영화평 쓰는 것을 직업으로 삼고 있는 이들이야 말할 것도 없겠지만, 꼭 기자가 아니더라도 나처럼 영화보고 쓰기를 즐겨하는 이들이라면 한 번쯤 고민해봤을 문제가 아닐까 싶다. 모든 일이 주객이 전도되고 초심을 잃게 되면 의미가 퇴색되는 것처럼, 영화 글 쓰기 역시 영화 보기를 넘어서는 수준이라면 고민이 되는 것이 사실이다. 이런 고민은 몇 해전에도 한 번 깊게 했던 적이 있었고, 어쩌다보니 슬럼프 아닌 슬럼프를 겪을 때마다 들곤 하는 화두이기도 한데, 완고했던 예전과는 달리 조금은 유해졌다고나 할까. 다시 한번 글로써 정리할 필요가 생겼다.

일단 여전히 영화 보기가 더 중요하다는 것, 그러니까 순수한 영화 보기가 더 중요하다는 점에는 변함이 없다. 영화는 기본적으로 즐기는 것이기 때문에 영화 때문에 얻는 것이 즐거움보다는 괴로움이라면 (물론 여기서 이야기하는 즐거움에는 히노애락이 모두 포함되며, 괴로움은 재미없는 영화나 불편한 영화가 포함된다) 굳이 소중한 시간을 투자해가며 매번 고생할 필요가 있을까 싶기 때문이다. 그런데 영화를 대하는 방식이 '보고 싶다'가 아닌 '무언가 쓰고 싶다'로 접근하기 시작하면 조금씩 관람 태도에 선입견이 생기기 마련이다. 쉽게 말해 보고 나서 써야한다는 부담이 없다면, 영화를 오롯이 그 자체로 즐길 수 있게 된다. 분석하려는 마음도 써야 할 때보다는 압박이 덜할 것이고, 그저 2시간 남짓을 맡기면 된다는 것에 그야말로 편안하게 감상할 수 있는 것이다. 하지만 영화를 보기 이전에 보고 나서 써야한다는 생각이 지배하게 되면, 아무리 이런 생각에서 벗어나려해도 분명 어느 정도 영향을 받기 마련이다. 그리고 결정적으로 영화를 보는 중간 이미 머릿 속은 글을 반 쯤 써내려가게 되는 경우도 있으며, 극장을 나오면서 나머지 반을, 실제로 글로 옮길 때 부족한 부분을 채우게 되는 경우가 다반사다.

예전에는 이런 영화보기와 글 쓰기에 있어서 상당히 완곡한 입장이었다. 이렇듯 영화 글 쓰기가 영화 보기에 조금이라도 영향을 미친다면 과감하게 글 쓰기를 포기할 지언정, 순수한 영화보기가 방해 받아서는 안된다는 입장이었기 때문이다. 사실 이 생각이 원론적으로 크게 달라진 것은 아니지만, 영화 보기 만큼이나 영화 글 쓰기의 독립적인 의미를 새삼 찾게 되었달까. 영화 글 쓰기가 단순히 영화에 종속되는 것은 아니라는 점을 글을 쓰면 쓸 수록 느끼게 되는 것 같다.

영화 글 쓰기에는 여러가지 스타일들이 있지만, 나의 영화 글 쓰기는 결국 영화를 빌려 나를 이야기하는 경우가 많다. 영화가 담고 있는 이야기를 그대로 설명하기 보다는, 이것이 무엇을 말하고 있고 이 말하려는 것이 내 생각과 어떻게 접점을 이루는지 혹은 공감과 반대 되는 의견을 담고 있는지를 글로써 풀게 되는 것이다. 그러다보니 영화 글 쓰기는 영화 보기 만큼이나 의미있는 작업으로 계속 성장해 왔다. 예전에 써둔 글들을 보면 그 영화가 어떤 영화였는지를 확인할 수 있는 것보다, 그 당시 내가 어떤 생각을 하고 있었는지에 대한 단서를 찾는 재미가 더 크다는 것을 요새 새삼 느끼고 있다. 

그리고 글 쓰기는 궁극적으로 '글'자체가 의미있기도 하지만 '쓰는' 과정에서 오는 재미와 의미가 분명 존재한다. 특히 나에게 있어 글쓰기는 머릿 속에 있는 생각을 최종적으로 정리하는 도구이자, 영화 만큼이나 재미있는 또 다른 유희 거리이기 때문이다. 

하지만 이미 본 영화들은 머릿 속에 가득하고, 이것들을 글로 써야 한다는 부담감도 가득하고, 점점 이런 것들이 압박으로 느껴질 때는, '내가 왜 이렇게 아무도 시키지 않은 일에 부담을 느끼는 거지?'라며 반문해 보기도 한다. 스스로에게 엄격한 것은 분명 한 발 성장하는 계기가 되기도 하지만, 다른 한편으로는 자신을 점점 옭아매는 안좋은 습관으로 발전할 수도 있다. 하지만 영화 보기 만큼이나 영화 글 쓰기의 재미를 이제야 새삼 깨닫게 된 점으로 미뤄봤을 때, 이것을 더 이상 짐이 아닌 즐거움으로 완전히 받아들일 수 있는 날이 머지 않아 올 수 있지 않을까 싶다. 


2010.09.02. pm. 01:42


글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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영화를 삶의 낙으로 삼고 있는 관객의 한 사람으로서, 극장이란 곳은 그냥 영화를 볼 수 있는 곳이라는 공간적인 측면 외에도 특별한 의미를 갖는 곳이라 할 수 있겠다. 물론 극장의 가장 큰 기능이라면 역시 좋아하는 영화를 대형 스크린과 음향 시설을 통해 감상할 수 있다는 점을 들 수 있겠지만, 이 것 외에도 극장은 그 자체로 (그러니까 영화를 보러 가지 않는다 하더라도) 특별한 공간이 되곤 한다. 가깝게는 친구와의 약속 장소가 될 수도 있으며, 내 인생의 한 켠을 차지하고 있는 추억의 일부분이 되기도 한다 (실제로 내 추억 중 많은 조각들은 영화 혹은 극장과 연결되어 있다). 개인적으로는 영화를 볼 때 첫 경험을 몹시도 중요하게 여기는 편이다. 사람은 약은 존재라 아무리 선입견을 지우려고 의식적으로 거부해도 이미 이 의식 속에는 또 다른 선입견이 생기는 것처럼, 아무런 선입견도 없이 볼 수 있는 첫 관람의 조건을 가능하면 최적의 조건으로 만들려고 하는 것이 나의 영화보기에 가장 큰 준비작업 중 하나라고 볼 수 있겠다.

그래서 이 영화가 본래 의도한 바를 가장 잘 받아들일 수 있는 극장의 조건을 찾아 첫 경험을 치루곤 하는데, 필름 상영인지 디지털 상영인지, 혹은 3D상영인지 아이맥스 상영인지 등은 내가 선택할 수 있지만, 어찌보면 영화를 보는 대에 가장 직접적인 요소라고 할 수 있는 극장의 분위기는 쉽게 예상할 수 없는 것이 사실이다. 언제부턴가 영화를 예매할 때는 다른 요소보다 바로 이 분위기를 가장 1순위로 고려하게 되었으며, 이 선택의 폭은 점점 줄어들고 있다.




사실 일반 멀티플렉스 극장의 에티켓에 대한 기대는 이미 저버린지 오래다. 왜냐하면 멀티 플렉스에는 '영화'를 보러 온 사람보다는 그저 '시간'을 즐기러 온 사람들이 대부분이기 때문이다. 그렇다면 무조건 영화를 보려는 사람만 극장에 와야 하는 것이냐 라고 반문할 수 있겠는데, 개인적으로는 제발 그래주었으면 좋겠다라고 말하고 싶은 심정도 있지만, 이런 사람들을 문제 삼고 싶지는 않다. 이것은 어디까지나 개인이 영화라는 것을 받아들이는 차이일 뿐이니, 내 인생에서 영화보기의 중요성을 남에게 굳이 강요할 필요는 없는 것이다.

예전 재상영된 '영웅본색'을 보러 갔을 때의 경험을 이야기한 적이 있는데, 언제부턴가 '시네마테크' 역시 완전한 안전지대는 아니라는 사실을 점점 인식하게 되었다. 쉽게 말해 '시네마테크'는 좀 더 영화에 애정이 있는 이들 혹은 영화 보기에 대한 인식이 높은 이들이 주로 보러 오는 곳이기 때문에 (반대로 얘기하자면 '시간'을 즐기러 오는 이들이 보기에는 별로 적합하지 않은 영화들을 주로 상영하기 때문에) 무개념에 가까운 관람 태도는 피할 수 있었다고 볼 수 있는데, 언제부턴가 점점 시네마테크에도 멀티플렉스에서나 볼 법한 관람 태도의 관객들을 만나게 되어 매우 우울해졌던 기억이 있다. 물론 여기에는 시네마테크에서나 볼 법한 영화들을 일반 멀티플렉스 상영관들이 '다양성'을 추구한다는 이유로 판권 및 상영권을 가져가는 바람에, 이런 영화들을 보려면 할 수 없이라도 멀티플렉스를 가야만 하는 경우가 생긴 이유도 들 수 있겠다 (멀티플렉스의 예술 영화 끌어 안기는 분명히 양날의 칼이다). 여기까지는 사람에 따라 생각이 다를 수도 있는 부분이라 굳이 강요할 생각은 없는데, 앞으로 이야기할 관람 에티켓에 대해서는 사실 내 상식으로는 이해가 되지 않는 부분들이다.




일단 극장에서 전화 받는 사람을 나는 이해할 수 없다. 사실 개인적으로는 기껏해야 2시간 정도 핸드폰과 이별하는 것이 뭐 그리 어렵냐고 말하고 싶지만, '중요한 연락이 올지도 모른다'라는 이유라면 공감은 안되도 이해할 수는 있다. 그런데 중요한 건 이런 연락이 온 다음부터다. 적어도 양심이 있다면 바로 옆에 앉은 이들에게 눈치가 보여서라도 작게 이야기하거나 바로 끊고 이따 통화하자 라고 이야기해야하는 것이 아닐까? 하지만 요새는 끊을 생각 따위는 전혀 없이 오히려 절대 작지 않은 목소리로 계속 통화하는 이들도 여럿있는데, 이 분들은 '극장에서는 통화를 삼가해주세요'라는 기본 개념이 전혀 자리잡지 못한 탓일 것이다. 나는 누가 돈을 줄테니 한 2분만이라도 평소처럼 상영시 통화해주세요 라고 부탁을 해도 아마 주변 눈치와 내 스스로 민망해서 못할텐데, 이렇게 너무나 평온한 상태에서 오랜시간 통화하는 분들을 보면 존경스럽기까지 하다. 확실히 이들과 나는 절대 섞일 수 없는 부류이리라. 문자 메시지 역시 마찬가지다. 거의 영화 상영내내 핸드폰의 환한 불빛을 드러내며 문자를 주고 받는 이들도 만난 적이 있는데, 그럴려면 왜 아까운 돈을 내가며 극장에 들어와서 문자를 주고 받는지 그저 안타까울 뿐이다.

앞좌석을 발로 차는 것도 사실 나는 개인적으로는 잘 이해가 되지 않는다. 극장 의자와 의자와의 간격은 열악한 시설이 아니라면 다 성인을 기준으로 제작이 되어 있어서 정상적으로 앉았을 때 크게 무리가 없도록 되어 있다. 그런데 도대체 이 사람들은 어떤 신체구조를 지닌 것인지 앞사람을 차지 않고는 영화를 볼 수 없는 이들도 있다. 이들은 평소에 잘 교육을 받지 못해서인데, 이런 이들의 평소 습관을 보면 앞좌석에 아예 발을 대고 보는 것으로 익숙한 이들도 상당수 있다. 그리고 이런 사람들은 앞좌석에 사람이 없으면 아예 두발을 앞좌석에 높게 걸치기도 한다. 이런 경향은 여럿이 함께 왔을 때 더 대담해진다. 그래서 나는 아예 이런 사람들을 피하기 위해 가능하다면 뒷좌석이 없는 중간 통로좌석을 택하는 편이다. 이런 이들과 상대하는 것보다는 이 방법이 훨씬 나은 편.




그리고 또 하나 불편한 관람태도라면, 사사건건 장면에 대해 질문하고 답하는 이들이다. 마치 이 곳이 자신들의 안방인냥 영화를 보는 내내 작지 않은 소리로 '저건 왜저래?' '저 사람 죽은거야?' '뭐야 유치하게' 등등 보통 사람들은 나 혼자 머릿 속에서 하곤 하는 생각들을 별도의 여과장치 없이 입밖으로 내는 관객들이 상당히 많다. 영화를 보면서 사람에 따라 이해하는 정도가 다르니 그걸 궁금해하는 자체에는 전혀 문제가 없으나, 이걸 굳이 그 자리에서 옆사람에게 '큰소리로' 확인하는 걸 보면 과연 내가 옆에 있는 것이 보이질 않는 것인지를 '정말로' 의심하게 된다. 그래서 예전에는 정말 잡담이 멈추질 않길래 정말정말 참다가 이렇게 물어본 적이 있었다. '저, 혹시요. 저 안보이세요?' 

말이 나온 김에 관객들 외에 극장 측의 에티켓도 이야기하고 싶다. 멀티 플렉스에서는 상영시간이 정시에 이루어지지 않은 것이 이미 일반화 되었다. 그래서인지 멀티플렉스를 주로 다니던 관객들은 시네마테크에 왔을 때 영화가 정시에 시작하면 오히려 당황하기까지 하더라. 이것은 분명히 극장이 관객을 잘못된 방향으로 이끈 경우라고 할 수 있을텐데, 이럴 거면 차라리 영화의 정시를 뒤로 늦출 것이지 정시는 그대로 표기하되 그 이후까지 한참이나 광고를 상영하는 것은 분명 '불법'에 가깝다고 생각된다. 영화를 보러 간 것이지 광고를 보러 간 것이 아닌데, 이 수준이 도를 넘어선 것이라고 볼 수 있겠다. 상영시간 이후에 10분 가까이 광고를 하는 것은 진짜 좀 너무한 것이 아닌가.

엔딩 크래딧에 대한 것은 누누히 지적했지만 분명 극장의 100% 잘못에 가깝다. 요새도 간혹 끝까지 틀지 않고 관객이 있음에도 꺼버리는 경우가 종종 있는데, 이건 뭐 논란의 여지가 없는 극장의 잘못이지만 실제로 크래딧을 중간에 끊지 않더라도 남아있는 관객을 극장 직원들이 계속 눈치주는 것에 불쾌하지 않을 수가 없다. 심지어 어떤 청소 아주머니는 매우 친절하게 '이거 끝나고 아무것도 안나오니 빨리 나가요'라고 가르쳐주기시도 하시던데, 다른 사람들은 뭐 추가 장면이 있나 해서 남아있는 경우가 많긴 하지만, 적어도 나는 추가 장면이 있건 없건 크래딧을 끝까지 감상하며 스탭들 이름도 확인하고 영화에 삽입된 수록곡들도 보고 무엇보다 스코어를 만끽하기 때문에 엔딩 크래딧이 올라가는 순간은  아직 영화 감상의 연장선에 있단 말이다. 그런데 극장의 직원들은 '쟤가 도대체 왜 안나가고 있나' 엄청나게 눈치를 준다. 그래서 언제부턴가는 직원들과 이런 밀고 당기기를 하게 되었는데, 도대체 내가 내 돈 주고 영화를 보면서 왜 이런 억울한 대우를 당해야하는지 아직까지도 잘 이해가 되질 않는다. 그냥 내가 유독 이상한 사람이 되어버린 것만 같아 슬픈 뿐이다.




어쨌든 극장은 영화를 보러 가는 곳인데, 언제부턴가 영화를 보기 위해 고려해야할 영화 외적인 요소들이 너무 많아졌다. '내 뒷 사람은 왜 이렇게 계속 찰까', '쟤는 왜 저렇게 전화통화를 하는 걸까', '저 사람은 계속 말이 많던데 이 장면에서 또 한 마디 하겠네', '직원이 나를 계속 노려보고 있군' 등등 직간접적으로 영화 한 편 보는데 너무 고려해야할 것들이 많아진 탓에 정작 영화 자체에 집중하기가 점점 어려워지는 것이 사실이다. 그래서 오죽했으면 지금의 티켓값에 2~3배를 지불할 용이가 있으니 이런 프리미엄 상영관(현재 멀티플렉스에서 운영하는 프리미엄 상영관과는 다른 개념의)이 있다면 아마도 굳이 사람들이 비싼 돈 주고 들어오진 않겠지 하는 생각도 든다. 왜 비싼 돈 주고 영화를 봐야할까 하는 억울한 마음도 있지만, 솔직한 심정으로는 정말 영화에만 집중할 수 있는 관람환경이 주어진다면 웃돈을 주고서라도 영화를 보고 싶은 것이 사실이다. 

나는 그냥 '제발' 극장에서는 오롯이 영화에만 집중하고 싶다. 왜 이런 당연한 사실을 '제발'을 붙여가며 바래야하는 것인지는 잘 모르겠지만, 어쨋든 극장에서는 오롯이 영화만 볼 수 있었으면 좋겠다. 그것이 영화 팬으로서의 정말 최소한의 바람이다.


2010.08.30. pm. 03:25


글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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더 코브 (The Cove)
잔인한 진실, 이제는 행동할 때 


지난해 가장 화제가 된 다큐멘터리 중 하나였던 '더 코브'를 뒤늦게 EIDF 프로그램을 통해 TV로 감상할 수 있었다. 극장 개봉 당시 이미 많은 화제를 불어일으켰고 선댄스에서의 수상 등 주목받는 작품이었는데, 늦었지만 EIDF 덕에 그 충격을 고스란히 받아들일 수 있었다. 사실 포스터에 등장하는 카피 들을 잘 읽지 않는 나로서는, '더 코브'의 포스터를 처음 보았을 때는 저 황홀한 이미지에만 끌려, 단순히 해양세계와 돌고래의 압도적인 신비로움을 알려주는 작품인 줄로만 알았었다. 하지만 저 카피들이 말해주듯 '더 코브' 에 담긴 내용은 (그리고 사실은), 결코 아름답지 않은 인간의 잔혹함과 공존에 대한 신랄한 경고이자 신고의 성격을 갖고 있는 힘 있는 다큐멘터리였다. 


ⓒ Diamond Docs. All rights reserved

우리는 그린피스의 활동이나 가끔씩 들려오는 해외 토픽 등을 통해 불법 고래잡이에 관한 사실들은 어렴풋이나마 알고 있다. 예전에 포경 관련해서도 일본의 행동들을 알게 된 적이 있는데, '더 코브'를 통해 알게 된 일본 타이지의 잔인한 진실은 그 동안 철절히 숨겨져 왔다는 것에 더욱 충격을 금할 수 없었다. 이 곳에서는 매년 2만 3천마리가 넘는 돌고래가 잔인하게 죽임을 당하는데, 일단 그 사실 이전에 이것을 은폐하려는 타이지 사람들과 관리들의 모습들이 가관이다. 가끔 이런 사회 고발성 다큐멘터리에는 그 어느 극영화 못지 않은 악당들이 등장하곤 하는데, 이번 작품에 등장하는 이 곳 사람들 역시, 그 어떤 작가가 만들어낸 악역 캐릭터보다도 더 공포스러운 실존인물들이 아닐 수 없겠다. 자신들의 부당함을 숨기고 이를 밝혀내려는 사람들에게 공포감을 심어주기 위해 정말 열심히 활동하는 이들의 모습은 보고 있노라면, 인간성에 대해서 다시 생각해보게 끔까지 만든다. 

작게는 마을 사람들, 더 나아가서는 정부와 돌고래 사업과 관련된 거대 회사와 국제 단체에 이르기까지, 철저히 자신들의 이익을 위해 너무 끔찍한 일들을 저지르고 있는 이들에 대한 고발은, '더 코브'가 갖고 있는 핵심적인 메시지 중 하나다. 영화는 이를 위해 '오션스 일레븐'에 버금가는 정예 팀을 만들어 잔인한 진실의 순간을 카메라에 담아내는 대에 결국 성공하는데, 물론 이 과정이 극영화 못지 않게 긴장감 넘치는 것은 사실이지만 극영화 다른 점이라면, 재미를 느낄 수 있는 극영화와는 다르게 이 잔인한 장면이 사실이라는 점 때문에 그저 재미만 느낄 여유가 없다는 것이다. 그 만큼 일본 타이지에서 벌어지는 일들은 잔인함 그 자체였다. 

극영화에서도 가끔 사용하는 방식이기도 한데, 루이 시호요스 감독은 드디어 그 충격적인 영상을 영화를 통해 공개하게 되는 순간, 그 어떤 영화적 묘사의 장치도 사용하지 않는다. 극적인 음악도 없고, 그 동안 계속 포함되었던 내레이션도 이 순간엔 침묵한다. 그리고는 그저 어부들이 잔인하게 돌고래를 학살하고, 그로 인해 붉게 물든 바다를 말없이 보여준다. 이 장면이 얼마나 잔인하고 충격적이었는지는 직접 보고 느끼는 수 밖에는 없다. 


ⓒ Diamond Docs. All rights reserved

이 이야기는 자신 역시 돌고래들을 사육하고 돌고래가 주인공으로 등장하는 TV 프로그램의 주인공이기도 했던 한 남자 후회로 부터 시작되었다. 릭 오배리는 이 다큐를 통해 여러번 '그 때는 몰랐었다' '왜 더 일찍 알지 못했을까'를 후회하곤 한다. 어쩌면 이 큰 후회가 그를 지금까지도 돌고래 보호를 위해 일하게 하는 원동력이 되었겠지만, 다른 한편으로 이 후회는 이를 보는 관객들로 하여금, '우린 아직 늦지 않았다'라는 희망의 메시지의 원동력으로 작용하기도 한다. 

이런 다큐를 볼 때마다 드는 생각이지만 '과연 내가 이 거대한 사실에 맞서 무엇을 할 수 있을까?' 반문해 보게 되는 경우가 생긴다. 막말로 이런 것들을 모두 염두에 둔다면 내가 먹는 것, 보는 것, 사는 것 들 모두가 행복이 아닌 삶의 제약이 되어버릴 수도 있다. 이런 논리로 다시금 나를 합리화하며 작게 나마 할 수 있는 행동들을 시작도 전에 관두게 되곤 한다. 하지만 이것은 합리화의 문제가 아니다. 그저 부당함을 느꼈고, 내가 무언가 할 수 있는 일이 있다면 자신이 믿는 가치가 계속 구현되는 세상을 위해서라도 한 발이나마 내딛으면 되는 것이다. 그래서 나는 '더 코브'를 보고 나서 아주 작은 결심을 하나 했다. 사실 돌고래는 너무 좋아하는 동물이기도 했고, 아직까지 한 번도 본 적은 없으나 놀이공원의 '돌고래쇼' 는 꼭 한 번 보고 싶은 것 중 하나였는데, 이제는 적어도 볼 수 없는 '쇼'가 되어버렸다. 나 하나 안본다고 돌고래쇼를 보는 사람들의 수요가 급격히 줄어, 돌고래를 잡아들이는 행동이 줄지는 않겠지만, 분명 한 건 돌고래쇼를 보려는 사람의 수가 하나는 줄었다는 사실이고, 그로 인해 미약하나마 돌고래 사업에 손실이 생겼다는 사실이다.

다큐의 힘은 이런 것이 아닐까 생각한다. 
보는 이를 움직이게 하는 힘 말이다.




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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셔터 아일랜드 (Shutter Island)
알고나서 다시보기


마틴 스콜세지의 '셔터 아일랜드'는 여러가지 측면에서 매혹적인 작품이었다. 데니스 르헤인의 원작소설을 스콜세지는 깊이 있는 질감과 시각적인 효과, 그리고 무엇보다 주인공에게 공감하도록 만드는 연출력과 배우들의 연기로 인해 원작 못지 않은 훌륭한 영화화를 이루었다. '셔터 아일랜드' 개봉 당시 흥미로웠던 점은 이 이야기의 반전을 두고 양측이 제법 대등하게 의견을 겨루었다는 점이었다. 개인적으로는 당연히 완벽하게 정해지고 짜여진 한 쪽의 이야기, 그러니까 너무 명확한 일방적인 이야기라고 생각했었지만, 그와 반대의 의견을 갖고 있는 사람들의 설을 들어보아도 '제법 이야기가 되는' 매력적인 작품이었다.

당시 영화 평에도 썼듯이, 당시에 보았던 영화들 가운데 극장을 나오며 가장 뜨거웠던 작품 중 하나였으며, 누가 맞고 틀리고를 떠나서 영화를 본 사람에게 자신이 궁금한 점을 묻게 되고, 또 자신이 믿고 있는 바를 설득하고픈 흥미로운 작품이었다 (그런 측면에서 크리스토퍼 놀란의 '인셉션'과 유사한 측면이 있는데, '인셉션'은 모두가 정답이 되도록 치밀하게 설계된 이야기라면, '셔터 아일랜드'는 정답은 분명 한가지이지만 오답 역시 설득력을 갖을 수 있도록 연기와 연출이 섬세하게 다룬 경우라고 할 수 있겠다. 아, 그리고 이 작품은 '인셉션'과 여러모로 비교할 만한 구석이 많은 작품이기도 하다). 


ⓒ Paramount Pictures. All rights reserved

사실 영화 개봉 당시 글에서는 이 작품이 갖고 있는 메시지나 의미에 대해 이야기하려 했었지만, 이번 글에서는 그런 점보다는 다시 보면 더욱 분명해지는 영화의 이야기에 대해 알기 쉽게 설명을 해보려고 한다. 극장에서도 두 번을 관람하였었는데, 이런 영화의 특성상 두 번 이상 보게 될 경우, 보이지 않던 부분이 보일 수 밖에는 없으며, 그저 스쳐 지나쳤던 장면들이나 인물들의 행동들이 철저히 계산된 것이었음을 어렵지 않게 눈치챌 수 있게 된다. 이 글은 그런 의미에서 '다시 보기'의 방식으로 끄적여 보았다.


(이 글은 스포일러 투성이인 글입니다. 영화를 보지 않은 분들께서는 모쪼록 내용이 전부 들어 있는 이 글을 읽지 마시고, 영화를 감사하시길 권해드립니다)


ⓒ Paramount Pictures. All rights reserved

'셔터 아일랜드'는 앞서 이야기한 것처럼 스릴러 라는 장르적 측면에서 두 가지를 특별히 고려하고 있다. 하나는 영화는 알고 있는 진실을 나중에 관객에게 알렸을 때 모든 것이 수긍가도록 그 과정을 세밀하게 설계해야하는 것이며, 다른 하나는 이런 단서를 여기저기 흩어놓으면서도 관객들이 영화의 이야기와는 반대의 길을 가는 주인공의 심정에 완전히 공감하도록 (그래서 심지어는 영화가 나중에 반전을 알려주어도 쉽게 인정하지 못할 정도로) 만드는 것이다. '셔터 아일랜드'는 이런 두 가지를 모두 훌륭히 소화해내고 있다. 실제로 많은 이들이 주인공 앤드류, 아니 테디 다니엘스의 환상을 현실이라고 믿고 이에 대한 자신만의 공식을 만들어냈기 때문이다. 아예 확실한 결론을 다시 한번 이야기하자면, 이것은 너무나 명확히 극중 앤드류 레디스, 그러니까 디카프리오가 연기한 캐릭터가 테디가 아니라 앤드류이며, 영화의 마지막 닥터 코리가 이야기해준 것이 모두 사실이라고 볼 수 있겠다. 본 블루레이에 수록된 부가영상을 보면 이것저것 고민할 것도 없이 '정신병자를 연기하는 것이 힘들었다' 라는 식으로 확정지어 얘기하고 있으니 사실 여기에는 이견이 있을 수 없다.


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그래서 '셔터 아일랜드'는 극중 디카프리오가 앤드류 레디스라는 것을 알고 한 번 더 보게 되면 또 다른 흥미로운 작품이 된다. 그리고 앤드류 레디스라고 인정할 때만 더 확연히 보이는 디테일이나 연출, 연기들을 확인할 수 있다. 이 글에서는 바로 그런 점들, 테디 다니엘스라고 믿었던 때에는 잘 보이지 않았던 앤드류 레디스의 이야기를 해보려고 한다.
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영화의 시작, 셔터 아일랜드에 테디 다니엘스와 그의 동료 척이 (일단 이렇게 지칭해두자) 도착하자 굉장히 삼엄한 경관들의 모습을 확인할 수 있다. 이 장면을 처음 봤을 때는 현재 위험한 환자가 탈출한 상황이고 이 연방요원들이 그냥 탐탁치 않아 이런 반응을 보이는 것으로 여겼었지만 사실은 테디가 아니라 앤드류 레디스이기 때문이다. 앤드류는 폭력적인 성향의 환자이고 경관들에게도 폭력을 행사할 만큼 위험한 환자였기 때문에, 그가 이렇게 자연스럽게 병원 밖을 활보하는 이 상황이 경관들로서는 몹시 긴장된 상태인 것이다.


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담장에 설치된 전기선을 보고는 '전에도 본 적이 있어'라고 얘기하는데, 이 대사는 나중에 나치의 수용소에 갔었던 기억 (이 기억조차 거짓이라고 보는 편이 맞겠다)에서 그 때봤던 것을 이야기하는 것으로 알았었지만, 사실은 저 말 그대로 바로 그 것을 본 적이 있는 것이다. 그는 앤드류 레디스고, 이곳의 환자이니 말이다.
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원작 소설에서도 이런 이상한 점을(테디의 이야기로 알고 있는 관객들이 이상함을 느끼게 되는) 표현하고 있는 부분이 있는데, 테디와 척이 애쉬클리프에 입장하기 위해 총기를 반납하는 장면이 그것이다. 총기를 반납하려는데 연방 보안관으로 4년이나 근무했다는 척은 어찌된 일인지 허리춤에 있는 총 조차 제대로 벗어내질 못한다. 이 장면에서는 위 스크린 샷 속 테디의 시선처럼 관객 역시 척 (마크 러팔로)을 의심하게 된다. 그리고 이 이후에도 척을 의심케 하는 몇가지 연막 작전이 등장하기도 한다. 척을 의심하는 것은 맞지만, 테디가 생각하는 것과는 다르게 척은 바로 닥터 시한이기 때문에 이런 연방 보안관의 행동에는 익숙하지 않을 수 밖에는 없었을 터. 하지만 영화는 아직까지는 좀 더 직접적인 단서는 제공하지 않는다.
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알고보니 더욱 그렇지만, 척은 유난히 테디에게 '괜찮아요?'라고 걱정스런 질문을 자주 던지곤 한다. 이는 물론 그가 척이 아니라 앤드류의 주치의인 닥터 시한이기 때문이다. 나중에 또 설명할 기회가 있겠지만 시한은 코리와 더불어 이런 방식의 치료가 성공할 것이라고 믿는 진보적인 의사이기 때문에 아마도 테디의 파트너인 척 역할을 자청하지 않았을까 싶기도 하다.
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(이건 연기에 관심없는 배우들을 시한 박사가 열심히 이끌고 있는 한 연극의 장면과도 같다)

이 병원 내에는 앤드류 레디스의 병을 치료하기 위해 모두가 동원된 거대한 연극을 하는 것에 있어 긍정적으로 생각하는 이들과 부정적으로 생각하는 사람들이 있다. 긍정적인 이라면 역시 코리와 시한 박사를 들 수 있겠고, 부정적인 이들이라면 막스 본 시도우가 연기한 내링 박사를 비롯해 소장과 대부분의 이곳 사람들을 들 수 있을 것이다. 코리 박사와 주치의인 시한은 이런 치료방법이 통할 것이라고 믿는 이들이지만, 내링 박사를 비롯한 대부분의 사람들은 '이래봤자 소용없어'라는 식의 마음가짐을 갖고 있다. 그렇기 때문에 이 거추장스러운 연극에 그리 적극적으로 동참하지 않는다.


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(이 장면을 보면 유난히 앤드류 혼자서 열심히 빠져있는 것처럼 보인다. 실제로 그렇다)

위와 같은 장면에서는 아예 앤드류가 돌아서자 자신들이 하고 있는 이 연극 놀음이 그저 재밌기만 한 한 남자 간호사의 웃는 장면마저 확인할 수 있다. 그를 비롯한 이 곳 직원들에게는 자신들이 계속 돌보던 한 환자가 연방 보안관 행세를 하며 자신들을 심문하고, 그의 주치의 역시 보안관 행세를 하는 것이 한편으론 재미있는 것이다.


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그래서 이들은 대부분 이 상황에 비협조적이다. 그렇기 때문에 아예 대놓고 테디를 우습게 깔보며 대하기까지 한다. 항상 반대로 자신들이 환자에게 이야기하곤 했었는데, 그랬던 환자가 보안관이라며 자신들을 심문하는 것 자체가 우습고 불편한 것이다. 위의 두 간호사의 표정을 보면 이 같은 사실이 그대로 드러난다. 왼편의 간호사는 못마땅의 강도가 더한 경우라 계속해서 테디에게 까칠하게 대하는 것이고, 오른편의 간호사는 그저 이 상황이 전혀 심각하게 느껴지지(그렇게 연기하고자 하는 마음이 없는 것)않는 것이다. 만약 이것이 실제 상황이었다면 지금의 간호사들처럼 이 같은 반응을 보이지는 못했을 것이다. 중요한 환자가 실종되었고, 연방 보안관이라는 자가 자신들을 심문하는 떨리는 상황이었을테니 말이다.
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직원들을 심문하는 곳에 닥터 코리가 자리잡고 이 상황을 주시하는 것을 처음 봤을 땐, 혹시 어떤 직원이 이 사건에 연루되었는지 캐내기 위해 집중하고 있는 것이라고 생각했는데, 사실은 그런 것이 아니라 이 비협조적인 직원들이 혹시라도 실수를 할까봐 혹은 앤드류가 계속 원하는 방향으로 이야기를 전개해 나갈 수 있도록 방향이 틀어질 경우 그 길을 조정해주기 위한 안내자이자 감시자로 참여하고 있는 것이었다. 실제로 이 영화를 잘보면 앤드류가 직접 방향이나 행동을 결정하는 경우도 있지만, 대부분은 척이나 주변 사람들이 은근 슬쩍 앤드류의 경로를 정해주는 장면이 많다.


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("수색해서 뭐라도 나오면 내 손에 장을 지지겠다")

위의 장면도 이런 비협조적인 이들의 모습을 직접적으로 보여주고 있는 장면이다. 해안가에 실종사 수색을 하러 나왔는데, 실제로 수색하는 인력들은 보이지 않고 여기저기 그냥 앉아서 시간을 보내고 있는 모습을 보고 테디는 뭔가 불편함을 느낀다. 이 경관들은 이 모든 것이 그저 연극일 뿐인 것을 알기 때문에, 즉 아무리 찾아봐도 시체나 환자따위 나올리가 없기 때문에, 그렇다고 이 연극에 열심히 참여할 동기조차 부여되지 않았기 때문에 그냥 저렇게 비협조적인 모습을 숨기지 않는 것이다.


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본격적으로 영화가 흥미로워지는 것은 바로 환자들을 테디가 심문하는 장면부터다. 이 심문 장면이 시작하기 전 아까 그 까칠한 반응을 보였던 간호사가 위와 같은 주사를 준비하고 있는 장면이 나오는데, 처음에는 심문을 받게 되는 환자들이 발작이나 이상 반응을 보일 때를 대비한 것이라고 생각했으나, 이 장면 역시 다시보게 되면 이 주사가 환자들이 아니라 또 다른 환자, 가장 위험한 환자인 앤드류 레디스를 위해 준비된 것임을 알 수 있다. 1:1로 다른 환자들과 맞닥들였을 때 이상 행동이나 폭력적인 성향을 드러낼 수도 있는 앤드류였기 때문에, 아까 직원들을 심문하던 때와는 다르게 상당히 긴장한 모습으로 환자들과의 심문을 주시하고 있는 것을 알 수 있다.


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("앞에 떡하니 앉아있으니 말하기가 쑥스럽네요;;;")

이 심문 장면에서 가장 흥미로운 점은 바로 시한 박사에 대한 묘사다. 이 장면 전에도 슬쩍 그런 분위기를 보였던 영화는 이 장면에 와서는 아주 직접적으로 척이 닥터 시한임을 연기와 컷을 통해 묘사하고 있다. 앤드류가 시한에 대해 묻자 여자 환자는 오른편에 앉은 시한을 흘깃 쳐다보며 이야기한다. 일반인이었다하더라도 바로 앞에 그 사람을 두고 다른 사람인척 연기하는 것이 쉽지 않을텐데, 정실질환을 겪고 있는 이들 같은 경우는 이런 연기에 아무래도 좀 더 미숙할 수 밖에는 없다. 그래서 잘 생겼다는 얘기를 할 때는 쑥스러움을 그대로 표정에 드러내기도 하고, 위의 스크린 샷처럼 저렇게 바로 앞에 시한을 쳐다보기도 하는 것이다.
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여기서 영화는 아주 노골적으로 그 반대편에 앉은 척을 보여준다. 잘생겼다는 이야기를 쑥스럽게 할 때 바로 시한의 표정과 반응을 보여주는 것이다. 이 외에도 영화 속에서 시한의 이름이 언급될 때는 거의 모든 장면이 척에게로 이동한다. 즉 영화는 이때부터 척이 닥터 시한이다 라는 암시를 주고 있었던 것이다.


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("주치의에게 휴가를 허락해요? 근데 나는 왜 여기서 일하고 있는거임? -_-;;")

그렇기 때문에 위와 같은 재미있는 장면도 등장한다. 이 같은 위급 상황에 닥터 시한에게 휴가를 주고 섬을 나가게 했다는 이야기에 바로 본인인 척이 '주치의에게 휴가를 허락해요?'라며 되묻는 장면은, 이 연극의 작은 하이라이트 중 하나라고 할 수 있겠다. 이런 연극에 익숙치 않은 사람들이라 이런 대화들이 오갈 때의 반응을 보면, 조금씩 머뭇거리거나 쑥스러워하는 장면을 엿볼 수 있기도 하다.


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내링 박사의 위와 같은 질문도 이 연극의 측면에서 보면 흥미로운 점이다. '그 바닥 사람들은 술을 즐기지 않나요?'라고 물어보는 와중에는 약간 비꼬는 투가 섞여있는데, 환자라는 것을 뻔히 알면서도 '그래, 니가 보스턴에서 온 보안관이라며?'라는 식으로 약간 비꼬면서 또 한편으로는, 얼마나 이 환자가 자신의 환상에 깊이 빠져있는지 일종의 테스트를 겸하고도 있는 것이다. 


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가짜 '레이첼'을 앤드류가 만나게 되는 이 장면은 구성자체가 너무 연극스러운 장면이기도 하다. 각 인물들의 배치자체도 마치 무대 연극을 보는 듯한 위치를 보여주고 있고, 아래에서 위로 비추는 조명은 이런 연극같은 분위기를 더욱 고조시킨다. 앤드류를 제외하고는 모두들 레이첼의 불꽃 연기에 감탄하는 중이다.


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갑자기 돌변한 레이첼을 맞닥들이는 앤드류의 표정도 흥미롭다. 이 장면만 본다면 극중 앤드류는 명백한 정신병동의 환자이고 레이첼은 간호사 임이 명확히 드러난다. 저 표정은 갑자기 변한 상대에 대한 놀라움이라기 보다는, 정신적인 불안을 겪는 환자로서 공포를 느끼는 표정이라고 해야 맞겠다. 이 장면은 그래서 테디가 이 곳에 와서 이상한 일들을 겪으며 혼란을 겪게 되는 것이 아니라, 본래부터 정신질환을 갖고 있는 이었다는 점을 그의 반응을 통해 보여주고 있는 것이다.


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앞서 이야기했던 것처럼 척이 테디를 눈치보는 장면은, 둘이 등장하는 거의 모든 장면에 등장한다고 할 정도로 자주 등장한다. 하지만 앤드류를 철썩 같이 테디로 믿고 있을 때에는 이런 시선이 잘 느껴지지 않는다. 그것이 이런 종류의 영화의 묘미다. 그리고 다시 보는 '셔터 아일랜드'의 묘미이기도 하다.


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이렇게 조금씩 소스를 제공하던 영화는 조지 노이스 (잭키 얼 헤일리)와의 만남 장면을 통해 매우 노골적으로 영화의 본래 이야기를 드러낸다 (여기서 본래 이야기란 영화가 이야기하려는 메시지가 아니라, 사실관계상 본래 이야기를 말한다). 조지 노이스는 앤드류 레디스와 테디 다니엘스를 모두 잘 알고 이해하는 인물로서, 빨리 아내를 잊으라고 진심으로 부탁한다. 그리고 지금까지 테디를 만난 다른 인물들과는 다르게 그를 테디가 아닌 앤드류 레디스로서 대한다. 그렇기 때문에 본인이 테디 다니엘스라고 믿는 앤드류는 이 이야기와 상황을 이해하지 못한다. 하지만 여기서부터 관객은 점점 더 주인공에 대해 의혹을 품게 된다.


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이 글에서는 영화가 이야기하고 있는 주인공의 트라우마에 대해서는 이야기하지 않고 있지만,  그래도 짧게 한가지만 언급하자면 세 아이를 부둥켜 안고 오열하는 저 장면은, 이 모든 이야기의 단서이자 시작이된 사건이라고 할 수 있을 것이다. 앤드류 레디스는 평범한 사람이었으나 우울증을 겪던 아내가 아이들을 모두 익사시킨 이 사건에 너무 큰 충격을 받았고, 자신의 손으로 이런 아내를 죽인 것에도 충격을 받아 결국, 자신안에 또 다른 자아를 갖게 되는 정신질한마저 갖게 된 것이다.


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동료인 척을 잃고, 동굴에서는 실제 레이첼이라는 여성과의 만남을 갖은 뒤 앤드류는 소장에게 발견되어 차를 타고 다시 병원으로 돌아오게 된다. 앞서 이야기했던 것처럼 이 소장은, 코리 박사가 주장하는 이 거대한 연극에 결코 협조적인 사람이 아니다. 그래서 소장은 앤드류에게 매우 직접적으로 이야기를 건낸다. 앤드류를 완전한 환자 취급하며 그의 폭력성이나 문제에 대해 이야기하는데, 여기서 흥미로운건 앤드류, 아니 현재는 테디 다니엘스인 디카프리오가 소장의 이런 억압에 전혀 꼼짝을 못한다는 것이다. 이미 일련의 사건들을 겪으면서 테디는 더 이상 연방보안관이 아니라 이곳의 환자인 앤드류의 모습으로 변모해왔으며, 자신을 완전히 환자 취급하는 소장의 말에도 제대로 한 마디 받아치지도 못하게 된 것이다.


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결국 코리 박사에게 모든 사실을 전해 듣고 자신이 테디 다니엘스가 아니라 앤드류 레디스라는 사실을 알게 된 앤드류는 코리 박사에게 또 다른 이야기를 듣게 된다. 이는 바로 과거에도 이렇게 치료됐던 적이 있었다는 이야기다. 이 이야기는 앤드류의 마지막 선택에 결정적인 역할을 하게 된다.


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마틴 스콜세지의 '셔터 아일랜드'의 마지막 장면은 원작인 소설에는 없었던 것이다. 이 대사는 이 영화를 통틀어 가장 의미심장한 것이었는데,

'괴물로 평생을 살겠나? 선량한 사람으로 죽겠나?'

바로 이 것이다. 시한 박사를 다시 한번 척으로 부르고 이곳을 탈출해야 겠다고 한 뒤 남긴 말이 바로 위와 같은 이야기였다. 그러고는 제 발로 자신을 수술하려 준비하고 있는 이들에게로 걸어간다. 이것은 분명 테디 다니엘스로서의 선택이 아니라 앤드류 레디스로서의 선택이었다고 말할 수 있을 것이다. 이미 과거에도 이런 식으로 여러번 치료된 적이 있다는 사실을 알게 된 앤드류는, 또 한번 환상에 빠지기 전 오롯한 앤드류 인 지금 선택해야 한다고 결심을 하게 된다. 그리고는 극복하지 못할 트라우마 때문에 계속 정신이상과 현실을 반복하는 괴물로 평생을 살기 보다는, 그냥 앤드류 레디스로서의 죽음을 택한다. 영화는 이렇게 걸어가는 앤드류의 뒷 모습으로 끝나지 않고, 수술이 행해질 등대를 마지막 행선지로 선택한다.


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이렇듯 마틴 스콜세지의 '셔터 아일랜드'는 반전을 숨기고 있는 영화로서 이야기의 양면성을 영화화로서 잘 표현해 낸 작품이었다. 영화가 이끄는 대로 테디 다니엘스의 이야기로 보는 것도 물론 흥미롭고, 그 반대로 앤드류 레디스의 이야기로 보는 것도 흥미롭지만, 앤드류 레디스라는 것을 알고 테디 다니엘스를 보는 것도 몹시 흥미로운 감상이 아닐까 싶다.



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

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라스트 에어벤더 (The Last Airbender)
너무 순진했던 샤말란의 졸작


영화를 좋아하는 사람으로서 나름 자랑한 만한 거리가 있다면, 영화를 보기 전에 내 취향에 맞는 영화가 어떤 것인지 최소한의 정보만으로도 선택해내는 확률이 매우 높다는 걸 들 수 있을텐데, 그렇기 때문에 많은 영화에 대한 글을 쓰지만 대부분이 긍정적이고 인상적인 평을 끄적이게 되는 것 같다. 이런 선택에서 살아남은 작품들 가운데 아주 가끔 만족스럽지 않은 영화들도 있었는데, M.나이트 샤말란의 '라스트 에어벤더'는 개인적으로도 매우 드물게 보기 전부터 '이걸 과연 봐야할까?'라는 고민을 굉장히 심하게 했던 작품이었다. 그도 그럴 것이 이미 제작이 들어가고 연출을 샤말란이 맡게 되었다는 소식을 들었을 때부터 기대보다는 걱정을 훨씬 더 했었으며 (그 때 내 반응은, '왜?, 도대체 왜 샤말란이 이런 작품을?' 이었다), 아니나다를까 시사회와 개봉 이후 들려오는 지인들의 평들을 보니 '샤말란의 팬이라도 안보는 편이 낫다'라는 것이 지배적이었기 때문이었다. 정말 많은 고민을 하다가 결국 마지막에는 '그래도!'라는 마음에 속는 셈 치고 이 작품 '라스트 에어벤더'를 선택하게 되었다. 사실 여기에는 '그래도 나는 재미있게 볼지 몰라'라는 일말의 생각이 있었는데, 결론은 나조차 샤말란을 편들어주기 어려울 정도로 (그럴 마음이 들지 않았다고 하는 것이 더 맞겠다), 총체적 난국, 아무것도 보여주지 못한 졸작이었다.


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TV만화를 원작으로 하고 있는 '라스트 에어벤더'는, 그렇다고 해도 어쨋든 영화화된 작품이라면 반드시 있어야할 몇가지 요소들에서 너무나 결핍을 드러내고 있다. 그러니까 단순히 유치하다는 것이 아니라 오히려 유치함이 느껴지지 않을 정도로 이렇다할 기본 요소들의 힘이 너무 부족하다는 이야기다. 각각의 원소를 다스리는 벤더와 이 모두를 다스릴 수 있어 조화를 이루게 하는 아바타라는 존재와 세계관 자체가 문제인 것은 아니다 (물론 이 자체가 굉장히 유아적이긴 하지만 이는 어떻게 그리느냐에 따라 전혀 다른 이야기가 된다). '라스트 에어벤더'를 보고나서 얼핏 떠올랐던 작품은 또 다른 판타지 시리즈의 첫 번째 작품이자 실패로 인해 속편을 기대하기 어려워진 '황금 나침판'이었는데, 결과는 비슷할지 모르지만 그 과정은 조금 차이가 있다 하겠다. '황금 나침반'은 애초부터 시리즈로 기획된 점에 기인해 1편에서는 대부분의 분량을 세계관과 캐릭터 설명에 할애했다. 그런데 이 과정이 너무 지루했으며 그 과정에서 전혀 리듬을 만들어내지 못했고, 설명 조차 다 하지 못해 1편이 해야할 역할들을 겨우 해낸 듯도 했지만 결국 그 기대가 2편으로 이어지도록 만들지는 못했던 작품이었다.

이에 반해 샤말란의 '라스트 에어벤더'는 사실 이 보다도 못한 과정이자 결과라고 할 수 있을텐데, 일단 그 세계관조차 제대로 설명하지 않고 있음은 물론 캐릭터의 설명도 거의 없는 편에 가깝다. 그리고나서는 다짜고짜 여정을 시작하는데, 당연히 공감대라는 것이 있을 수 없다. 거기에 갑자기 나타난 캐릭터와 말 한번 섞지 않고도 목숨을 바치는 말도 안되는 설정이나 전혀 위압감이나 공포스러움은 물론 존재감마저 주지 못하는 악당들도 문제다. 그런데 영화의 중간중간, 관객은 전혀 그렇게 느끼지 못하는데 마치 영화는 스스로 이 장면이 굉장히 멋진 장면이다 라고 이야기하는 것처럼 느껴질 정도의 장면들이 많다. 관객은 이 굴곡 없는 이야기에 점점 수면에 가까워지는 와중이지만, 영화는 이와는 다르게 '이것봐, 이거 정말 환상적이지않아?'라며 스스로 감탄하고 있는 듯한 장면이 여럿 느껴지는다는 얘기다. 이것은 순수하기보다는 순진한 것으로 봐야 옳겠다. 


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영화를 보기 전 샤말란의 '라스트 에어벤더'에 대한 실망감들이 바로 이런 '순진함' 때문이기를 사실 바랬었다. 샤말란은 이전 작품들을 통해 대중들에게는 외면 당할 지언정 그 순수함은 엿볼 수 있는 작품이 많아, 개인적으로는 계속 그의 작품을 인상적으로 보아왔었는데 (그래서 이번 작품의 악평들도 이런 순진함 때문이길 바랬었는데), '라스트 에어벤더'는 이런 순수함이 아닌 그저 순진함으로 만들어진 아쉬운 작품이었다. 순진함으로 인해 간과하지 말아야 할 것들을 거의 모두 간과하고 있으며, 캐릭터의 미스 캐스팅은 지금까지 본 영화 가운데 손꼽을 정도이며, 그렇다고 화려한 CG나 스펙터클한 장면을 만나보기도 어렵다. 그런데 이 영화가 문제인건 이런 것들이 전혀 없는데도 불구하고, 마치 이런 요소가 모두 있는냥 자신들이 이렇다고 믿는 장면에서 나름 힘을 주고 있다는 것이 가장 큰 문제다. 관객은 캐릭터에 대한 공감대는 언제 얻을 수 있나? 하고 기다리고 있지만 영화는 이미 공감대를 형성했다고 믿고 있으며, 관객은 과연 에어벤더만의 특별한 액션 시퀀스는 언제 볼 수 있을까?라고 기다리지만, 영화는 이미 보여주지 않았느냐고 이야기하는 것이다.

순수한 영화라면 관객이 공감을 못할 지언정 이런 결과는 만들지 않았을 것이다 (그렇담 이걸 유아용 영화라고 부를 수 있느냐 라고 묻는다면 그것도 아니다). 그런데 '라스트 에어벤더'는 그냥 순진하기만 한 것이다. 지금까지 M.나이트 샤말란은 순수하긴해도 순진한 감독은 아니었는데, 이 작품은 처음 연출을 맡는다고 했을 때부터 '왜?'라는 물음을 갖게 하더니, 결국 이런 의문을 더 깊게 만들만한 결과물을 선보였다.


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미스 캐스팅 얘기를 잠시 했는데, 정말 '황금 나침반'처럼 호화캐스팅을 바라보는 재미마저 이 영화엔 없다. 주인공을 연기한 노아 링어는 전혀 캐릭터에 녹아들지 못하고 있으며 (물론 이건 이 아이의 잘못만은 아니다), '카타라' 역할을 맡은 니콜라 펠츠는 너무 평범해서 길에서 봐도 알아보지 못할 정도고, '소카'역을 맡은 잭슨 라스본은 '트와일라잇' 시리즈의 매력적인 캐릭터마저 잊게끔 만들 정도다. '슬럼독 밀리어네어'의 주인공을 연기했던 데브 파텔 역시 샤말란과 마찬가지로 도대체 왜 이 영화에 나왔을까 싶을 정도의 미스 캐스팅이었다.

M.나이트 샤말란은 과연 자신이 만든 '라스트 에어벤더'가 만족스러웠을까? 제발 나중에 인터뷰 등을 통해, 스튜디오의 압박 때문에 원하는 방향으로 만들 수 없었다라는 이야기가 나왔으면 하는게 마지막 바램이다. 아...샤말란...이건 정말 아니다.


1. 3D로 봤는데 전혀 3D로 볼 필요가 없는 작품이었습니다. 그런데 중요한 건 거의 3D로 밖에 상영을 하지 않는다는 점이지요. 고민없는 3D는 이처럼 아주 심심한 결과물을 만들어내더군요.

2. 너무 자신있게 속편을 암시하고, 아니 광고하고 있는데 과연 나올 수 있을까요. 만약 나온다면 제발 샤말란은 손 때주길. 팬으로서 부탁드립니다.



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

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사실 영화 별점주기를 하면서 매번 고민스러웠던 일은, '점수주기'의 의미없음을 잘 알고 있기 때문이었다. 스포츠도 아니고 (하물며 스포츠도 결과보단 과정의 중요성을 더 보고 있는데!) 영화 같은 개인적이고 주관적인 작품을 가지고 점수를 준다는 것 자체에 모순이 있다고 항상 생각했었다. 만약 이 이유만으로 별점 주기를 포기한다고 치자면, '그렇담 어차피 개인적인 것인데, 개인적으로 점수를 주는 것도 전혀 문제가 없는 것이 아니냐'라고 할 수 있는데, 이 이유보다는 바로 그 '개인적'인 감상이 볼 때마다는 아니더라도 분명 변할 수 있는 유동적인 것이기 때문이다. 나는 특히 좋아하는 영화는 극장에서 여러번 보기를 주저하지 않고, 나중에 DVD나 블루레이로 출시되면 구매해 시간 날 때마다 보는 것을 삶의 낙으로 생각하고 있기 때문에, 같은 영화를 여러 번 보게 되는 일이, 같은 영화를 여러 다른 시간대 (나이)에 보게 되는 경우가 잦은데, 이렇게 되면 바로 이 '개인적' 감상이 변하게 되는 경우가 상당히 많은 것이 사실이다.

예전에는 이해할 수 없던 영화가 어른이 되어, 혹은 세월을 갖은 뒤에야 이해할 수 있게 되어 전혀 다른 영화로 받아들여지는 경우도 있고, 그 반대로 당시의 추억만으로 공유하게 되는 (그러니까 영화적인 재미보다는 그 외적인 내용으로 간직하게 되는) 작품도 생겨나게 되며, 인생의 어떤 일들을 겪고 겪지 않음에 따라 그 작품이 갖고 있는 이야기를 공감하기도 그렇지 못하기도 하기 때문이다. 실제로 그런 영화들을 여럿 겪었었다. 어떤 사건을 겪기 전에는 그냥 영화 속 주인공의 이야기일 뿐이던 어떤 영화는, 비슷한 일을 겪게 된 뒤엔 더이상 주인공이 주인공만으로 받아들여지지 않아 두 번 다시 보기 힘든 영화가 되었으며, 쓰기 위해 봐야만 했던 어떤 영화를 아무런 부담없이 그냥 보게 되었을 땐 또 다른 영화가 된 경우도 많았다.

그렇기 때문에 별점이란 그 순간의 기록일 수 밖에는 없다. 그런데 이 기억은 당시의 내 심정을 반영하는 '기억'으로 존재하기보단 오히려 이 작품에 대한 또 다른 '선입견'으로 남게 되는 경우가 더 많았다. 즉, 예전에 만점을 주었던 영화를 다시 보게 된다면 무의식적으로 '이건 만점짜리 영화야'가 인셉션 되기 때문에, 불가능에 가까운 백지 상태는 아니더라도 이미 어떤 확실한 평가 기준으로 가지고 보기 때문에, 당시의 선택이 맞았나, 틀렸나에 오히려 집중하게 될 공산이 크다는 것이다. 물론 별점을 주지 않았다 하더라도 영화에 대한 대부분의 정보는 뇌리에 남아있기 때문에 선입견이 전혀 없기는 어려울 것이다. 하지만 분명 별점은 이런 것에 있어 확실한 잣대로 남게 되어 있다.

그래서 예전에도 한 번 별점주기를 포기했던 적이 있었다. 사실 말을 매번 그렇게 했으면서 리뷰 말미에는 계속 점수를 표기하는 것이 못내 마음에 걸렸었던 차에 주저없이 포기했었다. 하지만 그리고나서 내 글을 자주 읽어주시던 분들이 '글도 좋지만 별점이 어떤 기준점이 되었었는데 아쉽다'라는 의견이 제법 있었던 터라, 당시에는 독자를 위해 다시금 별점주기를 곧 부활했었다. 하지만 (이것은 독자에 대한 무시는 절대 아니다) 결국 글은 개인적인 것이고, 영화 역시 개인적인 것이며, 내가 내키는 글을 그나마 써내려가야 오히려 읽게 될 누군가에게 더욱 떳떳한 글이라는 사실을 새삼 다시 떠올리게 되었다. 나는 정성일 평론가처럼 '점수주기는 전혀 의미없다'라고 확언할 만큼의 절대적 기준은 갖고 있지 않다. 누군가에게는 여전히 소중한 기준점이 될 것이며, 자신의 글을 마무리 하는 좋은 재료임은 물론, 오히려 긴 글보다 더 확실한 표현방법으로 남게 될 것이다. 

하지만 나는 오늘 다시금 이 영화나 음악에 대한 별점 주기를 그만 두기로 했다 (글에는 언급하지 않았지만 음악 역시 영화와 다를 바 없이 같은 이유다). 예전에 작성한 글들의 별점들을 모두 지워버릴 수는 없겠지만 적어도 오늘부터 새롭게 쓰게 되는 글들에 대해서는 점수 주기의 평가는 하지 않으려 한다. 또 한 번의 번복은 없길 바라는 마음에서 써본 글.



2010.08.19. pm. 01:07
글 / 아쉬타카 



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액션 블록버스터 그리스 신화

1981년작 ‘타이탄 족의 멸망 (Clash of the Titans)’를 원작으로 한 루이스 리터리어 감독의 동명 신작 ‘타이탄’은 제목과 원작에서 알 수 있듯 대중들에게 익숙한 그리스 신화를 배경으로 하고 있는 작품이다. 허나 개봉은 물론 블루레이 역시 비슷한 시기에 출시된 ‘퍼시잭슨과 번개도둑’의 경우처럼, 그리스 신화의 기본 설정과 줄거리를 갖고 있긴 하지만, 불필요하다고 생각되는 과감하게 생략하거나 혹은 기본 설정에만 충실한 채 이야기는 거의 새롭게 써 내려간 방식의 작품이라고 할 수 있겠다. 그러니까 ‘퍼시잭슨…’의 경우나 이 작품에게서 그리스 신화의 진수를 얻어내려는 것은 아무래도 무리가 있다는 이야기다. 즉, 에픽(Epic)을 기대하지 않는다면 루이스 리터리어의 ‘타이탄’은 무척 재미있는 액션 블록버스터로 편하게 받아들일 수 있게 된다.




‘타이탄’에는 그리스 신화의 익숙한 이야기들과 캐릭터들이 가득 등장한다. 제우스, 하데스, 포세이돈 등 신들의 이야기나 주인공이라 할 수 있는 페르세우스의 이야기까지. 많은 부분이 생략되어 있고 빠른 전개로 진행되는 방식이지만 이런 방식이 크게 불편하지 않은 이유는, 이미 우리에게 너무 익숙한 신화를 넓은 의미에서 배경으로 삼고 있기 때문이다. 확실히 감독인 루이스 리터리어와 스튜디오인 워너브라더스가 - 스튜디오를 특별히 따로 언급한 이유는 이후 서플먼트를 리뷰할 때 자세히 설명하도록 하겠다 - 원한 방향은 거대한 의도를 가지고 신화를 재해석한다거나 혹은 원작을 단순히 블록버스터로 리메이크하는 것보다는, 익숙한 재료들을 가지고 러닝타임 내내 관객들을 흥미롭게 만들 대중적 입맛의 요리를 만드는 것이었다.




'타이탄’은 주인공 페르세우스를 중심으로 한 데미갓이자 인간으로서의 이야기와 제우스와 하데스 간에 벌이는 올림푸스의 권력 다툼의 이야기, 이렇게 크게 두 줄기의 이야기가 만나고 헤어지기를 반복하고 있다고 볼 수 있다. 사실 볼거리와 액션에 초점을 맞추고 있는 이 작품에서 조금은 부족한 캐릭터 간의 갈등 관계를 보완해주는 것은 이들을 연기한 배우들의 공이라고 할 수 있겠다. 특히 제우스 역의 리암 니슨과 하데스 역을 맡은 랄프 파인즈 같은 경우는, 둘 모두 비슷한 캐릭터를 한 번쯤 맡았던 터라 - 리암 니슨은 넓게 보면 ‘스타워즈’ 시리즈의 콰이곤 진 같은 마스터 역할들의 인상과 가깝게는 ‘나니아 연대기’ 시리즈의 ‘아슬란’의 목소리 연기가, 랄프 파인즈의 경우는 역시 ‘해리포터’ 시리즈의 볼드 모트를 들 수 있겠다 - 익숙함 마저 드는 설정이라고도 볼 수 있겠는데, 이 둘의 그럴싸한(?) 연기는 확실히 ‘타이탄’이라는 제목과 신화라는 설정에 걸 맞는 무게 감을 제공하고 있다.





원작과는 다른 각색과 블록버스터 다운 볼거리에 초점을 맞춘 ‘타이탄’은 전 세계 팬들에게도 좋은 반응을 얻으며 흥행 측면에서도 성공을 거두었다. 이런 흥행 성적은 곧바로 속편의 제작 소식으로 빠르게 전달되었는데, 참고로 2012년 봄에 선보일 예정인 속편은 주인공을 연기했던 셈 워딩턴이 그대로 출연할 예정이며, 감독은 아직 확정이 되지 않은 상태다.



Blu-ray : Menu





Blu-ray : Picture Quality

‘타이탄’은 극장에서 디지털 상영으로 감상했을 때부터 블루레일의 화질이 기대되었던 작품 중 하나였다. 기대와 걱정이 동시에 되는 부분이라면, 작품의 특성상 많은 컴퓨터 그래픽과 그린 스크린이 동원된 세트 촬영분과 로케이션에서 촬영된 부분과의 화질 차이, 그리고 로케이션에서 촬영된 장면이라 할지라도 CG가 많이 사용된 장면일 경우, 좀 더 확연한 차이를 발견하기 쉬운 차세대 화질의 블루레이로 감상했을 때 그 결과물이 어떨 것인가가 관건이었는데, 일단 결론부터 이야기하자면 극장에서 느꼈던 이질감이 거의 느껴지지 않는 부드러운 조화와 날카로운 선예도가 공존하는 우수한 화질이었다.

▼ 이하 4장의 스크린샷은 클릭하면 원본 크기로 보실 수 있습니다







CG로 이루어져 있는 장면들의 표현이야 말할 것도 없고 - 첫 번째 스크린 샷 - 세 번째와 네 번째 스크린 샷 처럼 배경과 인물의 표현이 모두 우수한 가운데, 사물의 선예도가 높은 편이라 좀 더 우수한 화질의 효과를 만끽할 수 있다. 이런 측면은 역시 따듯한 색 온도를 배경으로 한 장면보다는 차가운 색 온도의 장면에서 좀 더 효과적으로 드러난다. 극장에서 디지털 상영으로 관람 시 가장 큰 이질감이 느껴진 장면이 바로 두 번째 스크린 샷의 장면이었는데, 배 위의 인물과 마른 번개가 치는 바다 배경의 이질감이 너무 커 마치 그림을 두고 촬영한 듯했던 이 장면의 느낌은 오히려 블루레이 쪽이 나은 편이다.





‘타이탄’은 몇 가지 다른 환경(색감과 색 온도)에서 각각 화질을 확인해볼 수 있는 장면들이 등장하는데, 올림포스 신전의 경우처럼 아주 밝은 조명과 거대한 구조물들 사이에 빛나는 갑옷을 입은 캐릭터들을 만날 수 있는 장면이 있는가 하면, 아르고스나 메두사의 소굴처럼 전체적으로 브라운 톤의 색감과 더불어 어두운 조명으로 이뤄진 장면도 있고, 메두사의 굴 앞의 풍경처럼 그레이 톤으로 이뤄진 장면들도 확인할 수 있다. 이들 각각의 장면에서 화질의 우수성이 어떻게 표현되는지, 각각의 환경에서 화질의 어떤 점들이 부각되는지를 확인해보는 것도 블루레이를 즐기는 좋은 방법이 될 듯 하다.



Blu-ray : Sound Quality

DTS-HD M.A 5.1채널의 사운드 역시 레퍼런스라 부를 만한 만족스런 음질을 수록하고 있다. 두말 하면 잔소리. ‘타이탄’의 사운드가 만족스러운 것은 역시 이를 제대로 활용할 만한 장면들이 여럿 존재하기 때문이다. 액션 시퀀스마다 특성 있는 캐릭터가 등장하는 덕에 각각 다른 종류의 사운드를 체크해볼 수 있는 것 또한 ‘타이탄’ 블루레이 만의 장점이라고 할 수 있다.





거대 전갈들과 사막에서 전투를 벌이는 장면이 첫 번째 체크 포인트라고 볼 수 있을 텐데 ? 물론 그 이전에 거대 제우스 동상이 무너지는 장면을 비롯해, 사운드를 체크해볼 만한 장면이 없는 것은 아니다 ? 이리저리 캐릭터들을 휘감아 오는 전갈의 움직임은 멀티 채널을 통해 공간감 있게 전달되며, 각종 타격 음과 부서질 때 생기는 파열음, 찌르고 터져 나오는 효과음들 역시 실감나게 전달된다. 메두사가 등장하는 시퀀스의 경우 특히 사운드의 공간감이 중요한 시퀀스라고 볼 수 있을 텐데, 멀지 않은 곳에서 허공으로 터져 나오는 메두사의 웃음 소리나 기둥들을 휘감는 거대한 꼬리 같은 몸의 움직임이 발생시키는 사운드 역시, 그 미끄러짐의 효과음마저 확인할 수 있다.





하지만 뭐니뭐니해도 애초부터 사운드 측면에서 가장 기대되었던 장면은 하이라이트라 할 수 있는 크라켄의 등장장면이라고 할 수 있을 텐데, 잔뜩 기대했음에도 크라켄이 맘껏 괴성을 질러버릴(?) 때는 나도 모르게 우퍼 스피커의 울림에 못 이겨 스피커의 볼륨을 줄이게 될 정도였다. 확실히 영상 측면 만큼이나 장면의 거대함, 등장하는 캐릭터의 거대함이 사운드 디자인에도 고스란히 묻어난 장면이라고 볼 수 있겠다.

Blu-ray : Special Features


일단 ‘타이탄’ 블루레이의 부가영상으로는 PIP 기능을 통해 ‘WB Maximum Movie Mode’가 제공된다. 다양한 내용들이 담겼지만 많은 PIP 수록 부가영상 들이 그러하듯이 한국어 자막이 지원되지 않는 점은 아쉬움으로 남는다. PIP로 제공되는 부가영상 외에 ‘Focus Points’라는 제목의 촬영장의 뒤 이야기도 만나볼 수 있는데, 많은 배우들의 촬영장 모습은 물론 크라켄의 탄생 과정, 특수 분장, 시각 효과에 대한 스텝들과 배우들의 인터뷰, 관련 자료들을 확인할 수 있다. ‘WB Maximum Movie Mode’과´마찬가지로 한국어 자막이 지원되지 않는다.




그 다음 만나보게 되는 부가영상은 ‘Sam Worthington: An Action Hero for the Ages’라는 제목에서 알 수 있듯, 주연을 맡은 샘 워딩턴의 이른바 ‘고생기’ 라고 볼 수 있을 텐데, ‘맷 데이먼은 제이슨 본을 거의 대역 없이 다 연기했잖아요’라는 말과 함께 거의 모든 장면을 대역 없이 고난도의 스턴트 장면 역시 소화했던 장면들과 소감을 들려준다.





배우들이 가장 힘겨워 하는 촬영이라 할 수 있는 와이어 촬영을 천정에 거꾸로 매달린 채로 거의 하루 종일 촬영에 직접 임하는 등, 스턴트 스텝들이 모두 칭찬하는 것처럼 타고난 액션 배우임을 ? 하지만 본인은 가장 힘든 영화였다고 고백하기도 ? 보여주는 부가영상이 아닐까 싶다. ‘아바타’와 ‘터미네이터 4’에 잇달아 주인공으로 캐스팅 되며 단숨에 주목 받는 배우로 떠오른 그지만, 부가영상으로 슬쩍 확인해본 것 만으로도 그가 작품에 임하는 성실한 자세를 엿볼 수 있었다.





극장 판의 엔딩 과는 다른 ‘Alternate Ending'이야말로 DVD나 블루레이 만의 재미라고 볼 수 있을 텐데, ‘타이탄’ 블루레이 역시 본편에서는 볼 수 없었던 ‘또 다른 엔딩’을 수록하고 있다. 개인에 따라 극장 판의 엔딩이 더 마음에 들 수도, 블루레이에 수록된 또 다른 엔딩이 마음에 들 수도 있겠으나, 따지고 보면 감독의 본래 의도는 또 다른 엔딩 쪽이 더 가까운 것이 아닌가 싶다.




앞서 스튜디오가 아마도 이런 방향성을 가졌던 듯 싶다라는 이야기를 했었는데, 영화가 개봉한 뒤 나중에 알려진 사실이지만 본래 감독인 루이스 리터리어가 연출하려던 ‘타이탄’은 우리가 극장에서 본 버전과는 조금 방향이 틀린 버전이었다. 특히 극장 판을 보면 약간 의아할 정도로 올림푸스의 제우스와 하데스를 제외한 다른 신들의 비중이 없는 것을 확인할 수 있는데, 사실 감독의 애초부터 만들려던 작품에는 이 신들의 이야기가 비중 있게 실릴 예정이었다. 또한 페르세우스가 안드로메다 공주를 구해야만 하는 이유 역시 설득력이 부족한 부분이고, 제우스와의 관계와 마무리도 조금 어색한 감이 있는데, 이는 본래 감독의 의도와는 사뭇 다른 스튜디오의 방향성이 담긴 결과라고 볼 수 있을 듯 하다.




그 가운데 가장 많은 손해를 본 캐릭터는 다름 아닌 아폴로 였다. 극장 판에서 아폴로는 그저 멀뚱하게 서 있는 다른 신들과 마찬가지로 별다른 활약상이 없는데, 블루레이의 삭제 장면에 수록된 내용들을 보면 유독 아폴로가 등장하는 장면들이 많은 것을 확인할 수 있다. 삭제 장면에 등장하는 아폴로는 제우스와의 관계는 물론 하데스와 다른 신들을 배반하고 결국에는 이복 형제인 페르세우스를 돕게 되는 것의 단초가 되는 장면들도 확인할 수 있다. 극장 판에서는 제우스가 페르세우스 앞에 나타나 죽음의 강을 건널 금화를 전달해 도움을 주는 것으로 나와있지만, 감독이 본래 의도가 담긴 삭제 장면에서는 제우스가 아닌 아폴로가 페르세우스에게 금화를 전달하고 있다. 이 밖에도 만약 감독의 의도대로 그려졌다면 훨씬 더 중요한 캐릭터가 되었을 아폴로에 관한 이야기는, 삭제 장면을 통해서만 확인할 수 있다.



[총평] 루이스 리터리어의 ‘타이탄’은 익숙하면서도 여전히 흥미로운 그리스 신화의 이야기들을 배경으로, 부담 없이 즐길 만한 이야기와 스케일 있는 액션을 풀어낸 블록버스터라 할 수 있겠다. 블루레이 타이틀의 경우 레퍼런스에 가까운 화질과 음질은 물론이요, 극장에서는 볼 수 없었던 ‘또 다른 엔딩’은 물론, 감독이 본래 의도했었던 영화의 내용이 가득 담겨있는, 어쩌면 ‘진짜’ 타이탄 일지 모를 삭제 장면이 수록되어 있어 더욱 소장가치가 높다고 할 수 있겠다.

 

글 | 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)



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악마를 보았다 (I Saw The Devil, 2010)
악마를 본 자의 대답


비가 추적추적 내리길 오락가락하던 지난 13일의 금요일. 우연치 않게 이 날에 딱 들어맞는 영화 한 편을 보았으니 바로 김지운 감독의 신작 '악마를 보았다'였다. 박찬욱, 봉준호 등과 함께 국내 감독 중 신작을 낼 때마다 기대를 갖게 하는 감독 중 한 명이라고 할 수 있을텐데, 개인적으로는 그의 이전 작품들을 앞서 언급한 감독들의 전작들과 비교했을 때, 널 뛰듯 만족스러움의 정도가 각각 달랐고 느끼는 완성도의 차이도 그러했다. 그의 전작들에게서 느껴지는 첫 번째 감정이라면 무언가 조금 부족한 듯한 느낌이라고 할 수 있을텐데, 그래서 항상 기대는 갖게 하지만 막상 결과물을 보고나면 또 허전함을 느끼게 되곤 했던 것 같다. 그러다 제한 상영판정과 삭제 뒤 개봉 등으로 화제가 된 그의 신작 '악마를 보았다'를 보았다. 결론부터 이야기하자면 '악마를 보았다'에서는 김지운 감독의 전작들에서 느껴지던 그 부족함이 거의 느껴지지 않았을 정도로 만족스러운 작품이었다. 누군가에게는 과잉으로, 또 누군가에게는 의미없는 이야기로 받아들여졌을지도 모르지만, 나에게는 '그렇게 의미없지 않은' 이야기로서 깊은 인상을 남겼다.


(이하 영화에 대한 스포일러가 있을 수 있습니다)


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사실 '악마를 보았다'라는 제목과 이병헌, 최민식이라는 두배우 그리고 분위기를 암시하는 포스터의 문구와 배치 등을 통해 대략적으로 이 영화가 단순히 악마같은 상대와 주인공의 대결 구도가 아닌, 관객에게 누가 악마인지를 묻는 다던가, 혹은 악마를 상대하기 위해 더한 악마가 되어가는 일반적인 구조로 쉽게 예상할 수 있었다. 사실 어떤 측면에서보면 이 영화는 포스터의 홍보문구처럼 분명 '광기의 대결'이자 '복수의 두 얼굴'이라고 볼 수 있으나 내가 본 시점은 오히려 악마와 그렇지 않은 사람의 일방적인 구조로 받아들여졌다. 즉, 악마는 최민식이 연기한 '장경철'이고 그를 본 사람은 이병헌이 연기한 '김수현'인 것이다. 영화는 일단 '악마'로 불리는 장경철의 캐릭터를 관객에게 설명한다. 대부분 이런 사이코패스에 가까운 캐릭터를 그리는 방식처럼, 장경철 역시 악마적인 행동들을 먼저 보여준 뒤 그가 어떤 개인적 삶을 살아왔는지에 대해서는 나중에 천천히 알려준다 (물론 이 영화는 장경철의 캐릭터에 대한 연민이 사실상 없기 때문에 개인사를 묘사함에 있어 이런 여지를 두지 않고 있다). 

그와 반대로 김수현을 설명하는 방식은 그가 국정원의 요원임에도 이 특수한 사실보다는 오히려 평범한 한 여인의 애인이라는 사실을 부각시킨다. 다시 말해 그가 국정원 요원이라는 배경 설정은 있으면 이야기에 큰 도움이 되지만 (캡슐로된 GPS를 획득할 수 있는 것이나 강력계 형사 여럿을 무기력하게 만들 정도의 격투실력) 반대로 말하면 요원이 아니더라도 이야기를 충분히 끌어갈 수 있는 부분이라는 점이다 (똑같은 예로 들자면 캡슐 GPS는 암시장을 통해 구하고, 본래 격투에 능하다고 설정하거나 다른 방법으로 장경철을 압도하는 것으로 설정해도 충분히 가능하다는 이야기다). 다시 말해 영화는 애초부터 악마가 또 다른 악마를 상대한다는 이야기가 아니라 평범한 사람이 악마를 만나게 되었을 때의 이야기를 하려한다. 보통 이런 이야기는 평범한 사람도 악마가 되어버리는 것에 집중하지만, 김지운의 '악마를 보았다'는 그 제목처럼 '보았다'는 것에 포커스를 맞추고 악마가 되어가는 듯 하지만 결국 아무것도 바꾸지 못했던 한 평범한 남자의 이야기를 하고자 했던 것이다.

개인적으로 김지운 감독의 작품들은 항상 미장센은 돋보이지만 전체적인 느낌은 굴곡이 있다고 여겼었는데, 개인적으로는 '악마를 보았다'에 와서야 미장센이 그저 보기 좋은 그림으로만 활용되지 않는다는 느낌을 받을 수 있었다. 공간에 미적인 매력만이 아니라 영화의 감성과 분위기를 담아낸 좋은 결과물로 느껴졌으며, 장면을 그리는 방법 역시 작정하고 만든 느낌을 받을 수 있었다. 마치 수현의 '이제 시작인데' 라는 대사처럼 하고자 하는 이야기를 끝까지 밀어 붙이고 있다는 느낌이 들어, 기존의 느껴졌던 아쉬움이 훨씬 덜했다. 


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수현은 처음부터 지독한 복수를 결심한다. 그냥 총을 구해 한 방에 죽음으로 이끄는 방식이 아닌, 그리고 무엇보다 단 한번의 고통으로 끝내는 것이 아닌 지속적이고 상대가 공포에 벌벌 떨게 만들 복수를 구상한다. 그래서 장경철을 흠씬 두들겨 패고 난 뒤 풀어주고, 또 그가 나쁜 짓을 저지르려고 하면 나타나 몸을 부숴트리고 또 놔주기를 반복한다. 장경철의 친구인 태주가 이야기했던 것처럼 '사냥하는 듯' 보이기도 한다. 하지만 만약 김지운 감독이 정말 복수를 위해 사냥을 즐기게 까지 되는 한 남자의 이야기를 그리려 했다면 좀 더 그럴 듯한 설정이 있었어야 했을 것이다. 필요 이상의 폭력이나 간섭으로 일을 그르친다거나 확대시키는 실수를 저지르게 되는 구성이 있었다면, 정말 악마에게 복수하기 위해 더한 악마가 되어가는 흐름에 따라가게 되었겠지만, 이 영화에는 그런 흐름은 없다. 

수현은 치밀하고 무엇보다 복수의 뜨거움보다는 차가운 머리를 갖고 있기 때문에, 더 큰 고통을 주기 위해서 딱 필요 만큼의 고통만 주고 풀어주는 것에 계속 성공한다. 마지막에 한번 실수 하지만 (사실 이 실수도 그의 부하 요원이 경철이 잠든 줄 알고 했던 말을 경철이 들었던 것이 크게 작용했다고 봐야겠다), 그 이후에도 재빨리 상황을 수습한 뒤 '니 말대로 너를 과소평가 했던 것 같다'라고 말하며 본인이 준비한 복수의 마지막을 치뤄내는 것을 보면, 이는 분명 '악마' 그 자체가 되는 것보다는 악마에게 복수하기 위한 차가운 감정이 더 컸다고 볼 수 있을 것이다.



ⓒ 페퍼민트앤컴퍼니. All rights reserved


(영화 '세븐'에 대한 스포일러가 있습니다)


그래서 영화의 마지막, 자신의 방식대로 복수를 성공한 수현의 오열은 이 영화를 그대로 보여주는 훌륭한 엔딩이라 할 수 있겠다. 이 오열에는 많은 것들이 담겨있다. 첫 째로 약혼자를 처참한 죽음으로 잃게 된 슬픔과 자신의 복수 때문에 역시 처첨한 고통을 당한 장인어른과 처제에 대한 미안함과 후회가 있을 것이다. 그리고 또 다른 감정이라면 복수를 하기 위해 스스로도 악마처럼 변해버린 모습 (장경철에게만 복수를 행하는 것이 아니라 그와 전혀 상관없는 가족들에게 똑같이 고통을 돌려주는 방식을 택한 것)과 이제는 절대 그 전으로 돌아갈 수 없게 되버린 것에 대한 후회도 담겨 있다. 하지만 여기에서 느껴지는 또 다른 감정이라면 이 '악마'를 잡기 위해 자신이 예상한대로, 원했던 방법으로 모두 복수를 행했음에도 결국 아무것도 나아지지 않았다는 자괴감과 여기서 오는 진정한 공포를 들 수 있을 것이다.

개인적으로는 이 영화가 택한 이 마지막이 참 마음에 들었다. 이런 구조의 이야기가 갖는 마지막에는 몇 가지 선택의 옵션이 있는데, 하나는 대부분의 '착한' 영화들처럼 주인공이 마지막에 악마를 죽음으로 응징하지 않고 법의 잣대로 판결하게 되는 것이고 (대부분 이런 이야기의 경우 주인공이 경찰인 경우가 많다), 다른 하나는 마치 '세븐'의 경우처럼 법이 아닌 죽음으로 응징하였으나 이것조차 악마의 의도였다는 것 때문에 더 황량한 느낌을 갖게 되는 경우를 들 수 있겠다. 전자의 경우는 주인공과 한 편이 되어  '법대로 처리하지 말고 저 악마를 그냥 죽여버려'라는 내 안의 악마성을 드러내게 되고, 후자의 경우는 그런 악마성의 결과물로서 황폐함을 얻게 된다고 볼 수 있는데, '악마를 보았다'는 후자와 비슷한 듯 하지만 조금 다른 결말을 택했다고 볼 수 있겠다.

언급한 '세븐'과는 다르게 영화 속 장경철의 죽음은 그가 스스로 계획한 것이 아니라 모두 수현이 계획한 것 그대로였다. 즉, '세븐'의 브래드 피트는 제 손으로 악마를 제거하고서도 결국 악마의 손에 놀아난 것에 대한 후회와 이겨내지 못한 자괴감에 빠져들었다면, '악마를 보았다'의 수현의 경우는 자신이 원하는대로 복수를 다 행했음에도 어쩌면 처음부터 알고 있었던, 그러니까 내가 원하는대로 복수를 다 이룬다 한들 무엇을 바꿀 수 있을까 라는 생각을 다시 한번 확인하게 되고, 그걸 알면서도 그럴 수 밖에는 없었던 자신과 이 상황에 대한 공포가 서린 오열이었다고 말할 수 있는 것이다. 개인적으로 이 영화가 보여준 가장 큰 메시지는 이것이라고 생각된다. 끝을 알면서도 갈 수 밖에는 없었던 주인공이 그 끝을 만났을 때 예상했음에도 겪게 되는 공포 말이다. 


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제한 상영판정 논란과 더불어 고어한 표현에 대해서도 의견이 엇갈리고 있는데, 일단 극장에서 본 '악마를 보았다'의 고어 수준은 분명 일반 관객에게 있어 (고어 영화를 즐기는 팬들이 아닌)서는 '고어'라 부를 만한 수위의 것이었다. 매번 변하는 등급위원회의 평가 잣대 때문에 이번 제한 상영판정 논란은 '도대체 얼마나 고어하길래?'하는 다른 감상 포인트를 일부에게 제공하고야 말았는데, 물론 '호스텔' 등을 비롯한 고어 영화들에 비해서는 그 수준이 심심한 것도 사실이나, 스타 감독과 배우들이 출연하는 국내 영화에서 표현된 수준으로는 분명 고어한 수준이 맞다고 할 수 있을 것이다(사실 '이 정도가 뭐가 고어냐?'라는 논란은 전혀 의미가 없다. 이 영화의 핵심은 고어 자체가 아니기 때문이다).

'악마를 보았다'에 담긴 고어한 장면들이 중요한 이유는, 다른 영화에서는 굳이 보여주지 않으려 했던 장면들을 굳이 보여주었다는 것을 들 수 있겠다. 그냥 안보이는 것으로 처리하거나, 소리나 효과로만 처리할 수도 있고, 컷 전환을 통해 결과만 알려주어도 될 것을, 이 영화는 굳이 여러 차례 내리치는 장면이라던가 찢어지는 입가를 그대로 보여주고, 터져나오고 뭉게지는 신체를 그대로 보여준다. 이것은 이 장면을 통해 메시지를 전달하려는 의도가 더 크기 때문이다. 가학적이고 공포스러운 표현과 장면들을 통해 영화는, 과연 이 복수가 성공한 것인가 아닌가를 선택하게 만드는 것 대신에 마지막의 오열과 더불어, '이 복수는 처음부터 성공할 수 없었다' 그리고 '악마에게는 복수를 성공할 수 없다'라는 것을 이야기하려 했는지도 모르겠다. 

이것은 현실과도 맞닿아 있다. 요즘은 뉴스에서 이 보다도 더한 충격적이고 공포스러운 뉴스들을 접하게 된다. 만약 그것이 내 가족, 내 약혼자의 이야기였다면 누구든지 마음만은 영화 속 수현과 같았을 것이고, 그 중 몇은 수현처럼 복수를 결심하게 될지도 모른다. 하지만 영화는 이미 그런 일을 겪은 한 남자, 즉 악마를 본 남자의 대답을 들려준다. 여기서 아이러니하면서 공포스러운 점은, 영화 속 수현처럼 이 대답을 충실히 들은 관객이라 할지라도 똑같은 상황에 닥친다면 수현처럼 끝을 알면서도 이 길을 택할 수 밖에는 없을 지도 모른다는 점이다. 



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1. 극장에 관객들이 정말 견디기 어려워하더군요. 이 끔찍한 현실에서 벗어나고픈, 그래서 극중 수현에게 '그냥 차라리 빨리 끝내'라고 소리내어 말하는 분도 계셨던 것 같구요. 이런 몰입을 줄 수 있다면 그것만으로도 성공한 작품이라고 생각해요.

2. 장경철의 학원버스 안 그 천사날개 조명도 인상적이었어요. 이 조명이 처음에는 악마의 눈처럼 보인다는게 흥미로웠죠.

3. 가제였던 '아열대의 밤'이나 '사냥꾼의 밤'보다 '악마를 보았다'가 더 좋은 것 같아요. 만약 이 제목을 쓰지 않았다면 아마 저를 비롯한 많은 분들이 글의 부제목으로라도 이 제목을 자연스레 썼었을 것 같아요 ^^;




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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눈물나는 그 장면 #3 _ 그랜 토리노
(Gran Torino)

'눈물나는 그 장면' 그 세 번째 작품은, 클린트 이스트우드의 작품 '그랜 토리노' 입니다. 대부분은 극장에서 영화를 보고 오면 그 날이나 며칠 안에 리뷰를 쓰게 마련인데, 몇몇 작품은 워낙에 작품에 압도되고 도저히 부족한 글로서 표현하기 부담스러워 끝내 글을 쓰지 못하는 경우가 있죠. 저에게는 알레한드로 곤잘레스 이냐리투의 '바벨'이 그랬고, 바로 이 작품 '그랜 토리노'가 그랬죠. 너무 인상적인 작품이었는데 뭐라고 글로 정리하는 것 자체가 어렵고, 부담스럽고, 힘들고 그러더군요. '그랜 토리노'는 중간 중간 슬프고 눈물 나기 보다는 단 한 번에 몰아서 눈물이 터져나오는 영화였죠. 그래서 가장 눈물나는 그 장면은 바로....



 
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마지막 엔딩 크래딧이 나오던 순간이었어요. 진짜 이 마지막 장면과 클린트 이스트우드가 직접 부른 노래 '그랜 토리노'가 흐르던 순간, 얼마나 눈물을 주룩주룩 흘렸는지 모를 정도로 주체하기 어려울 정도의 눈물을 계속 흘렸었죠 ㅠㅠ 이 작품은 단순히 '그랜 토리노'만으로 평가하기 보다는 감독이자 배우인 클린트 이스트우드의 커리어가 모두 주마등처럼 스쳐지나가 더욱 슬펐던 작품이었는데, 별다른 감정적 자극없이 이렇게 풍경을 비추는 엔딩 만으로도 이렇게 눈물나게 될 줄은 정말 몰랐더랬죠. 지금도 이 장면만 보면 마치 영화 한 편을 다 본 것처럼 눈시울이 붉어질 정도에요 ㅠ 한 명의 배우가 자신의 커리어를 이렇게 마무리할 수 있다는 것 자체가 얼마나 눈물 나게 멋진 일인지가 영화의 이야기가 겹쳐져 더욱 눈물이 났던 것 같네요.



글 | 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 


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글 : 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

빠른 전개의 소년 그리스 신화

많은 사람들이 의외로 ‘피터 잭슨과 번개도둑’으로 잘못 알고 있는 크리스 콜럼버스의 ‘퍼시 잭슨과 번개도둑 (Percy Jackson & The Lightning Thief)’ (이하 ‘퍼시 잭슨’)은 우리에게 너무도 익숙한 그리스 신화를 21세기의 소년/소녀를 주인공으로 가져온 현대판 성장 판타지이다. 일단 ‘퍼시 잭슨’은 그리스 신화를 현대판으로 가져왔다는 점 때문에 호불호가 나뉘게 되었는데, 익숙한 그리스 신화의 내용과 설정을 21세기의 소년, 소녀의 현대판 이야기로 가져와 핵심적인 내용만 흥미롭게 전달한 점이 마음에 들었다는 이들이 있는 한편, 설정을 그대로 가져온 터라 각색의 묘미를 느끼기 어려웠다는 다른 한 편으로 평가가 나뉘기도 했다.





또 하나 ‘퍼시 잭슨’만의 장점이자 단점을 꼽으라면 바로 빠른 - 무척이나 빠른 - 전개를 들 수 있겠다. 단점이라면 너무 빠른 전개 탓에 주인공에 공감할 여지가 부족하고, 각 사건들과 캐릭터들의 인과관계가 깊이 보다는 사실 확인 정도에만 주력하고 있다는 점이겠고, 장점이라면 이미 너무 익숙한 이야기이기 때문에 굳이 곁가지를 만들기 보다는 군더더기 없는 구성과 스피디한 전개로 어린이를 비롯한 10대 팬들에게 더 어필 할만한 작품이 되었다는 점을 들 수 있겠다.

만약 이 영화를 좀 더 시리즈 물의 성격에 가깝게 연출하려고 했다면 충분히 그러고도 남을 만한 구성 요소를 갖추고 있는데, 아마 그랬다면 주인공인 퍼시 잭슨이 자신이 ‘데미갓 (신과 인간 사이에서 나은 아이들)’임을 아는 데만 1시간은 할애할 수 있었을 것이다. 그런데 크리스 콜럼버스는 정말 불필요한 요소들은 다 걷어내고 - 보는 이에 따라 필요한 요소도 조금 덜어내고 - 재미를 위한 요소들만 남긴 무겁지 않은 작품 쪽을 선택했다고 볼 수 있겠다.





하지만 다른 한 편으로는 처음부터 시리즈를 목표로 기획된 작품이라면, 크리스 콜럼버스라는 믿을 만한 감독에게 연출을 맡겼으니 좀 더 차근차근 성장 담을 풀어나가는 방식이었더라도 괜찮지 않았을까 하는 생각도 든다. 원작이 그리스 신화인 것처럼 각 캐릭터마다 이야기를 풀어내려고 맘만 먹는다면야 할 얘기는 무궁무진한 편이고, 이 이야기를 좀 더 성장 영화의 관점으로 풀어낸다면 또 다른 멋진 영화가 되지 않았을까 하는 생각도 들기 마련이다.

하지만 이 길은 한 편으론 너무 위험요소가 많고 험난한 여정이 되었을 것이 확실하다. 일단 해리포터의 아류라는 소리를 지금보다도 더 피하기 어려웠을 것이고, 정말 자신들이 하고 싶은 이야기의 반의 반도 보여주지 못한 채 - 마치 ‘황금 나침반’처럼 - 그저 잊혀져 가는 영화가 될 위험이 컸기 때문이다. 그래서 제작사인 폭스와 감독인 크리스 콜럼버스가 택한 방식은 영화화된 ‘퍼시 잭슨’ 처럼 메두사를 상대하는데 아이팟 터치를 사용하는 등 10대가 즐길 만한 재미있는 전개였고, 개인적으로도 이런 방향성에 동의하는 편이다.





극장에서 ‘퍼시 잭슨’을 보았을 때 가장 놀라웠던 점 중 하나는 바로 이 영화에 출연하고 있는 기가 막힌 출연진 때문이었는데, 스튜디오와 감독이 과연 어떻게 이런 배우들을 다 불러모을 수 있었을까 하는 생각이 절로 들 정도로 - 한 둘이 아니라서 더욱 그랬다 - 주연을 맡은 소년 소녀들은 신인 급이지만 조연을 맡은 성인 배우들의 면면은 그 이름만으로도 믿음이 느껴질 정도였다.

처음부터 모습을 드러내는 제우스 역의 숀 빈을 비롯하여 주인공의 엄마 역할로는 캐서린 키너, 메두사 역의 우마 서먼 그리고 피어스 브로스넌, 로자리오 도슨, 스티브 쿠건, 조 판톨리아노 까지, 마치 인디 영화에서나 만나볼 수 있을 법한 캐스팅은 이것만으로도 영화를 보는 또 하나의 흥미요소가 되었을 정도였다.

Blu-ray Menu





Blu-ray : Pictures Quality

화질은 최신작다운 우수한 퀄리티와 더불어 판타지 장르 특유의 화려한 영상미를 잘 표현해 내고 있다. 데미갓 이라는 설정 상의 특징이 있는 캐릭터들을 표현하려면 아무래도 CG가 실사와 밀접하게 어울리는 장면이 많을 수 밖에는 없었는데, 켄타우르스처럼 하체는 말의 형태를 상체는 사람의 모양을 하고 있는 캐릭터들의 표현 역시 블루레이로 보아도 어색함이 느껴지지 않는 모습이다. .

(아래의 이미지는 클릭하면 원본 사이즈로 보실 수 있습니다)






즉 배우들이 그린 스크린에서 보이지 않는 대상을 상대로 연기하고 있는 장면들의 합성된 완성물을 차세대 화질로 구현하는 데에 있어서도, 각각이 하나의 장면 속에 있다는 느낌이 덜해지지 않고 있다. 암부를 표현함에 있어서는 살짝 아쉬운 부분이 일부 느껴지기도 하는데, 이것은 블루레이의 화질의 부족함이라기 보다는 영상 자체의 디테일의 부족함이 느껴지는 부분으로서, 전체적으로 화질은 최신작에 걸 맞는 우수한 화질이라고 할 수 있겠다.

Blu-ray : Sound Quality

DTS-HD MA 5.1채널을 수록한 사운드 역시 레퍼러스에 가까운 우수한 음질을 들려주고 있다. 판타지 영화답게 다양한 효과음들과 액션 장면에서의 박진감 넘치는 사운드를 수록하고 있는데, 표현함에 있어서도 채널을 휘감는 공간감과 더불어 우퍼 스피커를 강하게 울리는 스코어와 효과음까지 만족할만한 사운드를 들려준다.





대사 전달도 물론 좋았지만 아무래도 액션 씬에서의 사운드가 더 인상적일 수 밖에는 없었는데, 히드라와의 대결 장면의 경우 히드라가 내뿜는 화염과 박진감 넘치는 스코어가 맞물려 극의 긴장도를 한층 더하고 있다. 물론 마지막 하이라이트라 할 수 있는 액션 시퀀스에서 역시 포세이돈의 아들만이 만들어낼 수 있는 거대한 물량의 물과 제우스의 번개가 등장하여 사운드 측면에서 역시 정점을 표현하고 있다.

Blu-ray : Special Features





‘삭제장면’ 에서는 초반 박물관에서 그루버와 관련된 짧은 에피소드와 의료 실에서 깨어날 때 본편과는 다르게 아나베스와 함께 있는 장면을 확인할 수 있고, 아프로디테의 딸들과 노는 그루버의 모습과 퍼시를 추격하는 메두사의 시퀀스 등이 수록되었다.




‘흥미 진진한 신들의 세계’에서는 제우스, 포세이돈 등 영화 속에서 비중 있게 그려진 신들 외에 아테나, 헬메스 등의 다른 신들에 대해서는 물론, 미노타우르스, 켄타우르스 같은 영화 속에 등장하는 신화 속 캐릭터와 사물들에 대한 부연설명 또한 수록되어 있다. 각 신들을 선택하면 영화 속 장면들을 배경으로 각각의 핵심적인 내용을 설명해주는데, 이 모두 자막 뿐 아니라 우리말 더빙까지 지원된다.




‘당신이 지닌 신의 능력을 찾아라 퀴즈’ 에서는 자신이 ‘데미갓’ 일지도 모른다는 가정하에 성향을 묻는 퀴즈가 진행된다. 각 질문에 따라 답변 내용을 기분을 나타내는 얼굴 표정을 클릭하는 것으로 제출 하게 되는데, 무엇을 선택하느냐에 따라서 어떤 가문에 어울리는지 결과를 각각 알려주게 된다.





‘데미갓 캠프’에서는 영화 속 액션 장면을 연기하기 위해 몇 달 간 검술을 익혔던 두 주연 배우의 연습 장면 및 인터뷰를 만나볼 수 있다. 전체적인 제작과정에 가까운 내용도 담고 있지만 그것보다는 제목처럼 기획 측면에서 비중 있게 제작된 ‘데미갓 캠프’에 한정하여 세트나 데미갓 캠프가 갖는 의의 등을 감독, 제작자, 배우의 인터뷰를 통해 들려준다.




‘브랜든 T.잭슨의 촬영장 안내’에서는 그로버 역의 ‘브랜든 T.잭슨’의 소개로 촬영장 곳곳을 좀 더 가깝게 만나볼 수 있다. 딱딱한 제작과정 소개보다는 영화 속 캐릭터 만큼이나 장난기 넘치는 브랜든 T.잭슨과 함께 촬영장의 모습들과 배우들의 인터뷰를 전달하는 방식으로서, 심각하지 않은 영화의 분위기처럼 제작과정 역시 이렇듯 부담 없이 즐길 수 있는 방식이 더 어울리는 편이다.



마지막으로 ‘데미갓과 만나다’에서는 부모 중 한 명은 인간, 다른 한 명은 신인 존재를 뜻하는 ‘데미갓’ 이라는 캐릭터를 중심으로, 영화 속 데미갓 들의 짧은 히스토리를 들려준다.

[총평] 크리스 콜럼버스의 ‘퍼시 잭슨과 번개도둑’은 큰 기대 없이 부담 없이 온 가족이 함께 즐길 만한 깔끔한 판타지 액션 영화라 할 수 있겠다. 블루레이 타이틀은 우수한 화질과 사운드 그리고 모두 HD 영상으로 제공되는 부가 영상을 수록한 덕에 만족스러운 편이다.


 

글 | 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)




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아저씨 (2010)
이야기를 스타일로 밀어붙이는 힘

설경구, 조한선 주연의 영화 '열혈남아'를 연출했던 이정범 감독의 신작 '아저씨'를 지난 주말 보았다. 원빈이라는 배우 못지 않게 아역 연기자인 김새론의 연기가 기대되었던 작품이었는데, 개인적으로는 오랜 만에 만나는 힘 있는 작품이랄까. 물로 그 힘이 '다크 나이트'의 경우처럼 이야기(메시지) 자체가 갖는 힘일 경우에 영화의 깊이나 인상은 더 오래남기 마련이지만, 이야기만큼이나 스타일이 중요한 영화도 있기 마련인데 이정범 감독의 '아저씨'는 이렇듯 이야기를 스타일로 밀어붙이는 힘만으로 끝까지 이끌어가는 구성을 갖추고 있다. 



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많은 이들이 지적하는 것처럼 '아저씨'의 내러티브는 상당히 헛점이 많은 편이다. 일반적으로 관객들에게 납치된 소미를 왜 '옆집 아저씨'인 차태식이 목숨 걸고 구해야하는지에 대해 공감을 주지 못했고, '본 시리즈' (얘기가 나왔으니 말인데, 요 몇년간 액션이 등장하는 영화에 대해 이야기할 때 '본' 시리즈에 대해 언급하지 않은 적이 거의 없는 것 같아 스스로도 지겨울 지경이다)와 비슷한 정말 특수한 요원이라는 점으로 미뤄보았을 때 '본' 같지 않은 짜임새가 여기저기 드러나는 것도 사실이다. 또한 전반적인 내러티브에 있어서도 이야기의 전개 과정에서 좀 더 부드럽지 못한 측면도 분명 존재한다. 

하지만 개인적으로는 '아저씨'가 보여주고 들려주고자 하는 바는 분명 '이야기'보다는 '스타일'과 '힘'에 있다고 생각된다. 분명 이정범 감독은 '레옹'이나 '테이큰' 등을 떠올렸을지도 모르겠지만 그 보다는 자신이 설정한 수트 차림의 요원 주인공이 끝까지 스타일리쉬한 장면들과 액션들을 펼치며, 끝까지 밀어 붙이는 작품을 상상하지 않았을까 싶다. 끝까지 검은 양복 차림으로 일관하는 주인공이나 현실적이기 보다는 멋스러움을 훨씬 강조한 액션 구성을 보면 이런 점을 더 확연히 느낄 수 있다 (그렇지 않다면 어떻게 전당포 아저씨가 저런 비쥬얼을 갖을 수 있단 말인가! 원빈을 캐스팅하고 그 얼굴을 가리기는 커녕, 얼굴에 온 각을 더 부각시킨 것만 봐도, '이건 비쥬얼과 스타일의 영화다'라고 말하고 있는 것이나 마찬가지다). 


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주인공 캐릭터를 묘사하는 방식 외에 장면과 액션을 구성하는 방식 역시 마찬가지다. '아저씨'를 보면 어떤 면에선 필요 이상으로 멋을 부리는 장면들이 존재한다. 비내리는 하늘을 배경으로 골프장 망 위로 떨어지는 원빈의 모습은, 남자인 나로서도 절로 '와, 이건 어떤 화보보다 아름다워 @@'라고 중얼거리게 될 정도로 허세마저 깃든 이미지 시퀀스나 마찬가지였는데, 개인적으로는 농담을 섞긴 했지만 이런 장면이 허세로 느껴지기 보다는 작품의 색깍을 더 확고히 하는 장치로 받아들일 수 있었다. 

액션 시퀀스 역시 마찬가지다. 짧은 동작들만 보자면 특수요원 출신인 제이슨 본 처럼(죄송;;) 실용적이만 파괴적인 격투를 구사한다기보다는, 다분히 보여주기 위주의 액션이 분명 존재한다. 그래서 제이슨 본 같은 특수 요원의 전문 액션과 격투기술을 기대했던 이들이라면 그것과는 거리가 먼 액션에 실망할 수도 있다 (여기에는 분명 그럴 것처럼 조장한 영화의 분위기도 한 몫 한다). 이런 스타일 액션에 정점을 보여주는 장면은 이 영화에서 가장 흥미로운 캐릭터라고 할 수 있는 '람로완' (타나용 웡트라쿨)과의 마지막 듀얼을 이야기할 수 있겠다. 이 장면에서는 마치 오우삼의 '영웅본색 2'에서 주윤발과 선글라스의 곱게 머리 빗어넘긴 그 킬러와의 대결 장면이 떠올랐는데, 앞선 1차 대결에 비하면 조금 싱겁게 끝나버린 것이 아쉬울 정도로 이 장면은 이 영화의 더 큰 하이라이트가 될 수도 있었던 장면이 아니었나 싶다. 


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스타일을 돋보이게 하는 것 중 또 하나 빼놓을 수 없는 것은 바로 미술이다. 위의 스틸컷의 문구점만 보아도 굉장히 미술적인 측면에서 공을 들인 것을 한 눈에 알 수 있는데, 이 외에도 어쩌면 (내러티브에 더 집중했었다면) 크게 부각시키지 않아도 되었을 미술적인 측면들에 상당한 공을 들이고 있음을 확인할 수 있는 장면과 세트, 미술을 여럿 만나볼 수 있었다. 그 중 백미는 역시 차태식이 소미를 구하기 위해 들어간 마약을 제조하는 지하 공간을 들 수 있겠는데, 이곳의 디자인은 마치 전혀 다른 영화, 거의 '에이리언'의 한 장면이나 더 거칠고 미장센이 강조된 영화의 한 장면이라고 해도 좋을 만큼, 그 장면에서 보여주려는 그 세계보다 어쩌면 더 고차원의 미술적 터치가 가해진 것이 아닌가 싶을 정도로 퀄리티 높은 미장센을 보여주었다. 

미장센과 스타일이 내러티브를 완전히 압도까지는 하지 못했어도, 분명 감독의 의도나 방식에 대한 이해는 물론 개인적으로 이 영화의 미덕을 느끼기에는 크게 부족함이 없었다.


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'아저씨'에 개인적으로 가장 인상적인 캐릭터는 현실에선 찾아보기 힘든 '옆집 아저씨'를 연기한 원빈도 아니고, 초롱초롱 눈망울의 김새론 양도 아닌, '람로완' 역의 타나용 웡트라쿨이었다. 이 태국 출신 배우의 미장센 (이거슨 미장셴이라 불러도 좋다)은 원빈의 각진 외모 만큼이나 빛나고 있는데, 그 뜻 모를 묘한 표정이나 깊은 눈빛은 분명 '아저씨'를 좀 더 특별한 영화로 만들고 있다. 사실 아쉬운 건 이 '람로완' 캐릭터가 이렇게나 매력적이지만 이에 대한 내러티브가 사실 거의 존재하지 않는 다는 점이다. 람로완은 영화에서 선뜻 이해하기 어려운 행동들을 몇가지 하는데, 이해를 하려고하면 이유를 만들어낼 수는 있지만, 람로완을 위한 몇가지 내러티브가 존재했었더라면 좀 더 매력적인 캐릭터는 물론 작품 역시 그렇게 되지 않았을까 싶다. 몇 가지 행동들을 단순히 '남자라서' '강호의 고수를 알아본 또 다른 고수라서'라는 이유로만 표현하기 보다는, 몇 가지 감정적으로 동요할 만한 소스를 제공했었더라면 어땠을까 하는 아쉬움이 남는다. 


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몇 가지 아쉬운 점이 있음에도 '아저씨'는 확실히 매력적인 작품이다. 이 정도 결과물이라면 이정범 감독의 다음 작품에 기대를 걸어도 좋을 듯 하다.


1. 타나용 웡트라쿨 외에 다른 조연배우들의 연기도 좋았습니다. 대부분 얼굴이 익숙치 않은 배우들이었는데, 연기 자체가 완벽했다기 보다는 이런 신선함이 이 영화에 더 맞아 떨어졌던 것 같아요.

2. 극중에서 '다크 나이트'를 인용하는 부분은 분명 의도적이었다고 생각되요. 그것이 내러티브에까지 좀 더 전해질 수 있는 작품이었다면 아마 더더 좋았겠지만요.

3. 의외로 전당포 아저씨에게 헌사를 바치는 대사들이 많았습니다 ㅋㅋ



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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2010 시네바캉스 서울 - '매혹의 아프로디테' 시간표 공개

매년 서울아트시네마에서 만나볼 수 있는 시네필들만의 축제! '2010 시네바캉스 서울'의 상영작들과 시간표가 공개되었습니다. 이미 지난 7월 30일 개막작 우디 앨런의 '또 다른 여인 (Another Woman)'을 시작으로 시네바캉스가 시작되었는데, 올해는 '매혹의 아프로디테'라는 주제로 영화 속에서 유난히 빛나던 여배우들을 중심으로 다양한 작품들이 소개될 예정입니다. 개막작에서 알 수 있듯이 이번 시네바캉스에서는 유난히 여배우들이 위주가 되었던 작품을 많이 연출했던 우디 앨런 감독의 작품을 여럿 만나볼 수 있게 되었는데, '스쿠프' '애니씽 엘스' '매치 포인트' '또 다른 여인' '에브리원 세즈 아이러브 유' 등이 상영될 예정입니다. 개인적으로는 우디 앨런의 새로운 페르소나로 주목 받고 있는 스칼렛 요한슨과 함께한 최근작들을 다시 보고 싶기도 하고, 미아 페로우와 지나 롤랜드 등이 출연한 1988년 작 '또 다른 여인' 역시 이번 기회를 통해 감상할 수 있었으면 좋겠다는 생각이! 

그 밖에도 카트린느 드눼브, 파니 아르당, 프랑스와즈 도를레악 등 당대의 여배우들이 출연하는 작품들도 만나볼 수 있으며, 대표적인 여배우중 한명인 마를린 먼로의 작품 역시 만나볼 수 있습니다.





하지만 개인적으로 우디 앨런의 영화들조차 재쳐두고 가장 기대가 되는 작품은 쿠엔틴 타란티노의 '재키 브라운 (Jackie Brown)'이라고 할 수 있겠네요. 예전에 DVD로만 감상했던 영화였는데 이번 기회에 드디어 스크린을 통해 감상할 수 있다니 당췌 좋지 아니할 수가 없네요! 팸 그리어의 매력과 타란티노만의 개성이 묻어난 '재키 브라운' 이야 말로 이번 시네바캉스의 최고 기대작이 아닐 수 없겠습니다. 하지만 스케쥴을 확인해보니 주말 상영은 영화제 마지막인 8월 29일(일) 상영 밖에는 없네요. 잊어버리지 않고 꼭 이 날 관람해야 겠습니다!




영화를 사랑하시는 여러분들도 더운 여름, 집에만 있지 마시고 (집에 에어컨이 없으신 저 같은 분들은 더더욱! -_-;) 시네바캉스 서울과 함께 매혹적인 여배우들을 만끽하시면 좋을 것 같네요. 그런데 너무 매혹적이라 오히려 열기가 후끈 달아오르는 것은 책임 못집니다 ^^



참고 / 서울아트시네마 (http://www.cinematheque.seoul.kr/)
글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)



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이안 감독 특별전 - 'Taking Lee Ang' 이안을 만나다


이안 감독은 제게 있어 참 기복이 있는 감독이라 할 수 있겠네요. 지극히 개인적으로 영화마다 맘에 들고 안들고가 들쑥 날쑥 했다는 것이지요. 물론 이 '날쑥'보다 '들쑥'이 많기에 계속 그의 필모그래피를 주목하는 이유이기도 하구요. 그의 필모그래피를 보면 볼 수록 참 흥미로워요. 그는 대만 출신으로 서양에 동양의 정서를 전달하는 감독인 동시에 가장 서구적인 작품을 만드는 동양 감독이기도 하거든요. 1993년작 '결혼 피로연'이나 1994년작 '음식남녀' 같은 경우는 특히 영화제를 통해 서구 세계에 동양을 소개했다는 점만 봐도 굉장히 동양적인 정서와 '전통'의 느낌이 묻어나는 작품이라고 할 수 있는데, 그에 반해 1995년작 '센스 앤 센서빌리티'나 1997년작 '아이스 스톰' 같은 작품을 보면 과연 이걸 동양 감독이 만들었을까 예상하기 어려울 정도의 분위기를 담은 작품이거든요.

그러다가 200년에 와서 '와호장룡'을 통해 다시 한번 전세계적인 관심과 함께 인기를 얻게 되죠. '와호장룡' 역시 따지고보면 굉장히 동양적인 정서를 담고 있는 것 같지만, 이를 그리는 방식에서는 이안 특유의 정서가 담겨있었죠. 즉, 전통적인 무협영화가 그리는 방식과는 조금 달랐다는 이야기입니다 (하지만 '강호' 등 무협영화가 반드시 품고 있어야할 정서도 포함하고 있었구요). 그래서 '와호장룡'은 따지고보면 좀 묘한 작품이었던 것 같아요 (이후 다시 이야기할텐데 이런 의미에서 '와호장룡'이 어쩌면 이안의 장점이 가장 잘 드러난 작품일지도 모르겠네요. 바로 '색, 계'에 비해서 말이죠). 그런데 이 다음의 필모그래피는 더 놀랄만 합니다. 가장 미국적이라 할 수 있는 마블 코믹스의 대표작 중 하나인 '헐크'가 바로 그 주인공이거든요. '헐크'는 이안이 연출을 맡게 되었다는 소식이 전해졌을 때부터 미국내 팬들의 반발이 상당히 심했던 작품이었죠. 결국 코믹스의 팬들에게 별로 좋은 반응을 얻지 못해 속편에서는 전면 리부트 되기도 했구요. 개인적으로는 이안의 '헐크'가 퍽 마음에 든 편이었어요. 왜냐하면 고뇌하는 히어로의 모습을 굉장히 심도있게 그려냈기 때문이었죠. 



(제가 꼽은 이안 작품 베스트 3에는 의외(?)로 '헐크'가 포함됩니다)


'헐크' 이후 그가 선택한 작품 역시 상당히 미국적인 정서를 담은 작품인 '브로크백 마운틴'이었죠. 여기서 '브로크백 마운틴'이 미국적이라는 이유는 이 영화가 동성애를 소재로 하고 있기 때문이 아니라 (주제 아니죠. 소재 맞습니다), 바로 산에서 양치는 카우보이의 이야기를 배경으로 하고 있기 때문이에요. 이건 흑인이 판소리를 열창하는 것 정도는 못되더라도 어쨋든 동양인이 제대로 소화하기에는 매끄럽지 못한 소재와 배경이긴 하거든요. 하지만 이런 싱크로율이 이안 감독에게 통하지 않는 것만은 사실이었죠. 이미 그는 가장 서구적인 작품들도 여럿 연출했던 경험이 있었으니까요. '브로크백 마운틴'이 동서양을 가리지 않고 모두를 울릴 수 있었던 건, 그 안에 담긴 핵심적인 러브 스토리의 깊이 때문이라고 할 수 있겠네요. 이안 감독은 그 깊이를 훌륭한 두 배우에 힘 입어 더 깊은 울림으로 표현해 냈고, 또 한번 감독으로서 자신의 이름을 확고히 하는 계기가 되었죠.



('브로크백 마운틴'은 확실히 아무때나 문득문득 Rufus Wainwright의 곡과 함께 보고 싶어지는 영화에요)


이 만족스러웠던 '브로크백 마운틴' 이후 그가 내놓았던 작품이 바로 문제작 '색, 계'였죠. 개인적으로는 이 작품을 아직도 문제작이라고 생각하는데, 영화적 기술이나 연출력은 확실히 더 깊어졌지만 (마지막 탕웨이가 연기한 '왕 치아즈'가 카페에서 나와 인력거를 부르는 그 쇼트의 무게감은 정말 대단했죠. 영화의 메시지가 문제라고 생각했음에도 이 장면에서는 감탄했던 기억이 있네요) 영화가 담고 있고 그리려한 메시지에는 분명 진중하지 못한 점이 있었다고 생각이 들었거든요. 

'색,계'의 핵심에는 '이' (양조위)와 '왕 치아즈' (탕웨이)의 로맨스가 있는데 문제는 이들의 신분과 배경이 되는 이야기 때문이죠. 나라를 배신한 매국노와 독립운동을 하려는 철없는 자 간의 로맨스를 단순히 '역사의 소용돌이에 휩싸인 러브 스토리'로 보기엔 이 둘 간의 간극, 그리고 영화 외적으로 해결되지 못한 갈등이 많다고 할 수 있거든요. 예전 '색, 계' 개봉시에도 글을 통해 이야기했었지만, 여기에는 조국을 배신하고 일본의 앞잡이 노릇을 하며 동포를 잡아 고문하는 역할인 '이'를 양조위에게 맡겼던 부분과 '이'를 그리는 방식이 가장 핵심적인 논란거리라고 할 수 있을 것 같습니다. 극 중 양조위가 연기한 '이'는 팩트만 보면 매국노 중의 매국노지만, 이를 묘사하는 방식은 마치 개인적으로 굉장한 고뇌를 담고 있으며 자신이 사랑하는 여인 때문에 감성적으로 변하는, 냉정하지만 따듯한 남자로 그려지거든요. 그런데 이 방식은 확실히 문제가 있어요. 영화 내내 '이'의 사상은 변하질 않거든요. 오히려 '왕 치아즈'가 사랑하는 남자를 위해 모든 운동원을 죽음으로 이끌고 말죠. 



이것이 앞서서 계속 이야기한 동서양을 아우르는 이안 감독의 성향이 잘 못 표출된 예라고 할 수 있을텐데, 더군다나 이안 감독은 '색, 계'를 두고 중국 젊은이들에게 자신들의 역사를 제대로 알려주고 싶다 라는 뜻에서 만들었다는 이야기로 미뤄봤을 때, 결국 '색, 계'는 이안 감독을 또 다른 이방인일 수 밖에는 없구나 라고 생각하게 되었던 작품이었죠. 



(이안 감독의 문제작 '색, 계'. 여기서 문제는 수위 높은 배드씬 때문이 아니다)


그래서 개인적으로는 '색, 계' 이후 이안 감독의 신작이 기대와 걱정이 동시에 되었는데, '테이킹 우드스탁'이 그의 새 작품이라는 소식을 듣고는 좀 안심을 한 편이에요. 왜냐하면 또 한번 동양적인 이야기 혹은 이 역사를 배경으로 한 작품을 선택한다면 다시 한번 실망할까 두려웠기 때문인데 다행히(?) 또 한번 아주 미국적인 소재를 택했다는 이유 때문이었죠. 록 팬들은 물론 전세계적으로 너무도 유명한 우드스탁 페스티벌의 시작을 그린 '테이킹 우드스탁'은, 사실 감독의 여부를 재쳐두더라도 록과 우드스탁의 팬으로서 무척 기대가 되는 작품이었는데, 이안 감독이 연출을 맡았다는 이야기를 듣고는 (앞서 이야기했던 이유들 때문에) 좀 더 기대를 하게 된 경우라 할 수 있겠네요. 




분위기를 보아하니 우드스탁 페스티벌의 무대 자체는 그려지지 않을 것 같지만, 이미 여러 다큐멘터리 등을 통해 확인한 적이 있는 이 유명한 탄생 스토리를 극영화로 어떻게 그려냈을지가 무척 기대가 되네요. 아마도 우드스탁 페스티벌에 관심이 많았던 록 팬들이라면 그 크기는 각자 다르겠지만, 그 분위기만으로도 만족할 만한 작품이 되지 않을까 싶네요. 개인적으로는 '밀크' 이후 점점 더 색깔 있는 배우가 되어가는 것 같아 주목하고 있는 에밀 허쉬와 최근작 '나잇 & 데이'에서도 잠시 모습을 볼 수 있었던 폴 다노의 출연도 기대 포인트이구요.




이야기가 삼천포로 빠졌는데 사실 이 글을 시작한 이유는, 이런 이안 감독의 작품들을 모두 만나볼 수 있는 기획전이 있어 소개하려고 했던 거였어요 ㅎ 이대 내에 위치한 아트하우스 모모에서 7월 29일부터 8월 11일까지 '이안 감독 특별전 - 'Taking Lee Ang' 이안을 만나다'를 진행합니다. 신작인 '테이킹 우드스탁'은 물론 '브로크백 마운틴'과 '색, 계'도 만나볼 수 있어요. 개인적으로는 신작인 '테이킹 우드스탁'은 물론 오랜만에 스크린에서 '브로크백 마운틴'도 한 번 더 보고 싶네요. 





글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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인셉션 (Inception, 2010)
크리스토퍼 놀란이 만든 스스로 발전하는 세계


사실 많이 걱정했었다. '메멘토'부터 그의 작품을 ( '미행' 제외) 모두 극장에서 보고 팬이 된 입장에서는 '인셉션' 역시 기대되는 그의 신작 그 이상도 이하도 아니었지만, '다크나이트' 이후 크리스토퍼 놀란의 신작은 영화 팬 뿐만 아니라 모든 대중들이 기대하고 관심을 갖게까지 만드는 이른바 '모두의 기대작'이 되어버렸기 때문이었다. 기대라는 것은 감독에게 있어 가장 부담스런 것이라고 할 수 있을텐데, 이 기대를 충족시키기에 '다크나이트'는 몹시 완벽에 가까운 작품이었기 때문에 과연 이 정도의 기대를 안고도 대다수가 만족할 만한 작품을 만들어낼 수 있을지가 팬으로서 걱정부터 앞선 던 것이다 (사실 이 걱정 자체는 모순인데, 대다수의 기대를 꼭 만족시켜야할 의무도 없고 어떤 영화든 개인에 따라 더 좋고 덜 좋음이 다를 수 밖에는 없기 때문이다). 이런 대중의 기대를 뒤로하고 순전히 개인적으로만 이야기를 시작해보자면, '인셉션'은 과연 '다크나이트' 이후 스튜디오의 더 큰 전폭적 지지를 얻게 된 놀란 감독이 더더욱 자신이 하고자 하는 방향으로 작품을 만들었을지 아니면 좀 더 대중친화적인 작품을 만들었을지가 궁금한 점이었는데, 이런 궁금증이 무색할 정도로 크리스토퍼 놀란은 자신이 하고 싶은 걸 다 하면서도  (타협없이도) 대중들을 다 만족시키는 것이 가능한, 어떤 측면에서 진정한 아티스트임을 '인셉션'을 통해 다시 한번 입증하고 있다. 


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'인셉션'의 핵심이 되는 이야기 구조는 사실 새로울 것이 없다. 장자와 프로이트 등을 굳이 거론하지 않더라도 가깝게는 '매트릭스'를 떠올릴 수 있겠는데, '매트릭스'의 경우 문화와 철학의 인용 그 자체로 이루어진 작품이라면 '인셉션'은 익숙한 것들을 인용보다는 소재로 그리고 장치로 사용하되, 이를 양분으로 자신만의 세계를 새롭게 설계한 또 다른 신세계라고 할 수 있을 것이다. 그러니까 무에서 유를 창조한 것이 아니라, '과연 저것이 가능할까?' 싶은 정도의 것을 실제로 가능하게 하는 동시에 그것이 가능해졌을 때 새롭게 갈 수 있는 길을 다각도로 펼쳐놓는 여유까지 (하지만 이 여유 뒤엔 자신감보다는 치밀함이 있다) 보여주고 있는 것이다.

그래서 한꺼풀만 보자면 '인셉션'에서는 여러 비슷한 분위기의 영화들이 겹쳐지곤 한다. 알렉스 프로야스의 '다크시티'는 세계관이나 그 이미지에서, 공드리의 '이터널 선샤인'은 시간과 기억을 다루는 것에서, '매트릭스'나 '오션스 일레븐'은 몇몇의 캐릭터를 구성하고 이를 통해 이야기를 전개해 나가는 방법에서 크리스토퍼 놀란의 '인셉션'과 겹쳐지는 부분을 자주 경험할 수 있다. 개인적으로 한꺼풀만 벗겼을 때 '인셉션'을 보고 가장 먼저 떠올랐던 영화는 바로 찰리 카우프만의 '시네도키, 뉴욕' 이었다. 개인적으로는 만약 크리스토퍼 놀란의 신작이 '인셉션'이 아니라 '시네도키, 뉴욕'이었더라면 지금과 같지는 않겠지만 그래도 카우프만의 작품일 때 보다는 더 큰 파급효과와 이야기거리를 만들어 냈을 것이라 생각한다. 그 만큼 카우프만의 만들어낸 시네도키의 세계관은 '인셉션' 못지 않은 (혹은 더 복잡한) 심연을 파해치고 있는데, 카우프만은 그 속에서 '나'라는 존재의 마음의 심연에 몹시 집중한 반면, 놀란은 이 세계관을 보다 흥미롭게 단계화(Level) 하는 것에 더 집중하고 있다. 그렇기 때문에 카우프만의 작품은 좀 더 개인적이고 이해하기 어려운 작품이 된 반면, 놀란의 작품은 이해하기는 어렵지만 이해하고 싶어 안달하게 하는 (정답을 찾고 싶게 만드는) 더 큰 매력을 지닌 작품이 된 것이다. 

시네도키, 뉴욕 _ 외로운, 위로의 일기



(이제부터 슬슬 스포일러라 부를 수 있는 것들이 나오기 시작합니다)


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(이 장면은 마치 '매트릭스'에서 네오가 처음 모피어스와 함께 매트릭스에 접속했을 때를 연상시킨다)

이 글은 '인셉션'을 두 번 보고 나서 쓰게 된 글인데, 결론부터 이야기하자면 비로소 두 번째 보았을 때 이 영화의 정수를 깨달을 수 있었다. 재미없던 것이 재미있어진 경우가 아니라 영화를 전혀 다른 방향으로, 정서적으로 바라볼 수 있게 된 것이다. 사실 첫 번째 보고 난 후의 간략한 소감은, 크리스토퍼 놀란은 동시대에 쉽게 찾아보기 어려운 영화 기술자이자 장인이기는 하지만, 정서적인 측면 즉 이야기의 주인공이 갖게 되는 정서적 울림에 있어서는 다른 측면에 있어서 조금 부족하지 않나 (특히 '인셉션'의 경우) 싶은 것이 전반적인 느낌이라, 둘 중에 굳이 더 나은 작품을 꼽으라면 메시지의 울림이 영화의 전체를 지배하고 있는 '다크 나이트'를 주저없이 꼽을 수 있었는데, 두 번째 보고나서는 이런 결정을 쉽사리 내릴 수 없다는 것을 뒤늦게 알고야 말았다. 마치 '프레스티지'는 '참 영리한 두뇌로 쓰여진 치밀한 시나리오다' 라는 생각은 들었지만 크리스찬 베일과 휴 잭맨이 연기한 두 주인공의 이야기에 완전히 공감하기에는 부족하다는 생각을 했던 것과 마찬가지로 생각했던 '인셉션'이 전혀 다른 작품으로 다가오게 된 것이다.


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'인셉션'은 앞서 언급했던 것처럼 다양한 해석과 많은 논란 혹은 해석할 여지가 존재하는 작품이다. 사실 잘 짜여진 시나리오라는 것 그리고 잘 편집된 한 편의 영화라는 것은, 이렇듯 보는 이들이 스스로 이야기를 발전시킬 수 있는 여지가 충분한 작품인 경우라고 할 수 있겠다. 그런 측면에서 '인셉션'은 이것 만으로도 부족할 것 없이 의미있는 작품이라고 할 수 있겠다. 영화 제목인 '인셉션' (다른 사람의 무의식, 꿈 속에 생각을 심는 것) 의 의미처럼만 만들어졌어도 이 영화는 대단히 흥미로운 작품이 되었을 것이다. 하지만 놀란 감독은 이에 만족하지 않고 영화 속에서 코브 (레오나르도 디카프리오)의 팀이 피셔 (킬리언 머피)에게 실행했던 방법처럼, 인셉션을 통해 심은 생각이 단순히 심는 것으로 끝나는 것이 아니라, 스스로 그 심은 생각이 자라날 수 있도록 (그래야 인셉션이 성공하듯이) 영화의 시나리오를 구성해 냈다. 즉, 관객들은 놀란이 심은 기본 생각을 가지고 스스로 나래를 펴 점차 더 깊은 인셉션에 빠지게 되는 것이다.

이렇게 되면 이미 어디까지가 꿈이고 현실인지는 크게 중요하지 않게 되어버린다. 이미 관객은 영화 속 맬 (마리온 꼬띨라르)처럼 더이상 인셉션의 경계를 확인하는 대신에 자신만의 세계를 더 굳건히 믿게 되기 때문이다 (여기서 믿는 다는 것은 영화 속 과는 다르게, 논란이 풀어놓은 퍼즐 조각을 끊임없이 맞추고자 하는 욕구를 이야기한다). 그래서 이 영화의 제목이 '꿈' 혹은 또 다른 것이 아니라 바로 '인셉션 (Inception)'인 것이다. 이것이야말로 얼마나 무서운 영화적 야심인가. 남들이 100점 만점의 이야기를 갖고 있을 때 놀란은 150점 짜리 이야기를 구상해 냈으나 이에 만족하지 않고, 관객이 느끼는 것에 따라 160점도, 200점도 될 수 있는 구조까지 마련했으니 말이다. 이것은 반대로 이야기하면, 관객이 놀란을 완전히 신뢰하며 인셉션에 빠질 수 있는 것처럼, 놀란 역시 자신의 영화를 100점 이상으로 봐줄 관객들을 믿었기에 가능했던 일일 것이다.


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아마도 첫 번째 관람 후에 글을 바로 썼다면 여기까지에서 간단히 마무리 했다거나 아니면 논란이 풀어놓은 퍼즐 조각들을 이렇게 저렇게 맞춰가며, 이런 것도 가능하고 저런 것도 가능하다는 식으로 이야기를 전개했을 것이다. 사실 정답이라 한다면 이게 정답인데, 두 번째 보고 나니 이 수 많은 갈래길들 가운데 단 하나의 길 만이 유독 눈에 들어왔다. 그리곤 앞서 했던 생각을 완전히 뒤집게 되었다. 바로 크리스토퍼 놀란이 '다크 나이트'처럼 메시지가 강한 영화가 아닌 경우라면 세계관 설계에는 누구도 따라오기 어려운 탁월한 재주를 보여주지만, 주인공의 심리를 따라가는 공감 측면에서는 조금 아쉬움이 남는 다는 생각 말이다. 확실해진 갈래길을 따라가보니 이 영화는 놀란의 작품 가운데 그 어느 작품보다도 주인공의 이야기와 감정적 동요가 큰 작품이었다. 마치 '메멘토'를 완벽하게 확장시킨 듯한 모습이었다. 사실 많은 사람들이 '메멘토'하면 그 영화적 형식에 더 귀를 기울이지만 '메멘토'에는 분명 주인공 '레너드'의 사연이 깊게 자리잡고 있었다. 10분 간만 기억을 유지할 수 있다는 특수한 설정을 흥미위주로 구성하는 동시에, 그렇기 때문에 주인공이 겪어야만 했던 감정의 이면을 숨기고 있었던 것이다.

'인셉션'을 두 번 보고 느낀 것은 바로 이런 주인공 코브의 이야기였다. 수많은 해석이 가능한 작품이지만 개인적으로는 이 내러티브가 가장 자연스럽고 또 감정적이며 가장 많은 부분이 맞아 떨어지는 걸 확인할 수 있었다 (물론 여기에도 헛점은 있다. 하나하나를 다 맞추려고 하면 맞지 않는 부분은 이 경우에도 해당된다).


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(피셔에게 코브가 인셉션을 시도했듯, 코브에게 인셉션을 한 것은 바로 장인인 마일스일지 모른다)

코브의 트라우마를 치유하는 진짜 인셉션

첫 번째 보고나서 그 엔딩의 쓰러지지 않는 팽이와 공항 씬에서 확인할 수 있었던 몇가지 단서들 덕에, 이것이 결국 코브의 꿈, 그러니까 코브의 인셉션이 아닐까 하는 생각을 했었다. 하지만 이때 까지만 해도 확신이라기 보다는 다른 수 많은 갈래길 중 좀 더 유력한 길 정도로 생각된 것이 사실이었다. 하지만 두 번 보게 된 영화는 확실히 달랐다. 이것은 완벽한 코브의 인셉션의 관한 이야기였다. (개인적인 확실일 뿐, 다른 분들이 갖는 확신 역시 틀리다기 보다는 또 다른 맞는 확신이라고 볼 수 있겠네요)

일단 코브는 트라우마를 갖고 있다. 바로 자신의 아내를 죽음으로 몰게 했다는 (끝까지 지키지 못했다는) 엄청난 죄책감이다. 코브와 아내 맬은 드림머신을 통해 꿈의 세계를 설계하는데에 흥미를 갖게 된 뒤, 꿈 속의 꿈, 그 꿈 속의 꿈 등 더 깊은 꿈의 세계, 즉 꿈의 끝까지 가보고 싶은 마음이 생겼고 결국 이 과정 속에서 맬은 자신이 믿고 있는 꿈과 현실의 경계를 더이상 믿지 않는 동시에, 자신이 살고 있는 꿈 속의 세계를 현실로 믿어버리게 된다 (즉, 림보에 빠진 것이다). 꿈과 현실의 단계가 단순히 한 단계로 이루어졌더라면 이런 혼동이 없었겠지만, 꿈의 꿈 그 꿈의 꿈, 또 그 꿈의 꿈으로 이어지는 영역을 경험한 이들에겐 현실을 자각하는 능력이 점차 사라져갔고, 맬은 결국 꿈을 현실로 믿게 된 것이다. 이런 맬을 끝내 설득시키지 못한 코브는 결국 맬에게 인셉션을 감행하게 된다. 즉, 맬이 꿈을 꿈으로 믿고 돌아올 수 있게 생각을 심는 것이었는데, 그리하여 오랜 꿈 속에서 벗어난 맬은 하지만 이 현실 역시 꿈으로 받아들이고는 이 꿈에서 깨기 위해 스스로 죽음을 선택한다 (이 과정 속에서 코브가 얻은 교훈이라면 단순히 생각을 주입하는 인셉션은 성공하기 어렵다는 것. 즉, 스스로 그 생각이 발전할 수 있도록 해야한다는 것일터).


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(이 장면에서부터 코브의 인셉션은 시작되었는지 모른다)

이것은 코브에게 엄청난 죄책감이 된다. 꿈의 끝까지 가보고 싶었던 것도 본래 본인이었을 것이고, 그렇게 림보에 빠진 맬을 구하기 위해 성공확률이 높지 않았던 인셉션을 맬에게 직접 시도했으며, 결국 이 인셉션이 성공하지 못하면서 맬을 진짜 죽음으로 이르게 했기 때문이다. 이런 코브의 죄책감은 이후 그가 다른 의뢰인의 꿈에 들어갈 때마다 불안요소로 등장하게 된다. 자신이 죽게 했다는 생각에 맬의 존재는 언제나 꿈 속에서 코브나 꿈의 주인공을 위협하는 존재로 등장하고, 이런 죄책감이 가져온 불안감은 점점 더 예고하지 않고 예상할 수 없었던 일들을 불러오게 된 것이다.

결국 이 이야기는 코브가 맬의 죽음에 대한 죄책감을 덜고 어린 아들, 딸과 다시 재회하기를 바라는 누군가의 인셉션으로 볼 수 있겠다. 그렇다면 코브가 이렇게 되길 가장 바라며 이 모든 것을 설계한 사람은 누구일까. 개인적으로는 아마도 맬의 아버지, 그러니까 코브의 장인어른으로 등장하는 '마일스' (마이클 케인) 밖에는 없다고 생각된다 (아버지인지 장인인지 좀 불확실한 면이 있긴 하지만, 여기서 핵심은 부자관계나 아니냐 라기 보다는 꿈에 침투하는 것을 가르친 사람이 마일스 라는 점이다). 마일스는 일단 코브에게 직접적으로 이 일을 가르쳤다는 점에서 (그리고 가족이라는 점에서) 죄책감에 사로잡혀 있는 코브를 구하고자 하는 감정적 동기가 충분하다. 또한 자신이 가르친 기술 때문에 결국 딸의 죽음과 사위의 트라우마가 생겼음으로, 마일스 스스로도 이에 대해 죄책감을 갖고 있는 것도 또 하나의 동기가 되겠다.

또한 코브에게 이를 가르친 만큼 코브의 인셉션을 설계할 만한 능력은 물론, 수제자 (엘렌 페이지)를 통해 이를 완성할 만한 조건을 갖추고 있다는 점도 들 수 있겠다. 이런 측면에서 보기 시작하면 이 이야기는 놀랍도록 맞아 떨어지기 시작한다. 특히 처음 파리에서 코브와 마일스가 만나 나누는 대화 장면을 보면 이런 심증은 더욱 깊어지게 된다. 이 대화를 보면 마일스는 은근히 코브가 진행하려는 인셉션을 막아서지 않고 오히려 부드럽게 유도하는 걸 알 수 있다. 물론 코브는 애초에 인셉션을 마음먹고 이를 설계해줄 아키텍트를 구하러 오긴 했지만, 마일스는 이런 코브의 심정을 이용하여 좀 더 자신이 원하는 방향으로 코브가 계획을 세우도록, 코브의 말을 받아들이기도하고 반대로 그를 잘 아는 만큼 일부러 약을 올려 더 하고 싶게 만들기도 한다. 그래서 이 대화를 이끄는 마일스, 그리고 이를 연기한 마이클 케인의 연기를 보면 무서울 만큼 디테일이 느껴진다.


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(이 이후 코브의 토템이 쓰러지는 장면, 즉 현실임을 확인시켜주는 장면은 등장하지 않는다)

그 다음부터는 코브의 팀이 피셔에게 인셉션을 심는 상황을 그대로 코브에게 대입하면 된다. 극중 임스 (톰 하디)는 피셔에게서 더 많은 정보를 얻기 위해 삼촌인 브라우닝 (톰 베린저)으로 분장해 아버지와의 관계 등 더 많은 깊은 정보를 캐내게 되는데, 피셔와 브라우닝으로 분한 임스의 관계는 그대로 코브와 아리아드네 (엘렌 페이지)의 관계에 대입해 볼 수 있다. 아리아드네는 코브를 더 알아야만 불안요소를 업애고 더 완벽한 설계를 할 수 있다는 이유를 들어, 코브가 동료들에게는 잘 하지 않는 이야기들을 기회가 될 때마다 묻는다. 그리고 코브의 꿈에도 적극적으로 접속해 코브와 맬의 관계에 대해서도 더 많은 것을 알려고 한다. 이는 코브에 대한 인셉션을 성공시키기 위해 더 많은 정보를 얻어내려 한 것으로 볼 수 있다. 그래서 아리아드네는 결국 아무도 알지 못했던, 코브와 맬이 림보에서 겪었던 일들마저 알게 되었고 이는 피셔가 인셉션을 겪으며 스스로 발전한 것처럼, 코브 역시 자신의 트라우마를 극복하기 위해 스스로 결심하게 하는 계기에 결정적인 역할을 하게 되는 것이다.


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따지고보면 경쟁 회사를 분리하기 위한 사이토의 의뢰는 말그대로 코브가 미국으로 돌아가기 위한 하나의 어려운 미션일 뿐인데, 이 자체가 마치 영화의 주된 메시지인냥 코브의 트라우마 이야기와 비중을 같이하며 (혹은 더 큰 비중으로) 그려지는 것은 단순히 볼거리 측면 때문이 아니라, 앞서 이야기한 것처럼 피셔에게 인셉션을 하는 것은 그대로 코브에게 인셉션을 하는 것과 겹쳐서 생각할 수 있기 때문이다. 그러니까 피셔가 사이토의 뜻대로 회사를 나누는 것은 영화 상에서 하나도 중요할 것이 없는 사실이고, 그것이 가져오는 결과 (집으로 돌아가는 것)만이 중요한 것인데도 이 과정을 그렇게 심도 있고 비중있게 그린 이유가 바로, 이마저도 피셔의 이야기가 아닌 코브의 이야기로 볼 수 있기 때문이라고 생각된다. 자신의 무의식 속에 갇혀있는 맬에게로 가는 길을 찾는 과정인 동시에 이런 맬에 대한 죄책감에서 벗어날 수 있는 과정인 것이다. 다시 말해 너무 직접적인 (1차적인) 인셉션을 코브에게 시도했다면 코브는 이를 금새 눈치챘을 것이다. 그렇기 때문에 피셔의 인셉션이라는 복층의 인셉션을 설계하게 된 것이다.

그런데 다른 한편으로 생각해볼 수 있는 건, 코브는 그의 무의식 속에 있는 맬과는 다르게 정확히 현실과 꿈을 구분하려 애쓰고 있다는 점이다. 그는 꿈에서 나올 때마다 토템을 통해 현실여부를 반드시 확인하고 있으며, 다른 영화의 감상적인 주인공들처럼 영원히 맬과 림보에 남기를 원하지도 않았다. 이런 면에서 보았을 때 코브에게는 맬에 대한 죄책감 만큼이나 자식들을 보고 싶은 마음이 크기 때문에, 이런 맬에 대한 죄책감에서 벗어나고 싶은 욕망도 있다고 볼 수 있겠다.
하지만 코브는 영화 속 대사를 통해 알 수 있는 것처럼 이미 맬에게 했던 인셉션이 실패로 돌아갔던 과거 때문에 (꿈의 설계에 상상력만이 아닌 기억을 동원하게 된 점) 자신이 설계한 인셉션으로는 절대 이 트라우마에서 벗어날 수 없음을 알고 있었는지도 모르겠다. 즉, 계기가 필요했던 것인데 (헬기에 탄 사이토의 인셉션 제안에 너무 쉽게 수락한 경향이 있다. 인셉션의 실패 경험이 있었음에도 말이다), 그래서 파리로 이 문제를 해결해줄 마일스를 찾아갔고 자연스레 인셉션에 몸을 맡긴 것인지도 모르겠다 (이런 측면에서 보면 아리아드네를 그의 꿈에 너무 쉽게 받아들인 것도 쉽게 수긍이 된다. 아마도 그렇지 않았다면 '너는 여기 오면 안돼' 그 이상으로 그리고 그 다음에도 절대 아리아드네를 맬이 있는 자신의 꿈에 들이지 않지 않았을까).
 

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이렇게 보면 '인셉션'은 그 어떤 영화 못지 않게 주인공 코브의 절절한 감동의 이야기가 된다. 정말 아내를 사랑했던 한 남자의 이야기. 둘이 함께 추구하는 바를 이루려 꿈꾸던 그 곳에 끝까지 가게 되었지만, 결국 그곳에서 빠져나오지 못한 아내를 위해 자신도 그곳에 남아 아내의 꿈 (둘이서 함께 늙고 싶다는)을 이뤄줄 때까지 기다려주기도 했고, 한 차례 꿈에서 빠져나온 이후에도 아내가 이를 받아들이지 못하자 인셉션을 동원해 어떻게든 아내를 현실로 데려오려 했으나, 그것마저 실패하고 결국 아내의 죽음을 맞게 되어 그것이 평생의 짐이 되어버린 한 남자의 이야기. 그리고 자신의 인셉션을 통해 스스로 죄책감을 벗어내려는 노력과 치유해 나가는 과정이 담긴 이야기는, 첫 번째 관람시와는 전혀 다른 감정이 몹시 동요하는 감동적인 이야기였다. 즉, 이 인셉션이라는 세계, 꿈의 꿈이라는 세계가 어떻게 이뤄지고 어떻게 작용하는지에 대한 화려하고 매력적인 표피 속에 숨겨져 있는 메시지, 왜 이들은 림보에 빠지게 되었나, 왜 이들은 인셉션을 하게 되었나, 왜 코브는 죄책감에서 쉽게 벗어나지 못하나에 대해 비로소 생각해볼 수 있게 된 것이다.

그러고나니 처음 볼 때도 뭉클했던 림보에서 코브와 맬이 나누었던 대화 장면이 더더욱 눈물날 수 밖에는 없었다. 트라우마를 극복한다는 것은 결국 인정하고 받아들이는 과정이라고 할 수 있을텐데, 코브는 피셔의 인셉션이 진행되는 과정 속에서 자신을 인정하는 법을 조금씩 배우기 시작했고, 나중에 가서는 그 동안 죄책감 때문에 하지 못했던 말들 (맬에게 인셉션을 했던 사실, 50년 넘게 림보에서 둘이 함께 늙어갔던 사실)을 할 수 있게 되면서, 눈 앞에 만져지는 진짜 같은 꿈 속의 맬을 용기 있게 부정할 수 있었던 것이다. 그래서 개인적으로는 맬에게 인셉션을 고백하는 장면부터 코브가 드디어 자신의 트라우마를 극복하게 되는 이 시퀀스가 몹시도 슬프고 감정적으로 느껴졌다.


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'인셉션'은 트라우마라는 점에서 역시 디카프리오가 주연을 맡았던 '셔터 아일랜드'와 유사점을 찾아볼 수 있는데, 그 결말은 정반대라고 할 수 있을 것이다. '셔터 아일랜드'의 레오는 결국 자신의 트라우마를 인정하긴 했지만 이겨내진 못했던 반면, '인셉션'의 레오는 눈물겹고 힘들었지만 결국 극복하고 현실로 돌아오는데 성공했기 때문이다. 지금까지 이것이 마일스가 설계한 (물론 세부 내용은 아드리아네가 설계했다고 볼 수 있겠지만) 코브의 인셉션이라고 해놓고선 현실로 돌아오는데에 성공했다는 얘기가 무슨 얘기냐고 물어올 수 있겠는데, 사실 영화 속에 등장하는 부분은 마지막 시퀀스로 미뤄 봤을 때 아직 꿈 속이라고 볼 수 있겠다.

비행기 내에서 깬 뒤 공항에 도착한 순간, 유난히 코브를 바라보는 인물들의 시선들도 그렇고 이를 마중나온 마일스도 그러하며, 결정적으로 결국은 쓰러지지 않은 팽이와 (물론 이는 쓰러진다고 생각할 수도 있다) 엔딩 크래딧 말미에 흐르던 킥을 신호하는 에디뜨 피아프의 노래까지. 코브가 이 꿈에서 깨는 순간 다시 모든 것을 잊고 트라우마를 갖고 있던 그 때로 돌아가는 것이 아니라, 스스로 발전한 인셉션인 만큼 꿈에서 깬 다음에도 이 어렴 풋한 기억을 발판으로 반드시 이 죄책감에서 벗어날 것이기 때문에 결국 코브가 바라던 현실로 돌아오는데 성공했다고 (정확히는 성공할 것이라고) 말할 수 있는 것이다.

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'인셉션'이 결국 트라우마에 관한 영화라는 점은 영화 속 킥의 도구로 사용된 에디뜨 피아프의 유명한 곡 'Non, Je Ne Regrette Rien'에서도 쉽게 알 수 있다. 이 곡이 본래 워낙에 유명한 곡이기도 했지만, 에디뜨 피아프의 전기를 다룬 영화 '라비앙 로즈'를 감상한 탓에 이 곡은 물론, 이 곡의 가사들도 미리 머릿 속에 인지하고 있던 것이 '인셉션'을 감상하는 데에 큰 도움이 되었다. 정말 굴곡진 파란만장한 인생을 살았지만 결코 자신은 아무것도 후회하지 않는다 라고 이야기하고 있는 이 곡의 제목과 가사처럼, 킥 할 때마다 울려퍼지는 이 곡은 마치 코브의 트라우마를 덜어주려는 아키텍트의 세심한 배려로 느껴지기도 한다. 그렇지 않다 하더라도 아내에 대한 죄책감에서 빠져나오지 못하는 코브와 '난 후회하지 않아'라는 곡의 대비는 아이러니와 동시에 영화의 메시지를 더 확고히 하는 장치가 되었다 (물론 '라비앙 로즈'의 주인공이 마리온 꼬띨라르 였다는 점도 묘한 흥미거리였지만).


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(꿈인지 생신지 볼을 꼬집, 아니 얼른 토템을 하나 만들어야겠다는 생각을 하도록 만든 사람같으니라구!)

개인적으로는 두 번 보고 나서 확실한 메시지를 발견할 수 있었지만 (그래서 '인셉션'을 더 격하게 좋아하게 되었지만), 처음 보고나서의 느낌처럼 '인셉션'을 이런 감정적 내러티브보다 다층적이고 흥미로운 세계관에 집중한다 하더라도 전혀 문제될 것이 없다. 크리스토퍼 놀란의 '인셉션'이 대단한 지점은 바로 이것이다. 놀란은 '인셉션'이라는 세계를 설계하고 그 안에 인셉션을 심어 결국 관객들이 스스로 이를 발전시켜 더 큰 세계로 혹은 자신조차 의도하지 않았던 이야기로 확장시켜도 전혀 문제될 것이 없는 '놀라운' 세계를 설계했기 때문이다.


1. 이 글을 다 쓰고 나서야 각종 정리글과 분석글들을 차근차근 읽어보았는데, 제 생각과 일치하고 아니고를 떠나서 하나같이 너무 재미있었습니다. 사실 저도 완전 이 세계관에만 집중해서 하나하나 분석해보고 싶은 마음도 있는데, 이미 대부분을 다른 분들이 해주셔서 이 부분은 생각날 때마다 보충하는 것 정도로 하려구요.

2. 이것이 코브의 인셉션이라해도 피셔의 인셉션은 킬리언 머피의 연기로 인해 설득력을 얻게 되더군요. 사실 이 이야기 자체는 별로 설득력이 없어보였거든요. 경쟁사의 회사를 반쪽내기 위해 이 정도의 위험을 감수한 사이토의 이야기도 그렇고. 그런데 킬리언 머피의 연기는 진짜 영화 속 영화처럼 설득력을 주더군요.

3. 디카프리오야 동시대의 배우들 가운데 제가 가장 좋아하는 배우 중 한명이니 더 부연설명할 필요가 없겠지만, 이번 작품을 통해 더 좋아하게 된 배우가 있다면 역시 조셉 고든-래빗이죠. '브릭'과 '500일의 썸머'는 물론 왜 나왔을까 싶은 '지아이조'마저 본 팬인데, '인셉션'에서의 조셉은 정말 멋졌어요. 물론 멋진걸로만 따지자면 '임스' 역할로 나온 톰 하디에게 좀 밀렸지만요 ㅎ

4. 이미 3회차 관람은 예매가 완료되어 있고, 지금은 나만의 토템을 찾는 중입니다.

5. 참고로 제 핸드폰 벨소리도 바꿨어요. 'Non, Je Ne Regrette Rien'로요. 누군가로부터 전화가 올 때마다 킥이 되는거죠 ㅎ


글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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[PiFan] 골든 슬럼버 (ゴールデンスランバー, 2009)
스릴러로 풀어낸 감동 스토리


이번 피판 (PiFan)에서 본 단 하나의 영화는 바로 나카무라 요시히로의 '골든 슬럼버'였다. 이미 '집오리와 들오리의 코인로커' '피쉬 스토리' 를 감동 깊게 보았던 나로서는, 그의 신작 '골든 슬럼버' 역시 주저없이 선택할 수 있었는데 이번 역시 이사카 코타로의소설을 원작으로 하고 있다는 점 역시 '골든 슬럼버'를 기대하게 되었던 중요한 이유였다. 개인적으로 정확하지 않은 점은 이사카 코타로의 원작 소설을 아직 한 번도 읽지 않은 시점에서 과연 내가 정말 좋아하는 것은 코타로의 원작 소설인지 아니면 나카무라 요시히로가 만든 영화인지가 좀 불분명 하다는 점. 그런데 들리는 바에 따르자면 요시히로의 영화는 원작 소설과 거의 다르지 않는 (각색이 많지 않은) 구성을 갖추고 있으며, 원작자인 이사카 코타로 역시 영화화를 무척이나 마음에 들어했다는 점으로 미뤄봤을 때, 그냥 둘 다를 좋아하는 것이 맞다고 할 수 있겠다. 어쨋든 이렇게 큰 기대를 갖고 보게 된 '골든 슬럼버'는 역시 그 기대를 충분히 충족시켜주었다. 따지고보면 그의 전작들이 다 그랬다. '집오리와 들오리의 코인로커'는 너무 이야기 중심이라 오히려 감흥이 덜한 것도 있었지만, '피쉬 스토리'는 오히려 구성 덕에 이야기의 감동이 더 커졌더랬다. '골든 슬럼버' 역시 그랬다.



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'골든 슬럼버'는 확실히 스릴러의 옷을 입고 있다. 도입부분부터 후반부 전개에 이르기까지, 퍼즐조각을 늘어놓고 쉽게 알아채기 어려운 단서들을 흘리고, 무언가 거대한 음모가 있음을 지속적으로 암시한다. 그래서 사실 조금 놀랐었다. 물론 전작들 역시 이렇게 퍼즐의 성향을 띤 부분이 있었지만 그것이 구성으로만 사용될 뿐 전면적으로 주가 되는 방식은 아니었는데, '골든 슬럼버'는 처음부터 이런 방식으로 시작하는 것을 보고는, '엇, 이번 작품은 정말 스릴러로 가나보다' 했었다. 하지만 분명한 것은, '골든 슬럼버'는 스릴러를 위한 스릴러는 아니다. 스릴러라는 장르는 영화의 중요한 메시지와 감동을 위한 도구로 사용되고 있다는 편이 더 맞겠다. 

나카무라 요시히로는 (아마도 이사카 코타로는) 이런 지점을 정말 잘 알고 있고 묘사하는데 탁월한 능력을 갖고 있다. 갑작스런 스릴러가 진행되는 와중에도 주인공에게 공감대를 불어넣으며 나중에 닥쳐올 감동 포인트의 준비를 차근차근 하고 있으며, 감동의 순간을 전달하는데에도 부담스러움이 거의 느껴지지 않는다 (아이팟의 용도 부분이 핵심이었다면 닭살스러웠겠으나 이 정도라면 참을 수 있다). 



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(스포일러가 있을 수 있습니다)


결말에 관해서는 개인 취향에 따라 분분할 수도 있겠지만 또 한번 소시민 영웅등극을 보는 것 보다는, 씁쓸하지만 현실적인 (따지고보면 음모에 빠진 주인공의 이야기자체가 씁쓸함과 어두운 기운을 깔고 있지 않은가) 결말을 택한 것이 더 나아보였다. 그리고 영화가 주려는 감동의 크기를 보았을 때 만약 영웅스토리로 갔다면 이 같은 감동을 전달하기 어려웠을 것이다. 사실 '끝까지 불의에 맞서 정의를 이뤄내라'에 버금가도록 '살아남는 것 만으로도 의미있다'라는 걸 설득시키기는 좀 더 어려운 일인데, '골든 슬럼버'의 방식은 그 과정 속에서 잊었던 것들과 아름다운 추억들 그리고 그곳에 항상 함께 하고 있었던 '사람들'을 부각시키면서 '살아남는 것 만으로도 의미있다'라는 걸 충분히 이해와 설득 시키고 있다. 

사실 영화제를 통해 이 영화를 보았을 때 객석에서는 아주 여러번 웃음이 터져나왔는데, 워낙에 주인공에 잘 동화되는 특성상 '이해는 되지만 난 엄청 슬퍼 ㅠ' 이런 장면이 아주 잦았다. 특히 주인공의 아버지가 기자들에게 둘러쌓여 카메라에 대고 이야기하는 장면에서 관객들은 모두 웃었지만, 난 혼자 마치 작은 차 앞좌석에서 펑펑 운 주인공 처럼 울컥하는걸 참을 수가 없었다. 그리고 마지막에 가서 하나씩 그 감동의 고리가 연결되는 장면에서 역시 짠한 감동을 느낄 수 밖에는 없었다. 서두에 말한 지점이란 바로 이런 것을 포함하고 있다. 넓게 보면 신파지만 직접적이지 않고 '그랬었었구나'라고 느껴지게 하는 감동. '골든 슬럼버'는 후반 이런 감정의 폭풍이 몰아친다. 


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이미 전작들에서 호흡을 맞췄던 사카이 마코토, 타케우치 유코, 하마다 가쿠 등의 연기 역시 만족스러웠다. 특히 하마다 가쿠의 경우 기존 '집오리...'에서 맡았던 캐릭터보다 이 캐릭터가 훨씬 더 잘 어울리는 듯한 모습이었다 (따지보고면 이 영화의 '흥미'를 불어 넣은 일등 공신은 바로 하마다 가쿠가 연기한 캐릭터가 아닐까 싶다). 그리고 개인적으로는 '집오리와 들오리의 코인로커 - 밥 딜런 : Blowin in the wind' '피쉬 스토리 - 피쉬 스토리'에 이어지는 '비틀즈 - Golden Slumber'의 테마 음악이 마음에 들었다. 본래 비틀즈의 이 곡을 좋아하는 터라 처음 제목을 듣고 나서는 바로 '아, 이번엔 비틀즈인가보다' 싶을 정도였는데, 과하지 않게 곡의 정서와 배경을 극에 잘 녹여낸 듯 하다. 



1. 이 작품에는 여러 익숙한 배우들이 모습을 드러내고 있는데, '간장선생'의 주연을 맡았던 에모토 아키라, '스윙걸즈'에서 주리짱의 절친 역할로 나왔던 칸지야 시호리, 일본의 대표배우 중 한명인 카가와 테루유키, 사실 맘에 안드는 인상인데 너무 자주보다보니 정들기 시작한 나미오카 카즈키까지.

2. 엔딩 시퀀스는 살짝 '디스트릭트 9'을 떠올리게 하더군요.

3. 


나카무라 요시히로 감독과의 대화 중 한 컷. 워낙에 팬분들이 많이 계신 자리라 정신없이 진행되었습니다. 한 3년 뒤쯤에는 또 한번 이사카 코타로 원작 나카무라 요시히로 연출의 작품을 볼 수 있을지도~


4. 

영화를 보고나서 직접 불러본 Beatles의 'Golden Slumbers' 커버입니다 ^^;



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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www.realfolkblues.co.kr 선정
2010 상반기 좋은 영화 결산


올 상반기에도 참 좋은 영화들을 많이 만나볼 수 있었습니다. 개인적으로 아쉬운 점이라면 지난해에 비해 좀 더 작은 영화들을 많이 만나볼 기회가 적었다는 것인데, 하반기라도 부지런히 챙겨보도록 좀 더 노력해야겠네요. 지금까지는 결산을 할 때 항상 '베스트'라는 표현을 쓰곤 했는데, 뭐 개인적인 베스트라는 의미이니 크게 틀린 것은 아니지만, 그것 보다는 그냥 내가 좋았던 '좋은 영화'라는 표현이 더 어울리는 것 같더라구요. 그래서 그렇게 선정한 상반기 '좋은 영화' 들을 한번 짧게 되돌아보려고 합니다. 

(당연히 작품 간의 순위는 없으며 순서는 개봉 역순이며, 각각 아래 링크를 클릭하시면 해당 영화의 리뷰를 보실 수 있습니다)




시네도키, 뉴욕 (Synecdoche, New York)
찰리 카우프만 감독

카우프만 없는 공드리를 걱정했던 것처럼, 공드리 없는 카우프만도 그 걱정의 정도는 조금 덜했으나 걱정했던 것이 사실이었는데 결과는 대만족, 아니 대압도된 느낌이었습니다. 카우프만은 항상 인간 존재와 마음의 심연에 관심이 많았었는데, 본인이 감독을 맡게 된 이 작품에서는 드디어 그 심연의 끝까지 가보려 합니다. 영화란 무릇 이야기가 주는 감동도 있지만 본인만의 것으로 느껴질 때 더 큰 감동이 오기 마련인데, 카우프만의 심연에서 나를 발견하는 동시에 이 영화를 내 인생의 영화 중 한편으로 꼽을 수 밖에는 없었습니다. 사실 분석해볼 만한 거리가 참 많은 작품임에도, 완전히 카우프만의 세계에 공감한 탓에 굳이 분석할 필요성을 못느낄 정도였죠. 







(500)일의 썸머 ((500)Days of Summer)
마크 웹 감독

조이 데샤넬의 열혈팬이라 기대하지 않을 수 없었던 작품이긴 했지만, 그녀 이상의 무언가를 얻을 수 있었던 좋은 드라마였죠. 연애를 해본 사람이라면 누구나 한 번쯤은 겪었을 법한 일들을 진부하지 않고 담담하게 그려내는 방식, 알콩달콩 하지만 현실적이고 씁쓸함과 희망을 동시에 주는 이 작품은, 몇 년간 본 로맨스 영화들 가운데 손꼽을 만한 작품이었습니다. 나의 '썸머'를 떠올리게도 했구요.






맨 온 와이어 (Man On Wire)
제임스 마쉬 감독

그냥 포스터에 이끌려 보게 되었던 '맨 온 와이어'는 다큐라서 주는 흥미로움과 다큐답지 않은 극적인 요소가 완벽하게 결합한 작품이었습니다. 이야기 자체가 주는 힘과 이를 그리는 방식의 진정성이 뒷받침 하는 가운데, 마지막 그 찰나의 순간의 경험은, 실제 이를 경험한 필리페 페티에 그것에는 절대 못미치겠지만 그래도 그 찰나를 스크린으로나마 경험할 수 있었던 것은 아직도 생생하게 뇌리에 남았네요.






예언자 (Un Prophète)
자크 오디아르 감독

'예언자'는 오랜 만에 본 무게 있는 작품이었던 것 같아요. 전체적인 분위기나 범죄를 다루는 방식, 그 안에 캐릭터를 넣은 방식이 회색 빛이라 좋았죠. 특히 '과정'을 그린 좋은 텍스트라고 생각되네요. 제목이 주는 강렬함, 그리고 그로 인해 유추할 수 있었던 몇 가지 것들도 이야기거리가 되었었고. 한 번쯤 다시 보아도 좋을 것 같네요.






인 디 에어 (Up in the Air)
제이슨 라이트먼 감독

올 상반기 극장에서 본 작품들 가운데 취향에 상관없이 누구에게나 쉽게 권할 만한 좋은 작품을 꼽자면 제이슨 라이트먼의 '인 디 에어'를 첫 번째 손가락으로 꼽을 수 있을 것 같아요. '주노'를 통해 평범하지만 진리를 그렸던 그답게, '인 디 에어'에서는 좀 더 깊은 삶의 얘기를 한 남자와 그 주변 사람들의 이야기로 이해하기 쉽게 그려냅니다. 조지 클루니라는 배우의 역량이 백분 발휘된 작품이었죠. 






셔터 아일랜드 (Shutter Island)
마틴 스콜세지 감독

'셔터 아일랜드'는 올 상반기 가장 뜨거웠던 작품 중 하나였죠. 개인적으로는 이 작품의 결말의 방향성의 여부가 별로 중요하지 않다고 생각하는 입장이긴 하지만, 오랜만에 영화를 보고나서 이것저것 이야기해볼 것이 많은(그러고 싶게 만드는) 작품이라는 점에서 더 흥미로운 작품이었던 것 같네요. 디카프리오를 비롯한 배우들의 연기, 그리고 스콜세지가 만든 미장센에 감탄했는데, 올 상반기 호불호가 가장 크게 갈렸던 '셔터 아일랜드'에 대한 저의 견해는 물론 '호' 입니다. 






시리어스 맨 (A Serious Man)
코엔 형제 감독

'파고'를 비롯한 코엔 형제의 예전 영화들도 물론 좋아했었지만 개인적으로는 '노인을 위한 나라는 없다' 이후의 작품들을 더 선호하는 편이에요. '번 애프터 리딩'도 좋았었는데, 이런 취향에 정점을 찍은 작품이 바로 '시리어스 맨'이었죠. 이 작품을 보면 볼 수록 '아, 진짜 코엔 형제는 천재구나'라는 생각이 절로 드는데, 이렇게 삶이라는 것에 대해 유머와 진지함의 완벽히 조화를 이뤄가며 전달하고자 하는 메시지와 영화적 재미마저 주는 이들의 영화기술은, 날로 대단해지는 것만 같습니다. 많이 배웠던 작품이었어요.







공기인형 (空気人形)
고레에다 히로카즈 감독


사실 이 리스트에 추가할까 말까 끝까지 고민했던 작품 중 하나가 바로 '공기인형'이었는데, 돌이켜봤을 때 다른 작품들에 비해 남는 잔상이나 깊이는 덜했지만, 고레에다 히로카즈 세계의 연장선에 있는 작품으로서 (그리고 팬으로서) 또 한번 빠져들지 않을 수 없는 작품이어서 최종적으로 리스트에 추가하게 되었습니다. 작품이 주는 메시지보다는 오히려 그 '공기'가 더 매력적인 작품이었죠. 







킥 애스 (Kick-Ass)
매튜 본 감독

'힛 걸' 이라는 인기 캐릭터와 더불어 이를 연기한 클로 모렛츠를 일약 스타덤에 올린 작품 '킥 애스'. '다크 나이트' 이후 힘을 잃었던 (아니 겁먹었던) 히어로물의 새로운 비전을 제시하는 동시에, 기본적인 것에 매우 충실한 작품이기도 했죠. 웃어 넘길 수 없는 것과 그냥 웃어 넘겨도 괜찮은 것이 같은 것일 때에도 아무런 문제가 발생하지 않는 흥미로운 작품이었던 것 같네요.







하하하
홍상수 감독

앞서 '시리어스 맨'을 이야기할 때 코엔 형제의 작품들에 대한 선호도와 비슷한데, 개인적으로는 홍상수 감독의 작품 역시 '잘알지도 못하면서'부터 훨씬 더 좋아진 경우에요. 사람들은 흔히 홍상수 영화를 이야기할 때 '먹물' '속물' 등의 표현을 쓰곤 하는데, 전 이것보다는 그 안에 홍상수 감독이 정말 얘기하려는 무엇, 그러니까 너무 순수해보여서 이게 맞나 싶을 정도의 것이 점점 확인된다는 점에서, 이제는 좋아하는 것을 넘어서서 '동의'의 수준으로 발전된 것 같네요. 홍상수 월드의 공감대가 점점 확산되고 있어요~







시 (Poetry)
이창동 감독

21세기에 영화를 통해 시를 쓸 수 있는 감독은 과연 몇이나 될까요. 적어도 국내에서 이를 제대로 실현할 수 있는 내공을 갖고 있는 감독은 이창동 감독 뿐이 아닐까 싶습니다. 전 사실 그의 대표작들로 꼽히는 '박하사탕' '오아시스'등은 너무 자극적이고 과한 느낌이 있어 별로 좋아하지 않았었는데, '시'를 보고나서는 '아, 이 사람 정말 차원이 다른 시를 쓰는구나'라는 생각이 절로 들더라구요. 현재까지 개인적으로 이창동 감독 작품 중 베스트는 단연 '시' 입니다.







드래곤 길들이기 (How To Train Your Dragon)
딘 드블루아, 크리스 샌더스 감독

드림웍스는 언제부턴가 '픽사'라는 라이벌 스튜디오의 그림자의 가려 이렇다할 방향성을 제시하지 못했었는데 (물론 그 가운데 '쿵푸팬더' 같은 작품은 제외해야겠죠), '드래곤 길들이기'는 작품 자체도 좋지만 드림웍스가 드디어 자신들만의 방향성을 잡았다는 것에 더 큰 의미를 부여할 수 있는 작품이겠죠. 사실 이 이야기는 매우 교훈적이고 단순하고 익숙한 구조인데, 픽사가 잘하는 것이 바로 그것이거든요. 다 아는 얘기로 울리고 감동 받게 하는것. 드림웍스도 자신들 나름대로 이런 것을 터득한 것이죠.






2010년 하반기에도 좋은 영화 많이 만나시길 바랍니다~



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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모든 이미지의 권리는 각 영화사 에 있습니다.




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제14회 부천국제판타스틱영화제 - 스케치
(14th PiFan)


PiFan과 펜타포트의 공통점이라면 둘 다 항상 비와 함께 한다는 것일 텐데, 이번 피판은 하루만 겨우 다녀온 탓에 이런 비를 경험할 새도 없이, 좋은 날씨에 영화제를 잠시나마 즐겨볼 수 있었다. 사실 하루, 그것도 겨우 한 작품만 보고 온 탓에 제대로 영화제를 즐겼다고는 할 수 없지만, 적은 시간을 내어 이렇게 멀지 않은 곳에서 괜찮은 영화제를 즐길 수 있다는 것은 여전히 행운인 것 같다. 특히나 고대했던 작품을 보게 되었고, 작품도 너무 만족스러웠던 탓에 ('골든 슬럼버') 더더욱 즐거운 영화제가 되었던 것 같다.



'골든 슬럼버'의 상영은 '한국만화영상진흥원'에서 열렸는데, 이번 피판 덕에 방문하게 된 만화영상진흥원은 다음에 좋은 기회가 있다면 한 번쯤 또 찾고 싶은 생각이 들 정도였는데, 애니메이션과 만화를 좋아하는 이들이라면 이 곳의 프로그램을 주시해볼 필요가 있겠다.



영화제의 재미 중 빼놓을 수 없는 것은 역시 셔틀버스 타기. 이번엔 일정이랄 것도 없는 일정이라 여기저기 갈아타고 기다리는 일을 딱 한번씩 밖에는 경험해보지 못했지만, 여튼 영화제의 백미는 셔틀버스 기다리며 프로그램 북을 뒤져가며 스케쥴 정리하기 일듯.




지난해 피판에 와서는 작은 노트 같은 것이랑 컵도 구매했었는데, 올해는 그냥 구경만 간단히 ^^;




이번 피판이 더 큰 주목을 (적어도 덕후들에겐) 받게 된 가장 큰 이유는 바로 건담 시리즈의 상영 때문이었을텐데, 진흥원에서는 아예 건담에 관련한 다양한 볼거리가 따로 마련되어 있었다. 직접 프라모델을 그 자리에서 조립해 보는 곳도 마련되어 있었고, 사람 크기만한 모형도 준비되어 있었으며, 그 자리에서 건담의 다양한 프라모델을 구매할 수 있도록 구비되어 있는 한편, 건담의 연대기를 비롯해 다양한 정보를 보기 좋게 펼쳐놓았다. 개인적으로 건담 팬의 열혈팬이 아니라는 사실이 아쉽기까지 했던 상황.











건담 팬이 아님에도 이 정도 사진을 담고 관심을 가졌을 정도니 팬들에겐 좀 더 좋은 시간이 되었을 듯~




그리고 '골든 슬럼버' 상영이후 연출을 맡은 나카무라 요시히로 감독과의 대화 시간. 영화가 워낙에 마음에 들어서 끝까지 자리에 남아 GV를 함께 했는데, 워낙에 감독의 팬 분들이 가득한 자리라 전작들과 원작에 대한 질문들이 많은 GV였다 ('골든 슬럼버' 리뷰는 곧 별도로 업데이트 예정).


사진 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


 

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눈물나는 그 장면 #2
빅 피쉬 (Big Fish)


사실 아무런 정보 없이 보게 되었던 '빅 피쉬'에게 기대했던 바는 정확히 이런 것은 아니었다. 어쨋든 이 영화를 보게 된 것은 팀 버튼 영화에서 만날 수 있는 기괴함 혹은 장난스러움을 만끽하기 위한 것이었는데, 물론 '빅 피쉬'에 그런 점이 없는 것은 아니지만, 이런 감동적인 스토리를 만나게 될 줄은 예상하지 못했었다. '빅 피쉬'는 기본적으로 이야기에 관한 이야기이자 무엇보다 아버지에 관한 이야기이다. 그저 허세 가득한 아버지의 많은 이야기들이 결코 거짓 만은 아니었음을 통해, 아들로서의 나와 내 아버지를 떠올리게 하는 정말 좋은 가족영화라 할 수 있겠다. 어쩌다보니 시리즈의 첫 번째, 두 번째 글을 모두 가족영화가 장식하게 되어버렸는데, '빅 피쉬'는 가족영화 중에서도 직접적으로 아버지에 관한 가장 좋은 영화 중 한편이라 할 수 있겠다. 하지만 팀 버튼은 눈물을 절대 쥐어 짜는 스타일이 아니다. 그 답게 웃고 즐기는 가운데 미치도록 눈물나는 장면을 만들어냈다.


ⓒ 2006 Twentieth Century Fox Film Corporation. All rights reserved


영화의 마지막 부분에 등장하는 아들과 아버지의 진정한 만남의 장면. 그동안 아버지를 제대로 이해하지 못했던 (혹은 하려하지 않았던) 아들은 마지막에 가서야 아버지의 진심을, 그리고 아버지의 이야기를 온전히 받아들이게 된다. 이 장면 하나보다는 이 장면 앞뒤로 이 시퀀스 자체가 정말 눈물나는 부분이라고 할 수 있는데, 웃으면서 드디어 바다로 나아가는 아버지와 그렇게 아버지를 웃으며 보내주는 아들의 모습은, 뭐랄까 형용하기 어려운 감정을 일으켰다. 사실 이 장면이 특히나 더 슬펐던 이유는 이 영화를 극장에서 보았을 때의 특별한 상황 때문이었는데, 같이 갔던 이가 아버지를 일찍 여읜 분이어서 영화 처음부터 훌쩍훌쩍 하더니, 결국 이 장면에 가서는 주체하지 못할 정도로 눈물을 흘렸기 때문이었다. 그래서 옆자리에 앉은 나에게도 그 슬픔이 고스란히 전해져 덩달아 더 큰 울음을 속으로 집어 삼켰던 것 같다. 

아직도 '빅 피쉬'를 생각하면, 그리고 저 강에서의 마지막 장면을 떠올리면 울컥하곤 한다. 나에게는 가장 좋은 아버지에 관한 영화 중 한편이었던 팀 버튼의 '빅 피쉬'였다. 


* 제목처럼 영화 속 눈물 나는 장면, 그래서 더 기억에 남는 한 장면을 가볍게 추억하는 시리즈가 될 것 같네요. 아, 그리고 남들과 좀 다른 포인트에서도 잘 울곤 하는 제 개인적인 기록이기도 하구요.


글 | 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 


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모든 이미지의 권리는 Sony Pictures 에 있습니다.



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인셉션 (Inception, 2010)
스포일러 없는 단상들


1. 개인적으로는 영화를 보기 전 정보를 최소화 하는 것이 영화를 즐기는데에 (더군다나 많은 것을 좌우하는 첫 관람일 경우라면 더) 최적화된 상태라고 보는 입장에서, 가능한한 직간접적인 누설을 다 피하였으나 그마저도 원치 않는 분들께서는 과감히 이 글을 패스해주시길 바랍니다. 보는 이에 따라서 아주 약간의 정보나 아님 본 사람의 대력적 느낌은 자신의 관람에 도움이 될 수도 있지만, 반대로 상상력을 제한하는 점이 분명히 있기 때문에 완벽한 무지의 상태에서 보길 원하시는 분들께서는 개봉일을 꾹 참고 기다려주세요 ^^;

2. 크리스토퍼 놀란의 '인셉션'을 시사회에 초대되어 먼저 관람할 수 있었습니다. 첫 경험을 아이맥스로 하고 싶었는데 아쉽게도 그러지는 못했네요. 사실 시사회를 별로 좋아하지 않는 입장에서 패스하려고 했는데, 이번 만큼은 개봉일까지 혹시라도 당할지 모를 일말의 스포를 아예 차단하기 위해, 가능한 빨리 보는 쪽을 택하게 되었습니다.

3. 예상했던 바와 같이 크리스토퍼 놀란의 '인셉션'은 굉장히 복잡한 다층적 구조로 이루어져 있습니다. 그렇기 때문에 영화가 시작하고나서 끝날 때까지 단 한시도 주의를 놓치지 말아야 합니다. 모든 것은 복선이 되고 단서가 되며, 파편의 조각이 되거든요. 이건 거대한 퍼즐 (혹은 미로) 같아서 조각마다 크기의 차이는 있겠지만 한 조각이라도 없으면 그림이 완성되질 않습니다. 더 정확하게 이야기하자면 본인은 다 맞추었다고 생각할런지 모르지만, 감독이 그린 그림과는 조금 다른 그림이 될 수도 있겠죠 (영화는 어차피 감독의 것이 아니라 관객의 것이지만, 이처럼 '퍼즐'형식인 경우에는 영화에 담긴 단서를 포착하면 할 수록 더 깊은 작품이 될 수 밖에는 없을 것 같네요).

4. 아무래도 필연적으로 '인셉션'은 감독의 전작 '다크나이트'와 비교될 수 밖에는 없을 텐데, 개인적으로 '다크나이트'는 매력적인 영화적 구조와 형식을 빌어 '메시지'를 전달하려는 작품이었다면, '인셉션'은 형식 그 자체에 대한 영화라고 볼 수 있을 것 같아요. 이미 '메멘토'를 통해 영화적 기술자임을 유감없이 보여준 놀란은 다시 한번 자신이 왜 이런 측면에서 '기술자'인지 더 나아가 '장인'의 소리를 들을 정도인지를 보여줍니다. 

5. 즉 '인셉션'의 이야기 구조나 스토리 자체가 아주 새로운 것은 아니에요. 무엇에서 가져왔다고 말하는 것조차 미묘한 스포일러가 될 수 있기 때문에 제외하고 이야기하자면, 이야기의 구조는 새로울 것이 없지만 이를 설계하고 배치하는데에 있어서 크리스토퍼 놀란은, 새로운 이야기를 즐길 때 만큼의 황홀한 감흥을 선사합니다. 

6. 사실 이렇게 완전히 메시지나 주인공의 이야기 (영화적 이야기 말구요)가 배제된 작품만으로도 충분히 괜찮다고 생각했었는데, 놀란 감독은 이를 완전히 배제하지는 않고 있어요. 디카프리오가 연기한 주인공의 이야기도 분명 존재하죠. 그래서 저 같이 주인공에게 쉽게 동화되어 감정이입 되는 이들에겐 여기서 오는 감동도 빼놓을 수 없겠죠.




7. 영화 속에 테마 곡으로 등장하는 노래에 귀 기울일 필요가 있습니다. 그 곡이 어떻게 쓰였느냐도 재미있지만, 그 곡의 제목과 가사가 주는 의미를 영화의 내용과 비교했을 때 오는 아이러니가 있죠. 크리스토퍼 놀란이 이 곡을 사용한 이유는 바로 이 아이러니에 있다고 생각되요. 물론 단순히 분위기 측면에서 훨씬 우아해지고 낭만적인 효과도 있었지만요.

8. 전 영화를 보기 전 포스터 조차 제대로 살펴보질 않았기 때문에 몇 명을 제외하고는 정확히 누가 출연하는지 파악하지 않았었는데, 톰 베린저가 출연하더군요. 정말 오랜만에 스크린에서 보는 그여서 그것만으로도 반갑더군요. 개인적으로는 레오를 제외하면 조셉 고든-레빗의 연기가 좋더군요. 사실 다 좋았는데 그냥 개인적 취향 때문에 조셉이 아주 조금 더 눈에 들어왔다는 정도에요. 그 좁은 어깨와 올백으로 빗어넘기는 헤어스타일이 인상적이더라구요.

9. 한스 짐머의 음악은 '다크나이트'를 연상시키는데, '다크나이트'의 경우 그 메시지를 더 돋보이게 했다면 '인셉션'은 역시, 장면에 더 힘을 실어주고 있다고 할 수 있겠네요. 

10. '매트릭스'와 비교되는 부분도 있고 '이터널 선샤인'을 연상시키는 부분도 있지만, 개인적으로는 엠파이어지의 평가에서 언급되었던 것처럼 찰리 카우프만의 '시네도키, 뉴욕'을 더 떠올리게 했습니다 (참고로 '시네도키, 뉴욕'은 현재까지 올해 저의 베스트 작품). 두 작품 모두 심연에 심연으로 파고들지만 추구하고자 하는 바는 정반대죠. 그런 면에서 이 두 작품은 각각 같지만 다른 길을 보여준 베스트라고 할 수 있겠네요.

11. 엔딩에 추가 장면은 없지만 놀란 감독이 넣어둔 장난스런 부분은 존재합니다. 영화의 엔딩과 맞물려 다시 한번 심연을 고민하게하는 감독의 장난이죠 ㅎ

12. 스포있는 본격적인 글은 많은 분들이 보신 후인 정식 개봉 후에 다시 올리도록 하겠습니다. 그 때는 마음껏 더 하고 싶은 이야기를 풀어볼 수 있겠네요. '다크나이트'를 인상깊게 보신 분들 가운데는 여러 의견을 갖고 있는 분들이 함께 섞여있다고 생각하는데, '인셉션'을 보고나면 조금은 이 집단이 나뉘어지지 않을까도 생각되네요. 

13. 아, 얼른 스포있는 글을 일기장에라도 적어야겠어요 ㅋㅋ




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)




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이클립스 (The Twilight Saga: Eclipse, 2010)
지루하지만 깊어가는 삼각관계


'반지의 제왕'은 처음부터 최고로 기대했던 시리즈였고, '해리포터'는 첨엔 그냥 애들 마법장난으로만 여겼었지만 시리즈가 거듭될 수록 점점 마음에 드는 작품이었다면, 이 작품 '트와일라잇'은 이왕 보게 된 거 어찌되었든 마무리는 지어야하지 않겠냐는 심정으로 매번 극장을 찾게 되는 작품이라 하겠다. 이런 시리즈물을 볼 때 주안점을 두는 부분은 각 작품이 시리즈의 한 부분으로서 충실한 가를 보게 되는데 (즉, 아주 지루한 부분도 나중에 몰려올 폭풍같은 하이라이트를 돋보이게 하기 위한 것이라면 그것으로서 충분히 의미가 있다고 생각된다), '트와일라잇'은 시리즈의 첫 편으로서 나름 나쁘지 않았다고 생각되었으나 두 번째 작품인 '뉴 문'은 속편이 나아가야할 부분을 거의 나아가지 않은, 일종의 정체된 속편으로서 많이 답답한게 사실이었다 (당시 리뷰 글에 원작을 읽은 분들의 조언을 따르자면, 원작 역시 거의 제자리 걸음이라는;; 다시 말해 영화만의 잘못은 아니라는 얘기).

그래도 앞서 이야기한 것처럼 내게 있어 '트와일라잇'은 어쨋든 보기 시작한 시리즈. 좀 더 정을 붙여보려 시리즈의 세 번째 작품인 '이클립스' 역시 극장에서 관람하게 되었다. 결론부터 이야기하자면 여전히 나아가는 부분은 더디지만, 진작에 나왔어야했을, 스토리 구조상 핵심적인 이야기가 드디어 모습을 드러냈다는 점에서, 살짝 맛만 본 듯한 느낌을 주었다. 실컷 맛보게 해주었으면 더 좋았을 테지만, 극중 에드워드의 말처럼 아직은 안되는 것인지 슬쩍 맛만 보여주더라.



ⓒ Summit Entertainment. All rights reserved

'트와일라잇' 시리즈의 약점은 서사가 너무 길고 클라이맥스가 사실상 존재하지 않는다는 점이다 (존재하나 존재로 느껴지지 않는다라고 해야겠다). 영화적으로 극적으로 그려질 대결구도는 아마도 시리즈 막판에 가셔야 본격적인 동시에 마지막으로 등장할 것 같은데, 거기까지 도달하기까지의 서사가 사실 많이 루즈한 편이다. '이클립스'는 그 허전함을 에드워드, 제이콥, 벨라의 삼각관계에 대한 깊이와 켈런 가의 다른 뱀파이어들의 사연들을 소개하는 것으로 채우고 있다. 사실 이 부분은 굉장히 마음에 드는 부분이었다. 제스퍼, 로잘리가 어떻게 뱀파이어가 되게 되었는지에 대한 회고는 흥미로운 부분이긴 했는데, 시리즈 3편에서야 등장한 것이 조금 뒤늦게 느껴지긴 했다.

개인적으로 '트와일라잇' 시리즈는 (원작을 읽지 않은 입장에서), 뱀파이어/늑대인간 등 흥미로운 판타지의 옷을 입었지만 근본적으로는 삼각관계라는 것에 대한 이야기라고 생각된다. 그러니까 벨라의 삼각관계를 더욱 극적으로 묘사하기 위해 뱀파이어와 늑대인간이라는 상극의 집단에 속한 캐릭터가 등장하게 되었고, 벨라는 그 사이에서 이러지도 저러지도 못하는 (확실히 지난 시리즈들보다 이 작품에서 벨라의 이런 갈등은 깊어진다) 이야기가 전개되는 것이다. 그런데 이야기는 이 삼각관계에 집중한 듯 하면서도 뱀파이어 일족의 대한 거대한 이야기와 늑대인간의 전설을 동시에 등장시킨다. 그런데 영화도 마치 극중 벨라처럼 삼각관계에 대한 이야기와 판타지에 관한 이야기 사이에서 고민하다보니, 이러지도 저러지도 못한 느낌이 계속 묻어나는 듯 하다. 차라리 시리즈의 한 편은 완전히 삼각관계에 집중해서 이야기를 더 깊게 전개시키고, 다른 한 편을 할애하여 뱀파이어와 늑대인간의 이야기를 전개했다면 좀 더 각각 흥미로운 작품이 되었을지도 모른다는 생각이 드는데, 영화는 매 시리즈 이 비중을 모두 가져가려다보니 매번 조금 심심하고 지리한 결과가 나오지 않았나 싶다.


ⓒ Summit Entertainment. All rights reserved


그래서 결론적으로는 초중반까지 진행되는 알콩달콩 러브스토리가 귀엽다기보다는 지루한 편에 속했으나, 후반에 거의 다 가서 펼쳐지는 삼각관계에 대한 본격적인 시퀀스는 마음에 드는 편이었다. 진작에 에드워드와 제이콥이 이런 대화를 나누었었더라면, 그래서 둘이 우정까지는 아니더라도 서로의 갈등을 직접 확인하고 인정할 건 인정하는 분위기가 조금 더 먼저 형성되어, 이를 토대로 이야기를 계속 전개해 나갈 수 있었더라면 더 흥미진진한 삼각관계가 되지 않았을까 싶다.

아, 그리고 시리즈 전반에 걸쳐있는 또 다른 정서라면 딸과 아버지의 관계를 들 수 있는데, 이 부분 역시 갈팡질팡에 포함되는 미묘한 비중을 차지하고 있어 소품 이상의 정서는 주지 못한다 (그래서 소품 이상의 정서를 이것이 주어야 한다는 것이 아니라, 넣었다면 더 살려야만 했던 요소였는데 그저 소품 정도로 밖에는 살리지 못했다는 의미).



ⓒ Summit Entertainment. All rights reserved

'트와일라잇 사가 - 이클립스'는 '뉴 문'을 보고 나서는 '아, 이 시리즈는 원래 이렇구나'라는 것을 깨달았기 때문에 큰 기대는 안한 탓인지 그럭저럭 즐길 수 있었던 작품이었다. 아마도 시리즈 마지막 편에 가서야 그 동안 지리부진하게 끌고 왔던 이야기를 한꺼번에 풀어놓지 않을까 싶다.


1. 아무래봐도 개인적으로는 로버트 패틴슨 보다 테일러 로트너가 더 잘생긴 것 같아요.
2. 그 꼭대기 텐트 장면은 참 인상 깊었는데, 그 이유 중 하나는 '저러다가 에드워드와 제이콥 둘이 사귀는거 아냐?' '제 2의 브로크백 마운틴? (거기다가 텐트?!)' 였기 때문 ㅎ
3. 가장 혼란스러웠던 점은 '빅토리아' 역할의 배우가 레이첼 르페브르에서 브라이스 달라스 하워드로 바뀌었기 때문이었는데, 다른 배역들은 다 그대로인데 빅토리아만 별다른 설명없이 배우가 바뀌어서, 빅토리아라는 캐릭터를 인지하는데 조금 시간이 걸렸어요.
4. 다코타 패닝은 냉혈한 '제인'역에 점점 잘 어울리는 것 같아 한편으론 마음이 씁쓸하더군요. '아이 엠 샘' DVD나 보며 아쉬움을 달래야 할듯.
5. 오랜만에 신작 영화를 디지털이 아닌 필름 상영으로 보았더니 살짝 적응이;;
6. 전편들과 비슷하게 음악들이 사용되고 있는데(뮤지션들의 면면도 비슷하죠), 그 효과 측면에서는 확실히 약해진 느낌이네요.



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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