the Real Folk Blues

지난 해였나 지지난해 였나 HP노트북으로 처음 노트북 유저가 된 뒤 (생각보다 상당히 늦게 노트북을 구입한 편이었죠;;), 한 동안 잘써오다가 경제적 난을 이유로 지난해 다시 판매를 결정, 한 동안 노트북 없이 노트와 펜으로 각종 회의 및 미팅을 연명하기를 수개월. 아기다리고기다리던 새로운 맥북에어 모델의 출시소식과 함께 정말 어렵게 다시 한번 카드회사의 힘에 의지해 고민고민 끝에 구매결정. 8월 17일이 예정일이라 (무슨 애 나오는 것도 아닌데 예정일타령;;) 느긋하게 기다리고 있었는데, 전혀 마음의 준비도 하지 못했던 어제 유난히 밝은 목소리로 인사하는 택배아저씨의 우렁찬 호명과 함께, 제 두 번째 노트북이자 첫 맥북인 뉴 맥북에어 13인치가 도착했던 것이었던 것이었습니다.

13형 : 128GB

• 1.7GHz 듀얼 코어 Intel Core i5 프로세서
• 4GB 메모리
• 128GB 플래시 메모리
• Intel HD Graphics 3000
• Lion 기본 탑재
  

얇아요. 얇아. 케익이라도 잘랐어야 했는데 앞서 이야기한 것처럼 맥북이 예상보다 훨씬 빨리 도착하는 바람에 미처 이벤트를 준비 못했네요. 늦었다고 생각할 때가 빠른 거라는 말은 하지마세요. 이 이벤트는 배송 당일에만 가능합니다 (즉, 심리적으로 몹시 흥분상태일때만 가능)

맥북은 물론 맥북에어를 처음 써보는 거라, 아니 이렇게 얇은 노트북은 처음 써보는 거라 사용 초반 몇달 사이에는 손을 많이 베는 일이 있을 것 같습니다. 이 정도는 감수해야죠. 암요.

일단 이 디자인적인 아름다움에 빠져들지 않을 수가 없군요. 기껏 맥북 사놓고 윈도우 까는 사람들이 이해가 갈 정도의 디자인이 아닌가 싶습니다. 터치 패드도 처음 써보는터라, 한동안 손가락 사용법을 열심히 연마하게 될 것 같네요.

이리봐도 얇네요. 유일한 단점이라면 너무 압도적으로 알흠다운 탓에 너무 조심조심 쓰다가 내가 맥북을 사용하는게 아니라 맥북이 나를 사용하게 될 수도 있다는 것 정도겠네요.

좋습니다. 긴 말이 필요없어요. 과일도 사과보다는 배를 좋아하는데, 배는 너무 비싸기도 하고 앞으로는 사과를 자주 먹어야겠어요.

왼손으로 맥북에어를 들고 오른 손으로는 아이폰으로 사진 촬영을 동시에 해도, 왼손에 실핏줄 하나 서지 않을 정도의 가벼움. 이 사진은 그렇게 왼손이 하는 일을 오른 손도 모르게 촬영되었습니다.

앞으로 새로운 맥북에어와 함께 할 나날들이 두근두근 하네요!

글 / 사진 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

매 작품마다 같은 사람인가 싶을 정도로 변신에 변신을 거듭하고 있는 크리스찬 베일과 (이젠 많이 지겨운 얘기지만) 화려했던 과거는 접고 배우로서 꾸준한 필모그래피를 보여주고 있는 마크 월버그, 그리고 에이미 아담스까지 출연하고 있는 데이빗 O.러셀의 신작 '파이터 (The Fighter)'는 라이트 웰터급 세계 챔피언이었던 동생 미키 워드와 슈가 레이 레너드와 경기를 치르기도 했던 형 디키 애클런드의 실화를 담고 있는 작품이다. 미키 워드는 'Irish'라는 별명으로 불리 우며 아투로 가티와의 기념비적인 경기로 더욱 유명한 복서인데, '쓰리 킹즈 (Three Kings, 1999)'를 연출했던 데이빗 O.러셀 감독은 이 실화를 권투 영화로 그리지 않고 가족 영화로 그려냈다. 그도 그럴 것이, 디키와 미키 형제의 이야기를 하면서 그들의 가족 얘기를 도저히 꺼내지 않을 수가 없었기 때문이다.

사실 '파이터'는 권투 영화가 갖고 있는 대부분의 요소들을 담고 있다. 패배를 계속해 오던 복서의 재기와 성공, 마약 중독으로 힘겨워 하던 주인공이 이를 조금씩 극복해 나가는 과정 등 시련을 이겨내는 주인공의 이야기는 권투 영화와 스포츠 영화의 기본적인 줄기라고 할 수 있겠다. 하지만 앞서 이야기했던 것처럼 '파이터'는 스포츠 영화의 관점에서 이 이야기를 다루지 않고 가족 영화의 측면에서 미키 워드와 디키 애클런드의 이야기를 그리고 있다. 복서의 삶에 중심을 둔 스포츠 영화가 아니다 보니 주인공은 오히려 미키 워드가 아니라 디키 애클런드에, 아니 주인공 한 두 명에 의해 이뤄지는 영화가 아니라 가족과 이들을 둘러싼 이들 그리고 그 지역사회까지 하나로 포용하는 다층적인 작품이 되었다.

마크 월버그와 크리스찬 베일, 둘의 비중은 거의 비슷하지만 후자에게 조금 더 힘을 실어주게 된 이유 중 하나는, 비교적 보편적인 캐릭터인 미키 워드에 비해 디키 애클런드의 캐릭터가 훨씬 더 입체적으로 느껴졌기 때문과 놀라운 크리스찬 베일의 연기 덕이었다고 할 수 있겠다. 이미 크리스찬 베일은 체중을 자유자제로 조절하는 것과 더불어 다양한 연기의 스펙트럼을 갖고 있는 것으로 유명하기는 하지만, '파이터'에서 보여준 디키 애클런드 캐릭터는 그 가운데서도 기존의 그와는 아주 많이 다른 모습이었다. 크리스찬 베일이 주로 맡아온 역할은 (몸무게의 차이는 있을지 몰라도) 주로 무겁거나 어두운 캐릭터가 많았는데, 그런 면에서 '디키 애클런드'는 경망에 가까울 정도로 가볍고 사고 뭉치인 동시에 떠 벌이기 좋아하는 외향적인 캐릭터였기에 더욱 크리스찬 베일의 연기에 놀라움을 표하지 않을 수 없었다.

두 형제의 어머니인 '앨리스' 역할을 맡은 멜리사 레오의 연기 역시 크리스찬 베일 못지 않다. 그녀의 전작들과 비교해보자면 그녀 역시 같은 사람인가 싶을 정도로 전혀 다른 캐릭터를 완벽하게 연기하고 있는데 (멀쩡하게(?) 인터뷰 하는 부가영상을 봐도 같은 사람인가 싶다), 극장에서 첨 본 순간부터 돋보였던 크리스찬 베일의 연기와는 다르게 그녀가 연기한 앨리스는 다시 보면서 더욱 진가를 느낄 수 있었던 캐릭터였다. 이 대가족을 이끄는 사실상 가장이면서, 동시에 디키와 미키 두 아들을 대하는 태도에 있어서 어머니여서 그럴 수 밖에는 없었던 매우 섬세한 지점을, 멜리사 레오는 관객이 뒤늦게 알아챌 정도로 자연스럽게 연기해내고 있다.

이번 작품을 통해 연기변신을 감행한 또 한 명의 배우라면 에이미 아담스를 들 수 있을 것이다. 그 동안 유쾌하고 즐거운 캐릭터를 주로 연기해온 그녀는, 이 작품에서 거칠고 터프하며 섹시하기까지한 '샬린' 역할을 맡았는데, 이 가족의 이야기에서 어느 정도 거리를 두고 있는 듯 하면서도 미키의 인생에 있어 가장 중요한 인물 중 하나인 샬린 캐릭터가 에이미 아담스를 만난 건 행운이라고 해야겠다.
 

블루레이의 화질은 전반적으로 약간 고려해야 할 점이 있다. 기본적으로는 블루레이로서 손색이 없는 화질이지만, 앞서 잠시 언급했던 것처럼 이 작품은 마치 미키와 디키에 대한 다큐멘터리를 제작하듯 촬영되었고, 복싱 경기 장면을 비롯한 몇몇 장면에서는 특히 실제 중계화면과도 같은 실감나는 영상을 만들기 위해 화질 측면에서도 의도한 부분이 있다는 점이다. 참고로 복싱 경기 장면은 실제 HBO의 제작진에게 촬영을 맡기기도 했는데, 그렇기 때문에 '더 파이터'의 복싱 장면은 단순히 흉내내기가 아니라 진짜 복싱 경기 장면 그대로를 보여주기도 한다.

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DTS-HD MA 5.1채널의 사운드는 영화음악과 경기장의 현장감 모두를 효과적으로 전달한다. 극중 수록된 Bee Gees의 'I Started a Joke'와 Red Hot Chili Peppers의 'Strip My Mind'등 수록 곡에도 상당히 신경을 쓴 것을 엿볼 수 있는데, 청아하게 들려오는 수록 곡들을 즐기는 재미도 쏠쏠하다. 그리고 긴박한 복싱 경기 중의 효과음과 경기장의 소음 역시 잘 전달된다.

부가영상에서 가장 먼저 확인해볼 것은 역시 감독인 데이빗 O.러셀이 참여한 음성해설이다. 사실 크리스찬 베일, 마크 월버그 없이 감독 혼자 진행하는 음성해설이라 조금은 심심하지 않을까 했던 것도 사실이었는데, 이런 우려를 완전히 뒤엎을 정도로 유익하고 재미있어서 시간 가는 줄 모르고 즐길 수 있는 코멘터리였다. 이 작품은 앞서 언급했던 것처럼 실제 가족들과 로웰에 사는 동네 사람들이 매우 적극적으로 참여한 작품인데, 그들이 등장할 때마다 한 명 한 명 이름을 알려주는 것도 좋았고, 실제 인물들에 대한 더 많은 이야기와 이를 영화화 하면서 겪은 과정의 이야기를 차분하지만 요목조목 들려준다. 어느 면에선 본편 보다 더 시간가는 줄 모르고 들었던 음성해설 중 하나였다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)  
 

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퍼스트 어벤져 (Captain America: The First Avenger, 2011)
어벤져스의 마지막 예고편


'캡틴 아메리카 : 퍼스트 어벤져'는 내년 드디어 개봉할 '어벤져스 (The Avengers, 2012)'를 빼고는 이야기할 수 없는 작품이다. 이미 영화화가 이루어진 '아이언맨' '헐크' '토르', 그리고 이 작품들을 통해 조금씩 등장했던 블랙 위도우, 닉 퓨리, 호크 아이까지 모두 선을 보였으나, 어벤져스의 가장 중요한 일원이라고 할 수 있는 '캡틴 아메리카'는 이제서야 영화로 선보이게 된 것이다. '어벤져스'의 관점을 떠나서 '캡틴 아메리카'는 그 이름처럼 상당히 미국적인 이미지를 대표하는 캐릭터 중 하나였기 때문에 개인적으로도 다른 캐릭터들에 비해 관심이 조금은 덜 갔던 것도 사실이었는데, 영화 '퍼스트 어벤져'는 원작이 그리고 있는 시대적 배경과 본연의 색깔을 그대로 간직하면서도 단순히 미국적이라기 보다는 좀 더 보편적인 이야기를 담은, '어벤져스'의 마지막 조각이었다.

ⓒ Marvel Entertainment. All rights reserved

영화의 배경은 나치가 등장하는 제 2차 세계대전을 그대로 하고 있다. 다른 어벤져스의 일원들과 비교해보자면 '캡틴 아메리카'로서 보다 스티브 로저스로서의 이야기에 좀 더 주목하고 있다고 봐야겠는데, 그렇다고 스티브 로저스가 캡틴 아메리카가 되기까지 영화의 분량상 한참 걸린다는 얘기가 아니라, 영화가 스토리를 이끌어 가는데에 있어서 인간 스티브의 이야기를 중심으로 끌어가고 있다는 얘기다. 바로 이 부분의 공감대를 잘 살려낸 것이 앞서 이야기했던 '캡틴 아메리카'로서의 불편함을 거의 찾아볼 수 없었던 이유라고 할 수 있겠다. 외소한 체격으로 여러번의 자원 입대에 실패한 스티브의 '진심'은 허세나 뻔한 애국심보다는 좀 더 개인적인 측면에서도 공감이 가능한 이야기여서 자연스러웠고, 그가 '캡틴 아메리카'가 된 이후에 보여주는 행동들에서도 커다란 불편함을 찾아볼 수 없었다. 이렇듯 다른 히어로들보다 좀 더 현실적(?)인 스티브의 이야기는 뒤로 갈 수록 전쟁을 다룬 시대극에서 본격적으로 히어로물에 가깝게 진행된 이후에도 중요한 원동력이 되고 있다.

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이야기적인 측면과 배경에 별다른 각색을 가하지 않은 것은 전체적으로도 영화를 군더더기 없이 깔끔하게 정리하는 효과도 만들어냈다. 다시 말해 아쉬운 부분이 없었던 것은 아니지만 이 작품이 수행해야 하는 가장 큰 기능이 '어벤져스'의 일원인 캡틴 아메리카를 소개해야 하는, 더 나아가 '어벤져스'에서 그가 활동하는 일들과 선택하게 되는 결정들에 대해 공감대를 형성할 수 있는 초석이라는 점에서는 충분한 역할을 하고 있다는 얘기다. 사실 '캡틴 아메리카'를 별개로 생각하여 이 작품의 구조를 뜯어보자면, 너무 간단하게 정리되거나 뛰어넘는 부분이 없다고는 할 수 없을텐데, 이런 점들을 밑그림 정도로 설명하고 빠르게 전개하는 것이 오히려 이 작품에는 더 어울렸다고 할 수 있겠다.

하지만 그렇기 때문에 본래 '캡틴 아메리카' 자체에 큰 애정을 품었던 이들이라면 조금은 아쉬움이 남을 지도 모르겠다. '어벤져스'의 일원을 소개하는 측면에서는 더할나위 없이 딱 좋은 비중과 구성이었지만, 독립적인 이야기로 보았을 때에는 살짝 아쉬운 부분이 없지 않았기 때문이다. 뭐 개인적으로는 앞서 이야기했던 것처럼 애초에 이 작품을 '어벤져스'의 거대한 예고편으로 받아들였었기 때문에 매우 적절한 균형잡힌 작품이었다.

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'퍼스트 어벤져'가 '어벤져스'의 작품들보다 조금 더 나아간 점이 있다면, '어벤져스'의 이야기를 엔딩 크래딧 이후 쿠키에 수록한 것이 아니라 본편 속에 수록했다는 점이다. 쿠키의 성격이 훨씬 강한 닉 퓨리 (사무엘 L.잭슨)와 쉴드의 이야기를 엔딩으로 그대로 사용하고 있는 동시에, '내년 여름 어벤져스로 찾아옵니다' 라는 식의 직접적인 문구까지 수록하고 있는데, 이런 점 때문에 엔딩 크래딧이 모두 끝나고는 아예 '어벤져스'의 예고편이 수록되어 본격적으로 기다림을 더하게 만들고 있다. '퍼스트 어벤져'도 물론 재미있었지만, '어벤져스'의 예고편이 더 흥분되었던 것은 부정할 수 없을 것 같다!

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1. 이 작품에서 가장 흥미로운 캐릭터 중 하나는 도미닉 쿠퍼가 연기한 '하워드 스타크'였어요. 잘 아시다시피 하워드 스타크는 '아이언 맨' 토니 스타크의 아버지인데, 이 작품에서는 캡틴 아메리카의 주요 무기들을 만드는 조력자로 등장할 뿐만 아니라, 힘의 원천인 '코스믹 큐브'를 나중에 재차 발견하는 인물로도 나오죠.

2. 이 '코스믹 큐브' 관련한 내용은 '토르'의 쿠키 장면과 직접적으로 연결됩니다.

3. 스탠 리는 이번에도 출연하는데, 이번엔 대사도 있었죠!

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  
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카 2 (Cars 2, 2011)

감동은 덜하고 볼거리는 더하고

픽사의 작품 가운데 가장 아쉽다는 평가를 많이 받고 있는 작품이기도 한 '카 (Cars, 2006)'의 속편인 '카 2 (Cars 2)'를 보았다. 개인적으로도 '니모를 찾아서'나 '업', '월-E' 등 픽사의 다른 작품들에 비하면 '카'에 대한 평가가 그리 나은 편은 아니었는데, '카 2'를 보고나서 불현듯 전편이 보고 싶어서 다시 보게 된 '카'는 분명 보여지는 것 보다는 좀 더 많은 의미를 담은 작품이었다. 이 이야기는 나중에 기회가 있으면 다시하고, '카 2'에 대한 이야기를 시작해보자면, 확실히 속편이 갖을 수 있는 장점이자 단점을 모두 갖고 있는 (캐릭터 소개의 시간이 필요없다는 것) 작품으로서 픽사가 타 스튜디오에 비해 가장 잘하는 점이라고 할 수 있는 감동적인 스토리 부분은 많이 약해졌지만, 볼거리와 재미 부분은 더 화려해진 작품이었다.

ⓒ Disney/Pixar. All rights reserved

전편에서는 자기만 잘 난 줄 알았던 '라이트닝 맥퀸'이 우연한 사고로 만나게 된 레디에이터 스프링스 마을의 친구들을 통해 깨달음을 얻게 되는 (매번 빠르게만 달리는 것이 일이었던 레이싱 카가 느린 속도로 드라이브 하는 것을 배우게 되는 과정) 이야기를 그렸다면, '카 2'에서는 맥퀸의 중심이긴 하지만 그의 사고뭉치 절친인 '메이터'가 엮이게 되는 전혀 다른 첩보적인 이야기를 통해 다시 한번 우정의 소중함과 보여지는 것(외모)으로서가 아닌 내면의 것이 중요하다는 메시지를 재차 들려준다.

결론부터 이야기하자면 확실히 감동을 전달하는 메시지 측면에 있어서는 '픽사'라는 점을 감안하면 심심한 부분이 많았다. 기존 픽사의 작품들을 떠올려보자. 오프닝 시퀀스 만으로도 이미 티셔츠를 펑펑 적셨던 '업'은 물론이고, 사람보다 더 간절하고 애틋한 '월-E'의 마음과 시리즈를 계속해오며 더 이상 장난감 이상의 존재가 되어버린 '토이스토리'만 봐도 픽사의 이야기는 항상 애, 어른이고 할 것없이 펑펑 울게 하는 이야기가 아니었던가. 그런 측면에서보면 '카 2'는 이런 식의 감동을 시도했는데 실패했다기 보다는, 애초에 방향 자체가 기존 작품들과는 조금 다른 것이라고 보는 편이 맞을 듯 하다. 이 부분에 힘을 뺀 것은 사실 상당한 모험이라고 할 수 있을텐데, 왜냐하면 픽사가 다른 스튜디오의 애니메이션들과 가장 차별되는 부분이 거듭 얘기하는 것처럼 바로 이 부분이기 때문에, 이 핵심이 약해진 작품이 과연 관객들에게 어떠한 평가를 받게 될지는 어느 정도 예상이 되기도 했다.

ⓒ Disney/Pixar. All rights reserved

일단 '카 2'가 이런 이야기에 집중하는 대신 더 많은 공을 드린 부분은 로케이션 (애니메이션에서 로케이션이라는 표현을 써도 될런지는 모르겠지만)과 그에 따른 볼거리와 디테일이라고 할 수 있겠다. 앞서 이야기한 것처럼 맥퀸의 기본 이야기에 거의 대등한 비중으로 음모를 둘러싼 첩보의 이야기가 겹쳐져 있는데, 이를 통해 '카 2'는 마치 007영화를 연상시키는 일본, 프랑스, 런던의 다국적 배경을 통해 다양한 볼거리를 제공하고 있다. 그런데 이 배경 묘사와 각 나라(도시)에서 벌어지는 이야기들의 디테일이 정말 대단했다. 마치 레이싱 게임들의 디테일이 실사 화면과 구분이 되지 않을 정도인 것처럼 (실제로 이 작품에 등장한 런던의 트랙은 게임에도 등장한 아주 익숙한 트랙이었다), 같은 컨셉으로 모두 새로 그렸다기 보다는 거의 실제 도시를 옮겨 놓은 듯한 정도의 퀄리티로 묘사한 도시의 디테일이 돋보였다. 특히 일본에서의 장면의 경우, 일본을 가본 사람들만이 좀 더 웃을 수 있는 미세한 디테일을 확인할 수 있었는데, 아마도 파리와 런던 역시 이런 부분이 동일하게 적용되지 않았을까 싶다 (파리와 런던을 가보지 못해 확인해볼 수 없었던;;;)

각 도시의 배경은 물론 문화까지 고려한 디테일한 에피소드들까지. 이런 부분들은 역시 픽사답다라는 생각을 절로 하게 했다.

ⓒ Disney/Pixar. All rights reserved

3D로 표현된 볼거리 역시 만족스러웠다. 이미 전 편을 통해 레이싱 시퀀스에 대한 노하우를 쌓은 픽사는 이번 '카 2'를 통해 좀 더 화려한 레이싱 장면과 더불어 자동차로 구현할 수 있는 다양한 시퀀스를 추가했다. 자동차 외에 비행기, 배 등 다양한 탈 것들이 (물론 이 작품에서는 모두 의인화 되어 있으니 누가 타지는 않지만) 등장하는데, 이들이 벌이는 시퀀스들도 흥미로웠다. 볼거리 측면에서는 이 정도면 만족스러운 편이었다.

잊혀져 버린 66번 국도를 통해 많은 생각해볼 거리와 감동의 메시지를 던졌던 전편과 마찬가지로, 이 첩보 스릴러가 더해진 활극 속에서 맥퀸과 메이터의 우정에 관한 이야기를 좀 더 깊게 공감대를 이끌어 낼 수 있었다면 좀 더 인상적인 작품이 될 수 있지 않았을까 싶다. 확실히 이런 이야기적인 측면보다는 볼거리가 더 기억에 남는, 거의 유일한 픽사의 작품이 될 듯 싶다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  
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더 브레이브 (True Grit) - 블루레이 리뷰
코엔 형제가 말하는 진정한 용기

존 웨인 주연의 서부영화 '진정한 용기 (True Grit, 1969)'와 찰스 포티스의 소설 'True Grit, 1968'을 리메이크한 코엔 형제의 'True Grit (국내 개봉명 : 더 브레이브)'은 서부 영화의 정서를 배경으로 하고 있던 그들의 전작 '노인을 위한 나라는 없다' 와는 또 다른 묵직한 서부영화인 동시에 '시리어스 맨' 이나 '번 애프터 리딩'에서 보여주었던 재기 넘치는 '코엔 형제스러움'은 쉽게 찾아볼 수 없는 작품이다. 1880년대를 배경으로 아버지 죽음에 대한 복수를 위해 나서는 당찬 14살 소녀 매티 (헤일리 스타인펠드)의 이야기를 중심으로, 매티가 여정을 위해 만나게 되는 루스터 카그번 (제프 브리지스)과 라 뷔프 (맷 데이먼)의 캐릭터가 더해져, 간단하지만 힘이 있는 메시지를 전달한다. 코엔 형제가 이 작품을 다시 꺼내서 말하고자 했던 '진정한 용기 (True Grit)'란 무엇이었을까?

(위의 두 번째 재판장 장면에서 창문으로 빛이 드리워지는 순간은 정말 아름답다 라고 밖에는 말할 수 없을 정도다. 실제 촬영장에서 배우들도 느꼈을 만큼 환상적인 구도와 조명이었는데, 이는 촬영을 맡은 로저 디킨스의 공이라고 할 수 있겠다. 블루레이는 이 장면의 질감을 확실히 살려준다.)

매티는 처음부터 아주 강인하고 용기있는 캐릭터로 등장한다. 주변 사람들이 어린 아이가 어쩌다가 이렇게 되었냐고 할 때, 글도 못 읽는 어머니와 어린 남동생 밖에는 없어서 내가 나서야 한다는 이유를 대곤 하지만, 영화의 시작부터 보여지는 매티의 행동들을 보고 있으면 어쩔 수 없는 상황에 놓이지 않았더라도 나서고야 말았을 것이라고 쉽게 예상할 수 있을 정도다. 매티가 만나게 되는 카그번과 라 뷔프는 모두 각자의 분야에서 잔뼈가 굵은 이들이지만, 무언가 하나 씩 부족하다는 인상을 준다. 카그번은 배짱있고 노련한 보안관이지만 정의보다는 돈에 움직이는 경우가 더 많고, 너무 이런 생활을 오래 한 나머지 불한당 들과의 관계에 익숙해져 버렸을 정도다.

그의 반해 텍사스 레인저 라 뷔프는 역시 레인저로서 자부심을 갖고 있지만 현상금을 위해 먼 길을 달려 카그번과 협력 했을 뿐 그 이상의 목적은 없는 이다. 이런 이들이 매티를 만나서 깨닫게 되는 것이 어쩌면 이 영화의 중요한 메시지가 아닐까 싶다. 확실한 건 이 작품의 전개에 있어 복수는 하나도 중요한 것이 아니라는 것이다. 이를 반증하듯 영화는 마침내 매티가 아버지를 죽인 톰 채니 (조쉬 브롤린)와 만나게 되는 장면을 마치 우연처럼 그리는 한 편, 이 후에도 이들의 조우에 직접적인 의미를 부여하기 보다는 오히려 이로 인해 벌어지는 카그번과 라 뷔프의 행동에 더 주목하고 있다.

이미 찌들 대로 찌든 캐릭터와 냉정하고 차가운 캐릭터가 뚜렷한 목적성으로 똘똘 뭉친 주인공에 의해 동화되는 이야기의 전개는 그리 새로운 것은 아니라고 할 수 있는데, 코엔 형제는 다른 영화들과는 달리 이 동화의 과정을 별로 자극적이지도, 더나아가 심심할 정도로 건조하게 그리고 있다. 만약 카그번과 라 뷔프가 동화되는 과정을 어떤 사건을 두고 감정적으로 급격하게 변하는 것으로 연출하거나, 매티의 복수에 촛점을 맞춰 톰 채니와의 긴장 관계에 심혈을 기울였다면 '더 브레이브'는 오락적으로는 더 효과 높은 작품이 되었을지는 몰라도 그저 그런 평범한 영화가 되었을 것이다. 하지만 코엔 형제는 묵직한 주제를 뒤에 탄탄히 받쳐두고는 마치 이 주제에 대해서 열심히 설명하려고 하면 할 수록 그 의미가 퇴색된다고 믿는 것처럼, 별다른 수식어 없이 진중하게 이야기를 끌어가고 있다.

(세 인물이 서로에게 작용하는 과정을 바라보는 것은 이 작품의 또 다른 관람 포인트다. 표면적으로 보았을 때 서로에게 무심한 듯 미미한 수준의 영향이 작용하는 듯 하지만, 결과적으로 이들은 서로에게 (그것이 순간일지언정) 작지 않은 변화를 이끌어 낸다)

이러한 영화의 화술 덕에 영화의 마지막 아무렇지 않은 듯 담담히 들려주는 후일담은 엔딩 크래딧에 흐르는 찬송가의 분위기와 맞물려 종교적이기까지한 무게를 전한다. 후일담을 들려줄 때도 영화는 절대 신파나 감정의 극대화를 노리지 않는다. 그것이 이 영화가 가장 가치 있는 이유가 아닐까 싶다. 진정한 용기란 어떤 수식어나 포장도 필요 없는, 강요하지 않아도 알 수 있는 것일 테니까.


Blu-ray : Menu

Blu-ray : Pictures

블루레이의 화질은 예상보다 훨씬 더 좋은 편이다. '더 브레이브'는 영상 측면에서 보았을 때 상당히 매말라 있고, 색이 많이 빠진 듯한 느낌을 주는데 블루레이의 화질은 이런 영상의 매마름이 더 큰 갈증으로 느껴질 정도로 날카로움마저 더하고 있다. 하나하나의 디테일과 샤프니스가 살아 있기 때문에 마치 화면이 물기를 가득 빨아먹은 듯한, 그래서 영상이 더 예민하게 알알이 서 있는 듯한 느낌을 준다.

실제로 체감하는 화질은 스크린 샷을 보는 것 보다 훨씬 더 좋은 편이다. 앞서 언급했던 것처럼 이 작품은 촬영을 맡은 로저 디킨스가 만든 영상미가 매우 아름다운 작품인데, 자연과 사람을 하나로 담아낸 그의 멋진 풍광을 느끼기에 블루레이는 최고의 선택이 아닐까 싶다. 그 만큼 타이틀의 화질이 잘 빠졌다.


Blu-ray : Sound

사운드 역시 레퍼런스라 불러도 좋을 퀄리티를 수록하고 있다. 블록버스터 액션 영화들처럼 대규모 폭발 씬이나 액션 씬은 없지만, 두 세 번의 총격씬에서 확인할 수 있는 사운드는 확실히 우월하다. 말을 타고 벌이는 총격씬에서는 격발음과 말발굽 소리, 그리고 여기서 발생하는 미세한 소음들까지 귀를 기울이면 그대로 전해진다. 타이틀을 보고나면 '와! 사운드가 정말 기가 막히네!'라고 생각날 정도로 드러나는 사운드는 아니지만, 따져보면 사운드 역시 화질 못지 않은 퀄리티라는 것을 귀로 알 수 있다. 어쩌면 화질과 음질 면에서 별로 기대하지 않았던 이 작품이 이렇게 빵빵 터져주니 몸둘바를 모르겠다.

Blu-ray : Special Features

'Mattie`s True Grit'에서는 '매티 로스' 역할을 맡은 신예 헤일리 스타인펠드의 인터뷰를 시작으로, 이 작품의 중심이자 '진정한 용기'를 몸소 표현해 내는 매티 로스 캐릭터에 대한 이야기를 들려준다. 이는 물론, 헤일리 스타인펠드가 매티 역할 오디션을 보던 비디오 자료도 확인할 수 있으며, 코엔 형제와 작업하며 느낀 간단한 소감도 들려준다. 신인 배우인 헤일리에게도 자신의 의견을 100% 반영해주고, 두 감독이 서로에게 전혀 터치하지 않는 듯 하면서도 완벽한 앙상블을 이루는 모습이 인상적으로 다가왔다는 걸 인터뷰를 통해서 느낄 수 있었다.

 

'From Bustles To Buckskin - Dressing For The 1880s'에서는 1880년대를 재현하기 위해 가장 신경을 쓴 부분 중 하나인 의상에 대한 이야기를 전해들을 수 있는데, 철저한 고증을 통해 우리가 흔히 알고 있는 카우보이 모자와는 다른 조금 독특한 모양의 당시 카우보이 모자는 물론, 각 캐릭터를 설명해주는 고유의 의상에 대한 뒷이야기가 흥미롭다. 특히 맷 데이먼이 연기한 '라 뷔프'의 벅스킨 소재의 의상에 대한 이야기는 라 뷔프라는 캐릭터를 이해하는데 반드시 짚고 넘어가야할 부분이었고, 베리 페퍼가 연기한 '럭키 네드 페퍼'의 양모 덧바지 의상에 대한 이야기도 흥미로웠다.

'Colts, Winchesters & Remingtons: The Guns of a Post-Civil War Western'에서는 메뉴의 제목에서도 알 수 있듯이, '콜트' '윈체스터' 레밍턴' 등 영화의 배경이 된 남북전쟁 이후 시기 서부에서 사용되던 총기에 대한 좀 더 자세한 이야기를 들려준다. 재미있는 건 극 중 사용된 총기들을 새롭게 제작하기 보다는, 당시의 실제 총기와 동일한 복제품을 이베이 등을 통해 공수했다는 점인데, 최대한 당시의 느낌이 나도록 (다시 말해 오래된 느낌이 아니라 실제 당시에 사용되었을 법한 수준의;;) 의도했던 총기 담당자의 노력이 엿보이는 부가영상이었다.

'Re-Creating Fort Smith'는 작품의 배경이 된 포트 스미스를 재현한 과정과 뒷 이야기를 만나볼 수 있다. 텍사스 그레인저 지역의 마을을 우연히 발견해, 이 곳을 포트 스미스로 둔갑시키게 된 과정을 들려주는데, 거의 마을을 통째로 세트로 사용한 점이 이 영화의 현실감을 불어넣은 또 다른 이유가 아니었나 싶다. 마을에 본래 존재하던 건물들이 어떻게 세트로 변경, 추가 되었는지를 비교해 보여주는 영상도 흥미롭다.

''The Cast'에서는 이 작품에 출연한 환상적인 배우들의 인터뷰를 통해 캐릭터에 대한 이야기를 들을 수 있다. 제프 브리지스를 비롯해 맷 데이먼이나 베리 페퍼야 말할 것도 없지만, 이 작품의 완성도를 흔들 수 있을 정도의 비중을 갖고 있던 '매티 로스'역을 맡은 헤일리 스타인펠드의 경우 데뷔작이라 걱정이 있던 것도 사실이었는데, 헤일리가 어떠했는지는 이미 작품으로 보여주었으니 더이상의 코멘트는 필요 없을 듯 하다. 아, 그리고 이 작품을 통해 코엔 형제의 전작 '노인을 위한 나라는 없다'와는 전혀 다른 캐릭터를 연기한 조쉬 브롤린의 멀쩡한(?) 인터뷰 영상을 만나보는 것도 색다른 재미다.

 

'Charles Portis - The Greatest Writer You`re Never Heard of…'에서는 이 작품의 원작 소설을 쓴 작가 찰스 포티스에 대한 많은 이야기를 만나볼 수 있는데, 동료 작가, 영화 감독, 가수 등 다양한 분야의 전문가들이 존경하는 찰스 포티스에 대해 자세하게 알아볼 수 있는 의미 깊은 부가영상이라 할 수 있겠다. 블루레이에 수록된 부가영상 가운데 가장 비중있게 다뤄지고 있다 (약 30분 분량).

마지막으로 'The Cinematography of True Grit'에서는 촬영을 맡은 로저 디킨스를 통해 이 작품이 표현하고자 했던 아름다운 영상미에 대해 들려준다. 영화에 대해 이야기할 때 언급했던 바와 같이 이 작품은 영상미가 상당히 뛰어난 작품인데, 영화를 볼 때 미처 다 파악하지 못했던 장면의 숨은 아름다움을 확인할 수 있다.
모든 부가영상은 HD영상으로 제공된다.

 

[총평] 가끔 극장에서 인상깊게 본 영화를 다시 블루레이로 보게 될 때면, 극장에서 볼 때보다 더 깊이 와닿는 작품들이 있는데, 코엔 형제의 '더 브레이브' 역시 블루레이로 다시 봐서 더 좋은 작품 중 하나였다. 여기에는 물론, 작품 본연이 갖고 있는 그 깊이가 갈 수록 깊어지기 때문임을 말할 것도 없을 것이며, 레퍼런스급의 화질과 사운드가 한 몫 했다고 말할 수 있겠다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)  
 

대런 아로노프스키의 극한의 백조의 호수

대런 아로노프스키는 항상 그랬다. 그의 이름을 알게 해주었던 영화 '레퀴엠 (Requiem For A Dream, 2000)'이 그랬고, 얼마 전 왕년의 스타 미키 루크를 다시금 끌어올린 '더 레슬러 (The Wrestler, 2008)'에서도 그랬다. 아로노프스키는 항상 대상을 어떤 상황에 던져 두고 적당히 마무리하는 것보다는 극한의 상황으로 몰아 그 과정에서 벌어지는 불안한 심적 갈등과 신체의 변화에 대해 이야기해 왔었다. 극한이라는 것은 언제나 완벽이라는 것과 강박이라는 것을 동반하게 되는데, 이런 것에 관심이 많던 아로노프스키에게 '백조의 호수' 는 언젠가는 반드시 영화화 해야 했을 작품이었을지도 모르겠다. 실제로 아로노프스키는 백조의 호수를 상당히 늦게 접하게 되어, 한 명의 배우가 백조와 흑조의 두 가지 자아를 연기해야만 하는 심리적 압박에 대해 떠올리게 되었다고 하는데, 영화는 바로 여기서 시작한다 (감독 스스로도 정작 백조의 호수라는 작품에 자세한 내용은 뒤늦게 알았던 터인지, '블랙 스완'에서는 누구나 알법한 이 유명한 이야기의 줄거리를 두 차례나 거듭 설명하고 있다).
 

(지하철 창에 비친 니나의 모습을 그리는 영상에서 우리는 감독의 전작 '더 레슬러'를 그대로 떠올려 볼 수 있다. 이 밖에도 마치 다큐멘터리처럼 주인공 뒤에 근접해서 들고 찍기 (Handheld)로 촬영된 방식에서 역시 같은 분위기를 느낄 수 있다)

앞서 언급했던 것처럼 이 작품은 아로노프스키의 전작 '더 레슬러'와 짝을 이루는 영화이기도 하다. '더 레슬러'에서 미키 루크가 연기한 랜디와 '블랙 스완'의 니나 모두 신체를 이용해 자신을 표현하는 예술가인 동시에, 부상에 대한 (혹은 신체의 변화) 공포가 있으며 신체를 활용하는 직업을 갖은 이로서 노쇠화에 대한 고민과 두려움을 안고 있다. 또한 서로에게 작용하는 방식 면에서는 차이가 있지만 가족이라는 존재가 중요한 역할을 하고 있으며, 어쩌면 극복 이상의 것이라고도 볼 수 있는 한계에 자신을 밀어붙여 결국 크게 다르지 않은 결말을 맺게 되는 것도 마찬가지다. 영상 측면에 있어서도 다큐멘터리를 찍듯 거칠고 현실적인 질감을 보여주고 있는데, 같은 촬영 감독이라고 해도 믿을 만큼 동일한 컨셉과 분위기로 구성된 영상을 만나볼 수 있다. 아마도 이 작품의 촬영 감독인 매튜 리바티크 (Matthew Libatique)가 아로노프스키와 '레퀴엠' '파이' 등 여러 번 호흡을 맞춰왔던 터라 원하는 바를 정확히 이해한 결과라고 할 수 있겠다. '블랙 스완'을 보고 나서 '더 레슬러'를 보게 된다면 좀 더 흥미로운 지점을 발견할 수 있을 것이다.

그리고 뱅상 카셀의 경우, 아주 오래 전 '증오' 때부터 좋아했던 배우였는데 (나에게 있어 뱅상 카셀은 모니카 벨루치의 남편이 아니라 그냥 오롯이 뱅상 카셀이다), 오랜만에 큰 작품에서 깊은 인상을 주는 캐릭터를 연기한 것 같다. 특히 뱅상 카셀이 이렇게 목소리가 좋았었나? 라고 느낄 정도로 세련된 발레단 단장의 캐릭터를 세련되고 멋지게 소화해 내고 있다. 확실히 얼굴 속에 독기를 가득 담고 있는 뱅상 카셀의 캐스팅은 나탈리 포트만 만큼이나 완벽했던 것 같다. 그리고 덴젤 워싱턴과 함께 했던 '일라이'에서는 비주얼 외에 아무것도 보여주지는 못했던 것과는 달리, 밀라 쿠니스가 이 영화에서 보여준 '릴리' 라는 캐릭터는 그녀의 이름을 기억하게 하는 데에 아마도 적지 않은 영향을 미칠 듯 하다.

Blu-ray : Picture Quality

MPEG-4 AVC 포맷의 1080P 화질 평가에 있어서는 앞서서 여러 번 언급했던 작품의 특성을 고려할 필요가 있겠다. 다큐멘터리를 보듯 거친 입자의 영상을 만나볼 수 있는데, 최신 영화 블루레이와 1:1 화질 비교했을 때에는 '아니 화질이 왜 이래?'하고 놀랠 수도 있으나, 본 소스를 트랜스퍼한 결과물 측면에서 본다면 오히려 우수한 화질이라고 할 수 있겠다. 이러한 측면의 평가는 영화의 엔딩 크레딧 부분을 보면 극명하게 드러나는데 의도된 거친 입자와 차별화되는 선명하고 깨끗한 화질을 그대로 느낄 수 있다.

(이하 스크린샷은 클릭하면 원본 크기로 보실 수 있습니다)

확실히 샤프니스라던가 선명도와는 거리가 먼 화질이고 그레인을 가득 머금은 영상이지만, 이 모두가 의도된 부분이라는 점을 감안한다면 결코 나쁘지 않은 화질이라고 할 수 있겠다. 반대로 만약 '블랙 스완'의 영상이 칼 같은 선예도로 표현되었더라면 전혀 다른 작품이 (단순 화질 측면에서는 만족스러운 타이틀이 되었을지 모르겠지만, 감독의 의도와는 거리가 먼) 되었을 것이라는 점은 분명히 말할 수 있겠다.

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DTS-HD MA 5.1 채널의 사운드는 극한으로 치닫는 작품의 리듬을 전달하기에 전혀 손색이 없다. 특히 전작 '더 레슬러'와 '천년을 흐르는 사랑'에 이어 이 작품의 음악을 맡고 있는 클린트 만셀 (Clint Mansell)의 사운드 트랙이 효과적으로 전달되고 있는데, 강약의 세기 전달에 있어 여느 액션 영화 못지 않은 쾌감을 준다.

클래식한 발레 음악과 기괴함과 불안함을 더해주는 인더스트리얼 계열 사운드의 조화는, '블랙 스완'의 음악을 단순한 클래식이 아니라 좀 더 특별한 인상을 남기기에 충분했는데, 블루레이의 차세대 사운드는 이 두 가지을 모두 확인할 수 있을 정도의 섬세함을 담아내고 있다. 또한 앞서 이야기했던 것처럼 액션 영화 못지 않은 우퍼의 활용과 몰아치는 사운드의 향연 역시 추천할 만 하다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  

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트랜스포머 3 (Transformers: Dark of the Moon, 2011)

마이클 베이의 너무 과했던 욕심

말도 많고 탈도 많은 화제작 '트랜스포머 3'를 보았다. 개인적으로 관람 전 이미 수많은 악평들을 접하고 나서 보게 되는 경우는 그 의견에 물들어 같이 다운되기 보다는, 오히려 반대심리가 작용해서 '난 재미있을 것 같은데?'라는 식으로 보게 되는 경우가 더 많은데, 그래서 실망도 덜 하게 되고 그럭저럭 나쁘지 않게 보게 되는 편이다. '트랜스포터 3'의 기대치는 다른 이들의 평을 듣기 전에도 그리 높은 것은 아니었다. 그냥 '극장에서 볼거리를 가득 2시간 넘게 체험하면 그걸로 족하다' 라는 기대 정도, '트랜스포머에게 뭘 더 바래'라는 식의 태도였는데, 결과적으로 이야기하자면 이 정도에 머물렀으면 그럭저럭 괜찮았을 작품이었지만, 마이클 베이는 이 작품에 과한 욕심을 부리고 있었다. 그러니까 '뭘 더 바래' 수준에서 딱 만족할 만한 볼거리와 이야기를 담아냈다면, 좀 더 심플하고 딱 좋은 수준의 영화가 되었을텐데, 마이클 베이는 본인이 잘하던 장점마저 퇴색시켜버렸을 정도로 이 세 번재 시리즈 작품에 많은 것을 시도하고 있었다. 그 시도 혹은 끼워넣기가 차라리 보여주기 측면이었다면 괜찮았을 텐데, 스토리에 관련된 것이었다는 것이 가장 큰 함정이었달까.

개인적으로 '트랜스포머' 시리즈에게 기대하는 것이 있다면 역시 황홀경에 가까웠던 변신의 순간과 블록버스터에만 느낄 수 있는 스케일, 그리고 영화라는 장르에서만 느낄 수 있는 현실감 있는 로봇 액션 정도를 들 수 있을텐데, 1편이 성공할 수 있었던 이유 중 하나는 관객에게 이런 경험이 일종의 비주얼 쇼크로 다가왔기 때문이었을 것이다. 하지만 이런 충격은 시리즈가 계속되면서 약해지기 마련이고, 그렇다면 '트랜스포머'같은 시리즈가 이를 보완할 수 있는 건 액션의 규모와 세기 그리고 할 수 있다면 정교함 정도를 더할 수 있을 텐데, 기본적으로 이 보완책이 피부로 느껴질 만큼 업그레이드를 보여주지 못하기도 했지만 더 큰 문제는 마이클 베이가 선택한 보완책이 이것 뿐이 아니라는 점이었다.

'트랜스포머 3'를 보며 느꼈던 점 중에 가장 큰 부분 중 하나는 마이클 베이가 샤이아 라포프를 데리고 '스파이더 맨'을 찍고 싶었던 것은 아닐까 하는 점이었다. 그러니까 단순히 로봇으로 표현되는 외계 생명체들이 지구에서 벌이는 SF액션 블록버스터가 아닌, 소년과 청년으로서 주인공 샘이 겪는 성장통, 사회의 일원으로서 겪게 되는 어려움, 여자친구 및 부모님과의 관계 등에 대한 현실적인 갈등마저 품고 있는 이야기를 그리려고 했던 것만 같은데, 앞서도 이야기했던 것처럼 '트랜스포머'라는 시리즈에 (결과적으로) 이런 부분들은 너무 과한 것이었다.

메간 폭스가 떠나고 로지 헌팅턴-휘틀리가 합류한 여자 친구 역할은 결과적으로 아무런 도움도 주지 못했다. 그냥 둘 사이를 가볍게 그렸다면 (정확히 말하자면 '그리려고 했다면') 문제가 없었을 텐데, 마이클 베이가 연출한 것을 보면 다른 영화들이 그러하듯이 주인공들이 초반에 겪었던 갈등 요소가 외적인 사건 (이 작품에서는 센티널 프라임을 둘러싼 사건들)을 함께 겪으며 눈녹듯이 녹아 다시 화해하게 된다는 것으로 그리려고 했던 것 같지만, 결과는 보시다시피 아무런 감정의 변화도 이끌어내지 못하고 '엇, 쟤들 왜 저러지?' 싶은 괴리감만 준다. 또한 패트릭 댐시가 연기한 캐릭터 역시 마찬가지였다. 무언가 오토봇 VS 디셉티콘의 대립구도 외에 다른 가지의 이야기를 노렸던 것 같은데, 이 부분 역시 제대로 살지 못했다.

이렇게 이야기하면 누군가는 이 글 초반에 있는 것처럼 또 다시 '트랜스포머에 뭘 더 바래'라고 반문할 수 있지만, 이런 새로운 인물과 관계 그리고 이야기를 추가시켰다면 위에서 언급한 부분들은 어느 정도 반드시 소화되어야만 의미있다고 말할 수 있는 부분이라, 더 바라는 것이 아니라 필수여야할 부분이었기에 짚고 넘어가지 않을 수 없었다. 참고로 예전 마이클 베이의 영화들 가운데 '아마겟돈'만 봐도, 어떻게 아버지를 잃은 딸이 바로 무사히 돌아온 남자친구에게 그렇게 반갑게 안길 수 있나 하는 의문이 들기는 하지만, 브루스 윌리스가 자신의 딸과 딸이 사랑하는 남자를 위해 스스로를 희생하고자 할 때 감정적으로 울컥하는 부분은 분명 존재했었던 것과 비교하자면, '트랜스포머 3'의 내러티브는 감정적인 부분을 배제해도 너무 배제한 느낌이다. 더 문제인 건 관객은 대부분 이렇게 무미건조하게 느끼는데, 영화 속 캐릭터와 (그 웅장하고 과도한) 음악은 그 어떤 감정적인 영화들 못지 않게 그야말로 '연기'하고 있다는 점이다.

또 하나 마이클 베이가 잘 못 건드린 부분 중 하나는 정치적인 이슈였는데, '트랜스포머 3'가 정치적인 것에 관심이 없다는 거야 다 아는 사실이지만 그렇다면 관련된 부분에 대해서는 정확히 발을 뺏어야 했는데 이 작품에는 충분히 오해를 사고도 남을 장면이 포함되어 있다. 오토봇과 미군이 아랍국가에서 태연하게 작전을 진행하는 장면이 그것인데, 사실 보는 중간에도 '엇, 이거 뭐지?' 싶을 정도로 쉽게 말해 '개념이 없는' 장면이 아닐 수 없겠다. 영화에서 사건 전후로 어떤 설명이 있었던 것도 아니기에 이 장면에 대해서는 정말 순수할 정도로 그냥 넘어갔구나 싶은데, 지금이 냉전시대도 아니고 아무런 이유없이 (버젓이 아랍국가 차량임을 클로즈업 하는 방식까지 취하면서) 이들을 습격하는 오토봇과 미군들의 모습에서는 마이클 베이가 도대체 어떤 정치관을 갖고 있는지, 아니 정치관은 없는 것 같은데 (이것은 비난이 아님) 너무 무지한 것은 아니었나 하는 생각을 갖지 않을 수가 없었다.

다시 정리하자면 한 사회의 청년으로서 샘이 겪는 일들을, 여자친구, 부모님 과의 갈등 등에 대한 내용은 냉정하게 말해 전혀 없어도 '트랜스포머'에서는 문제가 되지 않을 부분이었으며 넣고자 했더라도 최대한 비중을 줄였어야 했는데, 마이클 베이는 이 부분에 상당한 공을 들였다는 점과 무지에 가까운 정치관은 '트랜스포머 3'에게는 필요없는 과한 욕심이자 가장 큰 패착이었다.

사실 1편부터 계속 말이 안되는 장면이나 스토리상 너무 간과하는 부분들이 많지만 그런 것들은 다 '트랜스포머에게 뭘 더 바래'로 이해하고 넘어갈 수 있다 (옵티머스 프라임이 줄에 걸려서 한동안 활약 못하는 거나 갑자기 오토봇들이 전후사정없이 포로로 잡혀있는 거나, 주요 캐릭터가 사라질 때 관객에게 슬퍼할 시간조차 주지 않는 것이나, 도대체 왜 넣었는지 모르겠는 존 말코비치의 분량 등은 이 선에서 이해한다 (해본다)). '트랜스포머 3'는 과욕이 부른 아쉬운 작품이었다. 차라리 '이거 너무 단순하지 않나?' 싶을 정도의 의문점이 있었더라도 아마 그 편이 더 좋지 않았을까 싶을 정도로, 갖을 필요없는 갈등 요소를 스스로 너무 많이 가져다가 아무일도 없었다는 듯이 마무리 해버린 좋지 않은 전개였다.

써놓고 보니 극장을 나올 때보다 훨씬 더 격해진 느낌이 있는데, 사실 훨씬 더 너그러운 자세로 관람한다면 제법 볼만했다 라고 얘기할 수도 있을 듯 하다. 아, 2시간 반은 너무 길었다. 쳐내야만 했던 부분들을 다 쳐내고 2시간 안으로 정리했다면 훨씬 좋은 오락영화가 되었을텐데 아쉽다.

1. 윈터스 본 (Winter's Bone, 2010)
소녀는 울지 않는다
http://www.realfolkblues.co.kr/1430 

제니퍼 로렌스 라는 여배우의 발견. 인생을 다 겪은 듯한 소녀의 표정과 몸짓 모두가 인상적이었다. 제목만 들어도 으슬으슬 추위가 느껴질 정도로 기억에 남는 작품.

2. 라푼젤 (Tangled, 2010)
디즈니가 가장 자신있는 마법의 세계
http://www.realfolkblues.co.kr/1440

'라푼젤'에서 보여준 디즈니의 마법은 여전했다. 디즈니는 이런 식으로 가면 된다. 픽사를 억지로 따라할 필요도, 오로지 기술적인 측면에만 매진할 필요도 없다. 자신들이 가장 잘 할 수 있는 걸, 자신들이 해왔던 방식에 근거하여 조금씩 보완해 가면 된다. 갑자기 너무 다른 옷으로 갈아입으려 하기보단, 서서히 스타일 변신이 아닌 보완을 하면 될 듯.

 

4. 블랙 스완 (Black Swan, 2010)
극한의 백조의 호수

http://www.realfolkblues.co.kr/1447

다큐멘터리에 가까운 촬영 방식을 택한 반면, 주인공의 불안한 심리 상태를 통해 판타지에 가까운 극적 변화를 담아냈던 대런 아로노프스키의 야심작. 후반 부 백조의 호수가 시작되며 치닫는 극의 과잉된 리듬은 심장을 미치도록 요동치게 한다.

장률 감독의 '두만강'은 전작들과는 달리 상당히 감정적이고 극적이며 떨려오기까지 하는 작품이었다. '삶의 슬픔이 침묵으로 흐른다'는 올해의 카피 후보. 개인적으로는 장률의 작품들 가운데 가장 와닿았던 작품.

7. 수영장 (Pool, 2009)
꿈만 같은 치유의 슬로우 무비

http://www.realfolkblues.co.kr/1471

보는 내내 평화로움이, 보고나서는 영화의 장면을 떠올리는 것만으로도 평온함이 느껴지는 그런 작품. 자연과 사람 그리고 사람과 사람이 어떻게 조화를 이루는 지에 대해 말이 아닌 그림 같은 장면으로 보여주는 영화. 위의 저 장면은 앞으로 후반기에 어떤 영화의 명장면이 나온다 하더라도 올해의 명장면으로 이미 결정.

8. 세상의 모든 계절 (Another Year, 2010)

메리를 둘러 싼 삶의 온도

http://www.realfolkblues.co.kr/1485

마이크 리의 전작 '해피 고 럭키'와 마찬가지로 마냥 행복한 영화라기 보다는 그 안에 삶의 고단함과 쓸쓸함을 담은 작품. 노년에 접어든 마이크 리에게 삶이란 결국 이런 깊이로 와닿는 것일까. 영화 속 메리에게서 나를 보게 되느냐, 타인의 모습을 보게 되느냐에 따라 전혀 달라지는 영화.

9. 슈퍼 8 (Super 8, 2011)
너무 행복했던 J.J의 스필버그 종합 선물세트

http://www.realfolkblues.co.kr/1505

스필버그라는 이름을 빼놓고는 도무지 설명할 수 없는 영화. 스필버그의 영화를 보며 영화 감독을 꿈꾸었던 한 남자가 스필버그와 함께 그의 영화를 만들게 되었다는 말도 안되는 일이 실제로 일어남. 이것만으로도 J.J는 올해 가장 부러운 남자.

10. 일루셔니스트 (L'illusionniste, 2010)

우리가 잊고 있었던 영화라는 마법

http://www.realfolkblues.co.kr/1506

사라져가는 많은 것들 가운데 영화라는 것으로 빗대어 생각해볼 수 있었던 실뱅 쇼메의 인상적인 애니메이션. 더 이상 영화의 마법이 통하지 않는 세상에 보내는, 마법사의 쓸쓸한 여정.

* 올 하반기에도 더 많은 인상적인 좋은 영화들을 만나볼 수 있었으면! 여러분도!

꼭 갖고 싶었으나 가격의 압박 등의 이유로 구입을 미뤄왔던 일본판 '바람계곡의 나우시카' 블루레이를 선물 받은지도 벌써 한 달이 다 지났네요. '나우시카'의 경우 제가 국내 극장에서 처음 본 지브리 작품이기도 했고 (참고로 '센과 치히로의 행방불명' 전에는 일본 문화가 국내에 정식 개방되지 않았던 터라, 극장은 물론 정식 DVD로도 볼 수 없었는데, 1차 개방되고 나서 국내 DVD출시를 위해 잠시 가졌던 상영 기회를 놓치지 않고 보았었죠. 그 희열이란!!) 시간이 지날 수록 더 애틋해 지는 작품 중에 하나라 꼭 블루레이로 소장하고 싶었었죠. 그렇게 선물받은 블루레이는 역시나 만족스럽습니다!

겉 비닐 봉지를 벗기도 나면 정말 더 새파란 컬러의 케이스를 확인할 수 있는데, 파란색과 하얀색의 조화가 정말 좋습니다. 케이스만 봐도 작품을 꼭 한 번 다시 보고 싶어질 정도로 말이죠;

케이스를 오픈하면 블루레이 디스크와 '마루 밑 아리에티' 광고 전단, 속지, 그리고 작은 포켓북이 하나 담겨 있습니다.

패키지의 구성만 보자면 거의 포켓 북이 메인 아이템이라고 봐도 좋을 정도!

정말 작은 크기의 포켓북이지만 생각보다 훨씬 알찬 내용들이 담겨져 있더군요. 사진으로 미처 다 담지는 못했지만, 본편 장면들을 컷으로 그대로 확인할 수 있는 것은 물론, 작품의 제작과정과 미야자키 하야오를 비롯한 이들의 대한 내용들 등 일본어를 하실 수 있는 분들이라면 아마 더 흥미로운 자료가 되지 않을까 싶네요.

그리고 이건 보너스로. '나우시카' 블루레이와 함께 선물 받은 '모노노케 히메' 오르골!! 지브리 관련 상품 중에는 오르골 상품도 제법 많은 편인데, 이 제품은 아주 심플한 구성이 오히려 더 마음에 드는 제품입니다. 뒷면에 위치한 태엽을 감으면 '모노노케 히메'의 메인 타이틀 곡을 오르골 선율로 만나볼 수 있어요~

'혐오스런 마츠코의 일생(이하 '혐오스런 마츠코')'에 대해 이야기하기 전에 나카시마 테츠야 감독의 전작 '불량공주 모모코 (2004)'에 대해 이야기 할 필요가 있다. 묘하게 유사한 형식을 띠고 있는 제목답게 '불량공주 모모코'는 '혐오스런 마츠코'와 마찬가지로 감각적인 영상과 더불어 기발한 웃음과 유쾌한 감동을 한꺼번에 선사하며 두터운 마니아 층을 형성하였으며, 2004년 칸느에서의 호평과 키네마 준보 선정 2004 일본 영화 베스트 10에 뽑히는 등 평단에서도 좋은 반응을 이끌어냈던 작품이었다. 특히 '불량공주 모모코'는 이전에 볼 수 없었던 살아 숨 쉬는 캐릭터와 CF감독 출신답게 기존 영화에서는 흔히 볼 수 없었던 영상미가 돋보이는 작품으로, 다양한 색깔의 영화들이 넘쳐나는 일본 영화계에서도 단숨에 주목을 받았던 영화였다. 그와 동시에 주목을 받게 된 것은 바로 CF출신 감독으로 첫 번째 장편 영화를 발표한 감독 나카시마 테츠야였다. 그가 다른 감독들보다 더욱 주목을 받았던 이유는, 대부분의 CF출신 감독들의 태생적인 장점인 감각적인 영상 표현 외에도 영상에만 집중되지 않을 만큼 흥미진진한 스토리와 섬세한 심리 묘사를 자유자재로 구사해 내는 실력 때문이었다. 그런 그가 '불량공주 모모코'촬영 말미부터 계획했다는 후속 작은 과연 어떤 영화일지 기대가 되는 것은 어쩌면 영화 팬으로서 당연한 일이었을 것이다. 

(마치 '벤허'나 '바람과 함께 사라지다'를 연상케 하는 오프닝 타이틀. 이 오프닝을 통해 나카시마 테츠야는 '이 작품은 이런 과장과 색체가 넘쳐나는 작품이야' 라고 효과적으로 말하고 있다)
 

이 작품 '혐오스런 마츠코' 이후 선보인 2008년 작 '파코와 마법 동화책'과 올해 국내에도 개봉해 큰 화제를 모았던 영화 '고백' 역시 나카시마 테츠야 만의 색감과 영상미를 맛볼 수 있는 작품이었는데, '파코와 마법 동화책'까지는 형형색색의 기존 나카시마 테츠야 세계를 담아낸 작품이라 할 수 있겠지만, '고백'은 과감히 색을 버리고 무게와 강렬한 콘트라스트에 더욱 집중한 작품이었다 (여기에는 작품이 담고 있는 메시지의 차이가 가장 큰 이유 중 하나라고도 할 수 있겠다). 어떤 감독에게나 자신에게 가장 잘 어울리는 옷이 있기 마련인데, 나카시마 테츠야에게 가장 어울렸던 옷은 '고백'까지 포함하여도 이 작품 '혐오스런 마츠코'였다고 감히 이야기할 수 있겠다. 그의 가장 큰 장기인 영상미학을 가장 과감하게 시도한 작품이자 자유롭게 풀어낸 작품인 동시에, 뮤지컬이라는 장르에 그가 얼마나 정통하고 있는지를 느낄 수 있었던 작품이며, 원작이 갖고 있던 무게 감을 자신만의 색깔로 더 효과적으로 영화화한 작품이기 때문이다. 

음악과 더불어 영상에 대한 이야기를 하지 않을 수 없겠다. 기본적으로 지나치게 붉은 색감으로 시작된 영화는 시종일관 왜곡 된 색감과 뿌연 영상 등으로 진행되는데, 각 장면 마다 스타일에 맞게 영상을 의도적으로 사용한 것도 있지만 내용적인 극의 전환에 따라서도 영상의 분위기를 달리하여, 제 3자가 마츠코를 연민의 시선으로 바라보는 듯한 느낌을 전달하고 있다. 그리고 꿈 꾸는 듯한 뿌연 영상은 끔찍한 인생을 살아온 마츠코 자신이 항상 꿈을 꾸었기에 그나마 버틸 수 있었다는 것을 간접적으로 나타내고 있기도 하다. 영화의 내용은 지워져도 이미지는 지워지지 않을 정도로 강렬한 인상을 남기는 '혐오스런 마츠코'는, '디즈니 영화의 히로인이 실수로 다른 문을 열어버린다면 마츠코처럼 살게 되지 않을까'라는 시점에서 영화를 시작했다는 말처럼, 디즈니 만화에서나 볼 법한 형형색색의 이미지들과, 또 '백설공주'가 숲 속을 산책할 때나 등장할 법한 꽃들과 나비 때처럼, 동화적인 상상력이 극대화된 영상을 담고 있다.

왜곡 된 색감은 감독의 전작 '불량공주 모모코'에서도 만날 수 있었던 기법이었는데, 처음에는 조금 불편하게 느껴지기도 하는 것이 사실이지만, 결과적으로 보았을 때 영화를 좀 더 영화라는 포맷 안에 담아내는 데에 (이 작품에서는 이 한계성이 매우 중요하다고 얘기할 수 있겠다)있어 작품의 분위기를 한층 돋보이게 하는데 공헌을 하고 있다(한 예로, 영화의 자료 사진들 가운데 색감이 적용되지 않은 일반 사진들을 보게 되면, 이 영화가 만약 이대로 일반적인 색감으로 제작이 되었다면 얼마나 심심한 영화가 되었을지 어렵지 않게 알 수 있을 것이다).

(이하 스크린샷은 클릭하면 원본 크기로 보실 수 있습니다)

최근 필름 상영으로는 국내에서 거의 마지막이 될 극장 상영을 재차 관람할 기회가 있었는데, 확실히 안방에서 보는 블루레이의 화질이 체감하기에 훨씬 선명한 편임을 확인할 수 있었다. 칼 같은 선예도는 의도적으로 배제하고 있는 영상이지만, 그래도 기존에 출시되었던 DVD의 화질(DVD의 화질도 결코 나쁜 편이 아니었다)과 비교해보자면 그 우수성을 한 눈에 확인할 수 있을 것이다.

▽ DVD 버전

눈으로 직접 확인할 수 있는 것처럼 DVD와는 비교 불가의 화질을 수록하고 있다. 특히 DVD에서는 좀 더 강했던 붉은 색감이 샤프니스가 살아나면서 좀 더 정리된 느낌을 준다.

대부분의 DVD와 동일하기는 하지만, 기존 EPK 류의 서플먼트들을 블루레이에서는 교체하였으며 DVD출시 스펙에는 있었지만 누락되었던 예고편 3종과 극장 예고편 등이 새롭게 추가되었다. 또한 자막 역시 기존 DVD의 버전을 그대로 사용한 것이 아니라 기존 DVD의 본편과 부가영상을 모두 재 번역하여 자막을 새롭게 수록하였다는 점도 빼놓을 수 없는 블루레이만의 보강된 부분이다. 참고로 부가영상에 대한 좀 더 자세한 내용은 예전 DP에서 리뷰했었던 DVD리뷰를 참고하면 되겠다.
 

[총평] 나카시마 테츠야의 '혐오스런 마츠코의 일생'은 영상과 음악이 이야기와 완벽하게 맞아 떨어진 최고의 작품이었으며, 블루레이 역시 작품의 인상적인 영상과 음악을 차세대에 걸맞게 수록한 만족스러운 타이틀이었다. DVD가 출시되었을 때에도 이 작품을 소장한다는 그 사실에 무척 감격했던 기억이 새록새록 나는데, 블루레이로도 소장하게 되다니 감개가 무량할 따름이다. 이 작품의 팬들이라면 두말 할 것 없이 소장해도 좋을 것이며, 만약 아직까지 이 작품을 접해보질 못했다면 이번 기회에 혐오와는 거리가 먼 이 아름답고 유쾌하고 슬픈 작품을 꼭 만나보길 바란다.

글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  

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일루셔니스트 (L'illusionniste, 2010)

우리가 잊고 있었던 영화라는 마법

프랑스의 찰리 채플린이라고 불리는 코미디의 거장 '자크 타티'를 기리며 만든 실뱅 쇼메의 애니메이션 '일루셔니스트 (The Illusionist, 2010)'를 보았다. 이 작품을 처음 알게 된 것은 자크 타티 때문이 아니라 올해 열렸던 제 83회 아카데미 시상식에서 장편 애니메이션 상 후보에 오르면서 부터였는데, 너무 아름다운 작화와 분위기에 예고편 만으로도 흠뻑 빠져서 꼭 보고 싶었던 작품이었으나, 사실 국내에 개봉할 수 있을까 하는 우려를 하기도 했었다. 그 이유는 이 영화가 표현하고 있는 극중 일루셔니스트 모습과 마찬가지로, 화려하고 대중들에게 인기를 끌 만한 블록버스터 애니메이션도 아닐 뿐더러 주제 역시 유쾌하지 만은 않고, 헐리웃이 아닌 프랑스에 서 만들어진 작품이었기 때문에 상업적인 시선으로 바라보았을 때는, 이 비좁은 개봉관의 기회를 얻을 수 있을까 싶었기 때문이었다. 그래서 개인적으로 해외에서 출시된 블루레이 타이틀 구매를 알아보고 있던 중 국내 개봉 소식을 접하게 되어 얼마나 반가웠는지 모른다. 그렇게 보게 된 실뱅 쇼메의 '일루셔니스트'는 아름답고 아련하면서도 쓸쓸한 작품이었다.

극중 일루셔니스트의 모습에서는 여러가지를 빗대어 볼 수 있을 듯 하다. 처음에는 큰 공연장을 돌며 잠깐씩 마술쇼를 보여주던 주인공은 시간이 지날 수록 자신이 설 무대를 잃어가다가, 결국에는 이것만 가지고는 살아나갈 수 없기에 전혀 다른 일들을 잠을 줄이고, 시간을 짜내어 하게 된다. 물론 여기에는 단순히 설 수 있는 무대가 사라졌다는 것만이 아니라 그의 존재를 아직까지 믿어주는 한 소녀 때문이라고 할 수 있을 텐데, 더 이상 마법에 놀라지 않고 속지 않은 세상과는 달리 아직 세속적인 것에 물들지 않아 주인공의 마법에 환호하고 마법 자체에 대해 믿음을 갖고 있는 이 소녀를 위해, 주인공 일루셔니스트는 쉽게 자신의 일과 마법을 포기하지 않는다.

다시 질문으로 돌아가 이 모습을 통해 우리는 여러가지를 빗대어 볼 수 있는데, 우리 시대 아버지의 모습을 떠올려 볼 수도 있겠고, 세월이 지남에 따라 급격하게 잊혀져 가는 모든 오래된 것들에 대한 것도 생각해볼 수 있을 것이다. 그 가운데 내가 발견한 메시지는 바로 영화에 관한 것이었다. 감독인 실뱅 쇼메가 자크 타티의 이야기를 담으려 했던 것 역시 영화에 관한 메시지를 전달하려 했던 것이 아닌가 싶은데, 극 중 일루셔니스트의 모습에서는 영화라는 것 그 자체에 대한 아련함과 쓸쓸함이 동시에 느껴졌다.

극중 일루셔니스트는 자신은 마법을 믿지 않는 세상에 살고 있음을 뼈저리게 느끼고 있음에도 아직까지 마법에 대한 환상을 갖고 있는 소녀의 꿈을 지켜내기 위해 일루셔니스트로서 최선을 다한다. 이 작품이 쓸쓸한 첫 번재 이유는 바로 여기에 있는데, 일루셔니스트 스스로는 마법이란 것이 존재하지 않는 세상이라는 점을 누구보다 잘 알고 있고, 더 이상 자신의 마법만으로는 삶을 영유하기 어려운 현실에 놓여 있기 때문에 모두에게 보이지 않는 '마법'이 아닌 소녀에게만 보이지 않는 현실의 노력으로 이 마법을 지켜내게 되는 점이다. 일루셔니스트가 현실의 노력으로 이 마법을 지켜내려는 과정을 보는 관객들은 그의 모습에서 여러가지를 생각해보게 되는데, 영화라는 관점에서 보았을 때 영화라는 매체가 점점 본연의 예술적 아름다움과 의미있는 메시지를 전달하려하기 보다는, 빠르게 변화하는 관객들의 일회성 요구에 발맞춰 여러가지를 포기하거나 혹은 내실이 아닌 포장에만 더욱 열을 올리게 되어버린 요즘의 영화계를 떠올려 볼 수 수 있었다.

좀 더 정확하게 얘기하자면 대중의 요구로 움직이기 보다는, 만드는 이들이 자신의 생각과 철학을 가지고 완성해낸 결과물들이 점점 더 상업성이 없다는 시장의 논리로 인해, 설 무대가 없었던 일루셔니스트처럼 관객에게 선보일 기회조차 갖지 못하게 되는 현실을 비춰볼 수 있었다.

또 하나 쓸쓸했던 이유는, 극의 처음부터 그리 열정적이지는 않았던 (이미 나이로 보았을 때 이런 자신의 상황에 내성이 생겨버린, 일종의 포기상태일 듯한) 일루셔니스트가 우연히 만나게 된 소녀를 통해 잠시나마 자신도 조금은 잊고 지냈던 일에 대해 마지막 불꽃을 피우는 모습과 결국엔 쓸쓸한 안녕을 고하게 되는 현실 때문이었다. 분명 일루셔니스트는 소녀에게서 자신의 모습을 발견하게 되었을 것이다. 즉, 소녀에게 해준 것은 본인이 (아마도) 평생을 해왔을 일루셔니스트로서의 삶, 자신에게 해준 것이나 다름이 없다고 할 수 있을 텐데, 소녀의 캐릭터가 일루셔니스트를 이해한다기 보다는 단지 '무지'의 존재였다가 세상을 알게 된 뒤에는 남들과 똑같이 현실에 녹아들어버리는 걸 보았을 때 더더욱 이 이야기는 세상에 놓여진 일루셔니스트의 쓸쓸한 일인극 이라고 할 수 있을 것이다. 그 자체가 또 쓸쓸하다. 관객이 있어야만 의미가 있는 일루셔니스트의 삶이 결국 일인극으로 마무리된다니 말이다.

실뱅 쇼메의 애니메이션은 이러한 쓸쓸한 감성을 담고 있지만, 영상에서는 다시 한번 우리가 잊고 지냈던 영화라는 것의 마법에 대해 생각해볼 수 있을 만큼 아름다운 풍광을 담아낸다. 무성영화에 가깝도록 대사는 없고 인물들 역시 말보다는 행동과 눈빛으로 마음을 전하는데, 특히 극 중 일루셔니스트가 지내게 되는 모텔에서 만나는 그의 광대 동료들의 자화상은 이 영화가 말하고자 하는 메시지를 더욱 직접적으로 표현하고 있다. 솔직히 말해 실뱅 쇼메의 영화 '일루셔니스트'는 우리가 잊고 있었던 영화라는 마법에 대해 깨닫기에 완벽한 작품은 아니라고 할 수 있겠다. 왜냐하면 감독의 말을 듣고 있는 대상이 더 이상 마법이 통하지 않는 세상 임을, 감독과 작품 스스로가 너무 잘 알고 있기 때문이다. 그래서 쓸쓸하고 그립다.

DSLR은 물론이고 컴팩트 디카도 사용해보았지만, 어느새 부턴가 특별한 일이 아니면 이 모두를 재쳐두고 가볍게 아이폰으로 사진을 촬영하게 되는 일이 잦아졌다. 물론 아무리 아이폰을 비롯한 스마트폰의 카메라 기능이 향상되었다고는 하나, DSLR로 촬영한 사진들보다 퀄리티가 좋기는 어렵지만 그럼에도 점차 스마트폰의 카메라 기능을 사용하는 빈도가 늘어나는 이유는 역시 그 간편함 때문일 것이다. 솔직히 결혼식이나 여행 등 특별한 일이 아니면 각 렌즈들과 카메라의 무게가 적지 않은 DSLR을 별도로 챙기는 일은 극히 드물어 졌는데, 스마트폰은 사진은 물론 동영상 촬영까지 나쁘지 않은 퀄리티로 녹화가 가능하니 점점 더 스마트폰만을 달랑 들고 사진 촬영에 나서는 일이 많아졌다. 스마트폰으로 사진을 촬영할 때의 장점이라면 트위터나 페이스북 등 SNS 서비스에 사진과 함께 공유할 때는 매우 편리하지만, 혹시 이렇게 촬영한 사진을 출력하여 소장하고자 할 때는 방법도 번거롭고 퀄리티 면에서도 별로 만족스럽지 못하다는 단점이 있었다. 그런 측면에서 스마트폰과 간편하게 연결하여 사진을 출력할 수 있는 포토프린터 Bolle Photo BP-100과의 만남은 적지 않은 기대로 시작되었다.

Bolle Photo의 구성품들. 구성품도 매우 심플하다. 포토프린터 본체와 아답타, 그리고 아주 간단한 메뉴얼이 전부다. 이 제품의 특성상 다양한 기능이 중요한 경우는 아니기 때문에 (다양한 기능은 어플이 대신하고 있기도 하고) 이 같은 구성으로도 충분한 느낌을 준다.

크기 역시 한 손에 들 수 있을 만큼 (번쩍번쩍 들 정도는 아니고, 오래들면 좀 무거운 정도)의 무게, 그리고 아이폰과의 크기, 두께 비교 샷에서 알 수 있듯이 정말 별로 크지 않은 크기로 구성되어 있다. 이 정도라면 가끔씩 휴대도 가능한 크기라고 할 수 있겠다.

 

이 제품의 특징이라면 다른 포토 프린터들과는 다르게 필름과 용지가 일체형인 카트리지 를 통해 출력이 가능하다는 점인데, 염료승화형 방식으로서 깔끔한 결과물을 보여준다. 기본형으로 제공되는 1개의 카트리지를 통해서는 총 12매를 출력할 수 있는데, 일반적인 포토 프린터처럼 여러 장을 출력하는 용도보다는 마치 폴라로이드 카메라처럼 가끔씩 적은 수의 사진을 출력하는데 좀 더 효과적이라고 할 수 있겠다.

 

사용방법은 더 간단하다. 앱스토어에서 Bolle Photo 앱을 무료로 다운 받아 이 앱을 통해 간단하게 출력하면 끝. 사용방법이랄 것까지도 없는 아주 심플한 과정이다 (제가 아이폰 사용자라 아이폰 위주의 리뷰가 되겠지만, 안드로이드폰도 물론 똑같이 지원합니다).

 

스마트폰을 포토 프린터에 연결한 뒤 Bolle Photo 앱을 실행시켜 출력하고자 하는 사진을 라이브러리에서 선택하면 끝.

 

무엇보다 사진을 선택하고나서 인쇄에 걸리기까지의 시간이 매우 짧다는 점이 마음에 들었다. 로딩이랄 것도 없는 짧은 시간만 거치면 실제로 사진이 출력되는 모습을 바로 확인할 수 있다.

 

이렇게 약 2~3번 정도의 과정만 지나면 원하는 사진을 손 쉽게 출력할 수 있다. 참고로 사진 출력시 앱의 주의사항에도 나오지만, 완전히 다 출력되기 전 중간에 사진을 억지로 뽑으려 하면 안되니, 정상적으로 모두 종료되고 사진이 저절로 '툭'하고 나오면 그 때 사진을 확인하면 되겠다.

 

이렇게 사진 출력이 완전히 완료되면 사진이 완벽하게 프린터와 분리되게 된다.

 

포토 프린터 자체에 별다른 기능이나 버튼이 없기 때문에 모든 조작은 전용앱을 통해서 이루어진다. 이 앱 역시 초보자도 누구나 사용할 수 있을 정도로 쉬운 구성을 갖추고 있다.

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사진 출력시 기본적으로 인쇄할 매수를 선택하고, 화면 분할을 원할 경우 두 가지 옵션을 통해 각각 원하는 그림으로 화면을 분할할 수 있다. 분할할 경우 각 영역마다 다른 사진을 넣어 새로운 하나의 사진을 만들 수도 있다.

바로 이런 식으로 각기 다른 고양이 사진들을 모아 하나의 고양이 사진을 만들 수 있다는 말씀.

이렇게 앱을 통해 만든 사진을 페이스북, 트위터, 이메일로 손쉽게 공유하는 기능도 지원한다.
 

컴퓨터에 저장되어 있는 사진들을 손쉽게 출력할 수 있는 포토 프린터 MP-300도 사용을 하고 있는데, Bolle Photo BP-100은 스마트폰만을 위한 포토 프린터로서 좀 더 특화된 제품이라고 할 수 있겠다. 작은 크기와 휴대성이 좋은 대부분의 포토 프린터들이 그러하듯이, 마치 폴라로이드 카메라처럼 사진 한 장 한 장을 신중하게 뽑게 되어 (결국은 필름 값이 여기에 큰 역할을 하긴 하지만) 이렇게 뽑게 된 사진들은 좀 더 소중하게 소장하게 되는 것 같다. 그리고 맨처음 얘기했던 것처럼 최근 대부분의 사진 활동(?)을 스마트폰으로 하고 있다는 점에서, 그렇게 포착된 멋지고 아름다운 순간들을 사진들로 담아낼 좋은 도구가 될 듯 하다.


* 현재 페이스북 페이지를 통해 Bolle Photo 정품을 제공하는 이벤트도 진행중!
http://www.facebook.com/event.php?eid=127621033985483

글 / 사진 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)