로마 위드 러브 (To Rome With Love, 2012)

수많은 이야기가 존재하는 곳, 로마



'미드나잇 인 파리'에 이은 우디 앨런의 또 다른 도시를 배경으로 한 영화 '로마 위드 러브 (To Rome With Love, 2012)'를 보았다. 사실 2010년에 발표한 '환상의 그대 (You Will Meet a Tall Dark Stranger, 2010)'부터 이 작품에 이르기까지 세 작품은 조금씩 다르기는 하지만 여러 명의 인물들이 한 곳을 배경으로 다른 듯 같은 이야기를 하는 구조를 보여주고 있는데, 이번 작품 역시 이와 크게 다르지 않다. 결론부터 이야기하자면 이런 형식의 영화 가운데 가장 완성도가 높았던 것은 역시 '미드나잇 인 파리'인 것 같다. '로마 위드 러브'는 각기 다른 인물 (혹은 커플)들의 이야기를 로마라는 매력적인 도시를 배경으로 들려주는데, 조금은 완전히 동화 되지 못한 느낌을 주기도 한다.



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사실 '로마 위드 러브'를 보러 갈 땐 편한 마음으로 우디 앨런이 들려주는 농담과 삶에 대한 경험 들을 듣고자 했었는데, 막상 영화를 다 보고 나니  마냥 편안하게 즐기기만 하는 영화는 아니었다. 일단 가장 흥미로웠던 것은 역시 우디 앨런이 오랜 만에 자신의 영화에 직접 출연하고 있다는 점이었다. 물론 그의 수준급 메소드 연기를 보는 것도 충분히 즐겁지만, 그가 직접 출연한다는 사실은 그 이상의 생각할 거리를 던지고 있어 더 흥미로웠다. 극 중 우디 앨런은 보수적이고 고집 센 할아버지로 등장하는데, 그가 이 캐릭터를 통해 내 뱉는 한 마디 한 마디가 그가 이 작품의 감독이다 보니 흥미로울 수 밖에는 없었다. 마치 홍상수 영화 속 감독 캐릭터를 그냥 영화 속 캐릭터라고 보기 힘든 것과 같은 경우였는데, 워낙 이런 면에 솔직하고 거침없는 우디 앨런이다보니 한 마디 한 마디가 관객에게 콕콕 꽂히는 느낌이었다. 홍상수의 경우도 그렇지만, 우디 앨런은 자신에게 쏟아지는 세간의 평가나 이야기들에 대해 억울함보다는 초연 한 자세로 '난 상관없어 그냥 내가 하고 싶은 대로 할꺼야'라고 말하는 듯 했다. 그래서 그의 팬들은 아마도 그와 그의 작품을 더 좋아하는 것이겠지만.




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'미드나잇 인 파리'에서도 그랬고 좀 더 앞선 작품을 들자면 '스쿠프 (Scoop, 2006)'에서도 그랬었는데, 우디 앨런은 전혀 그럴 것 같지 않은 배경과 이야기 속에서 자신 만의 판타지를 표현하곤 했었다. 장르 적인 판타지를 말하는 것인데, 사후 세계가 등장 한다 거나 유령과도 같은 인물이 섞여 있거나 하는 등이 그것이다. '로마 위드 러브'에서도 알렉 볼드윈이 맡은 역할이 여기에 포함된다고 할 수 있을텐데, 그가 유령인지 아닌지 가 하나도 중요한 포인트가 아니라는 점이 우디 앨런 영화 만의 매력이라고 할 수 있을 것 같다. 아무렇게 나 불쑥 끼어들고 등장해도 어색하지 않고 오히려 그 나름의 재미를 주며, 자신의 이야기가 없이 다른 캐릭터의 이야기 속에만 존재하는 인물들의 표현도 거추장스럽지 않다. 뭐랄까, 우디 앨런은 자신이 하고자 하는 이야기를 좀 더 풍성하게 만들기 위해 영화 속에 또 다른 화자 혹은 장치들을 적극적으로 활용하고 있는 듯 하다. 이러한 지점이 최근 우디 앨런 영화에서 묘한 매력을 주는 지점이 아닌가 싶다.



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우디 앨런이 끊임 없이 이야기하고자 하는 테마 중 하나가 바로 남녀 간의 사랑이라고 할 수 있을텐데, 이 노장은 아직도 신선한 감각으로 젊은 배우들과 호흡을 맞추며 또 다른 남녀 간의 미묘함을 이야기한다. 또한 이번 작품은 좀 더 풍자적인 성격이 짙은 작품이 아닐까 싶다. 도시로 온 두 남녀가 겪게 되는 의외의 에피소드를 통해 이들이 평소 표현하지 못하고 있는 욕망에 대해 유쾌하게 풀어내고 있으며, 제시 아이젠버그와 엘렌 페이지가 연기한 커플의 이야기도 자신의 자존심 혹은 자존감에 근거한 이들의 미묘한 감정 교류를 보여준다. 그리고 로베르토 베니니가 연기한 캐릭터의 에피소드는 어쩌면 이 쇼 비지니스의 세계를 살고 있는 모든 배우들을 향한 우디 앨런의 메시지 같아 보이기도 한다. '로마 위드 러브'의 아쉬운 점이라면 이렇듯 여러가지 이야기가 좀 뒤섞여 있다는 점이었는데, 하나의 이야기와 흐름에 완벽히 녹아든 '미드나잇 파리'나 '환상의 그대'에 비하자면 조금은 에피소드 별 주제가 달라 하나로 보기 어려운 점이 있었다. 차라리 완전히 에피소드 화 화여 나누었으면 어땠을까 하는 생각도.



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우디 앨런은 러닝 타임 내내 각각의 이야기를 쏟아내고는 마지막에 가서, 이건 그냥 수 많은 이야기 중 하나 일 뿐 또 다른 이야기를 들려 드릴 께요 라고 마무리한다. 사실 '로마 위드 러브'는 정작 로마에 가고 싶어지는 생각은 덜 드는 작품이었는데, 이 마지막을 보니 한 번 쯤 가보고 싶어졌다. 로마의 무엇이 그리도 우디 앨런에게 수많은 이야기 거리를 샘솟게 했는지 궁금해져서 말이다.



1. 이 영화를 통해 다시 보게 된 배우는 알렉 볼드윈이었어요. 최근 좀 우스운 역할로 자주 출연 해서인지 예전 꽃미남 시절의 알렉 볼드윈을 떠올리게 할 만한 매력은 엿볼 수 없었는데, 이 작품에서 그는 진짜 배우의 매력이 무엇인지 다시금 깨닫게 해주더군요. 이 다음에는 코엔 형제의 작품에서 만나볼 수 있었으면 더 좋을 것 같아요. 아니면 웨스 앤더슨!



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2. 좋아하는 배우들이 잔뜩 나오는 것 만으로도 황홀한 작품이죠. 엘렌 페이지, 페넬로페 크루즈, 앨리슨 필, 로베르토 베니니, 제시 아이젠버그 등. 특히 페넬로페의 출연은 그냥 관객에 대한 일종의 선물 같더군요!




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  

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캐리비안의 해적 : 낯선조류 (Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides)

양념으로만 가득찬 영화



조니 뎁을 디즈니 가족영화의 캐릭터로 승화시킨 '캐리비안의 해적' 시리즈, 그 네 번째 이야기 '낯선조류'를 보았다. 사실 캐리비안의 해적 시리즈는 작품에 대한 기대보다는 거의 조니 뎁에 대한 팬심으로 보기 시작한, 그리고 보고 있는 시리즈라고 해도 과언이 아닐텐데, 이번 '낯선조류'에서는 페넬로페 크루즈까지 출연한다고 하니 작품의 완성도는 재쳐두고서라도 한 번 봐야겠다 싶었다. 결론부터 이야기하자면 기대치가 별로 높지는 않았지만 그래도 '낯선조류'는 그다지 매력적인 작품은 아니었다. 제작비와는 상관없이 이미 블록버스터 시리즈로 알려져 있는 시리즈의 작품답지 않게 스케일이 느껴지는 볼 거리는 거의 없었고, 소소한 즐거움도 밋밋한 수준이라 아쉬움이 남았다. 원작에 대해서 잘 알지는 못해 '캐리비안의 해적' 전체에 대한 이야기를 알 수는 없지만, 만약 '해리포터'의 경우처럼 전체 하나의 이야기를 조금씩이라도 전개해 가는 과정이었다면 모를까, 아니 그렇다하더라도 큰 줄기의 진전이라기 보다는 단순한 에피소드 정도의 작품이었던 것 같다.




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사실 따지고보면 '캐리비안의 해적'은 이야기를 배경에 깔고는 있지만, 그 배경의 이야기가 매력적이기 보다는 잭 스페로우라는 캐릭터가 매력적인 작품이었고, 그 이야기 역시 전면에 나서기 보다는 캐릭터 뒤에서 근근히 지원하는 정도의 역할을 하던 시리즈라고 할 수 있을텐데, 이런 작품의 특성은 3편에서 조금씩 한계를 드러낸 것이 아닌가 싶다. 영화를 본 이들 가운데 많은 이들이 '3편도 별로이지 않았느냐'라고 얘기하는 것은 그런 맥락으로 이해할 수 있겠다. 그래도 3편이 나름 재미있었던 것은 조니 뎁이 연기한 잭 스페로우의 매력을 확인할 수 있는 원맨쇼를 비롯해, 1편부터 시리즈에 참여해 온 '윌 터너 (올랜도 블룸)'와 '엘리자베스 스완 (키이라 나이틀리)'은 물론, 좋은 결과는 아니었지만 주윤발이라는 새로운 배우의 참여를 통해 흥미요소와 연속성을 남겨두었기 때문이었다. 하지만 이번 '낯선조류'에서는 제프리 러쉬가 연기한 '바르보사'와 '깁스 (케빈 맥널리)'가 등장하기는 하지만, 앞서 이야기했던 것처럼 연속성 보다는 에피소드의 느낌이 더 강해 단순히 캐릭터를 소비하는 느낌이 들곤 한다.




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여기에 가장 큰 이유라면, 그 동안 시리즈를 이끌었던 고어 버번스키 대신 롭 마샬이 연출을 맡은 사실을 들 수 있겠다. 롭 마샬은 '시카고' '나인' 등 뮤지컬 영화에서 더 두각을 나타내었던 감독인데, 어차피 결과물이 아쉽다보니 제작사도 디즈니겠다, 혁신적으로 '캐리비안의 해적'에 뮤지컬 적인 요소를 가미시켰다면 어땠을까 하는 개인적인 위험한 상상도 해본다. 출연진들이야 뭐 가무에도 능한 배우들이니 괴작이 될 지언정 무언가 흥미로운 작품이 되었을지도 모른다는 생각이 들긴 하지만, 아마도 이랬다면 이 시리즈의 팬들은 더 떠났을지도 모르니 개인적인 상상으로만 그쳐야겠다. 어쨋든 결과적으로 차라리 뮤지컬 시퀀스였다면 어땠을까 하는 생각이 들었을 정도로 좀 심심한 작품이었다는 얘기.



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새롭게 등장한 캐릭터와 젋음의 샘에 관련된 이야기와 캐릭터, 그리고 시리즈의 주인공인 잭 스페로우의 관계가 유기적으로 결합되지 못하다보니, 모두가 조금씩 여운 만을 남기는 작품이 된 듯 하다. 특히 인어와 관련된 이야기들은 이번 작품에서 가장 흥미로운 부분이었는데, 비중이 모호하다보니 감정을 더 싣기도 애매하고 그냥 곁가지로 받아들이기에는 다른 가지들에 비해 흥미로운 그런 경우였다. 이야기 자체가 많은 캐릭터들이 젊음의 샘이라는 하나로 모여드는 구조라는 것은 이해하지만, 2시간 정도의 오락영화에서는 좀 더 캐릭터와 이야기의 줄기를 심플하게 가져갈 필요가 있지 않았나 싶다. 그러다보니 검은 수염, 안젤리카, 인어, 젋음의 샘, 스페인 군대, 바르보사 등 각각은 나쁘지 않은 양념들이었지만, 메인 요리는 없는 양념으로만 가득찬 영화가 된 듯 하다.




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1. 아마도 감독인 롭 마샬과의 인연으로 주디 덴치가 카메오 출연을 한 것 같더군요.

2. 이번 작품에서 가장 반가웠던 것은 잭 스페로우보다도 그의 아버지를 연기한 롤링 스톤스의 키스 리차드랄까. 뭐 이제는 두말하면 잔소리인 얘기지만, 조니 뎁이 잭 스페로우라는 캐릭터를 만들 때 많은 부분을 참고한 캐릭터가 키스 리차드였죠. 그래서 전편에 아버지 역할로 등장도 하게 되었던 것이구요. 짧지만 반가운 출연이었습니다!

3. 엔딩 크래딧이 모두 끝나고 쿠키 장면이 있습니다. 무언가를 암시하는 내용이라기 보다는 '피식'하고 웃을 수 있는 정도의 장면이라고 보시면 될 것 같네요.



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 
  
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나인 (Nine, 2009)
뮤지컬은 결국 판타지와 챕터의 예술


<시카고>로 많은 인기를 끌었던 롭 마샬 감독이 연출하고, 일일이 다 언급하기도 벅찬 캐스팅으로 더더욱 화제가 되었던 뮤지컬 영화 <나인 (Nine)>은, 앞선 이유만으로도 뮤지컬 팬들 뿐만 아니라 일반 영화 팬들에게도 큰 기대를 모았던 작품이었다. 일단 결론부터 얘기하자면 호불호라고 부르기도 민망할 정도로 대부분의 관객들과 평론가들은 하나같이 혹평을 쏟아내고 있다. 이런 혹평을 등에 업고 관람을 하게 된 <나인>은 그래서인지, 아니면 뮤지컬 세계에 유난히도 동화가 잘 되는 개인적 특성 때문인지 크게 아쉬울 것 없는 멋진 뮤지컬 영화로 기억될 작품이었다. 잘 생각해보니 아마도 나와 롭 마샬 감독(혹은 롭 마샬의 작품을 바라보는 대중과 나의 시선은)은 무언가 핀트가 맞지 않는 것 같긴 하다. 그의 대표작으로 큰 인기와 좋은 평가를 받았던 <시카고 (Chicago, 2002)>는 오히려 개인적으로 크게 매력적이지 못한 작품이었기 때문이다. <나인>의 리뷰를 쓰기 전에는 적잖은 고민도 되었다. 우스운 일이지만 눈을 씻고 찾아봐도 이 영화가 좋았다는 평을 찾아보기가 정말 힘들었기 때문에(최근 본 <파르나서스....>의 경우는 명함도 못 내밀 정도로), 인상 깊게 보았다는 글을 쓰기가 잠시나마 머뭇거려지기도 했다는 점이다. 뭐 어차피 개인적인 차이임을 잘 알고 있음에도 말이다 ㅎ


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(한 때 합성논란까지 있었을 정도로 말이 안되는 이 화려한 캐스팅을 보라!)

<나인>은 잘 알려진 것처럼 페데리코 펠리니의 영화 <8과 1/2>에 영감을 받아 만든 브로드웨이 뮤지컬을 원작으로 하고 있는 작품이다(그러니까 정확히 얘기하자면 <8과 1/2>의 리메이크라기 보단 브로드웨이 뮤지컬을 영화화 한 것이라고 보는 편이 맞을 지도 모르겠다). 영화의 줄거리는 매우 간단하다. 천재 영화 감독이자 카사노바인 '귀도(다니엘 데이 루이스)'는 자신의 새로운 작품(이탈리아)을 준비하는 과정에서 엄청난 부담감을 느끼게 되고 결국 보여지는 것에서만 벗어나 솔직히 영화를 만드는 것에 대한 고뇌를 고백하게 된다는 이야기. 그 과정 속에 그의 인생에 걸쳐 영향을 주고 있는 여러 여성의 이야기가 더해지는 것으로 영화는 대부분의 시간을 할애하고 있다. 사실 이 영화의 이야기에 어떤 특별한 감동이 요소는 없다고 해도 무방할 듯 하다. 영화의 주된 요소 중 하나가 가슴을 울리는 '감동'이라고 보았을 때 이 영화는 분명 낙제점에 가까운 작품일 것이다.

또한 이야기의 개연성이나 공감대도 많이 부족한 편이다. 귀도가 영화 감독으로서 창조의 고통을 겪는 것에 포커스가 맞춰지기 보다는, 그의 여성편력에 쉽게 자리를 내어주기도 하는 편이라 귀도의 고뇌에 쉽게 공감하기 어려운 것도 사실이다.



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뮤지컬 영화들이 내러티브나 공감대(특히 공감대)면에 있어서 대중들에게 인정받지 못하는 주된 이유 중 하나는 그것이 무대 뮤지컬을 원작으로 한 경우일 때 더 자주 나타나는데, 뮤지컬은 기본적으로 타 장르의 영화들보다 챕터의 성격이 짙으며, 그 챕터들이 노래라는 것으로 구분되어 있기 때문이다. 그러니까 어떤 캐릭터나 에피소드에 관한 설명을 대사나 상황으로 설명하는 것 대신 노래를 통한 시퀀스로 대체하는 경우가 대부분이고, 그 화법에 있어서도 상당히 제한적인 것이 사실이다. 그리고 무엇보다 노래 한 곡은 정확히 챕터와 성격을 같이 하기 때문에, 노래가 끝난 다음에는 비교적 다음 에피소드로 빨리 이야기가 전환되곤 한다. 쉽게 얘기해서 노래가 삽입된 장면에서 인물들의 가사가 관객에게 좀 더 공감대를 얻어야만 챕터 방식이라도 큰 부담감을 느끼지 않을 텐데, 대부분이 이 장면을 '노래하는 장면'으로 받아들이는 편이기 때문에 몰입을 해치는 경우가 많다는 것이다.

그래서 고전 뮤지컬을 제외하고 최근 그나마 좋은 반응을 끌었던 뮤지컬 영화들을 떠올려보자면, 뮤지컬은 뮤지컬이되 주인공이 가수이거나 쇼비지니스의 이야기를 다룬 영화인 경우가 많다. 이런 종류의 뮤지컬은 음악영화와 뮤지컬의 경계에 아슬아슬하게 걸쳐있는 작품들인데 (가까운 예로는 <드림걸즈>를 들 수 있겠다), 이런 작품들은 일반적인 대사를 노래로 전달하는 전통적인 구성도 있으면서 또한 가수로서 노래하는 구성도 동시에 지니고 있어서 적은 부담감으로 공감대를 형성하게되곤 한다. <나인>의 경우는 또 조금 다른 경운데, 그래도 전통적인 방식에 가깝다고 할 수 있다. 뮤지컬 영화는 상당수가 그렇지만 '노래하는 것 = 판타지'로 그려지는 경우가 많다. 이 영화 역시 이런 공식에 가까운 작품이다. 애초부터 귀도가 상상하는 영화의 장면이 관객에게 그대로 전달되는 것처럼,  <나인> 속 노래하는 장면들은 귀도의 판타지이자 뮤지컬의 판타지다.



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개인적으로 이리도 화려한 여배우들이 캐스팅되어야만 했던 이유는 바로 이런 판타지적인 특성과 강조된 챕터 형식 때문이 아니었을까 싶다. 이 작품은 확실히 무대 뮤지컬의 성격을 깊게 띄고 있는데, 사실 그러기엔 좀 캐릭터가 많았다는 생각도 든다. 워낙에 캐릭터가 많은 탓에 거의 소개와 자신의 이야기를 각자의 곡에서 모두 소화해야 했던 탓에, 이야기보다는 '소개'의 인상을 더 깊게 남긴 경향이 있기 때문이다. 쉽게 말해 그저 '니콜 키드먼 나왔다!', '아니, 소피아 로렌이잖아!', '퍼기는 역시 가수출신이라 무대가 강렬한데', '페넬로페 크루즈는 늙지도 안나봐' 등 배우마다 간단한 소감을 풀어내기가 일쑤라는 점이다. 이 영화는 무대화되고 영화화 되면서 영화라는 것과 감독, 그리고 창조에 대한 이야기는 많이 사그라든 것이 사실이다. 맨처음 이야기했던 것처럼 영화 <나인>은 펠리니의 작품보다는 브로드웨이 뮤지컬에 가까운 작품이기 때문에 이런 분위기로 인한 혹평들은 어쩌면 예정되었던 것일지도 모르겠다.

그래도 뮤지컬 영화의 오랜 팬으로서 <나인>이 좋았던 것은 클래식 뮤지컬 영화스러운 분명한 챕터별 구성과 환상적인 노래와 춤 때문이었다(확실히 클래식 뮤지컬 영화들에 비해 챕터를 감싸는 기본 이야기의 전개가 아쉬웠던 점은 인정할 수 밖에 없다). 화려한 캐스팅의 배우들은 각자의 챕터에서 짧지만 강렬한 등퇴장을 보여주고 있는데, 니콜 키드먼 같은 경우는 확실히 그 금발과 아름다움 외에는 이렇다할 분량이 없었다고 해도 과언이 아니지만, 내가 감독이라도 누가봐도 범접하기 어려운 여배우다운 한차원 높은 아름다움을 지닌 여배우 캐릭터에는 주저없이 니콜 키드먼을 캐스팅했을 듯 하다(그녀 외엔 케이트 블란쳇을 떠올릴 수 있겠다). 블랙 아이드 피스 출신의 퍼기의 경우는 사실 드라마타이즈의 연기는 하나도 없이 노래와 춤에만 등장하고 있는데, 이런 방식이 오히려 더욱 그녀의 매력을 돋보이게 하고 있다(사실 이런 여배우들 사이에서 어설프게 연기하느니 안하는게 나을듯 하다). 많은 이들이 페넬로페의 시퀀스와 더불어 최고의 장면으로 그녀의 시퀀스를 꼽고 있는 것처럼, 완벽한 무대 뮤지컬의 한 시퀀스를 보여주고 있다. 



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개인적으로 마음에 들었던 여배우와 챕터는 바로 케이트 허드슨의 시퀀스였다. 'Cinema Italiano'는 영화를 통틀어 가장 기억에 남는 곡이기도 했는데, 무리 없이 노래하고 춤추는 그녀의 모습에서는 새로운 가능성을 발견하기도 했다. 주디 덴치의 캐릭터는 조금 어정쩡한 감이 없지 않았고, 소피아 로렌 역시 좀 냉정하게 이야기하자면 출연 소식 만큼의 인상은 주지 못한 듯 하다. 마리온 꼬띨라르의 경우 드라마 타이즈에 있어서는 페넬로페와 함께 가장 분량이 많은 캐릭터라고 할 수 있는데, 아카데미 수상자 답게 화려함이 없는 가운데서도 빛이 나고 있다(이 영화에선 숨막힐듯한 그녀의 클로즈업이 나온다). 페넬로페 크루즈는 섹시함과 귀여움을 동시에 선사하며 그녀가 입고 나온 의상처럼 보라색으로 표현하면 좋을 매력을 선사하는데, 확실히 그녀의 출연분이 다른 챕터에 비해 튀는 편이긴 하다. 오히려 주연을 맡은 다니엘 데이-루이스의 경우 그의 출연작임을 감안한다면(?) 상당히 편한 연기를 펼친 것이 아닌가 싶다. 항상 관객을 옴싹달싹 못할 정도로 강렬한 연기를 선보이는 그가 어느 정도 힘을 빼고 펼치는 이번 연기도 색다르게 볼 만하다(첨에 그가 캐스팅되었다는 소식을 들었을 땐, 또 하이라이트에서 목에 핏줄 세우며 열창하지 않을까 했었는데 말이다;).

아쉬운 부분도 없지 않았지만 뮤지컬 영화에서만 만나볼 수 있는 황홀함을 다시 한번 맛볼 수 있었던 영화로서, <나인>은 뮤지컬 영화팬인 내게 가슴 뛰는 영화였다.


1. 음악이 오히려 고전적이라 참 좋더군요. 사운드트랙은 이미 질러져있다.
2. 배우들의 연습장면이 짧게 나오는 엔딩 크래딧도 좋았어요.
3. 이 작품의 각본은 안소니 밍겔라가 마이클 톨킨과 함께 작업했었는데, 아시다시피 2008년 세상을 떠났죠. 영화는 그를 추억하고 있습니다.
4. <시카고>와 전혀 다른 작품이라는 점에서 <시카고>를 재미있게 본 관객을 홍보타켓으로 삼는 것은 역시 무리가 있을 것 같네요.
5. 어쩌다보니 최근 본 두 작품(파르나서스...)이 전부 저만 좋아하는(혹은 응원하는) 작품이 되어버렸네요 ^^;




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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비키 크리스티나 바르셀로나 (Vicky Cristina Barcelona, 2008)
우디 알렌이 쓰는 트뤼포의 '쥴 앤 짐'

우디 알렌의 새로운 작품만으로 받아들여질 수도 있었는데, 갑작스런 국내 개봉의 요상한 제목 탓에 '문제작'이 되어버린 이 영화 <비키 크리스티나 바르셀로나>. 영화를 보고 나니 국내 개봉 제목인 '내 남자의 아내도 좋아'가 새삼 이상하게 느껴진 것은 물론이고, 원제인 '비키 크리스티나 바르셀로나'라는 제목이 반드시 필요한 영화임을 또 새삼 느낄 수 있었다. 국내 개봉시에는 마치 '아내의 유혹'을 연상시키려는 제목과 더불어 포스터 속 스칼렛 요한슨의 상의를 포샵으로 더 야하게 조정하는 수고까지 한 것으로 봐서, 이 영화의 주된 타겟팅을 우디 알렌의 팬들이라기 보다는 4~50대 관객들에게 맞출려고 한 것으로 보인다. 뭐랄까 불륜과 권태가 주가 된 영화랄까. 이런 식으로 홍보되어도 그럭저럭 이해할 만한 영화들도 있지만, 적어도 <비키 크리스티나 바르셀로나>에게 이런 대우는 단호하게 아니라고 말할 수 있을 것이다. 이 영화는 어디까지나 우디 알렌의 세계 내에서 벌어지는 그의 또 다른 이야기이며, 수다가 동반되는 동시에 그 와중에 문득문득 생각하게 하는 그 만의 영화이기 때문이다.




이 영화를 처음 보았을 때 단번에 연상되었던 것은 프랑소와 트뤼포 감독의 1961년작 <쥴 앤 짐>이었다. 우디 알렌이 원래부터 고전적인 스타일이나 (특히 오프닝이나 엔딩 크레딧 같은 경우) 방식의 사용을 즐겼다는 점을 제외하더라도, 이 영화는 제목 부터 전체적인 구성까지 트뤼포의 <쥴 앤 짐>을 그대로 떠올리게 하는 영화다. 일단 그렇기 때문에 '내 남자의 아내도 좋아'라는 제목이 용납 안되는 점이기도 하다. <쥴 앤 짐>이라는 제목이 그러했듯 이 영화 역시 '비키' '크리스티나'라는 인물의 이름을 전면에 내세우고 있고 여기에 '바르셀로나'라는 배경을 노출하고 있기 때문이다. 이 제목은 우디 알렌 본인 스스로도 분명 <줄 앤 짐>을 염두에 두고 있었다는 것을 드러내는 하나의 표식이기도 하거니와 트뤼포가 만든 1961년작의 이야기를 21세기에 맞게 다시금 각색하려고 했던 것이 아닌가 하는 생각마저 든다. 사실 제작년과 작년에 영화제와 상영회를 통해 <쥴 앤 짐>을 극장에서 보게 되었을 때, 아니 보기 전에는 영화에 대한 큰 기대감이 있었다. 영화는 미처 보지 못했지만 '쥴 앤 짐'이라는 그 제목과 그 포스터는 외울 정도로 익숙한 터였기 때문에 드디어 보게 되는 영화에 대해 기대감이 클 수 밖에는 없었는데, 막상 보고 나니 기대감이 컸던 탓인지 그다지 와닿지는 않았었다.




그 가장 큰 이유는 아마도 1961년 작이라는 세월의 텀 때문이라고 할 수 있을텐데, 모든 옛날 영화들이 이런 간극을 갖고 있는 것은 아니지만, 시대에 기대거나 시대상을 그린 영화들 가운데는 요즘에 와서 보았을 때 그 간극을 뛰어넘기가 쉽지 않은 경우가 종종 있었다. <쥴 앤 짐>의 경우는 당시로서는 굉장히 파격적이었던 여성 캐릭터를 등장시키며 남녀 관계에 대해 이야기했지만, 2008년에 보기에는 100% 공감하기 어려운 공기가 있었다. 영화가 별로라기 보다는 공감하기 어렵다에 가까운 느낌이었는데, 그런 면에서 마치 <쥴 앤 짐>을 21세기 버전으로 각색한 듯한 느낌의 <비키 크리스티나 바르셀로나>는 각 캐릭터들에게 (적어도 줄과 짐 보다는) 더 공감할 수 있었고 그렇기 때문에 이야기 자체에 더 깊게 빠져들 수 있었다.

<쥴 앤 짐> 얘기를 꺼낸 김에 좀 더 해보자면, <비키 크리스티나 바르셀로나>는 누구인지 모를 제 3자의 내레이션으로 진행되는 점이나 그 내레이션의 어투나 화법 모두 <쥴 앤 짐>을 연상시키게 한다. 휴양지가 등장한다는 점도 그렇고 관계설정이 조금 틀리기는 하지만 한 남자를(여자를) 사이에 두고 벌어지는 복잡한 남녀관계라는 점도 그렇고, 무엇보다 자전거 타는 장면도 그대로 나온다. 그리고 이 영화에서 인상적인 또 다른점은 러닝타임내내 거의 잠시도 쉬지 않고 배경음악이 깔린 다는 점이다. 재미있는건 거의 내내 깔려있음에도 어느 때는 음악이 인식되었다가 또 어느 때에는 잊혀졌다가를 반복한다는 점이다.




<비키 크리스티나 바르셀로나>의 기본 구조는 아무래도 관계에 관한 이야기다. 영화에 등장하는 캐릭터들은 굉장히 성격이 분명하다. 내레이션을 통해 직관적으로 설명하는 것처럼 각 캐릭터는 말그래도 완전히 '캐릭터'화 된 인물들로서 구분이 쉽고 각각의 개성을 갖는다. 그렇게 배경을 깔아놓고는 이 인물들 간에 어떤 관계들이 형성되고 얽히는지를 영화는 서서히 풀어나간다. 이들의 관계를 쉽게 설명하자면 '삼각 혹은 사각관계' 정도로 얘기할 수도 있겠지만, 이들이 맺고 있는 관계는 이런 개념보다는 오히려 '굴레'같은 느낌이 더 강하게 들었다. 크리스티나는 굉장히 남녀 관계에 있어 자유스러운 것처럼 보이지만 한 편으론 본인 스스로 본인이 자유로운 존재라는 굴레에 갇혀있어 오히려 자유롭지 못한 일들을 겪게 되며, 하비에르 바르뎀이 연기한 안토니오 역시 예술가라는 캐릭터답게 굉장히 자유로운 라이프 스타일을 보여주고는 있지만 그가 이로 인해 겪게 되는 일들이 마냥 자유롭게만 보이지는 않으며, 반대로 가장 일반적인 캐릭터라고 할 수 있는 비키의 경우 역시 '이러면 안된다는' 또 다른 굴레에 얽매여서 자신의 감정에 조심 또 조심을 하게 된다.

예술가라는 직업은 이런 그들의 자유로움을 좀 더 이질감이 느껴지지 않도록 표현하기 위한 하나의 도구로 사용되고 있다. 그리고 바르셀로나라는 지역적 배경 역시 이들의 자유로운 관계들을 가능토록 하는 광대한 베이스로 작용하고 있기도 하다. 관객들은 보는 내내 바르셀로나에서 하비에르 바르뎀 같은 남자를 만난다면 혹은 페넬로페 크루즈 같은 여자를 만난다면 저럴 수도 있을 것이라는 생각을 절로 하게 되니 말이다.




개인적으로 포스터에 제목처럼 비키 역을 맡은 레베카 홀도 포함되었으면 더 좋았겠다는 생각을 지울 수가 없는데, 그 만큼 이 영화에서 (더군다나 다른 세 배우들 틈에서도!) 빛을 발했던 배우는 레베카 홀이었다. 나머지 세 배우를 평소에 워낙에 좋아하는 터라 상대적으로 레베카 홀에 대한 기대치가 적어서 였는지 몰라도, 그녀가 연기한 '비키'를 사실상의 주인공으로 인식해서 인지는 몰라도 레베카 홀의 연기는 매우 현실적이여서 공감대를 불러일으키는 동시에 이 영화를 지구 반대편 어디에서든 있을 법한 얘기로 만들어주는데 큰 몫을 하고 있다. 어디서 많이 본 얼굴이다 했더니 크리스토퍼 놀란의 <프레스티지>에서 크리스찬 베일의 아내 역할로 출연했었다.

하비에르 바르뎀은 언제 그가 '안톤 쉬거'였느냐고 외치기라도 하는 듯 어쩌면 본연의 느끼하면서도 매력적인 남자를 능글맞게 연기하고 있다. 그가 이 영화에서 연기하는 '안토니오'의 모습에서는 마치 '라틴계 조지 클루니'가 느껴진달까? ㅎ 전 세계의 모든 남성팬들의 시기를 한 몸에 받을 만한 캐릭터를 연기한 그가 남자로서 부럽지 않다면 거짓말일듯. 참고로 하비에르 바르뎀과 페넬로페 크루즈는 1992년작 <하몽하몽>에 함께 출연했던 적이 있다. 페넬로페 크루즈는 이 영화로 아카데미 여우조연상을 수상하기도 하였는데, 개인적으로 그녀의 오랜 팬이기는 하지만 그 정도에 연기였는지에 대해서는(특히나 다른 수상 후보들에 비해)조금 부정적이긴 하다. 스페인어를 속사포처럼 쏘아부치는 그녀의 모습에서 오랜만에 '무서움'이 느껴지기도 했으며, 그 아름다움은 여전했다. 스칼렛 요한슨은 우디 알렌의 페르소나로 자리 잡으면서 부터 확실히 더 성장하고 있는 느낌이다. 레오나르도 디카프리오가 스콜세지와 함께 작업하며 그러했듯, 스칼렛 요한슨은 우디 알렌의 작품들을 통해 자신의 다양한 매력과 연기력을 선보일 수 있는 기회를 얻고 있다 하겠다. 그리고 다른 영화에서보다 훨씬 더 편하게 연기하는 느낌도 들고.




개인적으론 최근 미드 <식스 핏 언더>를 막 엔딩을 본 터라 이 영화에 출연한 두 배우가 남다르게 반가울 수 밖에는 없었는데, 주디 역할을 맡은 패트리시아 클락슨과 비키의 남편 역할을 맡은 크리스 메시나는 스크린을 통해 다시 만나니 그렇게 반가울 수가 없더라(이 둘이 이 정도인데 만약 네이트라도 나왔더라면 그 반가움의 크기는 어떠했을까. 재미있는건 크리스 메시나가 영화 속에서 연기하는 캐릭터의 모습도 '식스 핏 언더'속 인물과 많은 부분 비슷하다는 것).

<비키 크리스티나 바르셀로나>는 영화의 중요한 부분을 앗아가버린 재앙과도 같은 국내 개봉 제목으로 아쉬움이 많은 채 개봉한 작품이긴 하지만, 본래 제목에 근거한 영화는 역시나 우디 알렌의 유머러스함과 고풍스러움 그리고 배우들의 열연을 만나볼 수 있었던 그 다운 작품이었다. 국내 개봉 제목에 낚인 이들도 있을런지 모르겠지만, <비키 크리스티나 바르셀로나>를 기다렸던 영화 팬들, 우디 알렌의 팬들에게는 다시 한번 그의 매력에 흠뻑 빠질 수 있는 작품이 아닐 수 없겠다.


1. 바르셀로나. 모든 곳이 영화가 되고 로맨스가 될 듯한 그 곳!

2. 스패니쉬 기타 선율도 그렇고, 사운드 트랙이 나온다면 부담없이 구매할 수 있을 것 같네요.





글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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여성과 어머니, 알모도바르의 이야기

마드리드에 살고 있는 젊고 아름다운 라이문다는 한없이 거칠고 희망이라고는
보이지 않는 일상을 살아간다. 그녀는 기둥서방과 다름없는 남편과 사춘기에 접어든 딸을 둔
실질적 가장으로 모든 현실이 짐스럽기만 하지만, 뭐든지 해내는 억척스런 생활력으로
가정을 이끌어 가고 있다. 그리고 어느 날 밤, 그녀의 딸 파울라가 성추행 하려는 아버지를
칼로 찔러 죽이는 사건이 벌어진다..
그날 밤, 라이문다의 언니 쏠레에게도 비밀스런 사건이 시작된다. 열정적이고 거친 라이문다와는
 다소 다른 소심하고 조용한 성격의 쏠레는 고향인 라 만차에 다녀오는 길에
엄마의 유령을 만나게 된다. 쏠레는 불법 미용실을 운영하며, 미용실 손님과 바람난 남편에게
 버림받은 후 홀로 살고 있었다. 그녀는 엄마가 나타났다는 사실을 라이문다에게 숨긴 채,
미용실 손님들에게 엄마를 러시아 노숙자라고 소개한다. 엄마는 미용실 손님들과 차츰 어울리며
아무렇지도 않게 쏠레의 현실에 적응해가지만, 정작 가장 만나고 싶었던
라이문다에게는 나타나지 못한 채 그녀를 바라보기만 하는데..



(스포일러가 있습니다)
제 59회 칸 영화제에서 각본상과 6명의 여자 배우들이 여우주연상을 공동으로
수상하며 화제를 모으기도 했던 <귀향 (Volver)>은, <그녀에게> <나쁜 교육>등으로 잘 알려진 스페인 출신의
페드로 알모도바르 감독의 최신작이다. 이미 전작들을 통해 스페인 특유의 정체성을 배경으로
감독 자신만의 빛나는 감수성으로 많은 팬들을 만들어낸 알모도바르는 <귀향>을 통해 다시 한 번
자신의 진가를 십분 발휘하게 되었다. 특히 이 영화는 스페인의 라 만차 지역을 배경으로
감독 자신의 어린 시절 경험에 빗대어 이야기를 풀어가고 있는데, 어린 시절 주변 인물들이
대부분 여성들 밖에는 없었다는 그의 말과 같이, <귀향>은 전적으로 여성들을 위한,
여성들에 위대함에 바치는 찬사의 작품이다. 특히 주인공 라이문다 와 같이 끔찍한 일들을 겪으면서도
쉽게 눈물을 보이지 않고 살아가야 하는, 강인한 여성들에 대한 찬사이자, 감독 자신이 밝혔듯
영화의 제목처럼 스스로 언젠가는 돌아가야 할, 언젠가는 꼭 만들어야만 했던 영화이기도 하다.
그렇기 때문에 적어도 이 영화에서 남성의 존재는, 그저 자신의 성적 욕구에만 매달리는
무능하고 본능적인 존재이자, 여성들의 모든 고통과 슬픔의 원인을 제공하는 인물로 그려지고 있다.



<귀향>은 전작 <나쁜 교육>처럼 감독 자신의 유년기에 대한 추억과 감정 등을 담고 있긴 하지만,
<나쁜 교육>과는 달리, 유머러스함이 기본에 깔려 있으며, 여기에 눈물을 자극하는 감동과 판타지,
미스터리한 요소까지 담아내고 있는 독특한 작품이다. 특히 영화의 줄거리에 중요한 부분을
차지하는 어머니의 캐릭터에 관한 미스터리. 감독은 어머니가 실제로 유령인가 아닌가 하는
미스터리를 영화 전반에 매우 적절하게 사용하고 있는데, 단순한 미스터리로 끝나는 것이 아니라,
이것을 영화의 주제와 완벽하게 결합시켜 나중에는 왜 어머니가 살아있음에도 평생을 유령처럼
살 수 밖에 없었는지를 말해주면서 찡한 감동을 불러일으키기도 한다. 또한 유령일지도 모르는 어머니가
러시아 아줌마로 분해 손님들을 접하고, 손녀딸과 아무렇지도 않게 대화를 나누는 장면은
묘한 재미를 선사하기도 한다. 영화의 마지막, 파울라를 돌보았듯이 자신이 저지른 잘못으로 인해
슬픔을 갖고 죽음을 기다리는 아우구스티나를 돌보기 위해, 또 다시 유령처럼 나타나
라이문다와 헤어진 뒤 홀로 눈물을 훔치는 라스트 씬은 진한 여운을 남게 한다.



이 영화는 여성들에 대한 찬사에 관한 영화이기도 하지만, 가족, 그리고 그 중에서도
어머니와 딸에 관한 이야기이기도 하다. ‘모든 인생은 오해를 풀기 위한 연속이다’라는 말처럼
가장 가까운 가족간, 모녀간임에도 서로에 감정 때문에 미처 하지 못한 말, 풀지 못한 오해들로 인해
서로 오랜 시간을 떨어져 있고, 단절되어 있는 관계와 그 해결에 대해 알모도바르 식의
풍부한 감성으로 풀어내고 있다. 많은 사람들이 <귀향>을 보고 가장 감동 받은 장면을 꼽으라면
아마도 극 중 라이문다가 영화 팀들 회식자리에서 우연히 어린 시절 노래대회에 참가하기 위해
어머니가 연습시켰던 곡을 노래하는 장면을 꼽을 텐데, 전작 <그녀에게>에서도 극중
카에타노 벨로소가 부른 ‘쿠쿠루쿠쿠 팔로마’로 <나쁜 교육>에서는 ‘문 리버’로 인상 깊은 장면을 연출했던
알모도바르 감독은, 이번 영화에서도 음악을 통해 감정을 극대화시키는 장면을 삽입하였다.
노래를 부르던 중 어머니 생각에 눈물을 글썽이는 라이문다와 그를 먼발치 차 속에서
몰래 지켜보다 숨어서 눈물을 흘리던 어머니의 모습은 격정적인 플라멩고 곡과 함께
최고의 순간을 선사한다(음성해설을 통해 알 수 있었던 사실은, 많은 사람이 실제로 페넬로페 크루즈가
이 노래를 부른 것으로 알고 있지만, 이 장면은 립싱크로 촬영되었다고 한다.
그만큼 그녀의 립싱크 연기가 대단했다는 반증도 될 듯).
또한 나중에 어머니가 유령으로 살 수 밖에 없었던 사연을 전해 듣고 두 모녀가 벤치에서 그토록 원하던
대화와 오해를 풀고 포옹하는 장면 역시, 이 영화에서 상징적인 장면으로 매우 인상 깊었다.



감독의 연출력 못지 않게 이 영화에서 주목할 것은 뛰어난 여배우들의 빛나는 연기이다.
앞서 소개했듯이 지난해 칸 영화제에서는 유례없이 여우주연상을 <귀향>의 여배우들에게 공동수여 하였는데,
영화 속에 등장하는 여배우들의 연기를 보고 있노라면, 이 같은 수상결과에 절로 고개를 끄덕이게 된다.
복잡한 감정 선들이 교차하는 캐릭터를 맡은 로라 두에나스와 블랑카 포르틸로는 물론, 제목 ‘귀향’처럼
오랜만에 페드로 알모도바르 감독의 작품에 출연한 카르멘 마우라의 연기는 이 영화를 든든하게
지탱해주고 있는 커다란 버팀목 같은 역할을 한다. 코믹스러운 표정 연기도 전혀 오버스럽지 않게 표현해내고,
슬쩍 눈물을 훔치는 것만으로도 진한 감동을 불러일으키는 그녀의 연기는 페넬로페 크루즈 처럼
전면에 부각되지는 않지만, 절대 놓쳐서는 안될 부분이다.



그리고 페넬로페 크루즈. 그녀는 이 작품 전에도 여러 작품에서 좋은 연기를 선보이긴 했지만,
그 동안에는 연기에 비해 스캔들이나 글래머러스한 몸매가 더욱 화제가 되곤 했었다.
하지만 <귀향>에서 그녀가 보여준 연기는, 단연 그녀의 필모그래피를 통틀어 최고의 열연이라 할 수 있으며,
진정한 배우로서 거듭나는 연기를 펼쳤다고 해도 과언이 아닐 것이다.
많은 사람이 <귀향>에 등장하는 페넬로페 크루즈를 보면서 소피아 로렌을 떠올리게 되었는데,
소피아 로렌과도 같은 여성스런 매력과 우아함을 물씬 풍기고 있으며, 그 동안 그녀가 출연한 영화에서는
쉽게 찾아볼 수 없었던 자연스럽고도 관객의 감정을 자극하는 연기는, 조심스럽게
그녀를 현역 최고의 스페인 여배우로 칭하게 되는 결과까지 가져오게 했다. 페드로 알모도바르 감독의
작품에 출연하는 것이 어렸을 때부터 꿈이었다는 그녀의 소박한 인터뷰와는 달리,
그녀는 어느덧 그녀 스스로가 그리도 선망하던 감독 자신이 입에 침이 마르도록 찬사를 보낼 만큼
훌륭한 배우가 되어 버렸다. <귀향>은 한 편으론 영화의 줄거리와 감동과는 무관하게
더 멋진 배우로 성장한 그녀를 보는 것 만으로도 흐뭇한 미소가 지어지는 영화이기도 하다.



2.35:1 와이드스크린의 화질은 최신작답게 선명한 화질을 제공하고 있다.
특히 이 영화에서는 더욱 강조되는 붉은 색감의 표현도 자연스러우며, 어두운 장면에서 암부의 표현력도
우수한 편이다. 돌비디지털 5.1채널의 사운드도 크게 흠잡을 데가 없는데, 대사 전달력도 또렷하며
극중 라이문다가 노래하는 장면에서도 공간감을 느끼기에 부족함이 없다. 첫 번째 디스크에는 감독과
페넬로페 크루즈가 참여한 음성해설이 수록되었는데, 상대적으로 빈약한 부가영상에 비해
극 중 캐릭터에 대한 자세한 설명이라던지, 배우들의 연기에 관한 칭찬 등 유익한 내용이
가득 담겨 추천할 만하다. 서플먼트로는 예고편과 포토 갤러리, 그리고 감독과 주연배우들의
인터뷰가 수록되었는데, 별다른 제작과정 다큐멘터리가 수록되지 않은 것은 아쉽지만,
인터뷰의 내용이 짧지만 핵심적인 이야기가 수록되었다는 점에 만족해야 할 것 같다.
여기에 영화를 보고 나면 꼭 한 번 들어보고 싶은 O.S.T CD가 추가로 수록되어,
영화의 감동을 다시 한번 음악으로 즐겨볼 수 있는 기회를 제공하고 있다.

2007.02.08
글 / ashitaka



꿈(Dream)과 현실(Real), 그 어느 것도 확실치 않다. 누구를 믿어야 하는지, 무엇을 믿어야 하는지 알 수 없다. 눈에 보이는 것, 손끝으로 느껴지는 것들조차 믿을 수 없는, 하지만 이 모두는 스스로 선택한 자각 몽(Lucid Dream)일 뿐.



거대 출판사를 거느리고 남부러울 것 없는 부와 자유를 향유하던 데이빗 에임스(톰 크루즈 분). 매시간을 즐기며 사는 그에게 진정한 사랑이나 신뢰를 먼 얘기일 뿐이다. 자주 만남을 갖는 여배우 줄리(카메론 디아즈 분) 역시 그에게는 단순한 잠자리 상대지만 줄리는 데이빗에 대한 집착을 드러낸다.
자기 집에서 생일파티를 열고 가까운 사람들을 초청한 날, 줄리는 초대도 받지 않은 채 나타나 데이빗의 시선을 잡아두려 한다. 그러나 데이빗은 친구 브라이언과 함께 나타난 소피(페넬로페 크루즈 분)라는 여자에게 한눈에 반해 버린다. 이제야 꿈에 그리던 여인을 만났다고 생각한 데이빗은 소피아에게 빠져들고, 이를 용납할 수 없는 줄리는 데이빗을 속여 차에 타게 한 뒤 전속력으로 차를 몰아 끔찍한 사고를 낸다. 한참 후에야 의식이 돌아온 데이빗, 그러나 그의 얼굴은 형체를 알아볼 수 없을 정도로 망가져 있는데...



[바닐라 스카이]는 다들 아는바와 같이 스페인의 젊은 감독 알레한드로 아메나바르의 1997년 작 [오픈 유어 아이즈]를 리메이크한 작품이다. 일단 비교에 앞서 원작인 [오픈 유어 아이즈]에 대해 얘기해 보자면, 알레한드로 감독의 뛰어난 이야기 구성과, 현실과 가상현실, 로맨스를 접목 시키며 복잡하면서도 몽환적인 SF 스릴러(?)로 관객들과 평론가들에게 모두 극찬을 받았던 작품이다. 아메나바르 감독은 충격적인 데뷔작 [떼시스]에 이어 [오픈 유어 아이즈]마저 대성공을 거두면서 전 세계적으로 이름을 떨치게 되었고, [하몽하몽]으로 영화팬들에게 이름을 알렸던 페넬로페 크루즈는 이 영화에서 또 한번 묘한 매력을 맘껏 보여주었다. [바닐라 스카이]와 [오픈 유어 아이즈]를 비교함에 있어 한 가지 흥미로운 점은 원작에서 여자 주인공으로 출연했던 페널로페가 리메이크 작에서도 그대로 여자 주인공으로 등장한다는 것이다.




이 영화가 헐리웃에서 재탄생하기까지는 톰 크루즈의 역할이 컸는데, 원작에 한껏 반했던(페널로페에게 반했었는지도 모르겠다) 톰 크루즈는 원작의 판권을 바로 사들였고, [제리 맥과이어]에서 이미 한 번 같이 작업을 하였던 카메론 크로우에게 감독을 맡겼다. 카메론 크로우 역시 [오픈 유어 아이즈]에 대해 몹시 좋은 감정을 가지고 있던 터라, 원작의 감독인 아메나바르의 조언을 얻어 영화를 완성하였다. 대부분의 리메이크 영화가 그러하듯 원작의 아성을 넘지는 못했다는 평이 많은 듯 하다. 그 중 가장 큰 이유는 [바닐라 스카이]의 마지막 30분 가량의 내용 때문인데, [오픈 유어 아이즈]에서는 복잡하게 스토리를 교차하여 배열하고 관객으로 하여금, 혼란에 빠지게끔 하여 열광적인 반응을 얻은 것에 비해, [바닐라 스카이]에서는 그런 관객을 의식했던 것인지, 너무도 친절하게 설명하려 들었다는 것이 그 대부분의 이유였다.

전혀 의문점에 대한 설명이 없이 이야기를 마무리 짓는 것도 썩 좋은 편은 못되는 듯하지만, 리메이크 작을 은근히 기대했던 팬들은 너무나도 친절한 어투로(다분히 헐리웃 식으로)풀어내는 결말이 맘에 들지 않았었던 것 같다. 비록 원작에 비해 조금은 못 미친다는 평가를 받기는 했지만, [바닐라 스카이]는 분명 흥미롭고 볼만한 가치가 있는 영화라는 생각에는 변함이 없다. 그런 생각에 원인으로는 배우들이 펼친 명연기와 극장을 나와 바로 시디샵으로 달려가 O.S.T를 집어 들게 했던 음악을 들 수 있겠다.



일단 뒷 얘기는 나중에 하도록 하고 연기만을 살펴보자. 전체적으로 가장 뛰어난 연기를 보여주었다고 평가받는 배우는 두 크루즈가 아닌 바로 카메론 디아즈이다. 카메론 디아즈는 이 영화에서 그리 길지 않은 러닝 타임에 출연하였지만 강렬하고도 인상적인 연기로 많은 관객들과 평단에 극찬을 받았다. 이전 까지 그저 모델 같은 외모로만 평가받던 그녀는(사실 이런 평가가 때늦은 평가가 된지는 제법 시간이 흐른 듯 하다), 이 영화에서 극중 데이빗 에임스를 사랑하지만 자신을 그저 섹스파트너 정도로만 여기는 데이빗에게 질투와 분노를 느끼는 줄리 지아니 역을 맡아, 캐릭터를 섬뜩하면서도 매력적으로 그려냈다. [바닐라 스카이]에서 ‘줄리 지아니‘라는 인물은 두 주연배우만큼이나 중요한 역할인데, 카메론 디아즈가 연기함으로써 관객들이 그 배역에 더욱 관심을 가지고, 더 가깝게 공감할 수 있었던 것 같다.

다음은 원작에 이어 다시 같은 인물을 연기한 페넬로페 크루즈. 영화를 보고 있노라면 ‘톰 크루즈가 빠질 만도 하다...’라는 생각이 들 정도로 그야말로 마드리드의 요정과도 같은 표정들을 다량 선사하며 자신의 섹시하고도 귀여운 매력을 마구 발산하고 있다. 사실 같은 역할을 다시 연기한다는 것은 상당히 부담이 되는 요소였을 듯싶은데, 페넬로페는 비교적 지루하지 않게 잘 해낸 것 같다. 페넬로페 크루즈는 연기를 함에 있어 자신만의 고집이 센 것으로도 유명한데, 이 영화 바닐라 스카이에서도 익숙하지 않은 영어로 완벽하게 연기하고 있고, 최근 촬영에 들어간 신작에서는 불어를 사용해야 하는 역할이라 또 열심히 연습중이라고 한다(제작진에서는 처음 더빙을 제안했지만, 그녀가 완강하게 거부하는 바람에 그냥 현장에서의 그녀의 목소리를 그대로 담기로 했다고 한다). 조금은 어색한 스페인 식 영어발음으로 연기하는 페넬로페의 모습도 매력적이지만, 아무래도 유창한 스페인어로 연기하는 그녀의 모습이 더 매력적으로 느껴지는 것은 어쩔 수 없는 것 같다.



그리고 탐 크루즈. 그는 이제 배우뿐 아니라 제작자로서도 헐리웃에서 막강한 영향력을 행사하는, 그야말로 거물이다(사실 개인적인 소견으로는 그의 외모와 이러한 거물급 배경, 가장 헐리웃 적이라는 무의식 속에 이미지가, 그에 대한 진정한 평가를 가리고 있는 듯 하다. 또한 그는 그러한 조건과 상황 속에서도 나름대로 꾸준히 변화를 꾀하며 열심히 하고 있다고 생각한다). 이 영화 역시 제작과 주연을 겸하고 있는데, 그 잘생긴 얼굴을 심하게 망가트린 것만으로 그에겐 어느 정도 도전이 되지 않았을까 하는 생각도 든다. [매그놀리아]를 통해 관객은 물론 평론가들에게도 ‘톰 크루즈 생애 최고의 연기’라는 극찬을 받았던 그는, [바닐라 스카이]에서도 현실과 가상 현실 속에서 혼란과 방황을 겪는 데이빗 에임스 역을 잘 소화해내면서 좋은 반응을 얻었다. 이제 배우들 간에 뒷이야기를 조금 해보자면, 이 영화를 통해 톰 크루즈는 부인이었던 니콜 키드먼과 이혼하고 페넬로페를 새 연인으로 맞은 것은 이미 공공연한 과거가 되어버렸다. 또한 아이러니한 것은 니콜 키드먼은 톰 크루즈가 제작하고 [오픈 유어 아이즈]의 알레한드로 아메나바르가 감독한 [디 아더스]에서 최고의 연기를 펼치며 오묘한 관계 설정을 이루게 되었다.

이들 세 배우 외에도 눈길을 끄는 한 배우는 바로 커트 러셀이다. 이전까지 우직하고 강력한 액션연기만 보여 주었던 그는, 이 영화에서 데이빗 에임스와 이야기를 풀어나가는 정신과 의사 역할을 맡아 차분하고 안정된 연기로 나름대로의 연기 변신을 꾀하였다. 마지막 옥상 장면에서 ‘기술 지원’이 딸의 이름을 물었을 때 대답하지 못하는 그 표정은 정말 압권이었다.



[바닐라 스카이]가 주목받는 또 다른 이유 바로 O.S.T이다. 이 영화의 사운드트랙에 지대한 영향을 끼친 사람은 영화감독 이전에 팝 칼럼니스트이기도 했던 카메론 크로우 감독을 들 수 있겠다. 이미 그는 전작 [올모스트 페이머스]를 통해 자신의 음악적인 세계와 생각을 자전적으로 그려낸 적이 있었다. 그의 아내는 그룹 하트 출신의 기타리스트이자 보컬인 낸시 윌슨이기도 하다(낸시 윌슨은 이 영화의 전체적인 음악을 맡고 있기도 하다). 일단 위에 언급한 제목과도 같이 [바닐라 스카이]의 사운드트랙은 요목조목 옥석들만 골라낸 종합 선물세트라 부르면 될 것 같다. 음악과는 떼어놓을 수 없는 인생을 살았던 감독 카메론 크로우와 그의 아내 낸시 윌슨이 컨텍팅한 곡에서, 그의 말대로 락 음악에 대한 오마주를 엿볼 수 있다.

R.E.M, The Monkees, Bob Dylan, Peter Gabriel, Jeff Buckley, Todd Rundgren부터 Sigur Ros, The Chemical Brothers, Radiohead까지...그야말로 명곡들이 주욱 나열되어 있다. 이들 기존의 곡들 외에 폴 매카트니의 동명타이틀 신곡 ‘Vanilla Sky'가 담겨있고, 극중 차안에서 카메론 디아즈가 톰 크루즈에게 건낸 앨범에 수록된 ’I Fall Apart'도 눈길을 끈다. 극 중 이름인 'Julianna Gianni'로 이름을 올린, 이 곡에서는 [내 남자 친구의 결혼식]에서와는 몰라보게 향상된 카메론 디아즈의 보컬을 들을 수 있다.
뛰어난 선곡 외에도 영화의 중간 중간 카메론 크로우 감독의 음악적 감성을 느낄 수 있는데, 밤 늦은 클럽에서 화장실을 묻는 질문에 ‘저기 뷔욕(Bjork)닮은 여자 옆에’라고 얘기하는 것이라던가, L.E를 설명하던 중 나오는 화면에 역시 뷔욕의 뮤직비디오 ‘Big Time Sensuality'가 흐르는 것에서 어렵지 않게 알아낼 수 있다.




[바닐라 스카이]타이틀이 발매 된지는 꽤 되었으나, 최근 파라마운트 3차 할인 행사를 통해 좀 더 저렴해진 가격에 좋은 타이틀을 구매할 수 있는 기회가 마련되었다. 타이틀은 2.35:1 의 애너모픽 영상과 돌비디지털 5.1채널의 사운드를 제공하고 있다. 음악의 비중이 다른 영화에 비해 큰 탓에 사운드에 더 관심을 쏟게 하는데, 크게 분리도를 느낄 만한 장면이 없는 관계로 5.1채널의 효과를 체험하기는 어렵다. 타이틀이 맘에 드는 이유는 영상과 음질의 스펙 보다는 서플먼트에 있다. 일단 감독인 카메론 크로우와 음악을 맡은 낸시 윌슨의 코멘터리 트랙을 첫 번째로 들 수 있겠다. 원작과 비교하여 카메론 크로우가 그려내려 했던 영화와 장면에 쓰인 음악에 대해 연출자에 입장에서 자세한 얘기를 전해들을 수 있다.

그리고 다큐멘터리로는 'Prelude to a Dream'과 ‘Hitting it Hard'가 있는데, 'Prelude to a Dream'에서는 영화의 제작 과정을 담은 다큐멘터리로 배우들과 스텝들이 영화 전반을 촬영하는 모습들을 담고 있다. ‘Hitting it Hard'에서는 이례적으로 전 세계를 순회하며 시사회를 가졌던 여정을 담고 있는데, 파리, 런던, 마드리드, 중국, 호주, 일본, 그리고 한국에 이르기까지, 각 나라를 전전하며 영화를 홍보하는 두 주연배우와 감독의 모습을 즐기는 것도 흥미롭다. 그리고 사운드트랙에 신곡을 수록하였던 폴 매카트니의 인터뷰 영상과 'Afrika Shox'의 뮤직비디오, 예고편과 포토갤러리가 수록되어 있다. 포토갤러리에는 DVD-ROM사용자를 위한 이스터에그가 숨어있는데, NG 컷 등을 담은 영상이 숨어있어 보는 이로 하여금 쏠쏠한 재미를 느끼게 한다.


2003.05.19
글 / 아쉬타카

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