 재미있는 고전이라고 할 수 있습니다. <쥴 앤 짐>을 다시 보면서 다른 분들과 함께 사랑에 관해 이야기하고 싶습니다.


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지난 번 제 1회 상영회에 이어 이번 달엔 제 2회 상영회가 열리게 되었습니다.
1회 상영회에서는 <원더풀 라이프>가 블로거 분들의 가장 높은 지리를 받아 상영작으로 선정되었었는데요,
이번 2회 상영회에서는 프랑수아 트뤼포의 고전 로맨스 영화인 <쥴 앤 짐>이 선정되었습니다.
(제 1회 씨네아트 블로거 상영회 후기 보기)

개인적으로는 올해 서울아트시네마에서 열린 '2008 시네마테크의 친구들'영화제를 통해 관람을 했었는데요
(당시 짧은 리뷰 보기), 리뷰에서 보시는 것 처럼 저 개인적으로는 이 영화에 대해 100% 소통을 이루지 못한 경우였기 때문에
이번 상영이 한 편으론 더욱 기대가 되기도 하네요. 영화란 언제 어느 개인적 시점에서 관람하느냐에 따라서도
상당히 다른 인상을 남기기 때문이겠죠.

지난 1회 때는 제가 영화 포스터 일부를 보고 제목을 맞추시는 퀴즈를 통해 초대권을 나눠드렸었는데요(관련 포스트보기)
당시 주변의 의견들을 종합해보면, 생각보다 문제가 어려웠다라는 의견이 많았습니다.
그래서 초대권을 나눠드리려는 의도가 오히려 조금 퇴색된 듯한 느낌이 있어서 이번에느 매우 쉽고 간단한 문제를
준비하였습니다. 더군다나 지난 번 상영회는 금요일 저녁이라 보고 싶어도 신청 못하시는 분들이 상당히 많았었는데,
이번에는 토요일 저녁에 상영되는터라 좀 더 많은 분들이 오실 수 있으실지 않을까 생각합니다.

이번 주 토요일(11월 29일) 8시, 이화여자대학교 내에 위치한 아트하우스 모모에서 열리는
제 2회 씨네아트 블로거 상영회(상영작 <쥴 앤 짐>)에 참여하고자 하시는 블로거 분들께서는
비밀 덧글로 신청을 해주세요.

앞서 말씀드린 간단한 문제는 이 영화의 감독인 '프랑소와 트뤼포'의 다른 작품 제목을 아무거나 하나씩만
적어주시면 됩니다. 이 글에 비밀 덧글로 프랑소와 트뤼포의 다른 영화제목 한가지와 닉네임과 핸드폰 번호 뒷자리 4번호를
남겨주시면 당첨과 더불어 상영회 당일날 매표소에서 본인 확인뒤 초대권으로 교환해 드리도록 하겠습니다.
아, 초대권은 총 10장인데요, 혼자 오시는 분들도 계시고 두분이서 오시는 분들도 계시므로 꼭 몇 매를 원하시는지
남겨주시면 감사드리겠습니다.
마지막으로 정리해드리자면, 비밀 댓글을 남기실때

- 프랑소와 트뤼포의 다른 영화 제목 한가지
- 닉네임 / 핸드폰 번호 뒷자리 4번호 / 원하시는 초대권 매수 (최대 2매)

를 남겨주시면 제가 리플로 확인해드리도록 하겠습니다. 제가 확인하고 덧글을 작성할 때 영화제목을 언급할 것임으로
중복될 일은 없을 것 같네요.

혹시 궁금하신 점이나 다른 의견있으시면 이 글에 덧글로 주시면 감사드리겠습니다.
벌써부터 당일날 보게 될 영화와 영화 후 갖게될 블로거 상영회 만의 '씨네토크'가 어떻게 또 진행될지
기대가 되네요~~

눈먼 자들의 도시 (Blindness, 2008)
눈뜬 자들의 삶은 과연 행복한가?

노벨 문학상을 수상하기도 했던 작가 '주제 사라마구(Jose Saramago)'의 동명 소설을 원작으로 하고 있는
<눈먼 자들의 도시>는 개봉 전, 아니 영화화가 결정되었다는 소식이 전해졌을 때 부터 많은 영화팬들과 원작 소설 팬들이
기대를 모았던 작품이었습니다. 주제 사라마구의 원작 소설은 베스트셀로로서 이미 많은 이들에게 읽혀져 깊은
인상을 남긴 작품이었고, 영화화에 참여하게 된 감독과 배우들의 면면이 충분히 기대해볼 만한 라인업이었기에
영화 팬들은 기대를, 소설을 읽었던 팬들은 기대와 우려를 동시에 갖게 했었더랬습니다.

저는 개인적으로 소설을 원작으로 한 영화들 가운데 소설을 먼저 읽었던 경우가 극히 드문
케이스였는데, 이번 <눈먼 자들의 도시>의 경우는 바로 그 '드문'케이스 중 하나였습니다.
우연히 오랜만에 심도이는 소설을 읽고 싶다는 생각에 무작정 서점에 들러 눈에 띄는 책을
고르게 되었고, 그 책이 바로 하얀 표지의 '눈먼 자들의 도시'였죠
(참고로 역시 주제 사라마구가 쓴 '눈뜬 자들의 도시'라는 소설이 있는데,
이는 '눈먼 자들의 도시' 이야기에서 시간 상 4년이 흐른 뒤의 시점에서 시작되는
또 다른 얘기라고 합니다. 서점에 갔었을 때 두 권을 다 사려다가, 일단 먼저 나온
'눈먼 자들의 도시'부터 사게 되었죠).

이 소설은 개인적으로 읽으면서 참 영화화 할 만한 소지가 다분한 작품이라는 걸
어렵지 않게 느낄 수 있었는데, 동시에 영화화 하기가 쉽지는 않겠다는 생각이 드는
작품이기도 했습니다. 아마도 이를 잘 알고 있었던 주제 사라마구는 그래서 쉽게 소설의
영화화를 허락하지 않았던 것이겠지요.
  (소설 - 눈먼 자들의 도시)




영화화가 결정되고 나서 감독과 배우들의 캐스팅 소식을 들었을 때에는, 이 정도면 충분히 훌륭하다고 생각되었습니다.
그도 그럴것이 <콘스탄트 가드너> <시티 오브 갓>으로 메시지를 전달하는 능력은 물론, 무거운 이야기를 진중하게 이끌어
가는 재능을 가진 페르난도 메이렐레스 감독이 연출을 맡았다는 것 만으로도 일단 원작에 현저하게 못 미치는 영화는
나오지 않겠구나 하는 믿음을 갖을 수 있었죠. 또한 제가 가장 좋아하는 여배우 중 한 명인 줄리안 무어가 주연을 맡았다는
소식은 무엇보다 이 영화를 기대하게 하는 가장 큰 이유였습니다(재미있는건 누가 캐스팅 되었는지 모른 상태에서 소설을
읽으면서 여자 주인공인 의사 부인 역할로 줄리안 무어가 제일 잘 어울리겠다고 생각했었다는 거죠. 그래서 실제로
그녀가 캐스팅 되었다는 소식을 들었을 때 사뭇 놀라기도 했었죠 ;;).

줄리안 무어 외에 캐스팅된 배우들 중에는 가엘 가르시아 베르날의 출연이 가장 반가웠고,
<이터널 선샤인>과 <조디악>에서 인상적인 연기를 펼쳤던(특히 조디악!) 마크 러팔로도 워낙에 좋아하는 배우라 그랬었고,
 <혐오스런 마츠코의 일생>과 <허니와 클로버>에서 만났었던 이세야 유스케의 출연도 반가웠습니다.
물론 대니 글로버의 든든한 출연과 최근 윌 스미스와 함께 출연했던 <나는 전설이다>를 통해 만날 수 있었던
앨리스 브라가의 모습도 반가웠구요.

이런 기대 요소들이 있었기 때문에 소설을 원작으로 한 영화의 99%는 원작 소설보다 덜한 감동과 여운을 준다는
통계적 우려를 적잖이 물리치고(원작을 먼저 읽은 경우가 그리 많지는 않지만, 저 나머지 1%에 속하는 영화를
꼽으라면 '반지의 제왕' 정도만을 꼽을 수 있겠네요;), 영화 <눈먼 자들의 도시>를 개봉일에 감상하게 되었는데
결론적으로는 99% 법칙이 그대로 통한 영화라고 할 수 있겠네요. 소설을 이미 읽어버린 나머지 영화를 원작과 비교하면서
볼 수 밖에는 없었는데, 소설과 비교해 많은 아쉬움이 남았던 영화였습니다.




(이후부터는 영화의 내용에 관한 스포일러가 있을 수 있으니 아직 보시지 않은 분들께서는
맨 마지막 단락으로 과감히 이동해 주세요)






영화를 보는 내내 들었던 점은, '만약 내가 소설을 읽지 않고 영화를 봤더라면 어떤 느낌을 받을 수 있었을까?'하는
궁금함이었습니다. 소설을 이미 봐버린지라 비교할 수 밖에는 없었는데, 소설과 비교해 너무도 빠른 전개는 아쉬움을 넘어서
조금 당황스럽기까지 하더군요. 특히 초반 주요인물들이 눈이 멀고 수용시설에 모이게 되는 부분도 너무 빨리 전개가
되었고, 수용소 안에서 대표나 배식을 타기 위해 벌어지는 일들이 너무 급작스럽게 시작된다는 느낌을 받을 수 받게는
없더군요. 물론 그렇다고해서 단순히 시간을 늘려서 배분하면 좋았을 것이라는 것 보다는, 핵심만 짚 되 소설 속에서
잘 표현되었던 바로 그 공간의 지옥같은 느낌, 이 느낌이 제대로 우려나기도 전에 정리해 버렸다는 기분이었습니다.

소설을 읽어보신 분들은 공감하시겠지만, 주인공들이 처하게 된 상황이 단지 눈이 멀어서 라기 보다는 그로 인해
벌어지는 수용시설 안의 지옥 같은 환경 때문인데, 이 환경적인 요소를 오히려 더 영화적으로 오버해서 표현했어도
나쁘지 않았을 거라는 생각이 들 정도로, 조금은 건조하고 스피디하게 진행이 되더군요. 핵심적인 사건들은 영화에서도
보여주고 있지만, 그 앞 뒤의 분위기를 한 두 장면 만으로 스치듯 표현하다보니 극적인 상황을 그릴 때 조차 그 몰입감이
조금 떨어지는 결과를 낳았다고 볼 수 있을 것 같네요. 물론 배식을 타기 위해 여성을 성적인 도구로 바치게 되는
그 장면의 지옥 같음은 눈을 찌푸리고 귀를 막고 싶을 정도로 불편하게 표현되었지만, 반대로 3병동의 남자들이
그런 권력을 갖게 되는 순간이 조금은 어이없게 그려진 것도 같고 아쉬움이 남더군요.




인물들 간의 관계 설정에 있어서도 조금은 단편적으로 그려진 것 같습니다(뭐 이 모든것이 축약할 수 밖에 없는 영화화의
숙제라는 점에서 어쩔 수 없는 부분으로 이해할 수도 있겠지만요). 소설 속에서는 수용시설 안에서 의사와 의사의 아내,
그리고 썬글라스를 낀 여자와 애꾸눈의 흑인노인과의 관계(이 부분에 대한 묘사는 사실상 마지막에 단 한 번 밖에 없었다는
것이 아쉽더군요. 영화만 보면 너무 갑작스럽게 느껴진터라), 그리고 아이가 썬글라스를 낀 여자에게 얼마나 의지하는지에
대한 묘사도 조금 아쉬웠구요(뭐 관계를 새로 설정했다고 말하신다면 할말은 없습니다만, 영화를 보면 새로 설정까지는
아니라고 보여집니다).

원작자인 주제 사라마구는 영화화에 부탁하기를 '눈물 핥아주는 개'는 반드시 포함시켜야 한다는 것 외에는 별다른
구체적 주문은 하지 않았다고 하는데, 이 '눈물 핥아주는 개'가 영화에서 등장하는 장면도 상당히 의외의 반응을 불러오는
결과를 만들더군요. 소설을 읽으면서는 이 개를 단 한 번도 공포의 존재로 생각해보지 않았던 것 같은데, 영화에서는
사람의 시체를 먹는 개들의 무리가 등장한 뒤 바로 이어서 이 개가 등장하기 때문에, 줄리안 무어의 뺨 쪽으로 이 개가
얼굴을 들이밀 때 '줄리안 무어를 깨무는 건 아닐까'하는 생각들 때문에, 대부분의 관객들이 공포의 탄성을 내뱉게
되었거든요. 소설을 읽으면서는 생각해볼 수 없었던 구성과 반응이라 한 편으론 재밌기도 했습니다.




주제 사라마구가 이 작품을 통해 표현하려고 했었던 것은 물론 '눈이 멀게 되면 어떻게 될까'가 아니라,
'우린 지금 제대로 눈을 뜨고 살아가고 있는가'하는 것에 가깝겠지요. 소설 속에서는 이러한 메시지를 효과적으로 전달하기
위해 중간중간 의사 아내의 독백들이 등장합니다. 혼자만 볼 수 있는 존재인 의사 아내는 눈먼 자들의 비인간적이고 이기적인
행동들을 모두 눈으로 목격하고 스스로도 처음에는 자신 만이 볼 수 있다는 것을 드러내고 이들을 도와야 겠다고
생각하지만, 남편의 만류와 전개되는 상황들 속에 결국 그녀도 자신 만의 볼 수 있는 특권을 자신의 남편, 그리고 몇몇 동료들
즉 어떤 집단의 생존과 이익을 위해 활용하는 것 이상으로는 발전시키지 않는, 안주하는 상태에 이르게 됩니다.
물론 그녀는 한 편으로는 배식을 위해 여성들이 나서야 할 때 제일 먼저 나서기도 하고, 남편의 만류에도 다른 사람들을 돕기
위해 바쁘게 노력하긴 하지만, 마지막에 다른 이들이 하나씩 시력을 회복하게 될 때 그녀가 흘린 눈물의 의미는,
'이제 해방이다' '다들 돌아와서 다행이다'라는 것 보다는, '홀로 눈뜬 자였던 내가 과연 역할을 다 했는가' 또는
'나는 눈뜬 자로서 과연 눈먼 자들에 비해 행복했는가'를 자문했을 때 그렇지 않았다는 것을 깨달았기 때문이라고
생각됩니다. 눈먼 자들의 우화 같은 이야기를 통해 반대로 눈뜬 자들은 과연 행복한가 라는 것을 묻는 것이 주제 사라마구가
던진 화두이자, 이 답변이 그가 말하고자 하는 메시지라고 할 수 있을 것 같습니다.




주인공이라 할 수 있는 의사의 아내 역할을 맡은 줄리언 무어의 연기는 역시 흠잡을데 없습니다. 이 이야기를 계속 이끌어
가는 원동력은 누가 뭐래도 그녀의 지친 얼굴과 힘겨운 걸음걸음 이니까요. 그녀는 참 여배우로서 쉽게 포기하기 어려운
부분을(뭐 쉽게 얘기하면 이뻐보이는 요소랄까요) 연기를 위해서는 과감하게 포기해버리는 배우라는 것을 다시 한번
깨닫게 되는 영화였는데, 거의 화장기 없이 그녀의 주근깨 가득한 피부가 심할 정도로 묘사되고 있는 것도 그렇고,
피폐한 상황에 놓이게 된 것을 감안하더라도 다른 캐릭터들에 비해 배우가 이를 표현하는 방식이 훨씬 과감하고
높은 수준이라는 걸 느낄 수 있었습니다(썬글라스 쓴 여자나 일본 여자배우만 봐도 똑같은 상황에 처해 있으나,
줄리안 무어처럼 이른바 '망가지지'는 않죠).

극중 줄리안 무어의 남편인 의사 역할로 출연하고 있는 마크 러팔로는 흠잡을 데는 없으나, 그렇다고 열연이라고 까지
얘기하기엔 부족한 평균적인 수준이라고 볼 수 있겠네요(연기에 수준 논하는 것이 우습기는 하나, 딱 어울리는 표현이 생각나지
않아 부득이하게 사용하였습니다). 사실 마크 러팔로도 그렇고 대니 글로버도 그렇고 그리 비중이 크지 않은 조연 캐릭터들이라
크게 튀지도 않지만 크게 인상적이지도 않은 정도라고 할 수 있을 것 같습니다.

개인적으로 좀 아쉬웠던 건 가엘 베르시아 베르날이 연기한 캐릭터였는데, 소설 속에서 표현되었던 캐릭터와는 달리
이렇다할 포스가 느껴지지 않고 공포스러움도 덜한 '약한' 캐릭터였던 것 같습니다. 가엘 가르시아 베르날의 키가 작은 것이
작용했을 수도 있겠지만 그걸 제외하더라도 조금은 전체적으로 아쉬웠던 캐릭터와 연기였던 것 같습니다.

아, 음악에 대한 점을 빼놓은 거 같아 마지막으로 언급하자면, 후반 부의 음악은 그나마 조금 괜찮았으나,
초반 인물들이 눈이 멀게 되고, 수용소로 오게 되고, 거기서 일들을 겪게 되는 부분에서 흐르는 음악은 조금은 어울리지
않는 듯한 느낌이었습니다. 더 우울하고 답답함을 강조한 음악이면 좋을 듯 한데, 조금은 장난스럽고 너무 리듬감을
주고 있는 음악이라 개인적으로는 어울리지 않는 옷을 입은 듯한 느낌이었습니다.

결론적으로 소설을 먼저 읽은 입장에서는 좋은 점 보다는 아쉬운 점이 더 많았던 영화 <눈먼 자들의 도시>였습니다.
서두에도 남겼듯이 과연 소설을 읽지 않은 입장에서 이 영화를 보게 되면, 소설을 읽으면서 처음 느꼈던
생각과 감정들을 고스란히 느낄 수 있었을지가 궁금해집니다.



1. 산드라오가 거의 까메오 수준으로 등장하더군요. 그녀가 맡은 직책이 직책인지라 좀 더 비중이 있을 줄
    알았는데, 그냥 까메오로 그쳤다는(물론 첨에 나오고, 조금 지나서 다시 나오긴 하지만요).

2. 눈먼 자들이 가득한 도시의 풍경은 CG보다는 실제 거리를 통제하고 촬영했다고 하는데, 분위기는 좋았으나
    좀 더 '눈먼 자들'을 거리에 많이 좀비처럼 배치하여서 피폐해진 도시의 모습을 극적으로 보여주었으면
    어땠을까 하는 생각이 드는군요.

3. 이제 '눈뜬 자들의 도시'를 읽어봐야 겠습니다.

렛 미 인 (Let The Right One In, Lat Den Ratte Komma In, 2008)
고혹적 아름다움의 러브 스토리

<렛 미 인 (Let the Right One In)>은 개봉 전부터 많은 화제를 불러 모았던 흔치 않은 스웨덴 영화였습니다.
시사회를 통한 평론가들의 별점 평가에서 대부분 만점에 가까운 찬사를 받기도 했고, 많은 영화팬들이 평점을 비교할 때
많이 찾는 사이트 중 하나인 로튼토마토에서 100점 만점을 기록했다는 말들은, 이 영화가 헐리웃 영화가 아니라는 점에서
더더욱 관심을 갖게 되는 평가들이었습니다. 특히나 로튼토마토 100점 만점이라는 것은 그 '신선도'가 신선하다 못해
생소하다는 것인데, 영화를 보고 나니 이 평가들이 결코 크게 오버된 것들은 아니었구나 하는 생각을 절로 하게 되더군요.
알려졌다시피 <렛 미 인>은 뱀파이어 소녀(여기엔 소녀라고 썼지만 이후에 다시 정리하도록 하겠습니다)와 따돌림 당하는
인간 소년의 애틋한 이야기를 그려나가고 있는데, 이 둘이 서로에게 표현하는 대사나 몸짓 하나하나가 아름답고,
이 둘을 둘러싸고 있는 스웨덴 북부 도시의 눈덮인 고요한 풍광이 또한 너무 아름답더군요.
앞으로는 스포일러가 가득 담긴 글이 될테니 결론부터 얘기하자면, 요 근래 본 영화들 가운데서는 가장 깊은 인상을 준
수작이었으며, 아마도 <판의 미로>의 경우처럼 오랫동안 장면과 캐릭터의 표정들이 기억에 남을 영화가 될 것 같네요.



(이 후로는 영화에 대한 스포일러가 있습니다. 아직 영화를 보지 않으신 분들께서는 과감히 맨 마지막 문단으로
이동해 주세요~)




12살 소년인 주인공 오스칼은 이혼한 엄마와 둘이 살고 있고, 아버지와는 가끔 만나며 학교에서는 친구들에게 지속적으로
괴롭힘을 당하는 이른바 '왕따' 소년입니다. 대부분의 따돌림을 당하는 아이들의 특징처럼 오스칼 역시 계속 괴롭힘을
당하긴 하지만 단 한 번도 그 앞에서는 반항하지 못하고, 아무도 없는 집 앞 정글짐 앞에서나 나무에 대고 칼로 자신을 괴롭힌
친구를 상상하며 소심하게 욕구를 분출하는 외로운 소년이죠.
이 외로운 소년의 옆 집에 어느날 누군가 이사를 오게 됩니다. 아버지로 보이는 남자와 함께 이사온 이엘리가 바로 그 주인공인데,
눈이 깊게 덮힌 추운 날씨임에도 맨발과 반팔 차림으로 나타난 이엘리와 오스칼은 조금씩 서로에게 편안함을 느끼기 시작합니다.

따돌림 당하고 친구 하나 없이 외로움에 익숙해져 있던 오스칼은, 조금은 이상해 보이는 이엘리 이지만 처음으로 자신과
마음을 나눌 수 있는 '친구'로서 받아들이고 빠르게 이엘리에게 깊은 관심을 갖게 됩니다. 이엘리 역시 뱀파이어로서
아버지로 보이는 (계속해서 '아버지로 보이는'이라고 표현하는 것은 극중에서 이 인물에 대한 명확한 묘사가 없기 때문이기도
합니다. 원작을 보니 성도착자에 가깝게 그려졌다고 하는데, 영화에서 역시 완벽한 아버지의 모습이라기 보다는 약간
애정 관계에 있는 듯도 하고, 100% 명확하지는 않거든요;;하지만 여러가지 정황상 이 남자 역시 한 때는 오스칼 같은 소년이었고, 오스칼 역시 미래에는 이 남자처럼 되지 않을까 하는 것이 가장 유력하다고 할 수 있겠네요)남자가 인간들을 죽이고
가져오는 피로 계속 생존을 위해 하루하루를 보내고 있던 외로운 삶 속에서, 처음으로 마음을 나눌 만한 상대를 만났다는
생각에 오스칼에게 깊은 애정을 갖게 되구요. 이렇게 지금까지 외로운 삶 속에 놓여있던 이 두 존재는, 처음으로 서로를
나눌 만한 존재가 등장했다는 생각에 그 어느 친구들간의 우정이나, 그 어느 연인들 간의 애정보다도,
서로에게 헌신적인 존재가 되려합니다.




여기서 이엘리가 과연 남성인가 여성인가, 혹은 중성인가 하는 의문이 드는데, 아무래도 영화의 전체적인 분위기나 일부 대사를
통해 '소녀'로 묘사되고 있기는 하지만, 꼭 그렇다고 볼 수는 없을 것 같습니다. 또는 이 둘의 관계를 단순히 남녀 간의
로맨스로만 본다면 영화를 반 밖에 보지 못한 것이라고 얘기할 수도 있을 것 같구요. 특히 오스칼이 이엘리는 받아들이는 것에
있어서 단순히 '여자친구'로 의식했다기 보다는(물론 대사에는 '여자친구가 되어줄래?'가 있긴 하지만 말이죠),
단순한 우정이나 사랑을 초월한, 서로간의 존재로서 존재를 느끼고 의지하는 것으로 이해하는 것이 더 맞다고 생각됩니다.

이엘리 역시 처음에는 단순히 오스칼이 '여자친구'이기만을 원하는 것 같아 '여자친구'가 되려하지 않지만, 오스칼이 말하는
'여자친구'가 되어도 지금의 관계가 전혀 달라지지 않는 다는 말을 듣고는 오스칼이 원하는 '여자친구'가 되기로 결심하는 것이죠.
사실 이엘리가 오스칼에게 자신이 뱀파이어라는 것을 들키게 된 이후에, 오스칼에 행동들은 약간은 클리셰에 가까운 행동들을
취하게 되는데, 이것은 전형적인 것이라기 보다는 오스칼이 12세 소년이라는 점에서 아직 불완전한 소년의 감성으로 이해할 수
있을 것 같습니다. 이상하다고는 생각했지만 뱀파이어라는 것 까지는 알지 못했던 오스칼은, 이엘리가 뱀파이어라는 사실에
잠깐 놀라긴 하지만 자신의 삶으로 돌아와 다시 한번 무관심과 외로움을 느낀 다음에는 바로 이엘리에게 달려가게 되죠.
이 이후에 초대받지 못한채 오스칼에 방에 들어오게 된 이엘리가 온몸으로 피를 쏟아내는 고통을 스스로 선택하게 된 걸
보게 되면서, 오스칼 역시 완전히 이엘리의 존재를(이엘리가 뱀파이어라는 사실이 더 이상 크게 중요하게 되지 않은거죠)
받아들이게 되죠. 이렇게 외롭게 지내던 두 아이들이 서로에게 마음을 열고 서로를 알아가고 관계를 형성해 가는 이야기를
영화는 참으로 아름답고 절제된 방식으로 표현해 냅니다. 여기에는 그들의 대사가 영어로 이루어지지 않았다는 것도
약간에 몫을 한 것 같구요. 스웨덴어가 주는 발음의 느낌도 이 이야기를 더욱 동화스럽고 신비스럽게 만드는 것 같네요.




이 영화는 뱀파이어 영화라고 보기는 어렵지만, 그래도 공포스러운 분위기가 분명히 존재하고 뱀파이어 만의 특징을
엿볼 수 있는 장면들도 제법 여러 번 등장합니다. 특히 병원 벽을 거슬러 올라가는 장면이라던가, 이엘리에게 물린
여자가 결국엔 햇빛에 노출되어 불에 타 죽고 마는 장면, 그리고 높은 곳에서 뚝뚝 떨어져서 인간들의 피를 빨아먹는
장면 등도 뱀파이어라는 인물에 특성에 맞는, 즉 과도하지 않으면서도(이 영화가 본격적인 뱀파이어 영화로 보기는 조금
힘들테니 말이죠. 그래서 더 좋았지만요;), 뱀파이어의 특성은 잘 살리고 있는 정도로 장면의 묘사들이 이루어진 경우라
할 수 있을 것 같습니다.

사실 이 영화가 전체적으로 더욱 슬픈 분위기로 흐르거나, 가끔 공포스러운 분위기로 이끌어가도록 만드는 것은 음악이라고
할 수 있는데, 어느 기사에서 본 것처럼 이 영화는 음악이 전혀 없다고 해도 크게 어색하지 않을 만큼 멋진 풍광과 절제된
대사 만으로도 분위기를 구성할 수 있는 영화이긴 하지만, 확실히 음악이 좀 더 극적으로 이끄는 역할을 하고 있긴 합니다.
특히 공포스러운 부분에서는 음악이 상당히 공포스러운 장면이 곧 나올것이다 라는 암시를 주는 역할을 하고 있는데,
15세 관람가여서 그런것인지, 관객들에게 미리 준비하라는 사인을 계속 주고 있는 듯한 느낌을 받을 수 있었습니다.
영화의 시작이나 마지막에도 흐르던 그 음악들은 상당히 인상적이었는데, 마치 <판의 미로>에서 등장했던 그 테마 음악처럼
그 음악을 듣게 되면 오스칼과 이엘리를 자연스레 떠올릴 만큼, 시종일관 슬픈 사랑이야기를 잔잔하게 강조시키는 역할을
하고 있습니다.




지금 다시 생각해보니 <렛 미 인>이 가장 마음에 들었던 건 '단 한번 만이라도 내가 되어봐'라는 대사처럼,
스스로 있는 그대로를 인정하고 관계를 이어가는 것으로 영화가 진행, 마무리 되었기 때문이라고 생각되네요.
아마도 이 영화의 주인공이 소년.소녀가 아니라 어른들이었다면 아마도 뱀파이어는 사랑하는 인간을 위해 인간이 되려하고,
인간은 사랑하는 뱀파이어를 위해 스스로 뱀파이어가 되려고 했었겠지만, 아직 세상에 물들지 않은 순수한 오스칼과
이엘리에게는 이런 복잡한 계산이 아예 없었던 것이죠.
이엘리는 어쩌면 아무렇지 않게 자신의 뱀파이어로서의 모습을 오스칼이 바로 보는 앞에서 노출하기도 했고,
오스칼 역시 이런 이엘리에 모습에 어른만큼 크게 놀라거나 거부감을 갖지 않았다는 거죠. 아마도 어른들이었다면
내가 뱀파이어라는 사실을 알게 되면 어떨까, 나를 더이상 만나지 않으려 하겠지 라는 걱정 때문에 자신의 정체성을 밝히는데
상당한 시간과 고민이 수반되었겠지만, 이엘리는 아주 순수하게 '그래, 오스칼을 진정으로 사랑하니까 나의 진정한 모습도
다 이해해주겠지'하는 단순하지만 '올바른' 생각을 했던 것이죠. 그런 마음이 결국은 오스칼에게도 진심으로 통하게 된 것이구요.
어느 한 편만 이런 순수함을 갖고 있었다면 이 이야기는 슬픈 이야기로 끝이 나버렸겠지만, 둘 모두가 이런 마음을 갖고 있었기
때문에 결국은 서로가 함께 할 수 있는 '행복한' 이야기가 될 수 있었던 것 같네요.

사실 <렛 미 인>을 설명하는 대부분의 말들이 '슬픈 사랑이야기'라고 이야기하고 있는데, 분위기 상으로는 그렇지만
한 번 더 생각해보면 '슬프다'라고 생각하는 건 제 3자의 시각일 뿐, 오스칼과 이엘리는 계속 함께 하게 되었으니
'행복한'이야기라고 해야되지 않을까 싶습니다. 서로가 행복하면 그것으로 되었다 라는게 더 맞는 것 같기도 하구요
(물론 여기에 '그렇다면 이엘리의 생존을 위해 죽어간 무고한 사람들의 목숨, 그들의 가족들은 어떻게 되는 것이냐 하고
묻기 시작하면 이 이야기는 끝이 없어요 --; <렛 미 인>은 여기에 포인트를 준 영화는 아니니깐요;;;).




벌써부터 <렛 미 인>의 헐리웃 리메이크 소식이 들려오는데, 다들 그렇게 생각하시겠지만 아마도 헐리웃에서 이 영화를 만들게
된다면 더 '재미'있을지는 몰라도 이런 감수성은 절대 다 포용하지 못할 것이라고 생각됩니다. 더 많은 관객들이 더 재미있게
볼 수 있을지언정, 스웨덴 영화 <렛 미 인>이 남긴 깊은 인상을 주지는 못할 것이라는 얘기죠.

스웨덴의 눈 덮인 밤의 정취는 공포스럽기 보다는 참 고요하고 평화스럽게 느껴지더군요(물론 이 영화가 본격적인 공포
영화였다면 다르게 느꼈을지도 모르지만 말이에요). 그리고 수영장 씬과 검은 밤하늘에 눈발이 휘날리는 장면들은
영화적으로도 매우 멋진 장면이었던 것 같구요(이 외에도 이 영화에는 상당히 멋진 장면과 구도가 등장합니다).

개봉관이 늘었다는 소식을 들었는데, 더 많은 분들이 이 신선하고 아름답고 소중한 이야기를 극장에서
만날 수 있었으면 하는 바램입니다.



1. 스웨덴 학교는 참 부럽더군요. 수업시간에 톨킨을 읽어주다니(빌보가 탈출했다고 한걸로 봐서는 '반지의 제왕'보다는
   '호빗'인 것 같더군요).

2. 고양이들의 성내는 장면에서 대부분의 CG가 사용된 것 같더군요. 좀 티가 나긴 하더라는;

3. 오스칼에 그 표정과 빛나는 금발 때문에 구스 반 산트의 <엘리펀트>가 연상되기도.




  글 / ashitaka (www.realfolkblues.co.kr)

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중경 (重慶, 2007)
한계를 마주하다

재중동포 출신으로 <망종> <경계>등을 연출했던 장률 감독의 작품 <중경>.
사실 <망종>이나 <경계>등을 입소문을 통해 듣기는 했었지만 기회가 되지 않아 영화를 접하지는 못했었기 때문에,
이 작품 <중경>이 저에게는 장률 감독과의 본격적인 첫 만남이었습니다.
결론부터 얘기하자면 이런 영화를 보고 나서는 감상기를 쓰기가 쉽지 않은 것이 사실입니다. 어디선가 이 영화를 보고 난
한줄 감상평에 '흑먼지를 잔뜩 마신 기분이다'라는 말을 본 것 같은데, 저 역시 그와 비슷한 느낌이었습니다.
영화는 시종일관 조용하고 별다른 움직임이나 소란스러움없이 이야기를 전개해 나가지만,
오히려 이런 분위기는 영화가 말하고자 하는 공포와 어두운 현실을 더 실감나게 전달하고 있는 듯 합니다.




제 감상기에는 여러 번 영화 홍보를 위해 만든 문구들에 대한 느낌이 등장하곤 하는데, <중경>의 홍보문구는 영화를 한 마디로
잘 표현하고 있는 듯 합니다.

 '소리없는 폭발을 향해 달려가는 도시'

이 문구는 크게 멋을 부리지 않으면서도 영화의 내용을 잘 함축하고 있다고 보여집니다.
이 영화는 이번 주 개봉할 장률 감독의 작품 <이리>와 밀접한 관계를 갖고 있는 영화입니다. 두 영화가 본래 하나의 영화로
기회되었을 만큼 (아마도)많은 부분에서 <중경>의 이야기가 <이리>에서 이어질 것으로 보이는데, <중경>에서는
이런 점을 쉽게 눈치챌 수 있을 만큼 '이리'에 관한 이야기가 직접적으로 삽입됩니다.
바로 '이리역 폭발사고'로 다리를 잃은 한국인 캐릭터가 <중경>에 등장하는데, 그가 들려주는 이야기는 단순히 지금은
'익산'이 되어버린 '이리'만의 이야기가 아니라, 그가 이리로 부터 도망쳐온 '중경'의 현실이라는 점에서 많은 부분을
생각해보게 합니다.

이 영화는 여러부분에 있어서 마치 폭발 직전의 느낌을 주고 있는데, 앞서 말한 이리역 폭발사고의 이야기나(지금은 익산으로
불린다는 대사가 반복되는 걸 보면, '이리'라는 지명이 폭발 직전의 불안하고 혼란스런 점을 대변하고 있다고 볼 수 있겠습니다),
주인공인 쑤이가 겪게 되는 삶의 변화, 그리고 '중경'이라는 도시가 처한 현실. 이 모두가 살짝 건들기만 하면 큰 사고로 이어질
듯한 폭발 직전의 분위기를 갖고 있습니다. 극중 쑤이가 겪게 되는 일들과 그녀의 행동들이 한편으론 비현실적이라고 생각될 수도
있지만, 중경이라는 도시가 영화 속에서 보여주는 삭막함으로 보자면 그녀의 행동들이 어느 정도 이해가 되기도 합니다.

얼핏보면 쑤이의 행동은 단순히 아버지의 잘못된 행동에 의한 것으로 볼 수도 있지만, 이후 그녀의 행동들을 보면 점차 그녀
스스로가 변화하고 있음을 느낄 수 있습니다. 자신 외에는 아무 것도 신경쓰지 않고, 죽은 자를 부러워 할 정도로 이미 다들
죽어있는 도시인 중경이라는 공간에서, 쑤이는 점차 자신을 잃어가고 중경에게 지배를 당하게 됩니다. 그녀 역시 다른 사람들과
별 다른 것 없는 중경에서 살아가는 사람일 뿐이며, 결국은 모든 것을 그저 인정할 수 밖에는 없는 이들을 영화는 고스란히
보여주고 있습니다. 아마도 더 극적인 영화적 요소가 가미된 일반적인 작품이라면, 이런 도시에서 이에 지배당하지 않기위해
끊임없이 발버둥치는 주인공의 모습을 보여줄지 모르겠지만, 장률 감독의 시선에는 이러한 희망적 메시지보다는 현실에 대한
날카로움과 '이미 한계를 넘어서 버렸다'라는 식의 경고와 안타까움이 더욱 느껴집니다.




영화에 등장하는 '중경'의 모습은 시작부터 이미 한계를 마주한 모습입니다. 한계에 달한 도시는 이미 스스로를 제어하지
못하고 스러져가고, 영화는 그 안에서 '쑤이'라는 한 여성의 이야기를 담담히 보여줄 뿐인거죠.
영화를 보고 있노라면 아마도 중경에는 쑤이보다 더한 이야기를 갖고 있는 사람들이 살고 있을지도 모르겠다는 생각이
들 정도니까요.

장률 감독의 이 이야기는 앞서 언급했던 것처럼 <이리>로 이어집니다.
<이리>는 이번 주 개봉 예정인데,
글쎄요, <중경>보다는 덜 힘들게 볼 수 있을런지 기대와 걱정이 동시에 드는군요.




  글 / ashitaka (www.realfolkblues.co.kr)

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피아노의 숲 (ピアノの森, 2007)
클래식으로 풀어낸 두 아이의 우정

오랜만에 극장에서 일본 애니메이션을 만나고 왔습니다. 국내에는 <시간을 달리는 소녀>를 제작했던 '매드하우스'의 작품임을
강조하는 홍보가 강했는데, 이런 면에서 만약 <시달소>를 염두에 두고 극장을 찾게 된다면 이 영화 <피아노의 숲>에는
적잖이 실망을 하게 될지도 모르겠습니다. 왜냐하면 <시달소>의 경우가 소녀의 풋풋한 감성과 소녀가 어른이 되어 가는
과정을 감동적으로 그려낸 애니메이션이라면, <피아노의 숲>은 '소년'이라기 보다는 '아이'에 가까운 두 남자 아이가
피아노와 음악을 통해 우정을 키워나가고 조금씩 자신과 주변을 알아가게 되는 내용으로, 전자보다는 좀 더 아동용에
가까운 애니메이션이라고 할 수 있겠네요('아동용'이라는 표현을 마치 작품을 무시하는 것으로 오해하시는 분들이 종종
계신데, 아동용이란 말 그래도 어린이들이 보기에 적절한 영화라는 그 본 의미로 쓰인 것이며, 사실 제대로 된 교훈적
이야기를 담은 애니메이션이 그리 많지 않다는 점에서 어쩌면 더 돋보이는 표현일지도 모르겠네요).




영화의 줄거리는 아주  단순합니다. 클리셰의 향연이랄까요. 만약 이런 음악가나 클래식을 소재로 한 드라마나 영화를
보았던 이들이라면 대부분 과정과 결말을 미리 예상할 수 있을 정도로 그 다지 새로운 이야기는 아니라 할 수 있겠습니다
(특히나 마지막 연주회 부분이나 그 이후에 방향을 보면 일본 드라마 <노다메 칸타빌레>와 많이 비슷한 결말을 보여주기도
합니다. 뭐 이건 '노다메'의 전유물이라기 보다는 이런 류의 스토리가 보여주는 전형적인 클리셰라고 봐야겠죠).
스포일러가 될 수도 있어 구체적으로 언급하지는 않겠지만(사실 이야기가 새로울 것이 없어서 굳이 스포일러까지 될까
싶기도 하지만서도), 그렇다면 <피아노의 숲>이 이렇게 뻔한 이야기를 들려주고 있음에도 나름 괜찮은 아동용 애니메이션으로
평가하게된 이유는 어디에 있을까? 그건 바로 뻔한 이야기를 어떻게 들려주느냐 하는 것에 있을텐데, 일단은 이런
일반적인 흐름을 다시 한번 생각해볼 수 있도록 짜임새 있는 이야기 구조를 보여주고 있고, 더나아가 아이들이 볼 때에도
완벽하게 이해하기는 어렵겠지만 그래도 나중에 더 컸을 때 비슷한 류의 영화나 드라마를 보면, '아, 맞어, 예전에 보았던
만화에서 비슷한 걸 보았었는데'하는 기억이 날 정도로 은연 중에 교훈적인 내용을 잘 전달하고 있다고 생각됩니다.




이에 가장 중요한 역할을 하고 있는 것은 뭐니뭐니해도 영화의 주요 소재로 사용된 피아노 연주와 클래식 음악을 들 수
있겠습니다.  베토벤이나 모짜르트 사진을 보고는 '얘는 누구야?' '쟤는 또 누구고?'하고 얘기하던 주인공 카이가
피아노를 연주하게 되면서 점차 얼마나 진지한 모습을 보여주는지도 관심있게 봐야할 장면들이고, 일본 애니메이션 답게
클래식 전문 작품이 아님에도 음악적인 기본기에 상당히 신경을 쓰고 있는 작은 장면들도 놓치기 아쉬운 장면들입니다.

무엇보다 이 작품이 나름 인상적이었던 이유는 타고난 천재와 노력파를 각각 그리면서, 이 둘을 갈등을 모두 다
제법 깊게 그려내고 있다는 점입니다. 사실 <아마데우스>의 모짜르트와 살리에르처럼 이런 관계에 대한 묘사는 여러번
있어왔던 것이지만, 아이들의 눈에 맞게 아주 심오하지는 않으면서도 그 정곡은 제대로 찌르고 있는 구성이 마음에
들었습니다. 특히나 단순히 천재 소년의 놀라운 능력에만 집중하지 않고 오히려 끊임없이 노력해도 천재적인 친구를
이길 수 없다는 좌절감을 몸소 체험하고 한 걸음 더 성장하는 아이의 모습을 가볍지 않게 그려내고 있습니다
(대부분 아동용 작품이라면 아마도 단순히 천재소년에만 집중했겠죠. 그래서 <피아노의 숲>이 오히려 참 교훈적이라는
얘깁니다. 이런 관계를 그리면서도 어느 한쪽을 악당으로 몰아세우지 않고, 각자의 입장이 다 이해되도록 그려내는 점
말이죠).




이 두 아이의 이야기 가운데 선생님의 '어른'이야기가 잠시 끼어드는데, 제가 보았을 땐 끼어들 수 있는 최대한의
안전한 범위 내에서만 참여하고 있는 정도입니다. 즉 더 끼어들었으면 자칫 이야기가 아이들의 이야기가 아니라
과거가 있는 이 어른의 이야기로 흘러갈 수도 있었고, 아이들 관객들이 보기에도 어려워질 수 있었으나 그 아슬아슬한
범위를 잘 지켜내고 있다는 점이죠.

그리고 리뷰 내 스틸컷은 삽입하지 않았지만 이 두 남자 아이 외에 피아노 콩쿨에 참여하는 여자 아이의 이야기가
후반 부에 등장하는데, 재미면에서 보나 내용면에서보나 이 여자 아이의 등장은 탁월한 선택이었던 것 같습니다.
자칫 너무 뻔한 이야기로만 흐를 수도 있는 과정 속에서 약간의 긴장을 주었고, 개그와 아련함이 적절히 섞인
독특한 시퀀스로 또 다른 메시지를 들려준 것 같기도 하구요.
원작인 만화에서는 영화 속 이야기 이후의 이야기를 계속 들려준다고 하는데, 이 여자 아이의 이야기도 전개가
되는지도 궁금하네요.




목소리 연기로 우에토 아야와 이케와키 치즈루가 참여하고 있는데, 이케와키 치즈루의 경우 좋아하는 배우이긴 하지만,
워낙에 애니메이션에 흠뻑 빠져들다보니 그녀의 목소리를 특별히 인지할 정도는 아니었던 것 같습니다.
만약 제게 아이가 있다면 요 정도의 애니메이션을 먼저 보여줄 것 같아요. 교훈적이기도 하고 많이 어렵지도 않으면서,
음악이나 피아노에 흥미를 갖기에도 충분한 작품이니 말이죠.
아마도 이 영화를 극장에서 본 아이들은(실제로도 제가 본 극장에서는 아이들과 함께 온 부모님들이 대부분이었습니다),
집에 갈 때 피아노 사달라고 하는거 아닌가 모르겠네요 ^^;




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007 퀀텀 오브 솔러스 (Quantum Of Solace, 2008)
카지노 로얄의 속편으로'만' 보자

오랜만에 개봉일에 영화를 보게 된 것 같습니다. 그 만큼 007의 22번째 시리즈인 <퀀텀 오브 솔러스>는 초기대작은
아니더라도 나름 전통의 시리즈로서, 그리고 다니엘 크레이그의 본드를 워낙에 마음에 들어하는 사람으로서 기대작이었으며,
감독에 대한 불안감이 있었음에도 개봉일날 다른 영화들을 재쳐두고(사실 뚜렷한 경쟁작이 없기도 합니다만;;)극장을
찾게 되었습니다. 이 영화는 널리 알려진 것 처럼 전편인 <카지노 로얄>의 이야기에서 불과 1시간이 흐른 뒤의 이야기를
그리고 있습니다. 지금까지의 007시리즈가 각각 다 개별적으로 에피소드를 풀어냈던 것을 보자면 상당히 이례적인 일이라고
봐도 될 것 같습니다(더군다나 감독도 교체되었는데 말이죠). 결론부터 얘기하자면 제 개인적인 생각으로는 제목을
<007 퀀텀 오브 솔러스>라고 할 것이 아니라, <007 카지노 로얄 - 퀀텀 오브 솔러스>라고 부제로 달던가 아니면 제목의 비중상
카지노 로얄 보다는 퀀텀 오브 솔러스가 더 큰 범주라고 할 수 있을테니, 마치 매트릭스 3부작의 제목들처럼
<007 퀀텀 오브 솔러스 - ******> 뭐 이런 식으로 했으면 더 이해가 쉽지 않았을까 하는 생각이 들더군요(지금으로선 확실하지
않지만 여기에 이어지는 속편 성향에 007이 제작될 가능성이 상당하기 때문에 이런 식의 생각이 절로 들더군요).

전편인 <카지노 로얄>을 최근에 보았거나 아니면 극장에서 인상 깊게 보고 DVD나 블루레이를 통해 재차 감상한 이들에게는
조금 덜했겠지만, 전작을 보지 않았거나 어렴풋한 기억만 있는 대부분의 관객들에게는, 사실상 전편의 이야기에서 그대로
이어지는 인물들과 이야기가 가득해, 영화를 100% 즐기기는 어려웠을 것이라고 생각됩니다. 영화 속에서 계속 '베스퍼'가
등장하는데 전편을 안본 사람이라면 이게 누구인지 제목에 '퀀텀'보다도 더 궁금할 것이고, 중간 중간 익숙한 척하며 등장하는
캐릭터들에 히스토리도 알지 못하기 때문에 몰입도도 덜하지 않았을까 싶더라구요. 아예 제목에서부터 속편임을 강조하고
들어갔다면 관객들이 스스로 복습을 한다던가 아니면 준비를 한다거나 했을텐데, 그렇지 않았던 것이 일단 일반 관객들에게는
불편함으로 다가오지 않았을까 싶습니다. 물론 저는 <카지노 로얄>을 인상깊게 보고 블루레이의 놀라운 화질로 다시 한번
감상한 경우였기 때문에 괜찮긴 했지만 말이죠. 모르겠습니다. 만약 이 007 이야기가 3부작 형식으로 다음 작품까지 이어진다면,
그리고 마지막 작품에 해당할 다음 007 영화가 <본 얼티메이텀>처럼 대박을 친다면 어떻게 될지 모르겠네요.
이럴 경우엔 어느 정도 전편에 해당하는 실망스런 한 두편의 시리즈가 시너지 효과를 일으켜, '그래, 시작을 알리는 작품으론
나쁘지 않았어', '그래, 중간에 약간 쉬어가는 분위기였군'하며 나름 세뇌되기도 하거든요.
하지만 일단은 지금 현재로서의 평가를 해보도록 하겠습니다.




일단 말이 많은 오프닝 시퀀스에 대해 이야기하지 않을 수 없을 것 같습니다. 전작인 <카지노 로얄>의 오프닝 시퀀스는
새로운 시대의 본드를 설명하는데 매우 탁월하고 임팩트 넘쳤던 오프닝이었습니다. 깔끔한 비주얼과 동시에(블루레이의
화질은 그야말로 작살이죠), 크리스 코넬(잘 아시다시피 '사운드 가든'의 보컬이었고, 해체뒤에는 'R.A.T.M'의 멤버들과
'오디오슬레이브'를 결성하기도 했으며, 솔로로 활동하기도 했던 그였죠)의 인상 깊은 보컬이 완벽한 조화를 이루며,
오프닝에서 상당히 깊은 인상을 주고 시작한 경우가 바로 <카지노 로얄>이었습니다.
<퀀텀 오브 솔러스>의 경우는 시작 전 부터 말들이 많았습니다. 일단 '화이트 스트라입스(White Stripes)'의 잭 화이트가
곡을 맡았으며, 그와 알리시아 키스가 듀엣으로 노래를 했는데 전체적으로 어울리지 않는 분위기라는 점 때문이었죠.
개인적으로는 잭 화이트가 만든 화이트 스트라입스의 곡을 좋아하기도 하고, 알리시아 키스야 워낙에 좋아하는 뮤지션이라
그랬는지도 모르겠지만, 건조한 사막을 배경으로 찐득하고 이질적인 사운드의 음악과 보컬이 그리 나쁘지는 않았던 것
같습니다. 하지만 이런 제가 봤을 때도 뭐랄까 '이색적'이긴 하지만 '대중적'이지는 않다고 할까요.
제가 감독이거나 잭 화이트라면 '이거 괜찮은데, 하지만 사람들한테는, 특히나 007 보러온 사람들 한테는 안먹히겠다'하면서
이대로 사용하지는 않았을 것 같더군요. 특히나 전작의 크리스 코넬의 임팩트가 아직도 귀에 선하기 때문에 더욱 손해보는
면도 있었던 것 같구요.

개인적으로는 두 뮤지션 모두 좋아하는 이들인데, 이전에 <미션 임파서블 3>의 메인테마송을 맡았다가 자신의 경력에
오점 아닌 오점을 남긴 칸예 웨스트 처럼, 이번 오프닝 테마곡이 이 둘에게 앞으로 좋은 영향을 끼치지는 못할 듯 합니다.




<퀀텀 오브 솔러스>가 가장 우려되었던 점은 오프닝도, 본드 걸도 아닌 감독인 마크  포스터 때문이었습니다.
그의 전작들을 보시면 알겠지만 그는 <연을 쫓는 아이> <네버랜드를 찾아서> <몬스터 볼>등 드라마에 장점을 보인
감독이지 액션 영화는 단 한번도 찍어본 적이 없는 감독이었거든요(전 저 중에서 <네버랜드를 찾아서>가 제일 좋았던 것
같습니다). 그런 감독이 다른 영화도 아니고 007의 감독이라. 더군다나 전편에서 다른 본드들과는 달리 '제이슨 본'급으로
액션이 상향 조정된 본드의 감독이라니. 걱정이 아니 될 수 없었죠.
결과를 놓고 보자면 확실히 아쉬운 면이 드는 것이 사실입니다. 이런 핸디캡을 너무 의식했는지 액션을(말그대로 시퀀스가
끝나고 나면 사람들이 크게 한숨 돌리게 되는)여러차례 감행하고는 있는데, 일단 편집이 너무 급한 감이 있어서 정신을
못차리게 되는 것은 맞지만, 액션의 화려함과 숨막힐 듯한 긴장 구조 때문이 아니라 정신없는 편집 때문에 그리 된다는 것이죠.
예고편에서 본드와 적이 함께 유리창으로 떨어지는 장면에서 카메라가 쫓아 떨어지는 장면이라던가, 몇몇 장면에서 카메라가
거의 인물의 시선과 같은 입장에서 이동하는 멋진 샷들이 있기는 했으나, 전체적으로 보았을 때는 평범함을 넘어서지는
못했던 것 같습니다.

특히 <퀀텀 오브 솔러스>역시 전작의 본드처럼 다니엘 크레이그는 본 스타일의 액션을 보여주는데, 크게 나아지거나
달라진 점은 없습니다. 오히려 전작보다 이를 더 강조하려는 듯 창문이나 벽 등을 더 많이 부수고 떨어지고 하는 듯한
느낌이었죠. 이런 액션들이 나쁘지는 않았는데 뭐랄까 의미없는 장면들이라고 할까요. 스토리에 완전히 녹아들어 있다고
하기 보다는 그저 '나 마크 포스터도 이 정도 액션이 가능하다구!'하고 말하고 있는 듯한 분위기가 느껴졌습니다.

컨트롤 (Control, 2007)
흔들리는 청춘. 그리고 이언 커티스.

안톤 코르빈의 첫 장편 데뷔작인 <컨트롤>은 밴드 조이 디비전(Joy Division)의 보컬로, 23세에 짧은 인생을 살다간
이언 커티스(Ian Curtis)에 관한 영화입니다. 롤링 스톤스, U2, 메탈리카 등 밴드들의 사진과 뮤직비디오를 연출해 오던
안톤 코르빈은, 자신의 첫 번째 장편 영화 데뷔작으로 자신이 실제로 뮤직비디오를 찍기도 했던('Atmosphere')
조이 디비전의 이야기를 선택하였습니다. 아니 좀 더 자세히 이야기하자면 '이언 커티스'에 이야기를 선택한 것이라
해야겠군요. 사실 뮤직비디오 연출을 주로 해오던 감독의 데뷔작을 소개하면 '뮤직비디오를 보는 듯한 감성적인 영상이
돋보인다'식의 표현들이 나오기 마련인데, 따져보면 단순히 그것 이상의 것은 보여주지 못하는 경우도 많았던 것을
감안했을 때, 같은 경력을 같고 있는 안톤 코르빈의 <컨트롤>은 뮤직비디오 감독 출신으로서의 장점은 장점대로
다 보여주면서도, 영화라는 매체를 통해서만 얻을 수 있는 깊은 울림과 2시간에 달하는 러닝타임을 연출함에 있어서도
리듬을 놓치지 않는 훌륭한 연출력을 보여주고 있습니다.




영화는 앞서 언급한 것처럼 밴드 '조이 디비전'이 아니라, 청년 '이언 커티스'에 집중하고 있습니다. 영화 초반에는
밴드의 결성과 공연, 음반 계약과 갈등 등 록 밴드를 다루는 영화에서 흔히 만날 수 있는 구성을 보여주는 듯도 하지만,
이는 이야기 진행을 위한 도구 그 이상으로는 보여지지 않습니다. 조이 디비전의 음악은 시종일관 흐르지만
'밴드' 조이 디비전에 대한 구체적인 시선들은 존재하지 않으며, 이언 커티스를 제외한 다른 밴드 멤버들에 대한 자세한
소개나 그들의 이야기도 들려주고 있지 않습니다. 밴드 조이 디비전에 관한 영화가 이미 존재하기도 했고(같은 해에
제작된 다큐멘터리 <조이 디비전>은 다큐멘터리라는 장르답게 실제 공연 영상과 인터뷰 영상들이 수록된 작품이며,
마이클 윈터바텀 감독의 '24hour Party People'은 <컨트롤>에도 등장하는 팩토리 레이블과 토니 윌슨을 중심으로
당시의 클럽 풍경을 그린 다큐멘터리 영화이다), 밴드의 흥망성쇠를 주요 뼈대로 이야기를 풀어가는 영화들이
이미 많았기 때문이기도 했겠지만, 개인적으로도 '조이 디비전'보다 '이언 커티스'에 초점을 맞춘 연출은 탁월한
선택이 아니었나 생각됩니다. 하긴 이언 커티스라는 인물이 워낙에 짧은 생을 살다가 불꽃처럼 산화해버린 뮤지션이기도
하지만, 밴드가 아닌 그를 중심으로 이야기를 전개시키면서 단순히 음악 영화로 그려지기 보다는 더 포괄적인
드라마로도 손색이 없는 작품이 되었다고 할 수 있을 듯 합니다.

짐 모리슨처럼 시를 쓰기를 좋아하고(영화 장면에도 나오지만 실제 이언 커티스는 짐 모리슨과 데이빗 보위를
동경했었죠), 무대 위에서는 폭발적인 모습을 보여주었던 이언 커티스이지만, 영화를 자세히 살펴보면 과연 그가
음악만을 위해 목숨을 걸었던 뮤지션인가 하는 궁금증을 떠올리지 않을 수 없습니다. <컨트롤>에 등장하는 이언 커티스의
모습에서는 흔히 이런 류의 영화에서 등장하는 것처럼 '무대 위에서 노래하는 순간만이 나를 살게 한다'식의 느낌은
받을 수 없는 것이 사실이니까요. 뭐랄까요. 아직 어린 그의 나이처럼, 아직은 자신이 정말로 원하는 것을 찾지 못한 듯한
느낌이라고 할까요. 낮에는 직업 상담소에서 일을 하고, 열아홉 어린 나이에 결혼을 하고, 딸을 갖고, 새로운 여성을 만나
사랑하게 되는 등, 그저 혼란스럽고 컨트롤되지 않는 청춘이 엿보일 뿐이죠.




그런 면에 있어서 <컨트롤>의 흑백 화면은 상당히 인상적입니다. 사실 몇몇 흑백영화의 메이킹 다큐멘터리를 보고
알게 된 것이지만, 흑백 영화는 우리가 흔히 생각하는 것과는 달리 일반적인 컬러 영화들 보다도 오히려 더 조명에 신경을
써야하는 영화라 할 수 있는데, <컨트롤>의 흑백영상은 방황하는 이언 커티스의 삶을 보여주는 또 다른 영화적 장치라
할 수 있습니다. 감독인 안톤 코르빈은 이를 굉장히 효과적으로 사용하고 있음을 어렵지 않게 여러 장면을 통해 느낄 수
있었습니다. 특히 7,80년대 당시 맨체스터의 거리를 재현한 장면은 흑백이어서 더욱 돋보이는 장면이었고,
공연 장면은 마치 실제 조이 디비전의 라이브를 보는 듯한 다큐멘터리 같은 느낌을 받을 수 있었습니다(근데 재밌는건
실제 조이 디비전의 라이브를 본 건 컬러 버전이었다는 점이죠;).

개인적으로 <컨트롤>은 보면서 속으로 '와!'하고 탄성을 질렀던 장면이 여럿 있었는데, 그것은 감독인 안톤 코르빈이
뮤직비디오를 연출했던 감독이어서 라기 보다는, 사진작가로서의 그의 재능 때문이라고 생각됩니다.
이러한 생각은 영화의 스틸 컷들이나 정지된 장면들을 보면 더 크게 느끼게 됩니다. 한 장면 한 장면이 마치 작품 사진을
찍기 위해 기획된 듯한 느낌을 강하게 받을 정도로, 흑백의 질감이나 조명의 세팅이 놀랍도록 아름답더군요.
개인적으로는 물론(물론!) 음악도 아주 좋았지만, 흑백의 영상도 음악 만큼이나 인상적이었던 영화가 바로 <컨트롤>
이었던 것 같습니다.




사실 <컨트롤>은 이언 커티스가 쓴 곡들의 가사들처럼 약간은 일반적이지 않은 건조한 방식으로 전개가 됩니다.
그런데 이상하게도, 일반적인 기승전결의 구성이 아님에도 영화의 마지막 이언 커티스가 결국 자살을 결심하는 장면이
등장했을 때에 달해서는 완전히 그를 이해하고 공감할 수 있었습니다. 어찌보면 갑작스러울 수 있었던 그의 죽음이었지만,
그가 자살을 결심하는 순간 '그래, 더 이상 어떻게 해야하는거야'하는 답답함과 함께 그를 죽음으로 몰고간 혼란과
제어(Control)되지 않은 그의 청춘이 고스란히 공감이 되더라구요.
개인적으로 또 하나 이상했던 것은, 요절한 뮤지션이나 아티스트들 가운데 이언 커티스의 경우 사실 (영화에 등장하는
이유만으로 보자면) 일반적으로 보았을 때 공감을 얻을 만한 부분이 극히 적었음에도 불구하고, 그의 죽음과 삶에 대해
더 큰 연민이 느껴지더군요. 영화 <컨트롤>은 실제 이언 커티스의 삶이 어땠느냐를 재쳐두고 보더라도, 전혀 그의 삶을
극적으로 묘사하고 있지는 않습니다. 그저 담담하고 조용하게 조명하고 있을 뿐이죠.
극적인 감정 묘사보다는 조이 디비전의 음악과 그가 쓴 가사들로 이를 대체하고 있는데, 이것이 오히려 그를 이해하는데
더 큰 매개체로 작용하고 있는 것 같습니다. 이런 화법이 일반적인 영화에서는 관객과의 괴리감을 가져올지 모른다해도,
<컨트롤>과 이를 감상하는 관객들 사이에는 훌륭한 커뮤니케이션을 이루고 있다고 해야겠네요.




이언 커티스 역할을 맡은 샘 라일리의 연기는 발군이라 할 수 있겠습니다. <레이>에서 레이 찰스를 완벽하게 연기한
제이미 폭스와는 또 다르게, 이언 커티스를 연기한 샘 라일리는 얼핏 보면 단순히 이언 커티스의 모습을 재현하기 위해
노력한 듯 보이기도 하지만, 앞서 언급한 것처럼 영화가 조이 디비전의 보컬인 이언 커티스에 집중하고 있지는 않기에, 
오히려 그의 연기력이 더욱 빛을 발하고 있고 여지가 있었던 것 같습니다. 확실히 영화를 보고 나서 실제 조이 디비전의
라이브 클립을 다시 보아도, <컨트롤>에서 샘 라일리가 보여준 이언 커티스는 실제와는 또 다른 이언 커티스였음을
느낄 수가 있었습니다(영화 팜플렛에 그의 필모그라피를 보니 앞서 언급했던 마이클 윈터바텀 감독의
'24hour party people'에 출연한 것으로 되어 있는데, 하루 속히 이 작품을 눈으로 확인해봐야 겠군요).
샘 라일리의 저 고독한 표정이 짙게 드리워진 <컨트롤>의 포스터는 한 동안 제 컴퓨터 바탕화면으로 자리잡을 것 같네요.

사실 이 영화를 처음 보았을 때 가장 놀랐던 것은 바로 데보라 커티스 역할을 맡은 사만다 모튼의 모습 때문이었습니다.
그녀를 처음 보게 된 것은 <마이너리티 리포트>에서 예지자로 출연하였을 때였고, <코드 46>을 보기도 했었지만 전작의
이미지가 워낙에 강했었는데 <컨트롤>에서 그녀의 모습은 과연 같은 사람인가 싶을 정도로 다른 모습을 보여주더군요.
그때와는 다르게 많이 몸무게가 늘은 모습도 모습이었지만, 마치 <브로크백 마운틴>의 미셸 윌리엄스를 떠올리게 하는
그녀의 캐릭터와 연기는, 앞으로 적어도 제 기억속에서는 <마이너리티 리포트>에 그녀가 아닌 <컨트롤>의 그녀로
기억되기에 충분했습니다. 개인적으로 <컨트롤>은 샘 라일리라는 배우의 발견이 있었다면(사실 이런 전기 영화의 경우
워낙에 강한 캐릭터 때문에 배우 자체를 논하기에는 부족함이 많아, 샘 라일리는 다른 작품을 통해 다시 만나봐야 할 것
같아요), 사만다 모튼의 재발견 또한 더 큰 즐거움이 아니었나 싶습니다. 사실 <마이너리티 리포트>에서는 대사가 그리
많지 않기도 하고 워낙에 캐릭터가 독특하기 때문이기도 하지만 그녀의 억양을 잘 눈치챌 수 없었는데, 영국 출신인
그녀의 독특한 영어 억양도 상당히 매력적으로 느껴지더라구요.

개인적으로 이 밖에 더 기억나는 배우를 꼽으라면 '아닉 오노레'역할을 맡은 알렉산드라 마리아 라라도 꼽을 수 있겠지만,
<어크로스 더 유니버스>를 통해 만났었던 조 앤더슨을 더 꼽을 수 있겠네요.




확실히 데이빗 보위, 벨벳 언더그라운드, 이기 팝, 록시 뮤직 등 이런 류의 음악들을 배경으로 당시를 그린 영화들은
대부분 만족할만한 완성도를 보여주는 것 같습니다. 다시 말하면 그 시대가 한편으론 암울하기도 했지만, 다른 한편으론
얼마나 황금기였는지를 확인시켜주는 것 같기도 하구요.

처음 <컨트롤>이라는 영화를 보러 갈 때는, 물론 큰 기대가 있기는 했지만 이 정도까지는 기대하지 않았었는데,
개인적으로는 전율마저 느낄 수 있었던 인상적인 영화였던 것 같습니다.
그런데 하나 첨언하자면, 극중 이언 커티스처럼 불안한 심리 상태에 있는 이들에게는 권하고 싶지 않아요.
제가 영화를 보면서 이언 커티스에게 연민을 느끼게 되었던 것처럼, 힘들게 지속해온 오랜 싸움을 그만 놓아버리고 싶은
충동마저 들었거든요.



1. 이 영화는 이언 커티스의 아내인 데보라 커티스가 지은 그의 전기 'Touching from a Distance'를 원작으로
   하고 있습니다.

지난 금요일(10월 31일) 저녁 8시, 이대에 위치한 아트하우스 모모에서는, 제 1회 씨네아트 블로거 정기상영회가 열렸습니다.
제가 속해 있는 팀블로그인 씨네아트(http://cineart.tistory.com)블로그에서 기획한 행사로, 저를 비롯한 블로거 분들이
1차로 선정한 후보 여섯 작품 가운데 블로그 방문자를 통해 투표를 거쳐 가장 많은 표를 받은 작품이 상영작으로 선정되는
방식으로 진행되었고, 제 1회 상영회에서는 이미 여러번 알려드렸던 것 처럼 고레에다 히로카즈 감독의 <원더풀 라이프>가
선정되어 관객 여러분을 만나게 되었습니다.

사실 개인적으로는 줄리안 무어가 주연한 <파 프롬 헤븐>을 더 추천하기는 했었지만, <원더풀 라이프>도 워낙에 좋아하는
영화이고 또 본지가 너무 오래되어 어렴풋한 기억 밖에는 없었기 때문에, 저 개인에게도 이번 상영은 좋은 경험이었습니다.
사실 이번 상영회는 첫 회이고, 블로거가 중심이 되어서 진행하는 첫 번째 행사아닌 행사였기 때문에 여러가지 미흡한 점들도
많았고 매끄럽지 못했던 부분도 있었던 것 같습니다. 그래도 결국은 이번 상영회가 큰 사고 없이 자연스레 마무리 될 수
있었던 건 첫 번째는 영화요, 두 번째는 관객이었던 것 같습니다.



확실히 거의 처음 보는 듯한 느낌마저 들 정도로 오랜만에 본 <원더풀 라이프>는 또 한번 감동을 전해주었습니다.
처음 볼 때는 미처 알지 못했던 자연광을 이용한 정말 멋진 장면들과(인물들을 한 명 한 명 인터뷰 하는 장면 가운데,
방안으로 볕이 들었다가 구름에 가려 잠시 어두워졌다가 다시 볕이 드는 장면이 있는데, 너무도 자연스럽고 멋진 장면이었습니다)
다시 한번 나를 돌아보게 하는 메시지를 찾을 수 있었습니다.
이 영화는 매우 직접적으로 관객들에게 반응을 요구하는 영화라고 할 수 있을텐데, 모든 관객들로 하여금
'그렇다면 내 생애에서 가장 돌아가고 싶은 순간, 가장 기억하고 싶은 순간은 언제인가?'하는 질문을 던져,
모두 같은 영화를 보고 있지만 결국은 다 다른 영화를 보게 되는(개인적으로 영화의 가장 장점중 하나라고 생각되는) 경험을
만들어 냅니다. 또한 가장 행복한 순간을 떠올리며 즐거워 하고 행복해 하는 이들의 얼굴을 보면서, 다시 한번 행복함을
느끼게도 하고, 여러 명의 인물들과 그들의 삶을 통해 결국 '그래도 삶은 계속된다'라는 진리를 고레에다 히로카즈 감독만의
방식으로 풀어내고 있는 것이 아닌가 합니다.

개인적으로는 씨네토크(모모의 수다) 시간에도 살짝 얘기했었지만, 두 남녀 주인공의 이야기나 인터뷰에 응하는 다른 인물들의
이야기보다도, 결국 선택하지 못하고 그곳에 남기로 한 어린 청년의 이야기가 더 와닿더라구요. 히로카즈 감독의 본래 의도가
어땠는지는 잘 모르겠지만, 겉보기에는 생각없는 노는 청년으로 그려놓고 그가 막판에 하는 대사는 몇번 반복하기를 거듭한
이유는 이 캐릭터의 대사가 영화의 또 다른 중요한 메시지이기 때문에 그랬던 것이 아닌가 생각합니다.
사실 저도 처음 이 영화를 보았을 때는 두 남녀 주인공과 다른 인물들의 삶과 그들이 가장 행복했던 순간을 기억해 가는
과정에 더욱 공감했었는데, 오랜 시간이 흘러 다시 보게 되니 이 청년의 이야기가 더 '들리더'라구요 ^^




영화가 끝난 뒤에는 '모모의 수다'라는 이름으로 소박한 씨네토크 시간도 가졌었는데요, 사실 저희가 이번 행사를 준비하면서
가장 긴장하고 두려움에 떨었던 것은 바로 이 시간 때문이었습니다. 감독이나 배우등 영화 관계자가 참여하는 일반적인 GV도
아니고 그렇다고 저희 팀블로그 운영진이 질문에 답하는 형식도 아니고, 그냥 관객들이 서로 자유롭게 스스로의 의견과
감상평을 이야기하는 새로운 시도의 자리였기 때문에, 과연 어떻게 될까 하는 기대와 함께 아무도 말을 하지 않으면 어떻게
하나 하는 걱정이 앞선 던 것이 사실이었죠. 사실 가장 첫 번째로 걱정한 것은 관객분들이 거의 남아계시지 않으면 어찌하나
하는 것이 었는데, 걱정했던 것과는 달리 많은 분들이 남아주셔서 좋은 말들을 해주셨습니다. 실제로 영화를 본 관객분들
가운데 과반수가 모모의 수다에는 참여하지 않고 귀가하긴 하셨지만, 남은 20여명의 분들께서는 거의 다 한 마디씩
하셨을 정도로 분위기가 좋았습니다. 특히 한 분 한 분 모두 이 영화가 자신 만의 소중한 영화이기도 했고, 또 처음 보신 분들도
많았으나 각자가 느끼는 감상평들은 역시 다 다르고 색달랐으며 굉장히 수준도 높은 이야기가 오갔습니다.

사실 저도 영화를 보고 나서 나름의 감상평을 해봐야지(만약 관객분들이 아무도 말씀을 안하시게되면 말이죠) 했었지만,
너무나 자연스럽게 관객분들의 감상평들이 이어지고, 더군다나 저에 생각과 공감되는 의견들도 많았고, 저와는 달라도 매우
깊고 각자의 시각에서 바라본 좋은 의견들이 많이 나와서, 제 의견은 굳이 말하지 않아도 되겠다 싶은 생각이 절로 들더라구요
(뭐 결국 마지막에는 저도 한 마디 했지만 말이죠 ^^;). 확실히 <원더풀 라이프>라는 영화를 소중하게 여기는 분들만 남아계시던
자리여서 그런지, 감상평 하나 하나가 다 '아름다웠'습니다~


처음 진행하는 제 1회 블로거 상영회 행사라 부족한 점도 많았지만, 이번 1회를 계기로 2회 부터는 좀 더 자연스러운 행사가
될 것 같습니다. 벌써부터 제 2회 상영회에서는 또 어떤 작품이 블로거들의 선택을 받아 상영작으로 선정될지, 또 씨네토크
시간에는 어떤 이야기들을 나누게 될지 기대가 되는군요~

11월말에 열리 제 2회 씨네아트 블로거 상영회에도 여러 분들의 많은 관심 부탁드립니다~

(제목만 보니 완전 저질 홍보글 같군요 --;;)

지난 번에 블로그를 통해 홍보했었던 '제 1회 씨네아트 블로거 정기상영회'의 상영작이 여러분들의 투표를 통해
고레에다 히로카즈 감독의 <원더풀 라이프>로 최종 결정이 되었습니다!

투표와 관련된 지난 사항은 (여기)를 클릭해 주세요~

블로거들이 직접 보고 싶은 영화를 추천하고(이번에는 첫 회라 저를 포함한 씨네아트 블로거 6명이 1차 후보를
선정하였지만, 아마도 2회 부터는 여러가지 루트를 통해 미리 더 많은 분들의 취향을 여쭙고 후보도 선정할 예정입니다.
참고로 이번 상영회에서 2회 상영회에 보고 싶은 작품에 대한 간단한 설문도 있을 예정이구요), 투표를 통해 최종상영작이
결정되는 상영회인 이번 행사는 이대 내에 위치한 아트하우스 모모(오시는길)에서 상영되며, 오늘 10월 31일(금) 오후 8시에
상영될 예정입니다.

참고로 이번 행사는 블로거가 중심이 되는 행사로서 영화가 끝난 뒤 간단한 씨네토크(정식 명칭은 아직 확정되지 않았습니다;)가
있을 예정인데요, 감독이나 배우 등 전문가의 참가는 없지만 영화가 끝난 뒤 객석에서 자유롭게 영화에 관한 느낌이나 의견들을
나눌 수 있는 시간을 준비중입니다. 저희도 이런 류의 씨네토크는 처음이라 이 행사가 어떻게 진행될지 아주 흥미진진합니다 ^^;
오시게 되는 분들께서는 상영이 끝난 뒤에도 끝까지 자리를 함께해 주시면 감사드리겠습니다~

아, 본론을 말씀 드리지 않았군요 --;

제 블로그에서는 이번 제 1회 씨네아트 블로거 정기상영회의 상영작인 <원더풀 라이프>를 무료로 관람할 수 있는
초대권을 증정하는 이벤트를 부족하나마 준비하였습니다.
총 10장을 준비하였는데요, 처음에는 한 문제당 한 장씩 하려고도 했지만 생각해보니 일반적으로는 1인 2매로 진행하잖아요.
그래서 일단 문제는 10문제이지만, 리플로 답을 맞춰주시는 분들이 정답과 더불어 1장, 혹은 2장(최대 2장까지만 가능해요 ^^;)
이렇게 적어주시면 반영하여 총 10장을 배분하도록 하겠습니다. 그러니까 최소 5분, 최대 10분께 무료관람의 기회가
돌아갈 수 있겠네요. 그럴리는 없겠지만 답을 리플로 다는 도중에 다른 분이 먼저 리플을 달게 되면 먼제 리플이 등록된 분께
초대권을 드리도록 하겠습니다.

초대권을 따로 보내드리는 것이 아니구요, 당일인 10월 31일(금) 상영회가 열리는 아트하우스 모모로 오셔서 안내데스크에
아이디나 닉네임을 말씀하시면 무료로 관람하실 수 있도록 준비해 두겠습니다.

총 10문제인데, 가능하면 여러 문제의 답을 아시는 경우에도 하나만 맞춰주시길 바랍니다 ^^;
더 많은 분들께 기회가 돌아가도록 하기 위해서, 고수분들이 조금씩 양보해주시면 감사드리겠습니다~

리플을 다실때는 예를 들어,
정답 - 3번 반지의 제왕 / 닉네임 - 아쉬타카 / 1매

이렇게 적어주시면 될 것 같습니다.

그러면 그리 어렵지 않은 퀴즈를 시작하도록 하겠습니다~
퀴즈는 포스터의 일부분을 보고 영화의 제목을 맞추는 것인데요, 일부 포스터는 공식포스터가 아닌 서브 포스터를
이용한 문제도 있습니다.
퀴즈보다는 상영회 초대에 더 중점을 보다보니 퀴즈는 그리 어렵지 않게 준비해보았습니다 ^^;
그러면 많은 블로거 분들의 참여 부탁드리겠습니다~~


문제.

도쿄! (Tokyo!, 2008)
이방인들의 시선으로 본 현대의 도쿄

<이터널 선샤인>의 미셸 공드리, <퐁네프의 연인들>의 레오 까락스, 그리고 <괴물>의 봉준호, 이렇게 세 명의 각기 다른
국적을 갖은(국적 뿐 아니라 스타일도 완전히 다른) 감독들의 작품들을 한꺼번에 만날 수 있는 옴니버스 영화 <도쿄!>
(영화를 보기 전부터 생각했던 것이지만, 보고 나니 제목의 느낌표는 확실히 의미있는 의도적 기호라고 생각이 더
들더군요. 뭐랄까 그냥 '도쿄'라는 제목으로는 다 표현할 수 없는 느낌을 느낌표로나마 함축적으로 표현했다고나 할까요).

개인적으로는 뮤직비디오 감독 시절부터 왕팬이었던 미셸 공드리는 물론이고, 봉준호 감독 역시 가장 좋아하는
국내 감독 중의 한 명이라 많은 기대를 했던 영화였습니다(그렇다면 레오 까락스는 지금 무시하는거냐? 할 수 있지만
그의 작품은 너무 예전에 비디오로 보고 나이먹고 제대로 보려고 dvd는 구매해 두었는데 아직까지 보질 못했기 때문에
이렇다 저렇다 좋다 나쁘다 평할 수준이 못되는 것 같아 일단 보류중입니다 ^^;).



(뭐 다들 아시겠지만, 좌측 부터 미셸 공드리, 레오 까락스, 봉준호 감독. 공드리는 영국의 인기있는 밴드에서 별로 말없는
베이시스트 처럼 나왔고, 레오 까락스는 서극처럼 나왔고, 봉준호는 배우처럼 나왔네요(아, 배우시죠 ㅎ)).

옴니버스 영화 <도쿄!>는 각기 다른 세 명의 감독들을 대상으로, 도쿄라는 장소를 배경으로 또 로케이션으로
촬영해야 된다는 일종의 조건만 있을 뿐 각 감독들에게 이 범위안에서 자유롭게 창작할 수 있는 여지를 남겨두었던
프로젝트입니다(확인하지는 못했지만 어지간하면(?) 일본인 현지 스텝들과 작업해야 된다 라는 조건이 있었는지도
모르겠네요. 엔딩 크래딧을 보니 몇명을 제외하고는 모두 다 일본인 스텝들로 채워져 있더라구요). 
이렇게 한 도시를 배경 혹은 주제로 담아낸 옴니버스 영화는 <사랑해, 파리>가 있었는데, <도쿄!>는 <사랑해, 파리>와는
사뭇 다른 분위기와 이야기를 들려줍니다. <사랑해, 파리>같은 경우 대부분의 에피소드들이 단순히 파리의 아름다운
장소를 배경으로 하거나, 아니면 짧은 러닝타임에도 '파리'라는 도시에 한 번 쯤 가보고 싶다는 생각이 들도록 하는
작품들로 채워졌다면, <도쿄!>는 도쿄에 가보고 싶다는 생각이 간혹 들기는 하지만 그것은 그야말로 간혹일 뿐,
대부분은 부정적인 모습의 도쿄, 더 나아가 일본의 모습을 그리고 있다고 보여지거든요.
본래 이 프로젝트를 기획한 프로듀서의 생각이나 의도가 이런 것이었는지는 잘 모르겠지만, 세 명의 감독이 마치
짜기라도 한 듯이 이런 분위기의 작품들을 만든 것도 놀랍지만, 이런 작품들을 고스란히 받아들인 제작자(일본인)의
입장도 대단한 듯 여겨지기도 합니다.



아키라와 히로코 (Interior Design) - 미셸 공드리

가장 첫 번째로 만나보게 되는 영화는 공드리의 <아키라와 히로코>입니다. 홋카이도에서 영화작가를 꿈꾸는 애인을 따라
도쿄로 상경한 히로코의 이야기를 들려주고 있는데, 처음 히로코는 친한 친구의 집에서 애인과 함께 신세를 지며
방도 알아보고 일자리도 알아보고 하지만, 이 과정 속에서 친구와 애인에게 점차 자신의 설 자리를 잃어가면서 자신의
존재감에 대해 점차 의문을 갖게 됩니다. 도쿄를 배경으로 일본 배우들이 연기하고 있지만, 공드리의 영화는 역시,
공드리스럽습니다. 사실 그가 만든 <이터널 선샤인>은 제 인생의 영화이기는 하지만, 그렇다고 해서 그가 제 인생 최고의
감독이냐 묻느냐면 또 그렇지는 않다고도 할 수 있겠는데, 그 이유는 그가 이후 만들었던 <수면의 과학>도 그렇고
각본가인 찰리 카우프만 없는 공드리는 확실히 결여된 부분이 많이 느껴졌기 때문입니다. 그는 뮤직비디오 감독 시절부터
놀라운 상상력과 그 상상력을 영상으로 표현해 내는데 기발한 재주를 갖고 있었지만, 영화 감독으로서 공드리는 아직까지
완성되었다고 보기는 좀 부족한 것이 카우프만 없는 공드리는 그저 상상력을 보여주는 것, 판타지 그 이상의 것으로
전개시키지는 못하고 있었기 때문이죠. 이런 면에서 이번 같은 옴니버스 영화는 그의 부족함을 많이 보완할 수 있는
장치로 작용하고 있다 하겠습니다.

영화의 중반까지는 히로코가 신세를 지게 되는 친구의 집 디자인을 제외한다면 별로 공드리 스러운 부분이 직접적으로
드러나지는 않는데, 중반 이후 히로코가 급격하게 변화(그야말로 변화)를 겪게 되면서 단숨에 공드리의 영역으로
넘어오게 됩니다. <이터널 선샤인>때도 잘 보여주었지만 그는 상상력을 표현함에 있어 컴퓨터 그래픽으로 일관하기
보다는 대부분의 시각효과를 아이디어가 주가 된 아날로그 방식으로 촬영하곤 했는데, 이번 <도쿄!>에서도 사실
시각효과 자체의 기술력은 그다지 새로운 것이 아니지만, 굉장히 작품에 잘 녹여내고 있는 느낌을 받게 됩니다.
그래서 별로 대단한 효과가 아님에도 관객들의 엄청난 반응을 불러 일으키게 되는 것 같구요(아직도 그 장면이 눈에
선하네요~). 공드리가 느끼는 도쿄 역시 그리 행복한 공간은 아니었던 것 같습니다. 겉보기와는 달리 그 속에서는
자신이 누구인지도 무엇인지도 모른채 살아가는 사람들의 고단함과 결국 다른 존재가 되어서야 자신을 찾게 되는
안타까움이랄까요.


1. 츠마부키 사토시가 깜짝 출연하더군요!
2. <구구는 고양이다>에 이어 카세 료의 속옷 차림을 연달아 스크린으로 보게 되는군요;;
3. 극중 히로코가 방을 알아보러 다니던 중에 등장한 컨테이너 형식의 집은, 정말 그런 집이 있나 싶더군요.




광인 (Merde) - 레오 까락스

세 작품 가운데 가장 무거운 작품이라 할 수 있겠습니다. 이 작품이 개봉 전부터 화제를 불러보았던 이유는 오랜만에
영화를 연출한 레오 까락스도 까락스지만, 그가 드니 라방과 함께 컴백했기 때문이기도 했죠. 극중 '하수구 광인'을
연기한 드나 라방의 연기는 정말 그 만이 연기할 수 있는 몸 연기를 선보입니다. 기괴한 얼굴 분장은 그렇다쳐도,
그의 이상한 걸음 걸이와 몸으로 표현하는 동작들을 '하수구 광인'이라는 캐릭터를 더욱 더 인상깊게 그려내고 있습니다.
이 영화에서 재미있는 건 그가 사용하는 언어가 정체 불명의 언어라는 점인데, 이게 만약 레오 까락스와 드니 라방이
아니라, 김병욱과 박영규 였다면 누가봐도 코미디로 느꼈을 만큼 이상함을 넘어선 코미디이지만, 그들이기에 쉽게
웃게 되질 않습니다. 이 작품은 노골적으로 일본이 일으킨 전쟁과 그 야욕에 대해 비판적인 메시지를 담고 있는데,
그렇기 때문에 하수구 광인의 이상한 말들도 무언가 전쟁으로 인해 피해를 받은 피해자들의 모습으로 인식되기도
합니다.

앞서 이렇게 도쿄나 일본에 부정적인 메시지를 담은 영화를 어찌 '도쿄'라는 프로젝트에 고스란히 수용할 수 있었을까
놀라웠다는 얘기를 했었는데, 그 이유가 바로 레오 까락스의 <광인> 때문이었습니다. 영화 속에서 광인은 하수구 밖으로
나와 도심을 활보하며 시민들을 괴롭히고 급기야 대형 살인사건마저 벌이게 되는데, <도쿄>라는 프로젝트에 초대받아서
이런 영화를 만든 레오 까락스나 이걸 수용한 프로듀서나 다 대단한듯 싶습니다. 초반에는 단순히 이 이상한 광인에
행동에 집중하는 듯 했던 영화는 중반 이후부터 그가 왜 이렇게 되었는지, 왜 이런 행동들을 했는지에 관해 들려줍니다.
이 과정에서 아주 노골적으로 일본의 군국주의에 대한 비판의 메시지가 묘사되고 있는데, 마지막에는 한 술 더 떠서
미국까지 걸고 넘어지는 레오 까락스의 재치는 살짝 통쾌하기도 했습니다.
사실 극장에서도 많은 관객들이 박장대소하며 웃기도 했었고, 다른 기사들을 보니 코미디 적인 면을 강조한 평들도
보이던데, 저는 확실히 영화를 좀 많이 진지하게만 보는건지 많은 사람들에게 웃음 포인트가 된 그 장면들조차
다 비유나 은유로만 느껴지더라구요. 그래서 살짝 극장의 분위기가 적응되지 않기도 했었는데, 확실히 제 웃음 코드는
대중들과는 동 떨어지는 '광인'일지도 모르겠네요 윽.


1. 우리나라에서 '서울'을 주제로 옴니버스 영화를 만드는데 왠 유럽 감독이 서울서 폭탄테러 벌이는 영화를 만든다면
   절대 허가하지 않았겠죠.
2. 하수구 속 장면 가운데 긴 계단이 등장하는 장면이 나오는데, 세트인지 실제 장소인지는 모르겠지만 굉장히
   멋진 장면이었습니다.




흔들리는 도쿄 (Shaking Tokyo) - 봉준호

앞선 두 작품이 각각 다른 이유로 워낙에 판타지스럽다보니 봉준호 감독의 <흔들리는 도쿄>는 가장 보편적으로
느껴집니다. 사실 히키코모리가 사회 문제가 된지도 제법 오래 되었고, 국내에서도 TV를 통해 접할 수가 있었기 때문에
히키코모리 자체에서 오는 신선함은 없지만, 히키코모리가 히키코모리를 만나러 간다는 설정은 나쁘지 않았던 것
같습니다. <흔들리는 도쿄>는 숨은 디테일을 찾아볼 수 있는 봉준호 감독 영화다운 느낌도 들지만, 한 편으론 정적과
빛의 사용에 있어 상당히 일본영화 같은 느낌도 받게 됩니다. 물론 여기에는 우리에게 익숙한 일본 배우들이 출연하고
있다는 것도 작용하고 있다고 해야겠네요. 히키코모리 역할을 맡은 카가와 테루유키는 필름 2.0 지난호 기사를 보니
봉준호 감독의 엄청난 팬인 것을 알 수 있었는데(참고로 그는 봉준호 감독 연출에 송강호와 함께 영화를 찍게 되면
당장이라도 배우를 관둬도 여한이 없겠다는 인터뷰를 하기도 했습니다 ㅎ), 히키코모리 라는 것 자체가 워낙에 일본적인
것이라 그렇기도 하겠지만, 별로 외국 감독이 연출한듯한 느낌을 받기 어려웠습니다. 봉준호 감독의 스타일이 너무
완벽하게 배우들에게 녹아들었다고나 할까요? 주연을 맡은 카가와 테루유키는 물론, 아오이 유우나 깜짝 출연한
다케나카 나오토 역시 너무 자연스럽습니다.

카가와 테루유키가 히키코모리를 완벽하게 연기한다면 아오이 유우는 우리가 흔히 알고 있는 그녀의 이미지를 극대화 한
캐릭터를 연기하고 있습니다. 극중 대사에도 나오지만 그냥 '그 하얀 아이'이렇게 묘사될 만큼 별 대사 없이도
무표정하게 바라보는 것 만으로도 장면이 되는 아오이 유우만의 장점이 부각된 영화라고 해야겠네요.
봉테일, 봉준호 감독답게 세심한 연출이 돋보이는 장면들도 많았습니다. 혼자사는 히키코모리를 부각시키기 위해
마련한 집 안의 세트라던가, 그가 처음으로 변화를 겪게 되면서 느끼는 감정들을 세세하게 묘사하고 있습니다.
개인적으로는 미셸 공드리나 레오 까락스의 작품은 다들 그만의 색깔을 느낄 수 있는 장면이나 느낌을 강하게 받을 수
있었는데, 봉준호의 경우 너무 현지화가 잘 된 덕분에 비교적 그만의 느낌을 받을 수 없었다는 것이 아쉽더군요.


1. 이병우의 기타 선율은 이번에도 멋졌습니다~

2. 극중 카가와 테루유키가 휴지를 다 쓰고 남은 동그란 종이를 손바닥에 대어 동그란 자국을 내는 장면이 나오는데,
   <괴물>에서 송강호가 마지막에 괴물을 쓰러트릴때 손바닥에 역시 동그란 자국이 남았던 것이 떠올라 혼자
   재미있어 하기도 했습니다 ㅎ

3. 더 혼자만 알아챘던건 어떤 스치듯 지나간 배우를 알아본 것이었는데. 저는 원래 배우 얼굴 알아보는 것에 있어서는
   매우 민감하게 포착해내는 편이긴 하지만 이번 경우는, 집에와 확인해본 다음에 맞는 걸 알고 저도 놀랄 정도였습니다.
   스포일러가 될까봐 자세히 말할 순 없지만, 갑자기 인물들이 뛰쳐나오는 한 장면이 있는데 그 중 한 명이 본 기억이
   나더라구요. 얼굴이 거의 제대로 나오지도 않은채 약 1~2초 정도밖에는 안나오지만 워낙에 좋아하는 영화에 나왔던
   배우라 단번에 알아볼 수 있었습니다. <혐오스런 마츠코의 일생>에서 마츠코의 남자 중 한 명인 이발소 주인 역할로
   나왔던 배우였는데, 나중에 집에 와서 확인해보니 정말로 그의 필모그래피에 <도쿄!>가 있더라구요(혼자서도
   정말 놀랐음 ;;). 이거야 말로 혹시 아직 안보신 분들 계시다면 한번 찾아보세요. 요건 조금 힘드실 거에요 ^^;

바디 오브 라이즈 (Body Of Lies, 2008)
리들리 스콧과 레오, 그리고 마크 스트롱!

<바디 오브 라이즈>는 개봉 전부터 개인적으로 상당히 기대를 모았던 영화였습니다. 그도 그럴 것이, 장인의 반열에 이미
올랐다 할 수 있는 리들리 스콧이 연출하고 스콜세지의 페르소나가 되면서 매 작품마다 훌륭한 연기를 보여주고 있는
레오나르도 디카프리오, 그리고 항상 선굵고 무게있는 연기를 보여주는 러셀 크로우가 출연한 영화였기 때문이었죠.
더군다나 이 작품은 리들리 스캇과 함께 <아메리칸 갱스터> <블랙 호크 다운>등을 만들어온 주요 스텝들이 고스란히
참여하고 있는 영화라 또 한 번 기대를 갖게 했습니다(특히 <킹덤 오브 헤븐>과 <디파티드>의 각본을 썼던 윌리암 모나한이
이 작품에도 각본을 담당하고 있습니다).
일단 결론부터 간단히 얘기해보자면, 리들리 스캇이 선사하는 장면 장면의 완성도와 <블랙 호크 다운>에 이어 중동을
실감나게 그리는 그 재주는 여전했지만, 무언가 새로울 것 없이 기존 비슷한 영화들에서 보여주었던 이야기들을
다시 한번 반복하는 것 이상의 의미는 없었던 영화가 아닐까 싶습니다. 개인적으로는 리들리 스캇과 레오 모두 좋아하는
감독과 배우이기에 그럭저럭 볼만 했지만요.


영화는 CIA 비밀 요원 로저 페리스(디카프리오)가 전 세계에서 벌어지는 테러의 배후인 알카에다의 알 살림을 쫓으면서
벌어지는 이야기들을 스릴러라는 장르로 풀어내고 있습니다. 이 과정에서 현장 요원인 로저 페리스는 본국의 상사인
호프만(러셀 크로우)에게 지속적으로 지령을 받아 각종 작전을 지휘하게 되는데, 이 둘의 관계는 이 영화의 주된 관계 중
하나로 등장합니다. 현장 요원인 페리스는 어느 정도 선한 의도에서 정보원들의 생명을 존중하고 작전을 수행하는데 있어
신뢰와 우정을 중시하지만, 호프만은 '전쟁에는 희생이 필요하다'라는 말을 반복하면서 미국에게 이로운 것을 위해서는
전혀 다른 것들을 신경쓰지 않는 냉혈한으로 그려집니다. 여기서 조금 아쉬웠던 건 호프만은 사실상 내용상으로 보면
악역이라 할 수 있는데, 그러면서도 한 편으론 가족에게 신경쓰고 러셀 크로우의 불어난 체중처럼 날카롭지 못한 모습을
동시에 보여주면서 아주 냉혈한스러운 인상을 주지는 못합니다. 그래서 이 영화가 좀 더 정치적으로 모호한 영화가 되기도
했구요. 인터뷰를 보니 이 영화는 처음부터 정치적인 입장을 확실히 하기 보다는 단순히 '상황'을 리얼하게 보여주는데에
좀 더 중점을 둔 것이 아닌가 싶더군요.



레오나르도 디카프리오의 연기는 여전히 훌륭합니다. 스콜세지의 작품에 연속으로 출연하면서 이제 디카프리오에게
'이제는 연기파 배우다'라고 굳이 재차 말할 필요가 없어졌죠. 생각해보면 최근 디카프리오의 작품들에서 그는 거의 한번도
말끔하게 면도한 채 등장한 적이 없었던 것 같습니다. 즉 액션이나 스릴러 등 장르에서 좀 더 거친과 강한 캐릭터들을
주로 연기해 왔다는 말도 되겠죠. 로저 페리스를 연기한 디카프리오의 연기는 액션이면 액션, 표정이면 표정 다 수준급
이상이지만 뭔가 계속 반복되는 듯한 느낌이 서서히 들기 시작합니다. 특히 전작인 <블러드 다이아몬드>에서 그가
연기했던 '대니 아처'와 여러 부분 비슷한 느낌을 받을 수 있었습니다. 물론 대니 아처보다 페리스는 덜 활발하고 유쾌한
대신 액션이나 무게감을 더 주기는 하지만요. 개인적으로 <바디 오브 라이즈>에서 디카프리오의 연기는 만족스러웠지만,
이런 비슷한 캐릭터가 한 번 더 반복된다면 그 때 부터는 조금 우려스럽지 않을까 조심스레 생각이 들기도 했습니다.

러셀 크로우의 경우는 알려진 바와는 달리 거의 조연에 가깝습니다(기존에 홍보를 통해 알려진 바로는 마치 디카프리오 VS
크로우 이런 동등한 대결구도인 줄 알았는데 아니더라구요 ^^). 물론 몸무게를 20킬로 이상 불렸다는 것처럼 약간은 나태함이
엿보이면서도 악역스런 캐릭터를 연기하는데 그만의 카리스마를 다 담기에는 조금 심심한 캐릭터가 아니었나 싶습니다
(영화 속에서 크로우의 굴욕 장면이 나오는데, 속으로 불쌍하기까지 하더군요 ㅎ).


개인적으로 이 영화를 통해 가장 멋진 배우를 꼽으라면 '하니'(달려라 하니 아니에요 --;)역할을 맡은 마크 스트롱을
꼽을 수 있겠습니다. 얼핏 보면 샤프한 앤디 가르시아를 보는 듯도 하고, 한 편으론 베르바토프를 연상시키기도 하는
마스크를 갖은 그는 이 영화에서 요르단의 정보 국장인 '하니'를 연기하는데 정보국장이라는 캐릭터가 보여주어야 할
여유로움과 날카로움, 그리고 무서움을 모두 잘 표현해 내고 있습니다. 그의 필모그라피를 뒤져보니 그가 출연했던 영화들
중에 보았던 영화들이 제법 있는데 다들 큰 역할은 아니었는지 그의 얼굴은 하나도 기억이 나질 않네요.
여튼 시종일관 거친 사막과도 같은 곳에서 항상 양복을 입고 포스를 뿜어주시던 그의 연기는 오래 기억에 남을 것 같습니다.

리들리 스콧의 영화답게 몇몇 장면에서는 스케일이 느껴집니다. 헬기가 동원된 액션 씬도 물론이고 총격씬 같은 경우도
헐리웃에서 아마 마이클 만을 제외한다면 가장 수준 높은 총격 액션 씬을 보여주는 그 답게 리얼한 장면을 선사합니다.
일부 액션씬에서는 카메라를 무려 8대나 동원해서 촬영을 했던데 그 만한 노력을 스크린에서 느낄 수 있었습니다.
리들리 스콧과 그의 팀이라서 이 새로울 것 없는 영화가 어느 정도 볼만하지 않았나 싶습니다. 물론 배우들의 연기도 빼놓을 수
없겠구요. 충분히 만족할 만한 영화라고는 볼 수 없겠으나, 그렇다고 그냥 지나치기엔 좀 아쉬운 영화라고 해야겠네요.
전 앞서 언급했던 것처럼 감독과 배우의 팬이라 그럭저럭 즐겼지만요~ ^^;



1. 최근 개봉했던 <이글아이>같은 경우도 그렇고, 핸드폰 쓰기 참 무서워지는 세상입니다.
   핸드폰 하나면 모든게 감시 가능하니 말이죠.

2. 중동과 유럽 각 지역을 배경으로 하는 로케이션 촬영 장면을 즐기는 것도 또 하나의 볼거리입니다.

3. 엔딩에 흐르는 곡은 'Guns n' Roses'의 'If the World'입니다.



  글 / ashitaka (www.realfolkblues.co.kr)

본문에 사용된 모든 이미지의 저작권은 워너브라더스에 있습니다.


   

구구는 고양이다 (グ-グ-だって猫である, 2008)
고양이의 눈으로 인간의 삶을 보다

이번 부산영화제에서 감독인 이누도 잇신과 주연을 맡은 우에노 주리의 GV가 있던 바람에 엄청난 관심을 모으기도 했던
이누도 잇신 감독의 신작 <구구는 고양이다>. 재미있는건 우에노 주리야 영화 팬들 사이에서는 <스윙걸즈> <무지개 여신>
<조제, 호랑이 그리고 물고기들>을 통해 이미 너무도 익숙했던 배우였지만, 국내팬들에게 이토록 큰 인기를 끌게 된 것은
드라마 <노다메 칸타빌레>였다는것. 여튼 개인적으로는 또래의 일본 배우들 가운데 연기력 면에서는 가장 선호하는 배우이기도
하고 (미야자키 아오이에겐 조금 미안한 마음이 ;;;), 이누도 잇신 감독이라고 하면 한 때 쌍수를 들고 찬양의 글을 주절주절
많이도 썼을 만큼 너무도 좋아하는 감독이기 때문에, 이 작품 <구구는 고양이다>가 저에게는 관심을 갖지 않을래야 않을 수가
없는 초 기대작이었죠. 가장 좋아하는 일본 감독과 가장 좋아하는 일본 여배우의 조합이니 뭐 말 다 했죠(만약 미야자키 하야오가
실사 영화를 만드는데 주인공이 미아쟈키 아오이다 라고 한다면, <구구는 고양이다>의 조합이 최고라는데 한 번 더 생각해
보긴 해야겠네요 ^^;). 여기에 한 가지 더 추가하자면 제목에서 부터 알 수 있듯이 고양이가 등장하고 이에 관한 영화이기도
한다는 소식은 저를 엄청난 기대의 바다에 빠지도록 만들어 버렸습니다. 부산영화제때 부산에 있었음에도 그저 인터넷 뉴스를
통해 주리짱의 샤방샤방한 사진만으로 아쉬움을 달래던 시간을 견디고 나니, 바로 얼마지나지 않아 정식 개봉이 되어
드디어 이 영화를 극장에서 만나볼 수 있게 되었습니다.



일단 처음에 포스터나 제목에서 예상할 수 있었던 분위기와는 조금 다른 영화였습니다. 영화를 보기 전에는 이누도 잇신 감독의
전작인 <우리 개 이야기>속 '포치 이야기'처럼 반려 동물과 인간 과의 관계 자체에 대한 슬픈 이야기, 그것 뿐인줄 알았는데
영화는 생각보다 복잡한 삶의 이야기를 다루고 있었습니다.


(다음 이미지가 나오기까지의 글에 내용에 관한 스포일러가 있습니다)




영화는, 처음에는 반려동물을 먼저 하늘나라로 보낸 인간이 겪는 슬픔과 공허함을 보여주면서, 애완동물이 단순히 인간이
주인으로서 자신 만을 위해 갖게 되는 '애완'동물이 아니라, '반려동물'이라는 말처럼 하나의 가족으로서 함께 살아가는 존재라는
점을 다시 한번 전하고 있습니다. 그런데 이 이후부터 주인공 '아사코'가 '구구'를 새로운 식구로 맞이 하면서 부터는
이야기가 조금씩 복잡해 집니다. 일단은 아주 당연한 것이겠지만 '사바'를 떠나보내고 '구구'를 맞이했지만, '사바'의 빈자리를
'구구'가 완벽하게 채워주지는 못한다는 것을 알 수 있습니다. 아사코는 자신도 모르게 구구를 사바로 부르기도 하고,
표현은 하지 않지만 내내 사바에 대한 그리움을 버리지 못합니다. 사바를 떠나보내고 구구가 등장하는 영화의 시점을 봤을때
보통 같으면 구구가 중심이 되어 다시금 완벽한 새출발을 하는 주인공의 모습을 그려나갔겠지만, 이누도 잇신 감독은
새로운 반려동물을 만난 뒤에도 끝내 처음 떠나보낸 '사바'를 잊지 못하고 그리워하는 아사코의 모습을 의도적으로 보여주고
있습니다. 반려동물을 키워보았거나 또는 먼저 보낸 분들이라면 모두들 고개를 끄덕이게 하는 부분이 아니었나 싶네요.

개인적으로 <구구는 고양이다>가 이누도 잇신 감독의 전작들에 비해 조금 아쉬웠던 것은 영화의 이야기가 아사코와
사바 혹은 구구의 이야기로만 진행되는 것이 아니라, 우에노 주리가 맡은 나오미와 그 주변 인물에 대한 이야기가 약간은
지나치게 개입되어 있다고 느꼈기 때문이었는데, 아사코와 사바, 구구의 이야기로만 끌어갔다면 더 호소력 짙은 영화가
되지 않았을까 싶습니다. 나오미의 미래와 남자친구와의 에피소드, 성장 이야기까지 개입이 되면서 영화가 약간은
필요 이상으로 복잡해지고 중심을 잃은 듯한 느낌을 받기도 했습니다. 저 개인적으로는 과감하게 얘기해서 나오미 캐릭터가
없었다고 하더라도 영화가 크게 나빠지지는 않았을 거라고 생각되기도 하더라구요. 물론 입원한 아사코에게 나오미가 남자친구와
그의 새로운 여자친구들 등(공원에 있던 아저씨까지!!)을 동원하여 응원의 메시지를 보내는 장면은 충분히 감동적이긴 합니다.
하지만 이 장면은 완전히 판타지적이기도 한 것 같아요. 영화의 원작이 순정만화인것 처럼 너무 만화적이기도 하구요.

그래서 인지 영화의 후반부에 사바와 아사코가 다시 만나 이야기를 나누는 장면은 너무나도 감동적이었습니다.
개인적으로는 길이길이 남을 만한 대화와 감정이 살아있는 명장면으로 손꼽게 될 만큼, 이누도 잇신 만의 따듯한 감성이 잔뜩
묻어나 있는 아름다운 장면이었습니다. 몇년 전까지 고양이를 키웠던 저로서는 이 장면에서 아니 눈물을 흘릴 수가 없었습니다 ㅠ



(우에노 주리외의 3명의 여자 캐릭터는 영화의 감초역할을 톡톡히 하고 있는데, 이들은 실제 개그 소속사에 소속된
개그 트리오로서 일본 내에서 상당한 인기를 누리고 있는 이들이라고 합니다)

이 영화가 개인적으로 감명깊게 느껴졌던 것은 다름이 아니라 저 역시 아직까지도 사진첩에 예전에 키우던 고양이 사진을
끼우고 다니는 사람이었기 때문이었습니다. 반려동물을 키워보지 않았던 사람들에게는 그저 그런 드라마였던 <우리 개 이야기>
가 그랬던 것처럼 <구구는 고양이다>역시 이런 저로서는 남다르게 느껴질 수 밖에는 없었던 영화였습니다.
특히 제가 키우던 고양이인 '일루'는 영화 초반에 등장하는 '사바'와 너무 비슷하게 생겨서 더더욱 감정이입이 될 수 밖에는
없었는데, 비슷하게 어렸던 시기에 일루를 만나게 되었고, 죽음으로 떠나보내게 되었던 것은 아니지만 먼저 보낼 수 밖에는
없었던 경험이 있던 저로서는, 아사코가 사바를 그리워 하는 이야기가 한 장면 한 장면 의미있게 느껴지더라구요.


(우리 일루(ILLU)사진 ㅠㅠ . 분명히 블로그 옮기면서 일루 사진을 다 옮겨왔었는데 아무리 찾아도 없네요. 하드에도 없고 ;;
 아.....갑자기 슬픔이 와락 밀려옵니다 ㅠㅠ)

저와 일루는 참으로 사연이 많았었기 때문에 아마도 평생 잊혀지지 않을 것 같습니다. 옥탑방에 살 때 저랑 둘이서
티격태격하면서 지냈었는데 정말 싸우기도 많이 싸웠고 둘이서 놀기도 많이 놀았었거든요. <우리 개 이야기>를 볼 때도
그랬었지만 <구구는 고양이다>를 보고 있노라니, 하나 하나 어찌나 저와 일루의 이야기 같은지 중간 중간 울컥하는 걸
겨우겨우 참으며 봐야 했습니다. 이사를 가게 되고 다시금 상황이 좋아지면 저도 다시 고양이를 키워보고 싶지만,
아마도 평생 일루를 잊지는 못할 것 같아요. 영화 속 아사코가 그랬던 것 처럼 말이죠...



국내에는 우에노 주리가 앞서 언급했던 것처럼 <노다메 칸타빌레>를 통해 큰 인기를 끌다보니 우에노 주리가 마치 단독 주연인
것처럼 홍보가 되었지만, 막상 뚜껑을 열어보니 우에노 주리는 주조연에 가까웠고 실제적인 주인공은 아사코 역할을 맡은
고이즈미 쿄코였습니다. 너무나도 일본스럽고 여성스러운 목소리도 인상적이었고, 그녀의 깊은 내면연기 덕에 극에 깊게
몰입될 수 있었습니다. 영화를 보고 난 뒤 알게 된 사실이지만 그녀는 80년대 일본에서 큰 인기를 끌었던 아이돌
가수 출신이더군요. <춤추는 대수사선>에도 출연했었다는데 잘 기억이 나질 않네요 ^^;

우에노 주리는 밝고 명랑한 모습과 진지한 청춘의 모습을 모두 잘 연기해 냅니다. 노다메처럼 아주 왈가닥은 아니지만 절로
웃음지게 될 만큼 발랄한 모습도 선보이는 동시에, 마치 <무지개 여신>에서 처럼 자신의 미래와 남자친구와의 관계 속에서
진지하게 고민하는 모습도 보여주고 있습니다. 이것이야말로 우에노 주리만의 장점이라 할 수 있을 것 같네요.

이누도 잇신 감독의 따뜻한 감성 세계는 이번에도 저를 감동시켜 버린 것 같습니다. 이누도 잇신은 확실히 소소하고 보편적인
생활 속에서 깊은 감동을 이끌어내는 재주가 탁월한 감독임을 다시 한번 확인해주었습니다. 순정만화를 원작으로 하고 있는 만큼
순정만화스러운 감성과 직접적인 장면들도 등장하지만, 판타지와 생활의 접점을 잘 알고 있는 이누도 잇신은 이번 영화 역시
너무도 이누도 잇신 스러운 영화 한편은 또 내놓은 듯 합니다.
우에노 주리의 단독 주연을 예상하셨던 분들은 좀 더 생각해 보셔야 될지 모르겠지만, 이누도 잇신 감독의 전작들을 사랑하시는
분들이나 일본 영화의 소소한 감성들, 그리고 무엇보다 고양이나 반려동물에 대한 추억이 있으신 분들께는 강추 할만한
영화가 아닐까 싶습니다~



1. 영화 음악도 상당히 좋았습니다. 특히 영화 속 포크 밴드의 곡들도 상당히 좋더군요. OST를 찾아봐야 할 것 같네요~
2. 영화 속 배경이 된 장소인 '기치조지'는 얼마전 친구가 신혼여행을 다녀왔던 곳으로 여행 사진들을 주의 깊게 보았던터라
    조금은 익숙한 곳이었는데, 이 영화를 통해 다시 한번 꼭 한번 가야할 곳으로 제 뇌리에 등록완료 되었습니다 ^^
3. 영화 속엔 조금은 쌩뚱맞게 느껴지는 외국인이 등장하는데, 그는 다름아닌 메탈밴드 '메가데스'의 전 기타리스트인
   마티 프리드먼입니다. 그는 현재 일본에 거주하고 있는데 록 팬들에게는 그의 출연이 색다른 재미가 되지 않을까 싶습니다.
4. CJ가 단순히 배급/수입만 한줄 알았는데 제작에도 직접 참여를 했더군요.
5. 고양이 키우시는 분들은 무조건 봐야 해요.




  글 / ashitaka (www.realfolkblues.co.kr)

본문에 사용된 모든 이미지의 저작권은 CJ엔터테인먼트에 있습니다.


   

 

이글 아이 (Eagle Eye, 2008)
시작이 좋았던 킬링 타임 무비

사실 D.J.카루소 감독의 전작인 <디스터비아>를 보지 못했기 때문에 감독의 대한 기대감은 거의 없었고,
스필버그가 제작했다는 정보도 뭐 '제작'일 뿐이니 크게 신경쓰지 않았고, 샤이아 라포프에 대한 기대는 어느 정도
있었던 영화였습니다. 스필버그가 정말 제대로 밀어주고 있는 이 젊은 배우가 아직까지 연기로서 무언가 큰 몰입감을
준 적은 없었다고 생각되는데, 결론부터 얘기하자면 <이글 아이>에서 그가 보여준 연기는 지금까지의 연기했던
캐릭터들 가운데는 가장 괜찮았던 연기라고 생각되네요. 영화는 2시간 가까이 되는 러닝타임 동안 내내 몰아치는데,
킬링 타임 영화로서는 전혀 손색이 없는 괜찮은 영화라 할 수 있을 것 같습니다. 이미 많은 리뷰에서 등장했던 것처럼
D.J.카루소의 영화는 전작 <디스터비아>도 그렇고(앞서 언급했던 것처럼 저는 못봤습니다만 ^^;), 히치콕의 영향을
상당히 많이 받은 것을 알 수 있는데, 구성이나 모티브는 히치콕에서 가져온 것이 분명하지만, 그 짜임새나 연출력에서는
아직은 아쉬운 점이 많은 점을 느낄 수 있었습니다.

(아래 한 단락에 내용에 관한 스포일러가 있습니다)




이 영화는 오인을 받은 주인공이 어떤 일들을 겪고 어떻게 벗어냐느냐가 주된 구성이라 할 수 있는데, <이글 아이>에서
주인공이 오해 받는 사건은 엄청난 테러범으로 오해받는 것이고, 누구인지도 모를 여성에게 지령을 받아 그녀의 대업을
하나하나 완성해 가던 제리 쇼는 이 과정 속에서 이 거대한 음모의 뒤에 '누가'아닌 '무엇'이 있는지를 알게 됩니다.
일단 결과적으로 보았을 때 이 음모의 주인공이 '아리아'라는 컴퓨터라는 것을 너무 일찍 밝혔던 게 후반부의 단점 중 하나가
아니었나 싶습니다. 영화의 후반부를 보았을 때 이 존재가 밝혀진 다음에는 이렇다하게 세밀하게 이야기를 진행하지 못하고
있어 더더욱 그런 것 같기도 하구요. 사실 살짝 스포일러성 정보를 미리 알고 갔던 것도 있지만, 그렇지 않더라도 이런 류의
영화들을 여럿 보아왔기 때문에 음모의 주인공이 '컴퓨터'일 것이라는 것은 어느 정도 예상할 수 있었는데,
어차피 새로운 이야기가 아니라면 그 디테일한 구성이나 과정의 세밀함에 좀 더 주의를 기울였어야 했는데, 결정적으로
그렇게 엄청난 무소불위의 권력을 좌지우지하는 인공지능 컴퓨터 '아리아'의 보안 체계가 너무 허술하다는 것이
가장 헛점이 아니었나 싶습니다. 그리고 엄청난 정보량을 통해 선택된 두 인물 가운데 쌍둥이인 제리 쇼야 어쩔 수 없다고해도,
미셸 모나한이 연기한 '레이첼'같은 경우는 아들이 주요인물들이 모이는 국회에 관련된 인물이라고는 하지만, 
도대체 제이슨 본 급의 그 엄청난 운전 실력은 어디서 나온 건지가 잘 모르겠더군요. 그녀에게 어떤 과거가 있어서 그런건가도
싶었는데 영화 속에서는 설명되지 않았던 것 같구요. 여튼 시작은 매우 창대했으나 음모의 정체가 밝혀진 다음부터는
얘기가 많이 싱거워졌던 것 같습니다. 원래 이런 류의 영화는 정체가 밝혀지고 나면 '와!'하는 탄성과 함께 '이거 놀라운데?'
하는 생각이 들어야 성공인건데, 앞서서 신나게 몰아붙이면서 겁을 줬던 것에 비하면 조금은 허무한 결말이라 아쉽기도
하더라구요. 맨 마지막에 두 주인공이 야릇한 눈빛을 교환하길래 속으로 '만약 둘이 키스라도 한다면 이건 정말 아닌데'하고
생각했었는데 다행히 키스까지는 아니었지만, 그 눈빛만으로도 영화를 이상하게 만들어버리는 경향이 있었던 것 같습니다.
이 영화를 통해 좋았던 건, '아리아'가 처음 가졌던 생각은 그나마 덜 미국적이었다는 것을 들 수 있겠습니다. 테러범일 확률이
겨우 51% 밖에 되지 않아도 무참히 타지에서의 그야말로 '테러'를 범하고(결국 민간인이었죠), 자신들이 만든 인공지능 컴퓨터의
말도 필요할 땐 결국 자신들의 생각대로 하고야 마는 미국의 무소불위 권력에 조그마한 경종을 울리려 했었다는 것이죠.
정말 '아리아'가 처음 미국정부의 모순을 지적했던 그 마음(?)으로 결국 정부 주요요인들이 모인 곳에서의 테러가 진행되고,
제리 쇼도 마치 '다크 나이트'처럼 테러범으로 오인되어 목숨을 잃고 마는(전 죽은 줄 알았었는데, 팔만 다친채 멀쩡이 나와서
조금 놀랐었습니다;;)것으로 마무리 되었다면 오히려 좀 더 생각해 볼 만한 영화가 되지 않았을까 생각해봅니다.




이 영화에 대한 정보를 전혀 얻지 않고 극장을 찾았었기 때문에 샤이아 라보프 외에는 출연 배우들에 대해 전혀 모르고
보게 되었는데 미셸 모나한의 연기는 뭐 그럭저럭 괜찮았던 것 같습니다. 이제는 로맨스의 주인공보단 아이를 갖은 어머니의
모습이 더 잘어울리는 그녀의 모습에 짧은 아쉬움도 들더라구요. 출연하는지 조차 몰랐던 빌리 밥 손튼의 경우 뭐 특별할 만한
점은 없었던 것 같고, 더더욱 몰랐던 로사리오 도슨과 <판타스틱 4>에 모습이 아직 더 익숙한 마이클 쉬크리의 연기는
나쁘지 않았던 것 같습니다. 마이클 쉬크리 같은 경우 <판타스틱 4>의 그 돌덩이(?)에만 익숙했던 터라 이런 진중한 캐릭터가
사뭇 어색하게도 느껴졌지만 의외로 잘 어울렸을 정도로 괜찮은 연기였다고 생각되고, 로사리오 도슨의 경우 워낙에 강한
캐릭터로 등장했던 영화들을 많이 봐왔었기 때문에 이런 심심한 캐릭터에선 그녀의 매력을 다 뽐내기엔 많이 부족하지 않았나
싶습니다.

앞서 언급했던 것처럼 주인공 샤이아 라보프의 연기는 주인공 다운 비중을 느낄 수 있었습니다. <이글 아이>에서도
아직까지는 '어린' 캐릭터를 완전히 벗어나지는 못했지만(하긴 어린 성인(?)의 캐릭터는 그야말로 샤이아 라보프 만이
연기할 수 있는 영역인지도 모르겠네요), 극을 완전히 이끌 만한 포스는 충분히 보여준 것 같습니다.
뭐 워낙에 헐리웃 최고의 영향력을 가진 스필버그가 밀어주는 창창한 앞날이 보장된 젊은 배우이니, 앞으로 걱정은 하지
않는데 이 기회를 좀 더 멋지게 활용했으면 하는 바램은 드네요 ^^


만약 시니컬하고 굉장히 암울한 이야기를 만들기 좋아하는 감독이 이 시나리오를 영화화 했다면 좀 더 괜찮은 영화가
되지 않았을까 하는 개인적인 바램이 남습니다. 9.11 이후 헐리웃 대테러 영화에서 보여주었던 바로 그 '무기력'함을
좀 더 제대로 보여주는 영화가 되었으면 더 좋았을껄 하는 바램말이죠. 그래도 이런 때깔 좋은 디지털 영화스럽지 않게
아날로그적인 액션 장면들은 괜찮았던 것 같습니다.

토요일 오후에 오랜만에 극장에 가보았는데 관객들이 (아이들을 포함해서)상당히 많았었는데, 킬링 타임용 영화로서는
별 손색이 없는 '재미'있는 영화였던 것 같습니다.
개인적으론 거의 3주 가까이 영화를 제대로 보지 못했었기 때문에, 다시금 스타트 하는 입장에서 부담없었던 영화이기도
했구요 ^^;

  글 / ashitaka (www.realfolkblues.co.kr)

본문에 사용된 모든 이미지의 저작권은 드림웍스 픽쳐스에 있습니다.


   

1. 그동안 지난 주에 부산에서 열렸던 블루레이 영화제, 그리고 이번주 2008 한국 전자전 참여 관계로 정말 바쁘게 지냈습니다.

2. 영화제에 비하면 전자전은 육체적으로 정말 훨씬 힘들더군요. 4일 동안 하루 종일 내내 서서 일했더니
   도우미 언니들의 고충을 조금이나마 이해할 수 있었습니다 ;;

3. 전자전도 끝나고, 약 한 달 동안 이 두 가지 프로젝트를 위해 출근을 했었는데, 이제 다시 자유인(?)으로 돌아왔네요.

4. 그 동안 몸이 피곤한 것도 견디기 힘들었지만, 무엇보다 영화를 거의 보지 못한 것이 가장 견디기 힘들었었는데,
   오늘 <이글 아이>(디지털)관람과 내일 <구구는 고양이다>의 관람으로 다시금 영화를 예전처럼 보기 시작할 것 같습니다 ㅎ

5. 약간 쉴틈이 생기긴 했지만 바로 다다음주 에는 씨네아트 블로그에서 진행하는 '블로거 정기 상영회 - 블로거, 영화를 다시
   만나다'가 준비중입니다. 자세한 사항은 '여기'를 클릭해주세요 (참고로 제가 추천한 <파 프롬 헤븐>추천글이 오타가 많아서
   현재 수정중입니다 ^^;;)

6. 한 동안 업데이트를 하지 못했는데, 그간 제 블로그를 꾸준히 찾아주신 분들을 위해서라도(업데이트가 없음에도 매일 
   방문자수가 일정해서 오히려 미안해지기 까지 하더라구요 ^^;), 앞으로 열심히 블로깅을 하도록 하겠습니다~

이번 행사는 잘 아시는 것처럼 서울이 아닌 부산에서 열린 행사였습니다. 이번 행사가 갖고 있는 가장 의미있는 점이라면
기존 블루레이 관련 행사들처럼 일부 마니아나 기존 유저들을 대상으로한 행사가 아니라, 블루레이를 잘 모르는 일반 관객들,
시민들을 대상으로 한 행사라는 것인데, 그렇기 때문에 무료상영을 통해 일반 관객들을 더 많이 극장으로 불러 모으려고
의도했던 것이고, 단순히 영화제 뿐 아니라 로비에서 블루레이 시스템을 전시한다던가 영화 시작 전에 간단한 정보 전달과
이를 이용한 퀴즈 시간 등을 갖기도 했었습니다(이에 대해서는 후반 부에 더 자세히 남기도록 하겠습니다).

더 많은 분들이 이 행사에 관심을 갖게 하려고 부산 지하철 2호선 전동차 내에 광고도 하고, 극장 주변과 극장 내에도 홍보
포스터를 여기저기 부착하는 작업을 미리 해두었습니다. 영화제 첫 날에는 직접 박사장님과 백준오님 그리고 저 이렇게
세사람이서 극장 밖으로 나가 영화제 전단지를 지나가는 시민들께 나눠드리며 홍보를 하기도 했었죠.


앞서 잠시 언급했던 것처럼 이번 행사는 단순히 영화제 뿐만 아니라 극장 로비의 넓은 공간을 이용해 삼성, 소니, 엘지,
플레이스테이션 3, 야마하 등 가전 업체들이 직접 참여해 블루레이 시스템을 체험해볼 수 있는 기회 또한 마련되었습니다.
B1500, S350, BD300 등 각 사의 블루레이 플레이어를 통해 직접 최신 타이틀을 52인치 풀HD 디스플레이로 만나볼 수가
있었는데 많은 분들이 지나가시며 관심을 가져주셨습니다. 씨너스 해운대 점에는 여유 공간이 많음에도 매점 외에는
이렇다할 눈길을 끄는 것들이 없어서 대형 디스플레이를 통해 최신 블루레이를 만나볼  수 있는 이 공간이 주목을 받았었는데요,
나중에 행사가 끝나고 철수할 때 시너스 점장님께서 '그동안 이것들(블루레이 전시부스)이 있어서 좋았었는데...'하면서
아쉬워 하시더라구요. 행사에 참여한 각 가전 회사들이 서울서 바리바리 싸온 각종 기기들이 그래도 조금은 효과를 거두긴
했지만, 좀 더 많은 분들께 홍보되지 못한 점이 조금 아쉽기도 했습니다.


이번 행사에는 야마하 부스가 독립적으로 전시되었는데, 블랙 스크린을 통해 감상하는 고화질의 콘서트 블루레이 영화와 더불어
7.1채널로 즐기는 사운드는 미처 극장에서 영화 감상까지는 못하셨던 분들에게 잠깐이나마 블루레이의 장점을 알렸던 부스가
아니었나 싶습니다. 저도 시간을 내서 그룹 Queen의 라이브 타이틀과 샤키라의 라이브를 감상하였는데, 확실히 좋은 시스템으로
감상하니 집에서 관람했을 때와는 차원이 다른 화질과 사운드를 전해주더군요. 저도 나중이 되긴 하겠지만 뽐뿌를 받을 수
밖에는 없었습니다 ㅎ 개인적으로는 블랙 스크린을 통한 프로젝터 상영은 거의 처음 보게 되었는데 화이트 스크린을 통해
상영될 때 보다는 확실히 깊이있는 블랙의 표현을 느낄 수 있었습니다.


삼성과 LG에서는 풀HD 디스플레이를 통해 최신 블루레이 타이틀을 계속 상영하였고, 소니에서는 블루레이 상영 외에
자사의 DSLR 카메라와 풀HD 캠코더를 들고 나와 디스플레이와 연동하여 또 다른 볼거리를 제공하기도 했습니다.
또한 플레이스테이션 3를 통한 게임 부스도 마련이 되었는데, PS3 게임 타이틀인 '모터스톰'과 '철권'을 직접 플레이해볼 수
있었습니다.


지금까지 극장 로비에 마련된 블루레이 시스템에 대해 스케치 해보았다면 이제부터는 본격적으로 영화제에 관련된 이야기들을
해보도록 하겠습니다. 이번 영화제는 영화 컨텐츠 자체가 갖는 매력보다는 블루레이라는 매체가 갖는 우수성과 블루레이를
극장의 400인치 대형 스크린으로 상영했을 때 어떤 퀄리티를 보여줄까 하는 궁금증을 넘어선 자신감을 홍보하기 위한
자리였습니다. 저도 지난번 상암 DMC에서 블루레이 상영회를 했을 때 극장 상영을 본 적이 있긴 했지만, 이번 영화제처럼
고전 영화, 최신 영화, 액션 영화 등 다양한 블루레이 여러 편을 극장에서 보게 된 것은 처음이었는데, 정말 그 화질의 우수성은
놀라웠습니다. 일단 필름 상영보다는 월등이 뛰어난 화질을 보여주었고, 디지털 상영과 비교하여도 뒤지지 않는 화질과 음질을
들려주더군요.

사진은 첫 날, 첫 회 영화 상영 전에 무대에 올라 직접 이번 행사의 의의와 블루레이에 관해 설명하고 계시는
박사장님의 모습입니다. 이후에는 주로 백준오님이 맡아 간단한 블루레이에 관한 설명과 퀴즈를 통한 경품 증정의 시간을
가졌었죠(그렇다면 저는 그 동안 뭘 했느냐? 극장의 다른 관에 몰래 들어가 최신 상영작을 감상하였느냐? 아닙니다 ;;
부산에 갔음에도 부산 영화제 영화는 한 편도 못보았고, 씨너스에서 하는 다른 일반 상영작도 하나도 볼 시간이 없었어요 흑...
저는 그 동안 백준오님이 퀴즈 낼 때 경품 전달 도우미로 나서거나, 이후에는 주로 영사실에서 직접 타이틀을 상영하는 일을
맡아 나름 정신없이 보냈습니다 ^^;;)


위의 사진은 <색, 계> 상영 전에 모습인데요, 이번 영화제에는 앞서 말씀드렸던 것처럼 모든 상영 회차마다 영화 상영 전에
폭스에서 제작한 블루레이 홍보 영상과 역시 폭스와 소니에서 제작한 블루레이 예고편 상영이 있었고, 그리고 이후에는
블루레이와 이번 영화제에 관한 간단한 설명과 퀴즈와 추첨을 통한 경품 증정 시간을 가졌습니다. 처음에는 블루레이 관련
퀴즈를 내면 몇몇 분들만 손을 드셨는데 회차가 거듭될 수록 소문이 나는 것 + 중복 관람하신 분들 덕에 나중에는 제법 경쟁이
치열해질 정도로 적극적으로 퀴즈에 참여해 주셨습니다. 회차마다 다섯에서 여섯, 일곱 개 정도의 문제를 내고 나머지는
추첨을 통해 경품을 증정하였는데, 여러 차례 관람하신 분들께서는 다른 건 기억나지 않으시더라도 블루레이의 용량이
몇 기가인지, 블루레이가 DVD에 비해 몇 배 뛰어난 화질을 보여주는지, 블루레이는 몇 P 화질을 지원하는지 등은 아마도
깊이 각인되지 않았을까 싶습니다 ^^; (백준오님은 회차가 거듭될 수록 퀴즈를 낼 만한 것이 없어서 많이 고민하셨다는 ㅎ)


위의 사진은 영화 상영 전에 보여드렸던 폭스에서 제작한 블루레이 홍보 영상 디스크의 메뉴 화면과 한 장면입니다.
이 디스크에는 <점퍼> <히트맨> <다이하드 4.0> 등 블루레이 타이틀의 예고편들과 한국어 더빙이 포함된 홍보 영상이
수록되었는데, DVD와의 화질 비교화면도 그렇고 블루레이라는 매체를 일반인들에게 알리는 데에 효과적이었던 것 같습니다.
저도 나중에는 외울 정도로 익숙해지긴 했지만 그 박진감 넘치는 사운드와 선명한 화질은 블루레이라는 매체의 매력을
잘 보여주고 들려주었던 것 같습니다. 제가 직접 영사실에서 상영 전에 예고편과 홍보 영상을 선택해 가며 틀고는 했는데,
왠지 진짜 영사기사가 된 기분마저 들더군요 ㅎㅎ


사진으로는 다 담을 수 없었지만, 극장의 대형 스크린으로 보는 블루레이의 화질은 정말 좋았습니다. <괴물>같은 경우는
극장 상영시에도 디지털로 감상하였었는데, 지하 하수구에서 더렵혀진 현서의 얼굴이 클로즈업 되는 장면에서는
블루레이 만의 고화질이 스크린에서도 전혀 누수없이 그대로 표현되는 것을 눈으로 확인할 수 있었습니다.
<스피드 레이서>같은 경우 극장 상영시에는 아이맥스 포맷으로 감상하였었는데 정확한 비교는 어렵겠으나 최고의 화질을
선사하는 타이틀인 만큼 스크린으로 보는 블루레이 영상도 매우 매력적이었습니다.  <괴물>의 디테일이나 <스피드 레이서>의
화려한 영상, <블레이드 러너 : 파이널 컷>의 놀라운 복원 화질을 보니 개인적으로는 다음에 또 블루레이를 극장에서 상영할
기회가 있다면 애니메이션 타이틀을 한 번 상영했으면 좋겠다 하는 생각이 들더군요. 블루레이가 더욱 활성화 되어 다음에도
또 이런 기회가 생긴다면 애니메이션도 한 편 정도 볼 수 있었으면 좋겠습니다.


이번 블루레이 영화제에서 가장 중요 행사를 꼽으라면 첫 날 <색, 계>상영 이후에 있었던 김영진, 이동진 영화평론가가
참여한 관객과의 대화를 들 수 있을 것 같습니다. 사실 많은 영화제에서 GV를 참여해 보았으나 이번 경우처럼 영화 제작에
직접적으로 관련된 감독이나 배우, 스텝들이 참여하지 않은 채 평론가만 함께한 관객과의 대화는 처음이었는데, 그래서 어떻게
진행될지 궁금하기도 우려되기도 하였으나 결과적으로는 두 분께서 다양하고 흥미로운 얘기를 막힘없이 해주셔서
긴 시간 동안 지루하지 않게 진행될 수 있었던 것 같습니다. 사실 두 분께서는 이번 블루레이 영화제 행사 외에도 부산 영화제
관련한 많은 행사에 진행 및 참여를 하신터라 바쁘신 가운데도 관객과의 대화를 위해 긴 영화를 다시 한번 감상하시는
성의도 보여주셨습니다(이걸 굳이 쓴 이유는 사실 이런 경우가 많지 않기도 하지만, 이 정도 스케쥴에 이미 본 영화를 소개하는
자리라면 영화는 패스하고 GV만 참여하는 경우도 많기 때문에, 이런 것도 작은 성의로 느껴지더라구요 ^^;).



이번 GV를 기획하면서 가장 우려가 되었던 점 중 하나는 두 분이 어떻게 이야기를 끌고 나갈 것인가 보다도, 관객들의 질문이
얼마나 활발하게 진행될 것인가 하는 것이었는데 이런 우려는 그저 기우에 불과했습니다. 사실 감독이나 배우가 참여한 것도
아니었기 때문에 다른 GV처럼 질문이 활발하게 진행될지가 걱정이었는데, 많은 분들이 영화 자체에 대한 질문들도 거침없이
해주시고 자신의 의견에 대한 두 평론가의 견해를 묻는 질문들도 주셔서 나중에는 시간 관계상 질문을 끊어야 할 만큼
성황리에 진행된 행사였습니다. 사실 저도 질문자가 부족할 때를 대비해서(개인적으로는 그렇지 않더라도 꼭 질문을 하고
싶었지만 흑) 약간 센 질문을 하나 준비했었는데 시간 관계상 결국 질문을 하지 못하고 말았네요. 나중에 회식 자리에서라도
기회가 되면 질문과 대화를 나누고 싶었는데 자리가 나뉘는 바람에 결국 하지 못하는 개인적 아픔도 있었습니다 ^^;


영화제를 기획하고 상영작을 선정하는 과정에서 제가 다시 보고 싶은 작품들도 적극 추천을 하였고, 여러가지 여건들을
고려한 끝에 아래의 라인업이 완성되었는데요, 일단 간단히 살펴보자면 <블레이드 러너 : 파이널컷>을 제외한 모든
영화들은 블루레이로는 처음 상영되는 작품들이고, <곤 베이비 곤>이나 <28주 후> <호스텔 2>같은 영화들은 개봉관에서
상영되지 못한 작품들로 이번이 국내 최초 극장 상영인 영화들이기도 했습니다. <어크로스 더 유니버스> <샤인 어 라이트>
같은 작품들은 일부 소수관에서만 개봉이 된 터라 지방 분들께서는 극장에서 보시기에 쉽지 않았던 작품이기도 했구요.


저는 개인적으로 첫 날은 <괴물>을, 둘 째날은 <지구에서 2천만 마일>과 <샤이닝>을 그리고 마지막 날에는 <스피드 레이서>를
풀로 감상하였습니다. 물론 몇몇 영화들은 조금 씩 관람하거나 아니면 영사실에서 슬쩍 슬쩍 보긴 했지만, 행사 진행과
시간 관계상 더 많은 영화들을 볼 수는 없었네요. <괴물>의 경우 극장 상영 때에도 5번 이상 관람하였고 DVD와 블루레이로도
여러 차례 감상하였지만 오랜만이라 그런지 또 새롭게, 그렇게 관람하였습니다 ㅎ <샤인 어 라이트>의 경우 콘서트 영화라는
특성에 걸 맞게 몇몇 외국 분들도 보였고 영화 팬들이라기 보다는 롤링 스톤스의 팬들로 보이는 분들도 여럿 보이는 흐뭇한
객석의 풍경이었습니다. 개인적으로는 <블레이드 러너 : 파이널컷>은 지난번 상암 DMC에서 상영했을 때 블루레이로
관람을 했었기 때문에 이번에는 <샤이닝>을 선택하였는데, 아...<샤이닝>을 스크린으로 볼 수 있는 이번 기회가 얼마나
소중한 기회였는지 영화를 보고나니 단번에 느낄 수 있었습니다. 워낙에 인상적인 영화이기도 하지만 TV화면으로 볼 때와
극장 스크린으로 볼 때와는 전혀 다른 영화가 된 다는 당연한 진리를 이번 기회에 다시 한번 새삼 깨달을 수 있었던
경험이었습니다. 극중 잭 니콜슨의 아들이 넓은 복도를 작은 자전거를 타고 다니는 장면이 있는데, 이 장면이 얼마나 멋지고
훌륭한 장면인지는 스크린으로 볼 때야 비로서 진정 느낄 수 있었습니다. 물론 이 외에도 왜 이 영화가 훌륭한 영화인지
스크린으로 보니 단번에 느낄 수 있었지요. 그 동안 <샤이닝>을 극장에서 볼 수 있었던 기회가 전혀 없던 저로서는 이번
영화제를 통해 가장 의미있는 영화를 꼽으라면 바로 주저없이 <샤이닝>을 꼽을 정도로 인상적인 감상이었습니다.

<블레이드 러너 : 파이널컷> 상영에는 역시 많은 분들이 찾아주셨습니다. 워낙에 유명한 영화이고 파이널컷의 상영 기회가
그리 많지 않다보니(계속 이번이 마지막이다 라고 하면서 계속 추가되는 경향이 있긴 하죠 ^^;;)많은 영화 팬 분들이
극장을 찾아주신 것 같습니다. 3일 째 되는 날은 당일날 오후에 롯데와 삼성이 준플레이오프 경기가 있기도 하고,
마지막 날이라 많은 분들이 찾아주실까 하는 걱정이 있었는데, 생각 외로 아주 많은 분들이 극장을 찾아주셔서
놀랍기까지 했습니다. <어크로스 더 유니버스>같은 경우는 오전 10시라는 이른 시간에도 불구하고 많은 분들이 찾아주셨고,
미개봉작인 <곤 베이비 곤>(이 영화는 제가 보고 싶어서 추천했던 영화였는데 결국 저는 보질 못했네요;)도 그렇고,
특히 <호스텔 2>같은 경우는 잔인한 영화임에도 불구하고 많은 분들이 찾아주시는 의외의 결과에 사뭇 당황스럽기도
했습니다 ^^;;


처음 영화제를 기획 할 때는 부산영화제를 찾는 많은 영화팬 분들이 블루레이 영화제를 찾지 않을까 하는 기대가 컸던 것도
사실이었는데, 영화 팬 분들도 많이 찾아주셨지만 영화제가 계속 될 수록 일반 분들이 더 많이 찾아주셔서 의미있었던
행사였던것 같습니다. 많은 분들이 이번 기회를 통해 블루레이라는 것에 대해 알게 되고, 많은 분들께 블루레이 타이틀 및
플레이어 등 경품을 나눠드리게 되어 더 많은 분들이 블루레이로 입문하게 되는 계기가 되었길 바랍니다. 실제로 블루레이
타이틀을 경품으로 받아가신 분들 중 대부분의 분들은 블루레이 플레이어가 없는 분들이었는데 그 분들께 그 경품이
어떤 용도로 사용될지 사뭇 궁금해지기도 합니다 ^^;


개인적으로는 처음으로 운영진으로 DP와 함께한 행사였기에 더욱 뜻깊었고, 무엇보다 영사실에서 직접 영화를 상영하고
제어하는 일을 직접 제 손으로 해 본 것이 가장 의미있는 일이었습니다. 처음 있는 블루레이 영화제였기에 아쉬운 점도 있고,
많은 분들이 찾아주시긴 했지만 좀 더 홍보가 되었다면 더 많은 분들이 찾아주시지 않았을까 하는 아쉬움도 들었던 행사이기도
했습니다.

이번 행사를 위해 한 달 전부터 잠 못 주무시고 고생하신 운영자님과 백준오님, 그리고 도움주신 가전 업체 관계자 분들과
소프트 업체 관계자 분들께 감사의 말씀을 드립니다.

그럼 10월 14일~17일 동안 진행되는 2008 한국 전자전에서 만나요~~

비몽 (悲夢: Dream, 2008)
애증, 그리고 꿈

김기덕 감독의 열 다섯 번째 작품이자 오다기리 죠, 이나영의 캐스팅으로 화제가 되기도 했던 <비몽>.
사실 김기덕 감독의 작품을 그리 좋아하는 편은 아니지만 그레도 <악어>부터 시작해서 <파란대문> <실제상황>
<나쁜 남자> <해안선>등 예전 작품들을 주로 보았던 것 같고 이들 작품들에서 그리 큰 매력을 느끼지는 못했었기
때문에 최근 화제를 불러모았었던 <빈 집>이나 <숨> <사마리아>같은 영화들은 제대로 챙겨보질 못했던 것 같습니다.
하지만 이번 <비몽>을 쉽게 넘기기 어려웠던 것은 역시나 캐스팅 때문이라고 할 수 있을 것 같습니다.
어느 인터뷰 & 기사를 보니 스타 배우라 할 수 있는 오다기리 죠와 이나영의 캐스팅은 김기덕 영화가
대중들과 소통을 원하는 하나의 방식이라고 할 수 있겠는데, 나처럼 김기덕 영화에 대해 어느 정도 거리를 두었던
사람들마저 극장으로 불러오는 효과를 거두웠으니 어느 정도 이 소통방법이 통했다고도 볼 수 있을 것 같네요.
결과적으로 <비몽>은 김기덕 감독이 말하고자 하는 이야기와 스타일은 여전하지만, 오다기리 죠와 이나영이라는
스타의 캐스팅으로 대중들에게 한 걸음 더 다가가고자 노력한 시도가 엿보인 작품이며, 그 시도의 결과는 당연하게도
각자마다 틀려질 수 밖에는 없는 영화라고 할 수 있을 것 같습니다.


일단 영화의 기본 줄거리가 대충 이렇습니다. 극중 오다기리 죠는 헤어진 연인을 그리워 하며 매일 꿈을 꾸는데,
오다기리 죠가 꾸는 꿈은, 반대로 연인을 떠나버린 이나영에게 작용하게 되고, 오다기리 죠의 꿈이 이나영에게 몽유병으로
전달되게 됩니다. 즉 오다기리 죠는 꿈 속에서 그리도 만나고 싶던 헤어진 연인을 만나지만, 이 꿈이 이나영에게 몽유병으로
옮겨오면 이나영은 자신이 스스로 떠나보낸 증오만 남은 연인에게 매일 새벽 찾아가 사랑을 나누게 되는 것으로
이어지게 되는 것이죠. 이렇게 비현실적인 표면적인 설정을 더하고 있는 것은 바로 오다기리 죠의 일본어 대사를 들 수
있습니다. 극 중에서 오다기리 죠는 일본어를 그대로 사용하는데 배경이 되는 대한민국의 모든 인물들과의 의사소통에는
전혀 문제가 없습니다. 즉 오다기리 죠가 일본어로 말하면, 이를 받는 한국사람들은 한국어로 대답하는 형식이지요.
만약 한 사람의 꿈이 다른 사람에게 몽유병으로 연결된 다는 설정이나, 일본어와 한국어로 자유롭게 의사소통하는
설정을, 그대로 넘기지 못하면 이 영화는 매우 불편한 영화가 될지도 모르겠습니다.

하지만 김기덕 감독의 <비몽>에서 이런 것들은 별로 중요한 요소가 아니라고 할 수 있습니다. 이건 그냥 영화에
묵시적인 약속이라고 할 수 있는 것이지요. 비현실적이지만 일본어와 한국어로 자유롭게 대화하는 기본 설정은 묘한
분위기 외에도 영화가 말하고자 하는 소통과 사랑과 증오의 가까움, 여러 사람이 결국은 한 사람이나 마찬가지라는
메시지와 교묘하게 교차되기도 합니다. 참고로 본래 김기덕 감독은 오다기리 죠의 일본어에 한국어 자막조차
사용하지 않을 생각이었다고 합니다. 확실히 김기덕 감독은 대부분이 당연하다고 생각하는 '기본'이라는 설정에
전혀 구속 받지 않는 감독임은 확실한 듯 해요.


(아래 단락에는 스포일러가 있습니다)



오다기리 죠는 자신이 잠이 들고 꿈을 꾸게 되면 그 꿈이 이나영에게 몽유병으로 전해지기 때문에, 이를 알고는 잠을 자지
않기 위해 노력하게 됩니다. 이나영 역시 잠을 자게 되면 몽유병으로 자신이 원하지도 않는 옛 애인을 찾아간다는 것을
알게 된 뒤로는 잠을 자지 않으려고 하구요. 그래서 두 사람은 서로 교차로 자는 방법을 생각해내고 얼마 정도는 성공을
거두는 듯 하지만, 이도 결국은 성공하지 못하고 나중에는 서로 수갑을 차고 같은 자리에서 잠을 청하는 방법까지
동원하게 되죠. 이들이 잠이 들지 않기 위해서 무던히도 노력하는 모습은 정말 눈물겹기 까지 합니다.
사실 어느 정도 코믹하기도 했는데, 잠들지 않기 위해 눈을 부릅뜨려고 얼굴을 쥐어 뜯는 다던가 눈에 테입까지 붙여가며
잠을 안자려고 하는 모습은 처음에는 블랙 코미디 정도로 생각되기도 하지만, 나중에 가면 이 눈물 겨운 노력들은
무섭게 느껴지기 까지 합니다. 어쩌면 김기덕 감독은 코믹함으로 느껴졌던 장면들이 분위기에 따라 공포스러운 장면으로
까지 느껴지는 것을 통해, 사랑과 증오는 어차피 하나라는 것을 다시 한 번 이야기 하고 있는 것인지도 모르겠네요.

이 영화에서 가장 핵심적인 장면을 들자면 아무래도 갈대밭에서 4명의 인물이 모두 등장해 벌어지는 장면을 들 수 있을 것
같습니다. 이 작품은 일반적인 영화 화법에서 완전히 떨어져 나온 이상한 장면인 동시에, 마치 현실에서 완전히 차단된
죽은 자들의 세계같은 느낌도 전해주는 가장 중요한 장면이라고 생각됩니다. 이렇게 비현실적이고 이상한 장면이긴 하지만,
인물과 인물이 교차되고, 상대가 바뀌는 것을 보여주면서 결국 이 사람과 이 사람이 같은 사람이고, 이 사람과 이 사람도
같은 사람인, 즉 모두가 하나이고 모든 감정도 하나라는 것을 매우 단적으로 보여준 어쩌면 매우 현실적인 장면이기도
하다는 생각도 할 수 있었습니다. 여기서 이나영은 온통 검은 옷을, 오다기리 죠는 온통 흰색 옷을 입고 등장하는데,
이 역시 아주 노골적인 묘사라고 볼 수 있을 것 같습니다.



김기덕 영화 하면 가학적이라는 선입관이 있긴 합니다. 그 내면에 정말 폭력성이 있느냐, 그것을 말하려고 하는 것이냐에
대해서는 받아들이는 사람에 따라 평가가 달라질 수 있겠지만, 어쨋든 화면으로 보여지는, 표면적으로 보여지는 장면들에서는
가학적인 느낌을 받을 수 있었습니다. <비몽>역시 오다기리 죠의 연기를 통해 이 가학적인 측면을 느낄 수 있었습니다.
아마도 다른 감독이었다면 영화 속 오다기리 죠의 후반부의 행동들을 그런 식으로 그리지는 않았을 것이라고 생각되기도
하더군요. 이는 분명 김기덕 감독이라 그런 방식을 선택했을 것이라는 생각 밖에는 할 수 없는 것이었습니다.
개인적으로는 그래서 김기덕 감독이 작품이 조금 불편하기도 한 것 같구요.

영화가 들려주려는 메시지는 화법이 그리 친절하지는 않지만(그것이 김기덕 감독의 스타일이기도 하구요), 조금만
신경을 써보면 무엇을 말하고자 하는지 가슴으로 느낄 수 있었습니다. 그리고 미술적인 측면이나 장면들을 통해
메시지를 이미지화 하려는 시도가 적극적이었다는 것 또한 느낄 수 있었습니다. 여백과 강렬한 색, 어둠과 빛의 강렬한
대비 효과들은 배우들이 뿜어내는 강렬한 이미지와 맞물려 메시지 전달에 시각적인 도움을 주고 있습니다.


앞서 잠시 언급했듯이 김기덕 감독의 작품을 특별히 좋아하는 편이 아니었음에도 이 영화를 과감히 선택하게 된 이유는,
이나영 때문이 아닌 바로 오다기리 죠라는 배우 때문이었습니다. 일본 배우들 가운데도 특유의 여유로움과 코믹함부터
극 진지함까지 다양한 이미지를 갖고 있는 오다기리 죠가 김기덕의 작품에서는 어떤 모습을 보여줄까 하는 것이 사실
가장 궁금했던 것이었지요. <비몽>에서 그가 연기한 '진'이라는 캐릭터가 오다기리 죠만이 할 수 있는, 아니면 오다기리 죠의
역량이 최대한 발휘된 캐릭터라고 느껴지지는 않았지만, 그래도 후반 부에 처절하게 변해가는 진의 캐릭터를 보고 있노라면
오다기리 죠의 연기력이 느껴지기도 합니다. 이나영의 연기는 사실 연기력 자체보다는 그 무표정의 이미지가 더욱 기억에 남는
연기였던 것 같습니다. 가끔씩 무표정으로 대사를 하는 그녀의 얼굴을 보고 있노라면 아름다움을 넘어서 섬뜩함까지
느껴지곤 하니까요.

쉽게 이해하긴 어려웠지만 개인적으로는 김기덕 감독의 작품에 한 걸음 더 다가가게 된 영화가 될 것 같네요.


1. 결국 잠이 보약!
2. 어디서 보았는데, 이 영화는 완전 '한옥투어'무비라고. 그 말에 동감.
3. 아직 <텐텐>을 못봤는데 이 영활 보고 <텐텐>을 보게 되면 그가 어찌보일지 궁금하군요;;;




  글 / ashitaka (www.realfolkblues.co.kr)

본문에 사용된 모든 이미지의 저작권은 김기덕 필름에 있습니다.


   

 

고고70
Soul이 없는 젊은 이들에게 보내는 음악영화

<후아유>와 <사생결단>을 만들었던 최호 감독의 작품. <후아유>에서는 방준석 음악 감독과 함께 음악적인 요소를
영화에 잘 녹여냈었다면 <사생결단>에서는 황정민, 류승범 두 배우의 열연 만큼이나 좋았던 이른바 '때깔'이 돋보였던
영화였다. 결론부터 이야기하자면 <고고70>은 이 두 영화의 장점이 모두 담겨있는 최호 감독의 최근작이라 하겠다.
'데블스'라는 실존했던 아니 실존하는 밴드의 이야기를 바탕으로, 70년대 당시의 암울했던 가요계, 문화 예술계의 분위기를
간접적으로 들려주고 있고, 이를 데블스의 화끈한 음악과 춤으로 그려내고 있으며, 70년대 당시를 재현하는데 있어서
당시의 의상이나 배경들로 인해 제법 괜찮은 때깔도 보여주고 있다. 물론 나중에 다 얘기하겠지만 주연을 맡은 조승우,
신민아를 비롯해 문샤이너스의 멤버인 차승우를 비롯한 배우들의 연기와 연주, 춤도 볼만한 영화였다.


이야기 자체는 그리 복잡하지 않다. 지방에서 올라온 '데블스'는 통금과 함께 갈 곳이 없어진 젊은이들이 모여있는
클럽에서 연주를 하게 되고, 성공과 좌절을 모두 맛보면서 70년대를 그들만의 방법으로 치열하게 살아간다.
70년대 대한민국의 음악계나 문화계를 그리면서 당시의 암울한 시대 상황을 그리지 않을 수 없을텐데, 이 영화는 아주
직접적이지는 않으면서도 해줘야 할말은 다 하고 있는 적절한 태도를 보여주고 있다. 지금보면 우습기까지한 이유들로
가요들이 줄줄이 금지곡으로 선정되었다던가, 록 음악을 퇴폐음악이라 하여 가수들을 무조건 잡아들이고 마약으로 엮어서
범죄자로 만들어 버리는 당시 상황을 그대로 보여주고 있는데 아주 심각하게만 다루고 있지는 않다. 퇴폐로 몰린 록 밴드가
젊음의 악으로 록 스피릿으로! 소울로! 공연을 밀어 붙이고 이를 제압하기 위해 전경들과 최류탄이 투입되는 장면은
어느 정도 일반적인 구성이긴 하지만, 이런 와중에서 데블스와 정부의 사이에 있는 '이병욱'이라는 캐릭터가 매우 흥미롭게
다가왔다. 처음에는 그저 데블스를 돈 되는 이들로 생각해 이용하려는 것 정도로만 알았던 이병욱이 알고 보면 데블스 멤버들과
똑같이 '소울'을 갖고 있는 이로, 단지 한 세대 앞선 어른일 뿐이라는 점에서 마치 감독이 자신의 하고 싶은 말을 전하는 화자로
심어놓은 캐릭터가 아닐까 싶기도 했다.


이 영화에서 계속 등장하는 '소울'이라는 것은 단순히 장르의 이름인 '소울(Soul)'이라기 보다는 요즘말로 하자면 '록 스피릿'
정도로 생각할 수 있겠는데(하긴 록 스피릿을 요즘말이라고 하긴 어렵겠다;;), 이 영화를 접하는 이들도 소울이 있는 자와
없는 자에 따라 영화를 받아들이게 되는 감동의 정도가 달라질 것 같다. 차승우 처럼 기타를 잘 치지는 못하지만 그래도
한 때는 기타리스트를 꿈꾸기도(꿈만) 했었고, 공연을 해보기도 했던 나로서는 이들이 그저 '깡'으로만 외치는 것으로 보이는
'소울'이 단순하게만 느껴지지는 않았는데, 그래서 나중에는 살짝 찡한 감동도 느낄 수 있었다. 그리고 70년대의 음악,
당시의 소울 음악을 특별히 좋아하고 잘 알고 있기 때문에 이런 배경적인 대사나 장면들에 쉽게 치우치지 않고 오로지 
본질에만 집중할 수 있어서 더욱 그랬는지도 모르겠다. 스포가 될까마 정확히 말할 순 없지만, 한 장면에서 많은 관객들이
웃고만 장면이 있었는데, 개인적으로는 전혀 웃을 수가 없었던 오히려 찡한 장면이 있기도 했다.

그리고 데블스가 실패를 맛보는 장면에서는 연주하기 위해 술집에 반주 밴드로도 가고, 기타를 걸고 도박을 하기도 하고 하는
장면을 보면서 이상하게 요즘 가요계의 현실과 맞아 떨어진다는 느낌도 받았다. 노래만 잘해서는 성공할 수 없는,
음악만 좋아서는 성공할 수 없는 요즘 가요계, 자신의 노래를 알리기 위해 하고 싶지 않은 쇼프로에 나와 우스꽝스러운
개그를 해야만하는 요즘의 상황과, 어떻게든 자신들의 음악을 알리기 위해 앞선 상황도 감수해야 하는 데블스의 이야기들이
절묘하게 맞아 떨어지는 듯 했다. 겉으로만 보자면 통금과 긴급조치로 원천적으로 봉쇄되었던 당시 상황이 더 암울스럽기는
하나, 따져보면 트로트 가수들도 앨범을 내면 10대나 보는 쇼프로에 나와 성대모사를 하고, '벨소리 다운 많이 받아주세요'하고
얼굴을 붉히며 얘기해야만 하는 요즘이 더욱 암울한 지도 모르겠다.


이 영화에서 개인적으로 가장 인상 깊었던 배우는 바로 차승우였다. 노브레인의 전 멤버이자 현 문샤이너스의 보컬,
기타리스트이기도한 그는 대한민국 록 씬에서 가장 인상적인 기타리스트 중 한 명이며, 가장 카리스마 넘치는 무대와
연주를 선사하는 뮤지션이기도 하다. 그런 그가 맡은 만식이라는 캐릭터는 차승우가 연기한다기 보다는 차승우의
본래 캐릭터가 많이 녹아든 인물이라고 할 수 있는데, 연주하는 장면에서는 여지 없이 문샤이너스의 차승우를
엿볼 수 있었다. 연주하고 노래하는 장면이 실제로 촬영된 이 영화에서, 장면이 더욱 실감나게 보이는 것은 이를
주도하고 있는 차승우의 역할이 가장 크다고 할 수 있을 것이다. 문샤이너스의 드럼을 맡고 있는 손경호 역시
드러머로 영화에 출연하고 있는데, 두 사람의 연기는 사실 어색하기 그지 없는 날 것이지만, 캐릭터 자체가 날 것을
그대로 보여주는 인물들이기도 하거니와, 어느 정도 이 실제 연주 능력을 위해 연기부분을 포기한 부분이 있기 때문에,
이 정도면 충분히 이해하고 넘어갈 수준이라고 하겠다(나 같아도 연기가 되고 연주가 안되는 배우보다는, 연주가 되고
연기가 안되는 이들을 더 선호했을 것이다). 개인적으로는 문샤이너스의 차승우가 아니라 <고고70>의 배우 차승우로서
최근 주목 받고 있는 현실이 조금 아쉽기도 하지만, 그래도 이번 기회를 통해 그의 음악이 좀 더 많은 이들에게 알려졌으면
하는 바램이다.


신민아가 나오는 영화는 몇 편 본 기억이 있긴 한데, 그녀가 돋보이는 영화는 아마 <고고70>이 처음인 것 같다.
이 영화의 주 배경이 되는 클럽이름은 '닐바나 (Nirvana)', 즉 '열반'인데, 신민아가 미친듯이 춤을 추고 있는 장면을
보고 있노라면 그녀에게서 이 '열반'이 절로 느껴진다. 아무리 영화 촬영장이긴 하지만, 평소에 그리 활발한 성격 같지도 않고,
그 동안 이런 역할을 맡아보지도 않았던 그녀가 이렇게 화끈거리는 역할을 이 정도로 연기한 것 만으로도, 신민아라는
배우에 대해 다시 한번 보게 끔 하는 영화가 될 것 같다. 열반에 든 모습으로 춤을 춰대는 장면 외에 귀여움을 아주 의도적으로
뽐내는 장면들도 있는데, 큰 거부감은 없었다(음...흠흠 ;;).

주인공인 상규 역할은 사실 조승우 말고는 딱히 떠오르는 배우가 없을 정도로 애초부터 그에게 맞춰져 쓰여진 캐릭터였다.
조승우는 뮤지컬을 통해 이미 여러번 보여준 열창하는 모습을 이 영화에서도 유감 없이 보여주고 있는데, 긴 머리가 살짝
어색한 느낌도 있지만, 노래하는 장면에서는 그 만의 아우라를 느낄 수 있었던 것 같다. 많은 이들이 조승우의 열연과 열창을
칭찬하지만, 남들이 다 칭찬하는 것도 있고해서 나는 차승우와 신민아가 더욱 인상 깊었다고 하고 싶다.

<고고70>은 70년대를 직접 몸으로 체험했던 이들에게도 멋진 영화가 되겠지만, 무엇보다 록 스피릿, 아니 소울이 있다면
가슴 깊이 공감할 수 있는 영화가 아닐까 싶다. 개인적으로도 왠지 가슴 한 켠에서 숨어있던 소울이 다시 살아난 듯한
느낌을 전해 받을 수 있어 아주 고마운 시간이었다.


1. <사생결단>에서 리얼한 부산 사투리에 신경 썼던 것처럼, <고고70>에서는 리얼한 당시 속어들을 많이 연구한듯 싶다.

2. 영화 속 실제 모델이기도한 '데블스'는 이번 펜타포트에서 직접 공연을 만나볼 수 있었는데, 오랜 세월이 지났음에도
   젊은 관객들을 확 사로잡을 '소울'이 여전한 모습이었으며, 영화 속 처럼 '와일드걸즈'가 아닌 '나비소녀'를 대동한
   모습이었다(재미있었던 건, 이날 펜타포트에서 '데블스'다음 순서가 '문샤이너스'였다는 것이다. 개인적으론 이날 두 밴드의
   공연을 모두 관람한 터라 <고고70>이 더 인상적으로 느껴질 수 밖에는 없었다). 
   
   참고로 펜타포트 데블스 공연사진 보기         /     문샤이너스 공연사진 보기

3. 신윤철과 이지형이 까메오 치고는 제법 등장하고 있다.

4. 스토리 상의 아쉬움도 분명히 있던 영화였지만, 전체적으론 소울이 살아있는 영화라 만족스러웠다 하겠다~



  글 / ashitaka (www.realfolkblues.co.kr)

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