the Real Folk Blues

단순한 진리

유키사다 이사오 감독, 쿠보즈카 요스케, 시바사키 코우 주연의 일본영화 'GO'는 그저 그런 반항하는 어린 시절에 대한 추억 쯤 으로만 이야기할 수는 없는 영화이다. 2000년 나오키 문학상을 수상한 이효진(가네시로 가츠키)의 원작을 바탕으로, 한일이 공동 제작한 작품인 'GO'는 가장 무겁다면 무거울 수 있는 재일 한국인, 혹은 조선인, 그리고 일본인에 관한 이야기를 진지하면서도 유쾌하게 그려내고 있는 작품이다. 특히나 이즈음에는 재일 조선인 여학생에 대한 일본인들에 폭력 사태가 큰 사회 문제로 대두되면서 일본과 북조선, 대한민국 사회 모두에 재일 조선인에 대한 정체성에 관심이 커졌을 때이기도 하다.
이 정체성에 대한 영화에 주장은 영화 속에서도 여러 번 언급되는 것처럼, 셰익스피어의 ‘로미오와 줄리엣’의 인용구 한 문장으로 정리할 수 있다.

‘이름이란 뭐지? 장미라 부르는 꽃을. 다른 이름으로 불러도 아름다운 그 향기는 변함이 없는 것을’.



영화의 주인공인 일본 이름 스기하라는 북조선 인민공화국 국적으로 재일 조선인이었으며, 한국 국적을 선택하면서 재일 조선인 학교가 아닌 일본인 학교에 다니며 이정호라는 대한민국 이름을 갖고 있는 고등학생이다. 스기하라는 재일 조선인이라는 자신이 선택하지 않은 국적과 상태 때문에 한국 국적을 선택한 뒤에도 재일 조선인 사회에서는 배신자로, 일본 사회 내에서도 여전히 이방인으로 차별 받았으며, 여자 친구와의 연애 관계에 있어서도 한국인이라는 사실이 걸림돌 아닌 걸림돌이 되어 또 한 번 상처를 받게 된다. 이러한 스기하라가 일본 사회 내에서 자기 자신을 지켜나가는 것은 폭력이라는 수단이다. 권투 선수인 아버지 아래서 강하게 자란 스기하라는, 강해지지 않으면 살아갈 수 없는 자신의 현실을 인정하고, 누가 뭐라 든 자신은 자기 자신으로서 나아가는(GO) 방식을 택한다.



재일 조선인이라는 애매한 신분은 스기하라가 선택할 수 있는 것도 아니었을 뿐더러, 이 굴레 아닌 굴레는 애초부터 차별에 조건이 되어 어느 곳에서도 환영 받지 못하는 존재로 만들어 버렸다. 영화 속에서 스기하라가 아버지와 몇 번 대립하게 되는 장면은 여러 가지로 의미가 있다. 스기하라로서는 부모가 물려준 차별에 굴레에 대한 본능적인 반항이며, 자신의 힘으로 해결하려는 자유행동이기도 하다. 결국 몇 번의 결투(?)에서 스기하라는 단 한 번도 아버지를 이기지 못하지만, 강하게만 보이는 모습 뒤엔 자기 자신도 재일 조선인으로서 온갖 차별을 겪어왔기에 자신에 자식에게는 이 같은 현실을 되 물림시키지 않고자 노력해왔던 것을 깨닫게 된다.



이 영화에서 또 하나의 중요한 시선은 여자 친구인 사쿠라이와 길가에서 만난 한 경찰관과의 대화에서 엿 볼 수 있다. 사쿠라이는 스기하라가 한국 국적이라는 사실을 처음 들었을 때에는 놀란 기색을 표하지만 결국에는 스기하라가 생각했던 것처럼 아무렇지도 않은 일로 여기게 되었고, 자신을 공격하고 달아났던 스기하라와 짧지만 진솔한 대화를 나눈 경찰은 ‘힘내’라는 말로 그를 위로한다. 이 같은 시각은 일본 내에서도 재일 조선인, 한국인에 대한 차별에 대해 반성하는 분위기가 있으며, 적어도 감독은 이 영화를 통해 같은 사회의 일원으로 따뜻하게 감싸 앉아야 한다는 정서를 전하고 있다.



'GO' DVD는 최근 출시되는 일본 영화들과는 다르게, 비교적 초기에 출시된 타이틀이라 스펙이나 서플 수록에 아쉬운 점이 많은 타이틀이다. 1.85:1 와이드스크린의 영상이나 돌비디지털 2.0만을 지원하는 사운드는 사실 영화의 분위기를 봤을 때 크게 부족함이 느껴지지 않는 부분이지만, 1장에 디스크에 실린 형식적인 서플먼트들은 조금 아쉬움이 남는다. 메이킹과 인터뷰 영상도 분량이나 내용이 알차다고 볼 수는 없으며, 그야말로 형식적인 줄거리와 인물 소개 등은 큰 흥미를 불러일으키지 못한다. 스펙이나 서플 등을 대폭 추가한 스페셜 에디션 버전 등으로 재 출시될 가능성은 거의 전무하다고 봤을 때, 만원이 채 안 되는 금액으로 좋은 영화를 소장할 수 있다는 것 자체에 만족해야 할 것 같다.

2004년 Grastonbury에서 가졌던 'Absolution Tour' 라이브를 수록한 DVD는 12곡의 실황 영상과 4곡의 보너스 라이브 영상을 수록하고 있다. 최근 앨범 'Absolution'에 수록된 'Apocalypse Please', 'Time is Running Out', 'Blackout' 등과 데뷔앨범에 수록된 'Sunburn', 'Muscle Museum', 그리고 2집 앨범에 수록된 'Bliss' 'Plug in Baby'등 전 앨범에 걸친 히트곡들이 고루 수록되어 있어, 국내 첫 번째로 출시되는 뮤즈라이브 DVD의 가치를 더한다. 보너스로 수록된 4곡의 라이브 영상은 영국과 미국에서 펼쳐진 소규모 게릴라 콘서트 등의 영상으로 또 다른 볼거리를 제공한다.

영상은 16:9 와이드스크린의 화질을 수록하였는데 영화 타이틀과 비교하였을 때 우수하다고는 볼 수 없지만, 야외에서 펼쳐진 라이브 실황 타이틀임을 감안하였을 때에는 감상에 전혀 지장을 주는 정도는 아니니 안심해도 될 듯. 라이브 타이틀에서 중요한 점은 뭐니 뭐니 해도 사운드에 있다 할 수 있는데, PCM스테레오만을 제공하는 사운드는 역시나 조금 아쉽다. 첫 술에 배부를 순 없겠지만 DTS 사운드나 5.1채널 사운드가 수록되지 않은 점과 별다른 서플먼트가 수록되지 않은 점은 아쉬움으로 남는다.

2006.04.04

글 / ashitaka

영화에 대부분을 차지하고 있는 3명의 인물

그 첫 번째 / 필립 K.딕 (Philip K. Dick)

영화 [블레이드 러너]의 원작이었던 [안드로이드는 전기양의 꿈을 꾸는가? (Do Androids Dream Of Electric Sheep?)]와 [토탈리콜]의 원작 단편인 [도매가로 기억을 팝니다 (We Can Remember It For You Wholesal)]로 영화팬들에게도 잘 알려진 현대 공상과학 소설가이다. 그의 작품들은 몇 가지 공통점들을 가지고 있는데, 그 중 첫번째는 경계에 관한 것이다. [블레이드 러너]에서 그는 인간보다도 더 인간적인 안드로이드를 그려내며, 인간적인 것과 비인간적인 것의 경계에 모호함에 대해 이야기하고 있다. 자신의 존재 가치에 대해 고뇌하고 죽음과 현실에 슬퍼하는 안드로이드 와, 자신들이 만든 인간의 모습을 한 안드로이드에게 너무쉽게 총탄과 파괴를 일삼는 인간들을 교차시키며 진정한 인간다움의 기준을 우리에게 반문하기도 하였다. [토탈리콜]에서는 현실과 환상, 시간과 선악의 모호함까지 얘기하고 있으며, [마이너리티 리포트]에서는 미래를 보는 예지자들과 그들의 예언을 따라 일어나지도 않은(일어날 것이라는)살인에 연루된 사람을 체포하는 모습에서 원인과 결과 사이에 모호함을 우려하고 있다.



두번째는, 어둡고 암울한 미래의 모습인데 [마이너리티 리포트]에서도 역시 이러한 모습이 잘 나타나고 있다. 물론 스필버그가 감독을 맡은 탓에 그의 소설을 원작으로 했던 이전 영화들보다는 덜 어두운 미래의 모습을 보여주고는 있지만 그래도 스필버그의 영화치고는 제일 어두운 분위기의 작품 중 하나인 것만은 확실하다. 이러한 어두운 미래사회의 모습은 그의 삶과도 관계가 있다고 할 수 있겠는데, 그가 태어나면서 세상을 떠난 쌍둥이 누이들과 5살때의 부모의 이혼, 정신분열 환자로까지 불렸던 그의 신경과민 증세 등은 그의 정서를 어둡게 했고 이러한 것은 고스란히 그의 소설속에 스며들었다. 하지만 영화화된 그의 원작소설들에서 보여준 그 만의 철학적 깊이와 고뇌만으로도 그를 감히 정신병자라고 부를 수는 없을 것이다.

두 번째 / 톰 크루즈

톰 크루즈는 왠지, SF 영화는 적어도 한 두편 정도는 출연했던 걸로 생각되지만 의외로 그는 [마이너리티 리포트]에서 처음으로 블루스크린 앞에서 연기하였다. 그 자신은 이런 경험은 처음이라 상당히 어색하고 힘들었다고 했지만, 스텝들의 말처럼 톰 크루즈는 존 앤더튼 역을 완벽하게 연기해냈다. 그는 또한 헐리웃 최고의 몸값을 자랑하는 비싼 몸이시지만, 마치 미국의 성룡을 꿈꾸는 듯 스턴드 연기에도 가능한한 직접적으로 몸을 던지는 편이다. 이미 [미션 임파서블 2]의 인트로장면에서 정말 살떨리게 살벌했던 암벽등반 장면을 직접 연기하였고, 이번 [마이너리티 리포트]에서도 와이어 액션장면들과 스턴드 장면들도 대부분은 그가 직접 소화하고 있다. 코의 높이가 1cm만 낮았어도 일찍이 오스카를 수상했을 거라는 얘기도 있듯이, 톰 크루즈는 [마이너리티 리포트]에서도 드라마적인 요소를 가능하게 하는 좋은 감정연기를 보여주었다.



마지막 / 스티븐 스필버그

필립 K.딕의 뛰어난 원작소설과 SF장르에는 처음 출연하는 톰 크루즈 모두를 잘 어울러 영화를 완성시킨 것은 바로 감독 스티븐 스필버그였다. 그는 데이빗 핀처나 오시이 마모루 등의 감독이 맡았을 법한 필립 K.딕의 소설을 원작으로, 이전에는 자주 시도하지 않았던 어둡고 암울한 분위기의 스릴러물을 만들어냈다. 하지만 역시 스필버그 답게 그 사이에 아들을 잃은 아버지의 슬픔의 감정을 부각시키며 감동에 요소를 포함시켰다. 스필버그의 이러한 시도는 기존의 자신의 방식을 좋아하는 팬들과 좀 더 어둡고 스릴러적인 방식을 좋아하는 관객들을 함께 껴안으려는 노력으로 보여진다.



DVD 시스템에 잘 어울리는 타이틀

[마이너리티 리포트]는 영화 출시전의 기대와 마찬가지로, DVD로서의 출시도 많은 매니아들에 상당한 기대를 모아왔었다. 몇 번의 출시일 연기끝에 발매된 [마이너리티 리포트 SE]타이틀에 대해 화질과 사운드, 서플먼트 부문으로 나누어 알아보도록 하자.

화질 - 16:9 Widescreen Version

오래전의 필름 느와르를 표방하며, 어두운 색채와 거친 색감등을 의도한 [마이너리티 리포트]의 화질은 개인의 취향에 따라 다르게 느껴질 만한 여지가 있다. [라이언 일병 구하기]에서 현실감 넘치는 영상으로 촬영상을 받았던 촬영감독 야누스 카민스키는 영화의 느와르적 특성을 살리기 위해 기존의 방식에서 벗어나 독특한 촬영방식을 택했다고 한다. 이러한 카민스키의 촬영기법은 영화의 어두운 분위기와 맞물려, 시종일관 차가운 느낌의 파란색과 빛의 강도 조절로 몽환적이면서도 어느 정도 현실적인 미래사회를 그려내고 있다. 이러한 독특한 촬영과 영상 스타일은 의도된 것이긴 하지만, 개인적으로 깨끗하고 선명한 화질을 선호하는 이들에게는 조금의 거부감도 생길 수 있을 것 같다.



사운드 - DTS/DD 5.1

화질에서는 개인의 취향에 따라 조금의 편차가 있을 수도 있지만(그렇다고 해서 화질이 좋지 않다는 말은 아니다), 사운드에 관한한은 논란에 여지가 없을 것 같다. 돌비디지털 5.1 채널에서 들려오는 사운드도 듣기 좋지만, DTS를 지원하는 플레이어라면 주저할 것 없이 DTS를 선택해야 할 것이다. DTS 시스템의 찬사는 이를 재공하는 타이틀의 발매시마다 반복되고 있는 것이긴 하지만, 여기에는 다 그럴만한 이유가 있다. 더군다는 이 영화는 미래사회를 다룬 SF물이 아니던가. 아무래도 드라마 보다 SF나 액션물에서 사운드가 더 빛을 발하는 것은 자명한 일이다.



각 영화마다 실감나는 사운드를 체감할 수 있는 장면들이 있는데, 이 영화에서도 마찬가지로, 톰 크루즈가 '후버팩'이라 불리우는 장비를 갖춘 동료들에게 쫓기는 추격씬에서 그 진가가 들어난다. '후버팩'에서 내뿜는 불꽃과 굉음은 우퍼로 전달되어 실감나는 효과음을 들려주고, 바닥을 기어다니듯 질주하는 장면과 집들을 여기저기 통과하는 장면에서도 역시 DTS의 진가를 느낄 수 있다. 이외에도 자동차 공장의 기계들의 효과음이라던가 자기부상 자동차의 이동음들은 존 윌리암스의 스코어와 잘 어울리며 레퍼런스급 사운드를 들려주고 있다.

Special Features

[반지의 제왕: 디렉터스 컷]의 여파 때문인지, 이제는 어지간한 퀄리티의 서플먼트가 아니면 성이 안차게 되어버렸다. [마이너리티 리포트]의 서플먼트는 본편과는 별도의 디스크에 담겨져 있고 퀄리티도 보통은 넘는다고 할 수 있으나, 워낙에 기대가 컸던 타이틀이라서인지 조금은 아쉬움이 남는다. 그 중에서 발매전 재공되었던 정보들과는 달리 감독인 스필버그의 음성해설 트랙이 수록되지 않은 것이 가장 아쉬운 점이었다. 하지만 이외에 수록된 서플먼트들은 상당히 유익하고 흥미로운 것들이다.



'Minority Report - From Story to Screen Faturettes'에서는 스필버그의 설명으로 영화 사전 제작과정에 대해 들을 수 있고, 'Deconstructing Minority Report Featurettes'에서는 각종 시퀀스를 통해 제작에 관한 다큐멘터리를 재공하고 있다. 'The Stunt of Minority Report Featurettes'에서는 스턴트 장면이 쓰였던 씬들을 위주로 톰 크루즈와 스텝들의 인터뷰를 수록, 스턴트 장면에 관한 다큐멘터리를 보여준다. 스턴트를 담당하고 있는 스텝에 말을 따른다면 톰 크루즈는 거의 스턴트맨에 가깝다. 또한 특수효과를 담당한 ILM에 영화제작 과정을 담고 있는데, 영화속 홀로그램이나 호버팩 등의 탄생과정을 옅볼 수 있다. 'Final Report'에서는 공동작업으로 화제를 모았던 스필버그와 톰 크루즈가 등장하여 서로에 대해 찬사를 늘어놓는다. 마지막으로 'Archives'에서는 제작 컨셉과 스토리보드, 배우와 제작진들의 프로필, 제작노트 등을 볼 수 있고, 극장용 예고편도 수록하고 있다.



21세기형 SF느와르

영화의 스탭과 배우들이 언급하였던 이 영화는 액션영화라기 보다는 스릴러 장르의 느와르라 해야 옳을 것이다. 범인을 추리해가는 앤터튼의 모습은 [미션임파서블 1]의 이던 헌트와 닮았고, 차가운 미래사회의 이미지는 [블레이드 러너]와 크게 동떨어진 모습은 아니었다. 이 영화에서 가장 주목해야하고 가장 아이러니한 것은 바로 프리 크라임(Pre-Crime)의 시스템인데 영화속에서도 반문하듯, 이 시스템은 한 번 생각해 볼 만하다. 예언자에 의해 살인이 예언되어 살인 현장을 급습하여 이를 막게 되면 결국은 살인은 일어나지 않게 된다. 그렇다고 한다면 예언자의 예언은 결과적으로 틀린 것이 된다. 이러한 원인과 결과에 대한 모호함과 혼돈은 이 영화를 그저 단순한 SF영화에 틀에서 벗어나게 하였다. 만약 이 영화를 스필버그가 아닌 다른 감독이 감독했다면 얘기는 달라졌을지도 모른다. 앤더튼은 마치 [세븐]에 브래드 피트와도 같이, 자신이 잘못하는 것을 뻔히 알면서도 그를 죽일 수 밖에 없었을 것이다. 하지만 스필버그의 영화속에서 앤더튼은 방아쇠를 당기는 대신, 미란다의 법칙을 얘기하고 있었다. 여기에서 영화가 끝나버릴 수도 있었지만, 이후에 반전을 위해 영화는 계속 진행된다.(혹시 스포일러가 될 수도 있음에 더이상은 언급하지 않겠다)

만약 영화 속에서와 같이, 멀지 않은 가까운 미래에는 정말 미래를 예언하는 시스템이 도입될 지도 모를일이다. 하지만 영화속에서 우리에게 전하는 메시지와도 같이, 만약 미래마저 정해져 있다면 얼마나 참혹한 일이겠는가. 분명한 것은 꼭 스필버그 식의 희망을 믿지 않는 자들이라 하더라도, [빽 투 더 퓨처]에서와 같이 미래의 사진은 지금 어떻게 하느냐에 따라 결정되어 질 것이다. 아니 그렇게 믿고 싶을런지도...

그렇다면 'and'는 누구인가? 더 이상 연기력을 논할 여지가 없는 로버트 드니로가 그 주인공이다. 로버트 드니로는 이 영화에서 출연하는 러닝 타임은 길지 않지만, 영화의 제목이기도 한 ‘위대한 유산’과 직접적으로 관련되는 중요한 인물로서 짧지만 강한 인상을 준다. [위대한 유산]은 이렇듯 젊고 색깔 있는 두 배우와 노련미가 저절로 느껴지는 두 배우가 조화를 이루면서, 영화의 완성도는 뒤로 하더라도 연기력만큼은 누구에게나 인정받는 영화가 되었다.

[위대한 유산]의 아름다운 영상과 이야기를 더욱 돋보이게 한 것은, 장면 장면을 더 인상 깊게 만들었던 음악이었다. 영화와 잘 맞아 떨어지는 팝과 락 넘버들이 수록되어 있는데, 몇몇 아티스트들이 눈길을 끈다. 먼저 'Finn Runs'와 ‘Siren' 두 곡을 수록하고 있는 토리 에이모스를 들 수 있겠다. ’Siren'으로 에스텔라와 그림을 모두 접고 일상으로 돌아가 모든 것을 잊고 살아가려는 핀의 마음을 빠른 리듬과 그녀만의 신비한 음색으로 전하고 있다. 그 다음 수록 된 곡은 모노(Mono)의 ‘Life is Mono'인데, 토리 에이모스와 마찬가지로 몽환적이면서도 신비스런 노래로 핀과 에스텔라의 묘한 관계를 역설하고 있다.

이 외에도 최근 오디오 슬레이브(Audioslave)로 활동 중인 크리스 코넬(Chris Cornell)의 'Sunshower'과 펄프(Pulp)의 ’Like a Friend', 스톤 템플 파일러츠(Stone Temple Pilots)의 보컬이였던 스콧 웨일렌드(Scott Weiland)의 ‘Lady Your Roof Brings Me Down', 그리고 이기 팝(Iggy Pop)의 ’Success'까지 편안하면서도 강렬한 락 음악들이 수록되어 있다. 하지만 이러한 락 음악들보다 [위대한 유산]에서 더욱 기억이 남는 곡은 아마도 ‘Besame Mucho'일 것이다. 세사리아 에보라(Cesaria Evora)가 부르는 ’Besame Mucho'는 영화 속 딘스무어가 흥얼대던 그 느낌과 핀과 에스텔라의 슬픈 사랑, 그리고 핀의 성공과 그를 뒤에서 후원한 루스티그의 운명까지도 모두 포용해 버리는 원숙함을 들려준다. 또한 사운드 트랙의 맨 마지막에 자리하였듯, 이 한 곡으로 영화의 모든 감정을 모조리 정리해 버린다고 해도 과언이 아닐 정도로 많은 장면과 감정들을 스쳐가게 한다.


2003.06.13
글 / 아시타카

라디오에서 흘러나왔던 루이 암스트롱의 ‘What a Wonderful World'를 엔딩에 배치하면서, 우리가 지금 살고 있는 현재에 인식하지 못하고 있는 것들에 대해 ’이, 얼마나 아름다운 세상인가‘하며 감사의 마음을 되묻고 있는 것이다. 또한 극 중의 ’12 몽키즈‘란 비밀 조직은 바이러스를 퍼트린 이들이 아니었으며, 그저 동물에 대한 무분별한 실험에 항거하는 단체였음을 보여주면서, 역시 자연과 환경에 대한 생각할 거리를 한 번 더 던져놓고 있다. ‘What a Wonderful World’가 슬프게 들리지 않을 때야말로, 우린 정말 잘 살고 있다 말할 수 있을 것이다.

2003.05.09
글 / 아쉬타카

영화화를 우려했던 가장 큰 이유는, 아무도 짐 모리슨을 연기할 수 없을 것이라는 점이 가장 큰 이유였다. 이러한 점은 도어즈를 알고있는 사람이라면 누구든지 공감할 만한 이유였으며, 가장 더렵혀지고 외곡되길 원치 않는 존재였기에 우려는 더하였다. 로비 크리거의 말을 빌리자면, 처음 발 킬머를 보았을 때는, 그가 절대 짐 모리슨이 될 수는 없을 것이라고 여겼었다. 하지만 짐을 연기하려 하지않고, 그냥 그가 되버리려고 접근하였던 발 킬머를 결국에는 로비 크리거도 짐이라도 자연스럽게 부르게 될 정도로 완벽에 가까운 짐 모리슨의 모습을 스크린에 투영하는데 성공하였다. 자라온 환경이나 정서가 짐 모리슨과 크게 다르지 않았던 발 킬머는, 대부분의 노래하는 장면 등에서도 립싱크가 아닌 직접 노래하는 열성도 보여주며, 이 영화로서 '배우'의 반열에 들만한 열연을 펼쳤다. 짐 모리슨 일생의 사랑이었던 파멜라를 연기했던 맥 라이언도 우리가 알고 있는 그녀의 모습과는 조금 다른 파격적인 연기를 선보였다(물론 이것은 그녀가 너무 뻔한 로맨틱 코미디 영화의 이미지가 굳어져 버린데에 있다). 완전한 픽션인 대부분의 영화들에 비해 사실관계가 존재하는 영화인 탓에 자료조사와 인물에 관한 깊은 연구가 필요했던 연기자들은, 사실과 픽션 사이에서 일정선을 유지하며 결코 쉽지 않은 연기를 과감하게 펼쳤다.



영화의 제목은 [도어즈 (Doors, the)]이지만 사실 이 영화는 짐 모리슨의 전기영화라 불러도 좋을 것이다. 그도 그럴 수 밖에 없는 것이, 도어즈를 얘기할 때 짐 모리슨을 빼고는 시작도 끝도 맺을 수 없을 정도로 그의 팀내 비중은 절대적인 것이었기 때문이다. 삶과 죽음의 경계에 관해 깊은 관심을 보였던 짐 모리슨. 영화 속에서 느낄 수 있는 짐 모리슨의 모습에는 카리스마로 좌중을 압도하는 락스타의 모습도 있지만, 순수한 영혼을 가진 시인의 모습도 엿볼 수 있다. 영화 속에도 등장하며 짐에게 주술적인 세계와 의식 등을 소개하였고 또한, 영화를 가장 못 마땅하게 여겼던 사람 중 한 명인 파트리샤에 말에 따르면, 짐 모리슨은 어린아이와도 같은 순수함을 지녔고 정중하고도 친절한 신사였다고 한다. 그녀는 이러한 진실된 면은 영화 속에서 배제되고 오로지 마약과 술에 쩔은 광기어린 락스타로만 그려진 짐의 모습 때문에(자신에 관한 묘사부분도 별로 맘에 들지 않았던 것 같다)영화에 관해서는 그리 호의적이지 않았던 것 같다.



한 편의 시와도 같았던 그의 일생은, 어찌보면 그를 끈질기게도 따라다녔던 죽음의 그림자로 막을 내렸다. 그 자신은 항상 사막과도 같이 황량하고 순탄치 않은 길을 외롭게 걸으며 괴로움속에 모든 것을 초월하기를 꿈꿔왔지만, 당시의 젊은이들에게 짐 모리슨은 젊음과 억압에 대한 목마름을 해소시켜주는 오아시스 같은 존재였다. 그렇기에 더더욱 카리스마로 무대를 휘어잡으며 자유와 영혼에 대해 노래하던 짐 모리슨과 동시대를 살지 못했다는 것, 또한 그의 이러한 모습을 직접 두 눈으로 확인할 수 없다는 것은 못내 깊은 아쉬움으로 남는다.

출시 연기로 따지자면 이 영화 [도어즈 SE]도 손가락에 들 정도로 계속되는 연기 끝에 드디어 발매가 되었다. 출시 연기에 이유는 몇몇 장면에 관한 심의 덕분(?)이었는데, 심의를 담당하는 어른들께서는 아무래도 시청자를 걱정하는 마음에 그럭저럭 통과시키기가 여간 어렵지 않았던 것 같다. 이미 작년부터 발매예정일이 발표된 후 몇달이나 지나서야 연기끝에 나온 타이틀은 비교적 만족할 만한 수준의 퀄리티를 보여주었다.

일단 발매 하루전까지도 이렇다 저렇다 말이 많았던 사운드는, 다행히도 DTS트랙을 포함하게 되었다. DTS를 통해 전해오는 도어즈의 흥겨운 음악은 돌비디지털로는 느낄 수 없는 웅장함과 무게를 전해준다. 화질도 최근 개봉한 영화들과의 비교에는 조금은 어려움이 있지만, 10년 전 개봉한 영화치고는 깨끗한 화질을 선보인다. 타이틀은 총 2장의 디스크로 이루어져 있는데, 1번째 디스크에는 영화 본편이 수록되어 있고, 두번째 디스크에는 각종 서플먼트들이 수록되어 있다. 첫번째 디스크에는 보통의 장면 선택외에 곡들 위주로 선택할 수 있는 섹션이 있어서 노래 위주로 장면을 선택할 수도 있다. 두번째 장에는 여러가지 다양한 서플먼트 들이 수록되어 있는데, 'Featurette' 'The Road to Excess'란 제목의 다큐멘터리 등은 영화와 도어즈를 제대로 이해하는데 중요한 정보들이 실려있다. 감독인 올리버 스톤과 도어즈의 기타 리스트인 로비 크리거, 그리고 위에도 잠깐 언급하였듯이 왠지 불만이 많아보이는 파트리샤, 짐 모리슨 역을 맡은 발 킬머 등 주요배우들과 실존 인물 등의 인터뷰 장면이 수록되어 있다. 다른 영화들의 서플먼트들의 중요성 보다는 아무래도 실존하던 밴드와 인물의 이야기를 담은 영화인지라 그 의미가 더욱 크게 느껴진다. 이외에도 삭제장면들이 수록되어 있는데, 영화의 시간상, 내용상 삭제된 장면들을, 씬에 관한 친절한 한글 설명을 덧붙여 제공하고 있다. 삭제장면 외에 다른 서플먼트에서도 친절하게까지 느껴지는 한글 설명을 볼 수 있다.



마지막으로 이 영화 [도어]는, 도어즈의 팬들에게는 그들의 대한 기억과 그리움을 불러 일으키게 할 것이고, 이전까지는 고작 이름만 아는 것뿐 도어즈에 대해 잘 몰랐던 이들조차도, 마치 우연히 주말저녁 밤늦게 TV에서 나오는 [밴디트]를 보고 사운드트랙을 미친듯이 찾아 구매하듯(참고로 밴디트 타이틀은 절판이 되어 현재는 전설로만 남았습니다), [헤드윅]을 보고 또한 고가에 달하는 사운드트랙을 주저없이 구매하듯, 도어즈에 음악에 대해 미친듯이 구매욕을 불태울 수 밖에 없게 될 영화가 될 것이다.




2003.02.17
글 / 아시타카

위에도 언급하였듯이 그 동안 영화로는 별 재미를 보지 못했던 장동건은 <친구>한 편으로 최고 흥행배우의 반열에 오르게 되었다. 그런 그가 <2009 로스트 메모리즈>이후 선택한 영화는 의외의 저예산 영화인 <해안선>이었다. 워낙 이전에 흥행참패를 많이 겪었던 이력이 있어서 인지, 장동건은 이른바 ‘떳을 때 바싹 버는’ 길을 버리고 김기덕 에게로 안겼다. 이러한 그의 모험아닌 모험은 일단 비교적 성공적이었다고 할 수 있다. 흥행과 비평은 제쳐두더라도 배우인 장동건을 위해서 말이다. 김기덕 감독은 <섬>, <수취인불명>등 이전 영화에서도 그만의 독특한 스타일로 한정된 공간과 분단 상황 등을 그려왔는데 이 작품 <해안선>역시도 한정된 공간을 다루었다는 점에서는 크게 다르지 않았다. 하지만 어느 정도 예감했었던 것처럼 거대한 정치적 이데올로기 같은 부담스러운 이야기들은 존재하지 않았다. 오로지 한 인간에 대한 고뇌와 고통만이 있었을 뿐이었다.



강한철 상병(장동건 분)은 해안경비대 소속의 군인이다. 그는 제대 날짜만 세고 있는 다른 군인들과는 다르게 임무에 지나칠 정도로 충실하고 반드시 간첩을 자신의 손으로 잡겠다는 의지가 강한 남자이다. 그러던 어느 날 밤 술김에 출입금지 구역에 들어왔던 근처에 사는 두 남녀를 발견하게 된다. 이를 간첩으로 오인한 강한철 상병은 무자비하게 남자에게 총격과 수류탄을 퍼붓는다. 하지만 상황종료후 이들이 간첩이 민간인임을 알게 된 강한철은 심한 정신적 충격을 받게 되고, 총살된 남자의 애인이었던 여인도 심한 정신적 충격에 늘 웃으며 근처를 떠돌게 된다. 정신적 이상으로 강한철 상병은 제대를 하지만, 사회에서도 적응하지 못하고 그는 다시 군복을 입고 해안선으로 돌아가게 된다.



누구를 탓할 수도 없다. 그리고 누구도 도와줄 수 없다. 그저 동정과 조롱을 받을 뿐이다. 그 자신은 임무에 너무도 충실한 탓이었지만, 출입금지 구역을 침범한 민간인을 사살한 죄책감과 충격은 한낱 표창장으로 덮을 수는 없는 일이다. 그렇게 조직에서 세뇌당한 이는 피해자로 평생을, 아니 일생을 마감하게 되고 우리는 그렇게 또 금방 잊고 만다. 군대라는 조직의 특성, 그리고 해안선이라는 제한된 공간의 설정은 한 인간의 심리극을 나타내기에 더할 나위없는 것 이었다. 또한 김기덕 감독 자신은 해병대 출신으로 이 같은 상황을 사실적으로 그리기에도 부족함이 없었다.
주인공 강한철 상병 외에도 상처받은 여인인 미영, 그리고 강상병과 동기인 병사, 그리고 미쳐버린 동생의 오빠. 이들은 자신의 의도였던 아니던 간에 모두 씻을 수 없는 분노와 고통을 겪어야 했고, 그러한 감정들은 어느 곳, 어느 누구도 지울 수 없는 낙인과도 같은 것이었다. 그리고 이러한 상황을 이용했던 여러 명의 군인들이 이를 무마시키기 위해 음모를 도모하는 장면은, 상처받기도 쉽지만 또한 무섭도록 잔인한 인간의 본성을 그대로 보여주고 있다.

비록 영화는 대형 블록버스터 급 지원을 받지는 못한 저예산 영화였지만, DVD 타이틀은 다른 외국영화 타이틀들과 비교하여도 크게 뒤떨어질 것이 없는 높은 퀄리티를 자랑하고 있다. 일단 화질과 음질을 살펴보면, 1:85:1의 아나몰픽 화면으로 검푸른 바닷가와 우거진 수풀 등 배경 등을 깔끔하게 선보이고 있다. 섬세한 화면의 표현만큼 사운드 면에서도 높은 퀄리티를 보여주고 있는데, 한 밤중을 빗발치는 총알 소리는 높은 분리도로서 실감나게 전달되고 있고 무엇보다도 DTS를 지원한다는 점에서 높은 점수를 주고 싶다.

그다음은 서플먼트인데, 무엇보다도 반가운 서플먼트는 바로 김기덕 감독과 장동건이 참여한 음성해설이다. 딱딱하지 않고 둘이서만 대화를 나누는 듯한 편안한 분위기의 음성해설은, 장면에서의 감독과 배우의 의도와 부가 에피소드 등을 접할 수 있는 좋은 계기가 된다.
메이킹 필름에서는 ‘해안선 신병들의 지옥훈련’ ‘김기덕, 장동건의 이중주’ ‘넘어서는 안될 선’ ‘본격 심리 드라마’ ‘전쟁 없는 전쟁영화’란 제목들로 나뉘어 성우들의 목소리를 통해 제작과정을 전한다. 외국 타이틀들과는 다르게 자막이 아닌 성우의 목소리로 듣는 제작과정은 매우 흥미있는 요소라 하겠다. 이외에도 스틸 겔러리 에서는 노래 한 곡을 들으며 영화의 주요 장면들을 감상할 수 있다. 그리고 두 가지의 예고편과 TV 광고 장면도 수록되어있다.

타이틀의 메인화면에 등장하는 헤드카피문구이다. 여기서 말하는 선은 비약 해안선에만 머무르지는 않는 것 같다. 아니 오히려 여기서 말하는 선은 표면적 해안선 보다는 내면적인 인간의 심리적 요소에 더 가깝게 닿아있는 듯 하다. 우리가 영화 속 상처받은 인물들을 보며 마냥 슬퍼할 수만 없었던 것, 그리고 극중 강한철 상병이 그렇게 지키려고 했던 것, 이것들 또한 이 영화 속 에서만 머무는 것은 아닐 것이다.

2003.02.14
글 / 아시타카

전운이 감돌던 1939년 폴란드의 바르샤바. 유명한 천재 피아니스트 블라디슬라프 스필만은 대중들의 인기를 한 몸에 받는, 폴란드의 국보급 천재 음악가다.
스필만은 여느 때와 같이 한 인기 라디오 프로그램에서 쇼팽의 야상곡을 연주하는데, 바로 그 순간 방송국이 폭격을 당하고 스필만은 자신의 연주를 완전히 끝내지 못한 채 피난길에 오르게 된다. 나치는 폴란드 안에서 세력을 확장하고, 유대계인 스필만의 가족들은 모두 죽음으로 가는 기차에 강제로 실린다. 피아니스트인 자신을 알아보는 몇몇 사람들의 도움으로, 스필만은 극적으로 목숨을 건지고, 나치의 눈을 피해 숨어 다니며 폭격으로 폐허가 된 어느 건물에 자신의 은신처를 만들게 되는데....

[피아니스트]는 유대계 폴란드인이자 역시 유명한 피아니스트이기도 한 블라디슬로프 스필만(Wladyslaw Szpilman)의 자전적 이야기를 담은 회고록을 바탕으로 만들어진 영화이다. 2차 세계대전 중에 나치의 중요 표적이 되었던 폴란드의 수도 바르샤바의 유대인 거주지역인 게토를 배경으로, 그 속에서 주인공인 스필만이 실제로 겪었던 이야기가 담겨져 있다. 이러한 배경의 이야기를 로만 폴란스키만이 할 수 있었다는 것은 그의 배경에 있다. 감독인 로만 폴란스키는 그 역시 유태인이며, 스필만과 같이 전쟁의 참혹함을 목격하였으며, 아우슈비츠 수용소에서 어머니를 잃기도 하였다. 언젠가는 꼭 이 전쟁에 관한 영화를 만들고 싶었다는 폴란스키는, 스필만의 저서를 읽는 순간 자신이 하려는 이야기와 크게 다르지 않음을 느꼈다. 물론 폴란스키 감독은 스필만처럼 처절한 생존의 상황에 내버려 지지는 않았었지만, 적어도 스필만의 이야기를 공감하고 냉정하게 받아들일 수 있었다. 그가 이 전쟁을 영화화 한 것은 자신의 기억을 더듬어 추억하고 되새긴다기보다는, 직접 겪어보지 못한 이들을 위해 전쟁이라는 것의 무의미함과 참혹성을 알려야 한다는 일종의 사명감 이었을 것이다. 타성에 젖을 수도 있었던 폴란스키는, 그러나 상황을 냉정하고도 있는 그대로 그려내는데 성공하였고, 그의 여러 영화 가운데서도 스스로에게나 관객들에게나 오랫동안 기억에 남을 작품을 만들어냈다.



이 영화가 가장 하려는 이야기였을 것으로 생각된다. 이 영화는 종종 같은 시기의 이야기를 다룬 스필버그의 [쉰들러 리스트]와 비교가 되곤 하는데, 이 같은 시각이 [쉰들러 리스트]와 가장 구별되는 점이다. 스필버그는 그의 영화 답지 않게 어두운 분위기와 이야기를 다루었지만, [쉰들러 리스트]는 휴먼 드라마에 가까웠고, [피아니스트]는 오히려 다큐멘터리에 가까운 것이기 때문이다. 독일 군들은 아무런 이유도 없이 자신들이 기분이 좋지 않다거나 심심풀이로 유태인들에 머리에 총을 겨누었고, 그들은 아무런 저항도 할 수없이 그저 참혹하게 처형당하고 말았다. 영화를 촬영하면서 느꼈던 폴란스키의 말은 생각해볼 필요가 있다. 영화 속 독일 군 역할을 맡아 출연한 배우들은 촬영을 하면서도 분노가 일정도로 나쁜 놈처럼 보였지만, 카메라가 멈추었을 때에는 그저 평범하고 착한 사람들로 돌아온 다는 것이었다. 이 이야기는 단순하지만 중요한 의미를 가지고 있다. 그 처참한 전쟁의 가운데에는 착한 독일인들도 있었고, 반대로 폴란드인들 중에는 악한 폴란드인들도 있었다는 점이다. 결국 절대 악이란 ‘전쟁’ 자체였으며, 절대 선으로 하여금 악으로의 유혹의 손길을 뻗치는 것이 전쟁이란 것이다. 결국 모두 패배자가 되고 마는 것이 전쟁이고, 폐허와 악몽만이 남는 것이 전쟁일 것이다. 다음에 사실은 이러한 전쟁의 사실적인 내용을 보탬 없이 그대로 들려준다.



바르샤바 유대인 거주 지역 게토(The Warsaw Ghetto). 제2차 세계대전이 발발한 뒤 독일 나치의 첫 번째 목표지역 중 하나는 바로 폴란드의 수도, 바르샤바였다. 바르샤바는 독일의 민족적, 경제적, 기타 다양한 이유로 시작한 전쟁에 있어 중요한 요지 중 하나였기 때문이다. 바르샤바에 집중적인 공중폭격을 가한 뒤 1939년 9월 16일, 전면적으로 이 도시를 침공했다. 스테판 스타진스키 시장과 줄리앙 롬멜과 같은 인사들을 필두로 용감한 저항이 시도되었으나 독일은 그들의 전력과 수력 공급 로를 차단했다. 결국 그들은 생존에 필요한 것들을 제공받는 대가로 저항을 포기해야만 했다. 독일군은 10월 1일 도시를 완전 점령했다. 12일에 히틀러 정권은 철조망으로 403 헥타르의 게토 지역을 만들었다. 그리고 16일, 독일군은 도시 인구의 30%가까이 되는 36만 명의 유대인들을 이 지역에 강제 거주시키기에 이른다. 점차 더 많은 유대인들이 이곳으로 보내지고 곧 50만 명이 넘게 된다. 10만 명의 유대인은 이곳에서 기아와 전염병으로 사망하였다.



마침내 도시의 모든 유대인은 이 강제거주지로 몰린다. 그들은 파란별이 그려진 흰색완장을 반드시 착용해야했다. 또한 노역을 당해야했고 식량은 아주 조금씩 배급되었다. 나치군은 자기 기분에 따라 유대인들에게 총격을 가했다. 이처럼 공포에 휩싸인 환경 속에서도 강제거주지역, 즉 게토지역 주민들은 그들의 삶을 끝까지 버리지 않았다. 게토 내에서 그들은 학교를 다녔고 정치적 활동도 조심스레 진행되었다. 1942년 7월, 8월에 거대한 이송이 시작되었다. 31만 명에 가까운 게토의 유대인들은 트럭 혹은 배로 이동, 대부분이 트레블링카 실험 캠프로 옮겨졌다. 1943년 3월, 히틀러는 남아있는 유대인 처형을 위해 나치 군을 보냈다. 같은 해 4월, 나치의 학살계획이 확실해지면서 처형당하는 자들은 급속히 늘어났다. 게토 지역은 공포, 그 자체가 되었다. 사회주의자이자 시오니스트 운동의 지도자 모데하이 아닐레빅이 이끈 폭동에 4만 명의 유대인이 참가했다. 그들 중 무장된 이들은 단지 200명뿐이었다. 이 처참한 전투는 계속되었다. 5월 16일까지 거의 한달 동안 주민들은 탱크와 화력을 앞세운 독일 군에 강력하게 대항하였다. 이 싸움은 폴란드 저항군이나 근처에 주둔하고 있던 러시아 군의 도움 없이 진행되었다. 이 전투에서 7천명의 유대인이 목숨을 잃었고 3만 명의 생존자는 강제 이송되었다. 독일이 바르샤바를 포기한 1945년 1월, 이 도시에 살아남은 유대인은 불과 20여 명뿐이었다. (보도자료)



[피아니스트]는 전쟁의 참혹한 현실을 여과 없이 감정에 호소하지 않고 그대로 보여주고 있긴 하지만, 그래도 그 속에는 희망적인 메시지를 담고 있다. 그것은 바로 희망과 생존에 관한 것이다. 실제 스필만은 영화 속처럼 인간으로서는 견디기 힘든 고통과 배고픔, 추위를 겪었지만, 포기하지 않고 끝내 살아남았다. 그가 살아남을 수 있었던 것은 아마도 그가 피아니스트였기 때문일 것이다. 폴란스키 역시 스필만이 역경 속에서 살아남을 수 있었던 건, 아마도 나중에 많은 사람들이 모인 곳에서 연주를 들려주고 싶은 희망 때문이었을 것이라고 말하고 있다. 이 같은 그의 생각은 영화의 마지막 장면, 돌아온 스필만이 연주회를 여는 장면으로도 알 수 있다.

또한 스필만의 생존의 이유가 그가 피아니스트였기 때문이었다는 주장에 가장 큰 이유는, 그의 연주로 인해 독일 군 장교에게서 도움을 받을 수 있었기 때문이다. 후에 'Wilm Hosenfeld‘라는 이름으로 알려진 독일 군 장교는, 폐인에 모습을 하고 있던 스필만 으로부터 연주를 들을 후에 독일 군과 유태인이라는 위치에서 벗어나, 전쟁을 초월한 인류애적인 입장에 서서 그를 돕게 된다. 사실 많은 헐리우드의 영화들이 극한 상황 속에서도 희망만 있으면 된다는 긍정적인 사고방식을 내세우는 경우가 많았었다. [피아니스트]역시 따지고 보자면, 그러한 입장에 서있다고 말할 수도 있겠지만, 영화를 본 관객이라면 그 둘 간의 분명한 차이를 마음으로 느낄 수 있을 것이다. 영화의 마지막 스필만의 연주가 사치스럽다거나 어렵게 느껴지지 않았던 것은, 아마도 이러한 모든 생각에 대해 함께 공감하고 동의하게 때문일 것이다.



일단 타이틀은 3장의 디스크로 이루어져 있다. 본 편을 담은 첫 번째 디스크와 서플먼트 만을 수록한 두 번째 디스크, 그리고 초판 한정으로만 수록되어 있는 오리지널 사운드트랙 디스크가 세 번째 디스크로 수록되어 있다. 영화는 전체적으로 어두운 분위기 가운데, 실화를 바탕으로 한 영화이기에 사실적인 배경 묘사에 많은 신경을 쓴 것을 알 수 있는데, 타이틀의 화질은 그때의 전장의 비극을 느끼기에 충분하다고 생각된다. 사운드는 DTS와 돌비디지털 5.1채널을 지원하고 있는데, 총소리나 폭발음에 포커스를 맞춘 사운드는 아니기에 이러한 소리들을 [라이언 일병 구하기]같은 레퍼런스 급의 사운드를 지원하고 있지는 않지만, 폐허가 된 건물 안에서 스필만이 피아노를 연주하는 장면은 반드시 볼륨을 키우고 감상해 볼만한 장면이라 하겠다. 그리고 영어 더빙 외에 프랑스어 더빙도 지원하고 있다.



두 번째 디스크에는 갖가지 서플먼트가 담겨있는데, 무엇보다도 영화의 전반적인 내용과 감독인 폴란스키의 생각을 들을 수 있는 ‘A Story of Survivor'가 눈길을 끈다. 다른 타이틀의 제작과정을 담은 영상들보다는, 좀더 숙연하고 조심스레 접근한 것을 알 수 있다. 영화에서는 다 하지 못했던 폴란스키의 얘기와 그가 표현하려 했던 의도에 대해 좀 더 자세히 들을 수 있다. 여기에는 주연 배우인 애드리언 브로디와 독일 군 장교역할을 맡았던 토마스 크래츠만의 인터뷰도 들을 수 있다. 이외에 각종 예고편들과 골든 글로브와 칸 영화제 스케치, 포스터 모음, 포토 갤러리, 보너스 오디오 트랙, 스필만을 비롯해 스텝들과 배우들의 소개 또한 담고 있다.

2003.06.26
글 / 아시타카

이 영화는, 우리에게 ‘코스모스’의 저자로 잘 알려진 칼 세이건의 동명소설을 영화화 한 것이다. 칼 세이건은 우주 연구에 있어서는 이를 연구하는 과학자들 사이에서는 물론이고, 이에 관해 전문 지식이 전무 한 일반인들에게도 쉽게 이해할 수 있는 언어로서 광대하고 복잡한 이야기를 단순하고 쉽게 설명하여 이 분야 최고의 석학으로 불리는 과학자이자 천문학자이다. 또한 그는 NASA의 자문역으로서 미국의 우주개발 계획의 중심에 있었고, 저서 'The Dragons of Eden'으로 퓰리처상을 수상하기도 하였으며, 무엇보다도 저서 ‘코스모스’와 동명 TV시리즈를 대중에게 소개하여 작게는 과학을, 넓게는 우주라는 개념을 보편적인 생활과 접목시키는 데에 지대한 공헌을 하였다. 이 영화 [콘택트]에서 칼 세이건은 직접 자문 역할을 맡고 있지만, 아쉽게도 영화가 완성되기 전인 1996년 세상을 떠나고 만다. [콘택트]는 칼 세이건의 자전적인 영화라고는 할 수 없지만, 영화 속 주인공인 앨리 애로웨이는 여러 면에서 칼 세이건과 닮아있다. 그렇기에 영화가 끝난 후 ‘For Carl'이라는 말과 함께, 이 영화를 칼에게 헌정하는 부분은 아쉬움과 존경심으로 경이로움마저 느끼게 된다.

일반적으로 과학과 진리, 과학과 믿음의 개념은 상대적인 것으로 그려지곤 한다. 그리고 실제적으로도 많은 이들이 이렇게 여기고 있는 것이 사실이다. 이는 물론 한낱 dvd타이틀 리뷰에서는 거론하기 힘든 복잡한 문제이다. 이러한 대립의 개념은 인간이 하느님의 손으로 빚어진 작품이냐, 아니면 원숭이가 진화되어 생겨난 존재인가에서부터 시작된다. 아니, 더 크게 본다면 우주의 탄생에서부터 시작 될 런지도 모른다. 하지만 [콘택트]에서는 이러한 대립 개념은 중요치 않다. 중요치 않다고 하기 보다는 아예 대립의 개념이 존재조차 하지 않는다. 주인공인 앨리는 누구보다도 눈에 보이는 증거와 물증을 믿는 과학자였다. 하지만 우리도 영화에서 느꼈다시피, 그녀가 경험한 것은 인간의 언어로는 설명할 수 없고 증거가 남거나 하는 일이 아니었다. 영화 속에서도 언급하였던 것과 같이, 이러한 것을 경험한 자로서도 그렇지 못한 자들이 의심하는 것을 인정할 수는 있으나, 그렇다고 해서 자신이 겪은 일을 부정할 수도 없는 것이었다.

여기에서 칼 세이건은 중요한 말을 전하고 있다. 우주를 탐구하는 일은 곧, 진리를 추구하는 일이라는 것. 즉 과학과 신앙은 추구하는 바가 같기 때문에 대립의 관계가 아니라는 것이다. 이러한 그의 생각은 영화 속 두 주인공의 관계에서 나타난다. 신학을 공부하여 신념이 강한 팔머(메튜 매커너히 분)와 과학자인 앨리의 관계 말이다. 팔머는 영적인 존재를 믿는 신앙이 강한 자이지만, 과학자인 앨리를 사랑하게 되면서 반대의 입장에서 생각해 보게 된다. 반대로 과학자인 앨리는, 역시 사랑하는 팔머와 무엇보다도 자신이 직접 경험함으로써 모든 것이다 말로서 증거로서 입증할 수 없는 것임을 깨달게 된다. 신을 믿는 사람이건 과학을 믿는 사람이건, 우리는 모두 우주 속에서 살고 있고 그 속에서 끝없이 진리를 갈구하고 있다는 말이다.

누구에게나 꿈꾸는 이상향의 파라다이스가 있다. 앨리의 파라다이스는 ‘펜사콜라’이다. 다른 이들에게는 그저 플로리다 주 어느 곳에 위치한 동네일뿐이지만, 그녀에게는 특별한 의미를 갖는 곳이다. 사실 특별한 추억이랄 것 까지는 없었지만 그녀 자신은 무의식 속에, 항상 그리워하는 아버지가 있는 펜사콜라를 그려왔던 것이다. 그녀는 바로 이 모든 것이 가짜라는 것을 알았지만, 그때는 이미 이러한 것은 중요하지가 않았다. 베가성에 사는 외계인(?)들이 앨리의 무의식 속에서 찾아내 만들어진 공간과 아버지의 모습이었지만 말이다. 영화 속에서 수사를 맡은 제임스 우드가 비아냥 거리 듯, 엄청난 자본과 기술로 완성된 이동수단을 타고 수십억 광년을 날아간 곳이 고작 미국 플로리다의 어느 바닷가였고, 거기서 만난 존재가 겨우 예전에 세상을 떠난 아버지였다는 것. 하지만 그러면 어떠하랴. 자신의 항상 꿈꿔왔던 곳에서 그토록 다시 만나기를 원했던 아버지를 만난 다면, 그보다 더 좋은 일이 어디 있겠느냐는 말이다. 

이 영화에 나온 이야기들 가운데 가장 인상적이고, 필자로 하여금 가장 큰 생활에 변화를 불러일으킨 말이기도 하다. 무슨 일이든 그 시작은 항상 작은 것에서 시작하듯이, 넓은 우주에 대한 호기심도 결국 이 한마디에서 시작된다. 우주란 공간은 인간만이 살기에는 너무 넓은 곳이다. 그리고 인간의 힘만으로 이해하기에는 너무도 복잡한 미지의 것들로 가득 차 있다. 우리는 그리하여 이러한 사실을 대부분 잊고 살아가지만, 한번쯤은 되돌아 볼 필요가 있다. 이는 곧, 자신의 영혼의 뿌리를 찾아가는 길이며, 진리를 추구하는 길이기 때문이다.

마치 롤러코스터를 연상시키는 추격 장면은 사실 1편인 [레이더스]때 수록하려던 장면이었는데, 넘치는 아이디어로 인해 2편인 [미궁의 사원]에 포함되게 되었다. 그야말로 손에 땀을 쥐게 하는 추격 장면은 곳곳에 유머러스한 장치를 삽입함으로써 또 다른 재미를 느낄 수 있는 추격 장면을 만들어냈다. 추격 장면에 이어지는 다리 장면은 영화사에 또 하나에 명장면으로 기억되는 장면이라 할 수 있겠다. 절벽과 절벽 사이에 아슬아슬하게 놓여있는 다리 위에서 펼쳐지는 액션 장면과 다리가 끊어지는 장면, 그리고 다리에 매달려 절벽을 오르는 장면은 언제 봐도 흥분되고 몰입하게 되는 장면들이다.

[최후의 성전]의 하이라이트를 꼽으라면 인디와 아버지가 나치로부터 도망치는 추격전 장면과 마지막 성배를 얻기 위해 세 가지의 시험을 통과하는 장면을 들 수 있을 것이다. 기존의 스피디하고 박진감 있는 추격전에 스필버그의 유머러스함이 더해져 한층 재미를 더한다. 갈매기를 이용해 무기하나 없이 전투기를 상대하는 인디 아버지의 지혜도 배울 수 있고. 마지막 장면인 세 가지 시험 시퀀스는, 가장 긴장되면서도 한 편으론 엄숙한 분위기를 연출하는데, 단순 오락 영화에 그치지 않으려는 노력이 돋보이는 장면이다.

세 가지의 메이킹 다큐 외에 스턴트와 사운드, 음악, 시각 효과 등으로 나뉘어 영상을 수록하고 있는데, 이들 영상을 통해 저 장면이 어떤 과정을 통해 완성이 되었고, 스필버그 영화에는 절대 빠지지 않는 존 윌리엄스의 기념비 적인 ‘빰빠밤빠~빰빠바’하는 스코어가 어떻게 만들어지게 되었는지, 그리고 ILM의 기술적인 부분까지도 상세하게 알 수 있을 것이다.

하지만 잠수함을 소재로 한 영화는 대부분의 러닝 타임을 ‘잠수함’이라는 한정된 공간에 할애하기 마련이다. 사실 이같이 한정된 공간에서의 영상 표현이, 이것저것 활용 요소가 많은 다른 공간에서의 표현보다는 훨씬 어려운 것이 사실일 것이다. 한정된 공간이라는 것은 보는 이로 하여금 지루함을 줄 수 있고, 흥미를 잃게 하기 때문이다. 더더군다나 이 영화 [특전유보트]는 무려 3시간이 넘는 긴 러닝타임으로 이루어져 있어서 이 같은 지루함을 피해갈 수는 없을 것 같다. 하지만 그 지루함은 감독에 의해 의도된 것으로, 잠수함이라는 한정된 공간에서 실제 병사들이 겪는 지루한 감정을 그대로 관객들에게 전달하기 위함이었다.

또한 그러한 시간들이 있었기 때문에 후반부에 극적인 요소들이 더더욱 탄력을 받게 되었다. 장면 장면의 카메라 앵글이라던가 잠수함 영화 특유의 영상미는 이후 만들어진 대부분의 잠수함 영화들의 초석이 될 만큼 완벽하고 절대적인 스타일을 제공한다.
영화가 개봉한지 20년이 지난 오래된 영화인만큼, 아무리 슈퍼비트의 옷으로 갈아입었다 할지라도 최근 영화들과 화질을 비교하기는 어렵다. 이 같은 현상은 TV로 시청할 때는 크게 차이점을 느끼기 어렵지만, DVD-ROM 환경에서 플레이 할 시에는 콘트라스트 비가 확연히 떨어지는 것을 느낄 수 있다. 매번 얘기하지만, 충분히 감안할 만한 정도이다. 시종일관 어두운 조명 속에서 대부분의 러닝 타임을 소지하는 영화의 특성상 화질의 극대화를 노릴 만한 영상이 많은 편은 아니지만, 이 역시도 충분히 봐줄만한 화질을 제공하고 있다.

[특전 유보트]가 슈퍼비트로 출시되어야만 했던 이유는 바로 사운드 때문이다. 다들 알다시피 잠수함 영화의 생명은 바로 사운드이다. 아무것도 보이지 않는 심해에 잠수함 내에서 적을 감지하고 움직임을 느낄 수 있는 유일한 통로는 바로 소리이기 때문이다. [U-571]의 경우 어뢰를 사용한 전투 장면이 부각되어 사운드에 초점을 맞추고 있는 것과는 달리, [특전 유보트]에서는 잠수함 내에서 이루어지는 사운드에 초점을 맞추고 있다. 한계 수심을 넘어 잠수할 때, 극도의 긴장감을 조성하는 가장 큰 요소는 바로 사운드 이다. 미세하지만 압력을 받는 잠수함의 소리를 현실적으로 구현하며, 또한 압력을 견디다 못해 하나 둘씩 터져 나오는 볼트의 굉음도 실감나게 전달된다.

아무런 사건이 없을 때에는 지극히 평범한 사운드만이 간혹 들리지만, 공격을 당했을 시에는 물이 강하게 새들어오는 소리, 화제로 불꽃이 이는 소리, 분주하게 함 내를 오가는 병사들의 발소리, 또한 고래고래 질러대는 외치는 소리들까지 한꺼번에 쏟아져 나오는데, 이 같은 장면에서 채널의 분리도가 극대화 되었다고 보기는 조금 어렵지만, 보는 이로 하여금 실제로 잠수함 내에 있는 듯한 착각을 주기에는 충분한 현실적인, 정신없이 긴장된 사운드를 들려준다.
더빙 언어 선택에 있어 영어가 아니라 원어인 독일어에 DTS트랙을 사용한 것은 탁월한 선택이었다고 여겨진다. 아니메는 일본어 특유의 어감으로 감상해야 그 참 맛을 느낄 수 있듯이, 독일어 특유의 강세를 느낄 수 있는 더빙은 또 다른 멋을 느낄 수 있을 것이다.

2003.07.30
글 / 아쉬타카

1940년대 푸에르토리코를 보호령으로 한 미국에 자유로 들어오는 푸에르토리코의 빈민들이 뉴욕에 제2의 할렘을 만든다. 백인지구와 푸에르토리코 사람들의 지구가 인접한 뉴욕의 웨스트사이드에서 젊은이들의 텃세 싸움이 되 풀이되고 있었다. 그들은 이탈리아계의 제트단과 푸에르토리코계의 샤크단으로, 서로 앙숙관계이다. 제트단의 리더 리프는 샤크단에 도전하기 위해 댄스 파티 장으로 가고, 토니에게 함께 가자고 제의한다. 패싸움에는 관심 없는 토니는 리프의 부탁으로 어쩔 수 없이 파티 장을 찾고 그곳에서 아름다운 마리아에게 한눈에 반한다. 그러나 그녀는 샤크단의 리더 베르나르도의 여동생.

그날 밤 토니와 마리아는 마리아의 집 발코니에서 서로의 사랑을 확인한다. 토니는 두 그룹의 화해에 힘쓰는 한편, 마리아와의 관계를 인정받으려 하지만, 리프와 베르나르도의 대립은 더욱 격화된다. 다음날, 고속도로 아래에서 샤크단과 제트단의 대결이 벌어진다. 마리아의 부탁으로 그들의 싸움을 말리러 간 토니. 그러나 베르나르도와의 결투에서 친구 리프가 죽자 토니는 베르나르도를 죽이고 만다. 오빠를 죽인 사람이 토니라는 것을 알게 된 마리아. 그러나 두 사람의 사랑은 변하지 않는다. 한편 샤크단에서는 토니를 죽이려하는데…



[웨스트사이드 스토리]에는 수많은 결정적 장면들과 인상적 장면들이 존재하지만, 그 서두를 여는 장면은 바로 영화의 맨 처음 선보이는 프롤로그 장면이다. 프롤로그 장면은 이례적으로 감독이자 안무를 맡은 제롬 로빈스에게 전권이 주어졌다. 제롬 로빈스는 큰 부담감을 느꼈지만, 결과적으로는 영화사에 남을 만한 훌류한 프롤로그 장면을 완성해냈다. 뉴욕의 풍경을 하늘에서 내려다 본 시각으로 그려낸 시작부분에서는 부유한 빌딩 숲에서부터 공장들이 밀집한 장소로의 카메라의 이동만으로 영화의 주된 주제가 되는 이민자와 토착자 간의 갈등의 요소와 원인을 잘 나타내고 있다.

웨스트사이드의 어느 외곽 공터에서 시작되는 본격적인 프롤로그 장면은, 제롬 로빈스의 역량이 돋보인 장면이라고 할 수 있겠다. 제트 단과 샤크 단의 세력다툼과 숫적 우세함과 불리함으로 인해 계속 바뀌는 주도권, 이를 감싸고 있는 극적인 음악과, 대사 없이도 프롤로그를 완벽하게 장식한 뛰어난 안무는, 이 장면만으로도 의미있는 장면으로 불리기에 충분한 완성도를 선보이고 있다.



[웨스트사이드 스토리]는 너무나도 유명한 뮤지컬 영화의 고전, 아니 비단 뮤지컬뿐만 아니라 영화계의 고전이다. 일단 영화를 자랑하는 김에 화려한 수상 경력을 나열해 보자면, 1962년 아카데미 시상식에서 작품, 감독, 남우조연, 여우조연, 미술, 촬영, 음향 등 무려 10개의 오스카를 수상하였고, 그해의 골든 글러브 작품, 남녀 조연상, 뉴욕영화 비평가협회 작품상, 미국 감독협회 감독 상, 그래미 어워드 사운드 트랙 앨범 상까지 정말 화려하다. 하지만 영화의 중요성은 상으로 대변될 수만은 없듯이, 이런 수상경력은 그저 얘기 거리일 뿐 중요한 것은 영화이다.

세익스피어의 고전 ‘로미오와 줄리엣’을 뉴욕의 슬럼가로 옮겨 브로드웨이 무대에서 공연한 뮤지컬을 영화화한 [웨스트사이드 스토리]는 제작 스텝들의 면면도 실로 만만치가 않다. 국내 팬들에게는 이보다 더욱 잘 알려진 뮤지컬 영화인 [사운드 오브 뮤직]의 감독으로 더 유명한 로버트 와이즈와 [왕과 나]의 안무를 맡았던 제롬 로빈스가 공동 감독을 맡았다. 또한 영화의 가장 중요한 요소의 하나인 음악은 레너드 번스타인이 맡아 ‘Maria', 'Tonight', ’America'등의 유명한 곡들을 들려주었다.

또한 나탈리 우드, 리차드 베이머, 루스 탬블린, 조지 차키리스 등의 젊고 유능한 배우들이 출연하여 역동적이고 리드미컬한 노래와 안무를 선보이고 있다. 발레를 전공한 제롬 로빈스의 안무는 영화 내내 긴장감을 늦추지 않은 채, 때로는 전투적이고 공격적으로, 또 부드러우면서도 역동적인 동작들을 그려내며, 연기 이상의 안무를 보여주었다. 2번째 디스크에 수록된 서플먼트를 감상하다보면 놀라운 사실 한 가지를 접하게 되는데, 바로 감독과 안무를 맡은 제롬 로빈스의 완벽한 능력에 관한 것이다. 그냥 보기엔 연기자들이 대본에 맞추어 연기하는 일반적인 장면들인줄로만 알았던 장면들이 사실은, '원, 투, 쓰리...'하는 정확한 박자에 맞추어, 말 그대로 '연기'하듯 그려지고 있다. 이러한 완벽함은 혹 부자연스러움으로 다가올 수 도 있지만, 이러한 사실을 모른다면 전혀 알 수 없을 정도의 완벽한 합으로 인해 자연스러운 장면을 연출하고 있다. 제롬 로빈스에 방식에 대해 배우들이 혹독하고 정말 고생스러웠다고 말하면서도 그를 진심으로 존경하는 것은, 바로 이러한 이유에서 일 것이다. 사실 [웨스트사이드 스토리]에서 이러한 안무의 아름다움을 빼면 아무것도 남는 것이 없다고 말해도 과언이 아닐 정도로 마치 대사를 읊는 것과도, 또한 노래하는 것과도 같은 안무는 정말 놀라움마저 들게 한다.

레너드 번스타인의 음악 역시, 제롬 로빈스의 뛰어난 안무와 크게 다르지 않다고 할 수 있겠다. 훌륭한 작곡가이자 지휘자이기도 한 레너드 번스타인은 대사보다 노래로 극을 전달하는 뮤지컬의 장르에 걸맞게 전체적인 분위기를 쥐었다 놓았다 하는 스코어와, 곡 자체만으로도 유명해진 여러 멜로디들을 [웨스트사이드 스토리]속에 쏟아 놓았다. 중요한 몇 몇 곡들을 위주로 살펴보자.



영화의 프롤로그의 이어지는 곡으로서, 웨스트사이드 지역의 토박이(?)집단인 '제트 단'의 성격을 잘 말해주고 있는 곡이다. 노래와 대사가 계속 반복되면서, 제트 단의 우두머리 격인 리프(루스 탭블린 분)의 선창과 단원(?)들의 합창으로 이루어지는 곡은 짧지만, 영화의 초반 극의 분위기와 배경을 잘 설명해주고 있다.



중립지역인 댄스 파티장에서의 긴장되고도 화려한 댄스의 향연이 끝난 후, 서로 한 눈에 반해버린 토니와 마리아. 얼핏 '마리아'라는 이름을 전해들은 토니의 감정을 잘 표현한 곡이다. 그저 마리아라는 이름만으로도 행복해져버린 마음을 그대로 담은, 토니의 감미로운 세레나데.



JET Song을 통해 영화의 한 축을 차지하는 제트 단의 성격을 얘기했다면, America는 푸에르토리코 이민족인 '샤크 단'의 성격과 애환을 유쾌하고 흥겹게 다루고 있는 곡이라 하겠다. 미국에서 이민자들의 실상과 아메리칸 드림 사이에서의 갈등과 현실을, 그들만의 리듬과 역동적인 춤으로 풀어내고 있다. 옥상에서의 남여가 어울린 큰 스케일의 댄스 씬은 지금까지도 명장면으로 손 꼽힌다.



[웨스트사이드 스토리]에서 가장 유명한 곡인 'Tonight'은 가장 유명한 만큼 가장 중요한 의미와 장면에 흐르는 곡이다. 창가에 기댄 마리아와 이내 계단을 올라 그녀 곁에서 노래하는 토니의 모습은 로미오와 줄리엣을 그대로 가져다 놓은듯한 느낌을 준다. 다만 로미오와 줄리엣은 아름다운 시로서 서로의 마음을 확인하였고, 토니와 마리아는 감미로운 멜로디로 서로에 사랑을 확인했다는 것이 차이점일 것이다.



극적으로 조여오는 스트링과 역시 극적으로 대비되는 가사와 장면으로 가장 완성도 높은 장면이라 할 수 있겠다. 서로 결투를 준비하고 있는 제트 단과 샤크 단, 사랑하는 베르나도를 설레이며 기다리는 리타, 그리고 사랑에 눈이 멀어버린 토니와 마리아. 모두 같은 '오늘밤'을 기다리고 있다는 사실아래 각기에 다른 상황들을 한 곡안에서 절묘하게 대비시키면서, 또한 절묘한 앙상블을 이루고 있는 곡이다.

이외에도 마리아의 깜찍함이 돋보이는 'I Feel Pretty'와 엇갈려만 가는 운명에 슬퍼하는 토니와 마리아의 'Somewhere', 역동적이고 고난도의 안무와 음습한 분위기가 어울린 'Cool' 등 레너드 번스타인의 음악은 영화의 분위기를 완벽하게 장악하고 있다.



코드 1은 이전에 발매가 되었으나 이 역시도 구하기가 쉽지 않았던 상황에서 드디어 발매되는 코드 3의 타이틀은 정말 반갑게 느껴진다. 스페셜 에디션의 2장의 디스크로 발매된 타이틀은 첫 번째 장에는 본 편을 수록하고 있고, 두 번째 디스크에는 서플먼트를 수록하고 있다. 본 편은, 물론 최근 출시되는 영화들과 그 화질과 음질을 비교할 수는 없지만, 반대로 이를 감안한다면 비교적 훌륭한 화질과 돌비디지털 5.1채널의 만족할만한 사운드를 들려주고 있다. 어찌 보면 이번 타이틀의 발매가 반가운 것은 두 번째 디스크에 있다고 해도 과언이 아닐 정도로, 여기에는 그 동안 쉽게 접하기 힘들었던 자료들이 가득 담겨있다.

제작과정의 전반적인 내용을 담고 있는 ‘West Side Memories'에는 스텝들의 이야기와 세월이 흘러 주름과 백발이 성성한 배우들의 인터뷰 자료를 수록하고 있다. 스토리 보드와 영화 장면을 비교한 몽타주, 다양한 갤러리들과 여러 가지 버전의 예고편을 수록하고 있다. 갤러리도 이전 영화들보다는 좀 더 다양한 분류의 갤러리들을 수록하고 있는데, 스크린의 뒷 편에서의 배우들과 스텝들의 모습을 다룬 갤러리는 특히 돋보인다. 예고편 역시 단순한 극장용, TV Spot의 종류에서 벗어나 예전의 고전적인 분위기까지 한껏 느낄 수 있는 다양한 버전을 수록하고 있다.



2003.04.14
글 / 아쉬타카

누들스를 주축으로 짝눈, 팻시 등은 어릴 때부터 몰려다니며 좀도둑질을 하는데 어느날 술에 취한 주정뱅이를 털려다가 프랑스에서 막 이민 온 맥스에게 선수를 빼앗긴다. 누들스는 이렇게 만난 맥스와 절친한 사이가 된다. 한편 짝사랑하는 데보라는 누들스가 한낮 깡패에 불과하다며 거절한다. 맥스가 가담된 이들은 나이는 어리지만 머리 좋은 누들스의 기발한 방법으로 갱단의 밀수품을 안전하게 운반하고 큰 돈을 모은다. 이들은 그 돈을 넣은 가방을 역의 간이 보관함에 넣고 벌어들이는 돈의 절반을 떼어 공금으로 모으기로 한다. 큰 부자가 될 것을 기뻐하며 거리를 걷던 이들에게 곧 총을 든 버그가 뒤 쫓아와 누들스는 첫 살인을 하게 되어 감옥에 들어간다.

뚱보의 술집을 방문했던 누들스는 공원의 고급 묘지에 묻혀있는 어릴 적 친구들의 무덤을 찾아간다. 그는 묘지에서 자신에게 남겨놓은 현금 가방이 든 열쇠를 발견하고 그 역에 가는데 거기서 그는 '다음 일을 하기 위한 선불'이라고 쓰인 돈가방을 발견하게 된다. 세월이 흘러 막 출감한 누들스는 마중 나온 맥스를 따라 뚱보의 술집으로 간다. 누들스가 감옥에 있는 사이에 맥스의 수단으로 이들은 프랭키라는 거물과 손을 잡고 밀주사업으로 큰 돈을 벌고 있었다. 하지만 금주법이 끝나면서 이들에게도 시련이 닥쳐온다. 누들스는 비록 맥스와 함께 불법 일을 하기는 하지만 맥스의 지나친 검은 야망에 둘 사이는 점점 금이 간다. 맥스는 평생 꾸어온 꿈이라면서 연방 준비은행을 털자고 제안하지만 누들스는 반대하는데..

사실 세르지오 레오네가 거장이라는 데에 토를 달 수 있는 사람은 아마 없을 것이다. 이미 일명 ‘마카로니 웨스턴’의 대표작인 [황야의 무법자]로 거장의 대열에 올랐던 레오네는, 대부분의 사람들이 [황야의 무법자]보다 더 뛰어난 영화는 아마도 만들기 어려울 것이라는 걱정들을 떨쳐내고, 영화사에 길이길이 남을 걸작 [원스 어폰 어 타임 인 아메리카](이하 원스)를 만들어 냈다. 하지만 다들 아는 바와 같이 레오네가 고스란히 있는 그대로의 [원스]를 내놓기 까지는 정말 오랜 시간과 역경이 있었다. 그 이유는 바로 당시로서는, 아니 지금으로서도 다른 영화들보다 엄청나게 긴 러닝타임 덕분(?)이었다. 처음 편집을 마치고 난 작품의 길이는 무려 8시간이 넘었었다고 한다. 하지만 레오네 자신이 생각하기에도 이 같은 러닝타임은 조금 무리라고 생각되어 내용에 지장을 주지 않는 한도 내에서 재편집을 한 결과 229분, 즉 3시간 49분 가량으로 단축(?)되었다. 하지만 이 역시도 대부분의 영화들이 2시간 남짓으로 이루어진 것에 견주어 보았을 때 결코 짧은 러닝타임이라고는 할 수 없는 것이었다.

결국 제작사에서는 러닝타임을 과감히 삭제한 2시간 19분짜리 영상으로 편집하여 개봉하기에 이르렀고, 그 결과는 참담했다. 2시간 19분 동안에는 감독이 하려는 말을 모두 전할 수 없었기 때문이다. 평론가들의 평가는 말할 것도 없었거니와 흥행을 목적으로 편집을 한 것이 무색할 정도로 흥행에도 참패를 거두었다. 하지만 이후 삭제된 러닝타임을 복원하여 공개된 영화는 이전의 것과는 전혀 다른 것이었으며, 평단과 관객들의 반응도 전혀 달랐다. 드디어 세르지오 레오네의 진가를 깨달게 된 평론가들은 1980년대 최고의 영화를 뽑는데 주저 없이 [원스]를 선택했고, 관객들 역시 레오네가 만든 한 편의 대서사시에 감동할 수밖에 없었다.



세르지오 레오네가 거장으로 추앙받는 또 다른 이유는, 그는 장르영화에 명작들을 만들어 냈다는 것이다. [황야의 무법자]는 마카로니 웨스턴의 서부영화로 장르자체를 개척한 작품이 되었고, 이 작품 [원스]는 마피아를 다룬 갱스터 영화로 장르적 성향이 짙은 영화였다. 이러한 그의 역량은 이후 쿠엔틴 타란티노를 비롯한 많은 젊은 감독들이 지향하는 궁극의 존재가 되었다. ‘한계를 모르는 분이죠’ 쿠엔틴 타란티노의 말이다.
감독 세르지오 레오네의 관한 얘기들은 타이틀 두 번째 디스크에 담긴 서플먼트에서도 잘 알 수 있다. 그가 위대한 감독으로서 뿐만 아니라, 한 인간으로서도 얼마나 위대하고 따뜻하고 완벽한 사람이었는지 말이다. 그 다큐멘터리의 맨 마지막에 나오는 그의 한 마디를 옮겨 적어본다.

My way of seeing things is sometimes naive but with the sincerity of the kids from the Viale Gloriose steps - Sergio Leone (1929-1989)
내가 사물을 보는 방법은 때로는 단순하지만 진지하다.



사실 호화 캐스팅이라는 광고가 걸린 작품들은 뚜껑을 열어보면, 이름만 있을 뿐 그 속은 비어있는 경우가 종종 있다. 하지만 [원스]에 출연하는 배우들의 이름은, 절대 관객을 실망시키는 이름들이 아니었다. 그 중 대표적인 이름은 바로 로버트 드니로. 알 파치노와 함께 현재 활동하는 배우들 가운데 가장 뛰어난 연기력과 앞으로 각종 공로상을 휩쓸게 될(이미 수상하기 시작했다)배우가 바로 로버트 드니로이다. 그는 이미 [택시 드라이버], [분노의 주먹], [대부], [카지노],[좋은 친구들], [디어 헌터]등 많은 영화에서 훌륭한 연기를 관객에게 선사하였다. 이 작품 [원스]에서도 역시 범접할 수 없는 최고의 연기를 보여주고 있다. 주인공 누들스 역할을 맡은 드니로는 감정 선이 굵은 면서도 섬세한 누들스 역할을 더할 나위 없이 완벽하게 연기해 내고 있다. 특히 이미 언급하였듯 영화의 마지막, 그가 연기하는 누들스의 미소는, 감독의 의도와 맞물려 최고의 장면을 만들어 낸다. 위에 나열한 영화들과 같이 로버트 드니로는 수많은 명작들에 출연하여 훌륭한 연기를 선보였지만, 감히 [원스]에서의 연기가 그중 최고가 아닐 까 싶다.



제임스 우즈는 [원스]에서 로버트 드니로의 강열한 연기에도 전혀 눌리지 않는 카리스마를 보여주고 있다. 제임스 우즈의 이전 작품들을 살펴보면 주로 악역을 연기한 것을 알 수 있다. [원스]에서 그를 악역이라 부를 수는 없겠지만, 표독스러우면서도 주도면밀하고 누들스와 우정과 시기, 배신을 겪는 맥스 역할을 훌륭하게 연기해 냈다(참고로 모든 나오는 배우마다 훌륭하다, 최고의 연기, 완벽한 연기 등 칭찬 일색의 수식어를 쓰고 있지만, 영화를 보고나면 알게 될 것이다. 사실이 그렇다는 것을). 세월이 지난 지금 그 자신이 자신의 일생에서 가장 예술적으로 절정에 있었던 시기가 바로 레오네 감독과 함께한 [원스]의 기억이라고 얘기하듯, 그를 아는 관객들도 그의 최고 절정의 연기를 [원스]에서 만나볼 수 있을 것이다.



강렬한 카리스마를 내뿜은 이 두 배우들 외에도 주목할 만한 연기를 보여준 배우들이 많다. 먼저 국내 팬들에게는 [나홀로 집에]의 코믹한 이미지로 더 알려진 조 페시. 그는 사실 유명한 마피아 영화에는 항상 그의 이름이 빠진 적이 없을 정도로 마피아, 갱스터 영화의 주로 출연한 성격파 배우이다. [원스]에서는 많은 러닝타임 모습을 보이지는 않지만 역시 그가 출연하는 것만으로 영화의 성격을 짐작하게 해준다. 어린 시절을 추억하는 장면에서 등장하는 아역 배우들 가운데 우리에 눈을 유난히 끄는 배우가 한 명 있는데, 그녀는 바로 제니퍼 코넬리이다. 우리에게는 [뷰티풀 마인드]로 잘 알려져 있고, [레퀴엠]과 최근작 [헐크]에도 출연했던 제니퍼 코넬리는 [원스]에서 정말 깜찍하면서도 어린 나이 답지않게 아름다운 모습으로 연기하고 있다. 어린 누들스가 몰래 훔쳐보는 그녀의 발레 연습장면은 아마도 누들스의 인생에서 가장 행복했던 순간이 아니었을까 싶을 정도로 아름답게 그려진다. 성인 역할을 맡은 엘리자베스 맥거번의 연기도 일품이었지만, 아마도 관객들은 어린 시절을 연기했던 제니퍼 코넬리에게 더 감동을 받게 될 것 같다.



처음 [원스]가 개봉했을 때 관객들에게 좋은 평가를 받지 못했던 것은 비단 짤려나간 영상들 뿐만은 아니었다. 삭제된 버전에는 엔니오 모리꼬네의 음악 역시 제대로 수록이 되지 않았었기 때문이었다. [원스]에서는 무엇보다도 음악이 중요한 요소로 쓰이고 있는데, 감독인 세르지오 레오네가 모리꼬네의 음악을 들으며 작품의 일부를 완성시켰을 만큼 절대 빠져서는 안 될 요소라 하겠다. 타이틀의 커버를 장식한, 뒤로는 다리가 보이는 양쪽 건물 사이로 어린 주인공들이 벅시로부터 도망치는 장면에서 흐르던 너무나도 유명한 ‘뚜뚜두뚜~’하는 테마를 비롯하여 영화 전반을 아우르고 있는 아름답고도 너무나도 슬픈 모리꼬네의 음악은, 관객들의 감정이입을 적극적으로 돕고 있다. 아니, 돕고 있다기보다는 거역할 수 없게 만들어 버린다.



누들스를 연기한 드니로의 눈빛 연기는 단지 그것만으로도 슬픈 감정을 끌어내기에 충분한 것이었지만, 모리꼬네의 음악이 더해지면서 연기 자체에도 날개를 단 격이 아니었나 싶다. [황야의 무법자]를 시작으로 세르지오 레오네 감독과 계속 함께 작업을 하게 되면서 스티븐 스필버그와 존 윌리엄스, 알프레드 히치콕과 버나드 허만 같이 감독과 작곡가가 콤비를 이루어 영화를 완성하게 되는 케이스의 기초를 마련하였다. 세르지오 레오네 감독은 우리 곁을 떠났지만, 엔니오 모리꼬네는 브라이언 드 팔마, 페드로 알모도바르, 로만 폴란스키 등 거장들과의 꾸준한 작업으로, 매번 감독적인 영화 음악을 들려주고 있다.



이 궁금증은 영화가 개봉한 1984년부터 지금까지 계속 되고 있는 물음이다. 타이틀의 서플먼트를 보다보면 이에 관한 제임스 우즈의 말을 들을 수 있는데, 그 역시도 아직도 사람들이 자신에게 이 같은 궁금증을 물어온다는 것이다. 제임스 우즈도 감독인 레오네에게 물어보았지만, 레오네는 그럴 수도 있고 아닐 수도 있다는 모호한 답을 해주었다고 한다. 그 말은 다시 말하면 맥스가 쓰레기차에 타고 안타고가 중요한 것은 아니라는 말로 이해된다. 그리고 개봉당시 한 팬이 영화를 보고 나서 마지막 장면의 웃음의 의미에 관해 물었으나 그 대답은 듣질 않았다고 한다. 그 이유는 영화가 아편으로 인한 누들스의 꿈이라는 답변을 들을 까봐 그랬다고 한다. 사실 이 영화는 긴 러닝타임 때문임을 제외하더라도 시간과 사건의 편집의 우수성을 보여주는 작품이기도 하다. 영화의 시점은 어린 시절로 감옥에 다녀온 뒤로, 노인이 되어 나타난 요즈음으로 변하지만, 그러한 시점의 변화를 자연스러우면서도 감정의 선이 그대로 이어지게 편집한 기술은 영화만의 매체의 장점을 백분 살리고 있다. 영화의 처음과 마지막 장면에 배경이 되는 아편굴은 여러 가지 의미를 내포하고 있는데, 그것이 꿈인가 아닌가의 중요성보다는, 부질없음과 슬픔에 정서를 담고 있다고 하겠다.



일단 반갑다는 말을 해야겠다. 229분의 무삭제 버전으로 출시된 것 말이다. 하지만 완벽한 무삭제라는 말을 하기에는 조금 아쉬운 점이 있는데, 누들스가 출소하여 장의사 차안에 누운 여자 시체(물론 아니었지만)를 보는 장면에서 뿌옇게 모자이크 처리가 되는 장면이 그것이다. 그야말로 옥에 티라고 불러야 할 장면이 될 것 같다. 개봉한지 20년 가까이 지난 2003년에야 출시된 타이틀은, 이 같은 점을 감안한다면 비교적 높은 퀄리티로 출시되었다. 일단 화질은 애너모픽 1.78:1의 화면을 재공하고 있는데, 최근 영화들처럼 날카롭고 선명한 화질을 기대하기 어렵지만, 색감에 충실하고 고풍스러운 분위기를 잘 전하고 있다. 음향은 예상외로 돌비디지털 5.1채널의 사운드를 지원하고 있는데, 5.1채널을 체험할 만한 시퀀스는 거의 존재하지 않고, 전체적인 대사의 볼륨이 좀 작은 감이 들기는 하지만, 이 같은 점 역시 충분히 감안되어질 만한 정도이며, 엔니오 모리꼬네의 음악은 여전히 감동적으로 들려온다.



2장의 디스크로 한정판의 양장본으로 출시된 타이틀은 일단 외관상으로는 양장본인 만큼 고급스러운 패키지를 선보이고 있다. 고급스러운 케이스를 제외하면 일반판과 똑같은 타이틀이 들어있는 것이 조금은 아쉽기는 하지만, 제작사가 워너임을 감안한다면 이 같은 양장본 케이스에 만족해야할 듯싶다(이 같은 평가는 양장본 케이스가 맘에 안 든다고 하기 보다는, 한정판만의 특전이나 부클릿 등이 수록되었으면 하는 아쉬운 마음에서이다). 일단 본편이 워낙에 긴 러닝타임을 자랑함으로 두장으로 나뉘어져 있다(참고로 중간에는 휴식 시간을 알리는 자막도 그대로 포함되어 있다). 가장 기대가 되는 서플먼트는 몇 가지가 있는데, 일단은 코멘터리가 눈길을 끈다. 리차드 쉬클이라는 평론가가 참여한 음성해설은 반갑기는 하지만, 그래도 우리 곁을 떠난 레오네 감독은 아닐지언정, 로버트 드니로나 제임스 우즈 같이 요즘도 왕성하게 활동하고 있는 배우들이 음성해설에 참여했으면 더 좋았을 텐데 하는 아쉬움이 남는다.

코멘터리 외에 다큐멘터리 하나가 수록되어 있는데, 영화의 제작과정을 감독인 세르지오 레오네를 추모하고 기리는 뜻에 포함시켜 들려주고 있다. 머리에 하얗게 서리가 내려앉은 제임스 우즈와 어린 누들스 역할을 맡았던 배우, 주요 스텝들의 인터뷰 영상이 수록되어 있다. 이 다큐멘터리를 통해 우리는 세르지오 레오네와 영화 [원스 어폰 어 타임 인 아메리카]에 대해 좀 더 자세하게 알 수 있는 계기가 된다. 영화가 최고의 걸작인 만큼 출시된 DVD타이틀도 이 정도면 반드시 소장해야 할 타이틀임에는 분명한 듯 하다.


2003.07.08
글 / 아시타카

감독인 크리스 카터는 처음부터 두 남녀 주인공의 관계를 설정하면서, 둘 사이에는 전혀 로맨스가 없을 것이라는 것을 시청자들에게도 알리기 위해 첫 에피소드부터 스컬리와 그녀의 남자친구의 로맨스 장면을 촬영했다. 멀더와 스컬리 간의 관계에 대해 처음부터 확고하게 못을 박기 위한 일종의 장치였을 것이다(하지만 이 장면은 굳이 이 같은 장면 없이도, 앞으로 멀더와 스컬리 간의 관계를 짐작할만한 여지가 충분하다고 여겼기 때문에 최종적으로는 방영되지는 않았다. 이번 [엑스 파일 시즌 1]DVD에는 이 삭제장면에 보너스로 수록되어 있기도 하다). [엑스 파일]은 이러한 두 남녀 주인공의 관계설정 외에 역할 분담에서도 다른 시각을 보여준다. 대부분의 경우 남자의 역할은 고지식하고 논리 정연한 지식에 기초하고 여자의 역할은 논리와 지식보다는 직감과 지혜에 기초하는 것이 보통인데, [엑스 파일]의 경우는 이와는 정 반대다. 멀더는 텍스트와 기록에 의한 수사보다는 자신의 직감과 상상력의 근거한 수사를 펼치고, 스컬리는 이와는 반대로 의사로서의 학문적 지식과 논리에 근거한 수사를 한다(물론 이 같은 설정 역시 나중에 가서는 변화를 겪게 되고, 멀더 - 스컬리의 역할 분담은, 스컬리 - 도겟에서 그대로 나타나게 된다).

그 당시 헐리웃에서 주목 받던 젊은 배우였던 데이빗 듀코브니와 거의 무명에 가까웠던 질리안 앤더슨은 [엑스 파일]을 통해 골든 글로브 남,여 주연상을 수상하는 등 그야말로 스타에 자리에 올랐다. 데이빗과 질리안, 두 배우들 스스로도 그러하고 팬들로서도 한 가지 아쉬운 점은, 너무 오랜 시간 각각 F.B.I요원인 '멀더‘와 ’스컬리‘로 살아왔기 때문에, 그 이미지가 너무 강한 탓에, 다른 작품에서는 그다지 좋은 모습을 보여주지는 못했다는 것이다. 매번 다른 이미지를 만들어 내야 하는 배우라는 직업에 있어서는 이 같은 요소가 커다란 부담이 되었을 것은 분명하다. 또한 영원히 기억 속에 멀더와 스컬리로 남길 바라는 팬들의 바람도 부담을 가중시키는 요소가 되었을 것이다. 그렇기 때문에 9시즌의 모든 시리즈가 끝난 현재, 두 배우의 또 다른 선택이 기대가 된다.



사실 [엑스 파일]을 외계인 관련 시리즈로 알고 있는 사람들이 많지만, 또 외계인의 관련된 내용이 중요한 요지이기는 하지만, 그것뿐이라고 단정 짓는 것은 이미 언급한 바와 같이 너무도 성급한 판단일 것이다. 그리고 외계인에 관한 이야기도 맞지만, 모든 개념을 포괄한 설명할 수 없는 무언가에 관한 이야기라는 표현이 더 맞을 듯싶다. 왜냐하면 [엑스 파일]에는 직접적으로 외계인에 관련된 사건들 외에도 돌연변이라던가 불가사의한 사건, 미확인되고 현대 과학으로는 설명할 수 없는 여러 사건들이 존재하기 때문이다. 사실 ‘현대 과학으로는 설명할 수 없는’이라는 말은 상당히 반론에 여지가 있는 말이다.



위와 같이 설명되어 지는 일들은 대부분 거짓으로 판명되거나 오류로 결정되어 지는 것이 대부분이다. 하지만 저 말 그대로라면 ‘현대 과학’으로만 설명할 수 없을 뿐, 나중에 발달된 과학으로는 설명될 수도 있는 일들이라는 결론이 나올 수 있다. 마치 예전에 지구는 둥글다고 얘기하면 다들 거짓말이라 여겼지만, 지금은 아무도 그것이 ‘진실’임에 부인하지는 않듯이 말이다. 결론적으로 ‘현대 과학으로 설명할 수 없는 일’들을 진실이 아니라고 확정지을 수는 없다는 말이다. 멀더의 사건 추리는 이 같은 논지에서 시작된다고 해도 과언이 아닐 것이다. 하지만 이 같은 그의 신념은 커다란 벽에 가로 막힌다. 그것이 바로 정부음모론(Conspiracy Theory)이다.

‘담배 피는 남자’를 비롯한 힘이 있는 정부의 고위층들은 현실에 안주하지 않고 진실을 쫓는 멀더를 눈에 가시처럼 여긴다. 그래서 하는 일마다 방해를 하지만, 멀더는 그럴 수록 더 많은 의심과 진실 추구에 대한 욕망을 키워나가게 된다. 사실 [엑스 파일]에 등장하는 정부음모론은 [컨스피러시]같은 다른 영화들에서도 다룬 바 있고, 실제적으로 밝혀진 바가 있을 정도로 상당히 구미를 당기는 요소이다. 로즈웰에 추락했던 U.F.O.의 일만해도 그렇다. 이렇듯 [엑스 파일]은 미스터리하고 권력에 음모를 다룬 이야기는 그저 흥미위주로 흐르기가 쉽지만, 픽션(Fiction)임에도 현실을 의심해 볼만큼 근접한 리얼리티(Reality)로 많은 사람들에게 사랑을 받게 되었다.



이미 코드 1번인 미국에서는 7시즌까지 발매된 현실에서, 국내 팬들에 코드 3 타이틀 발매에 대한 기대는 말할 것도 없이 커져만 갔었다. 곧 출시가 예정이 되었고, 팬들은 드디어 한국에서도 엑스 파일을 만나볼 수 있다는 것에 반가워했지만, 이내 실망하고 말았다. 그것은 바로 한국어 더빙 트랙의 수록 문제였다. 미국에서 일곱 번째 시즌까지 출시가 되는 동안 국내에서 첫 번째 시즌조차 발매가 되지 않은 상황은, 다른 타이틀 같으면 대부분의 매니아들은 코드 1번을 벌써 구매했을지도 모를 상황이었다. 하지만 [엑스 파일]의 경우는 거의 그런 일이 없었다. 그것이 바로 한국어 더빙 트랙 때문이었다.

첫 번째 시즌부터 아홉 시즌이 이어지는 동안 한 번의 변동 없이 두 주인공의 목소리를 맡았던 성우 이규화, 서혜정씨의 목소리는, 적어도 국내 팬들에게는 [엑스 파일]을 논함에 있어 또 하나의 절대 빠질 수 없는 요소였다. 이규화 씨에 연기로 전해지는 멀더의 목소리와, 서혜정 씨의 연기로 들려주는 스컬리의 목소리는, 결코 분리해서 생각되어질 수 없는 절대적인 것이었다. 가끔 채널을 이리저리 돌려보다가 STAR TV에서 방영하는 [엑스 파일]을 보게 되는 경우가 있는데, 본래의 데이빗과 질리안의 더빙으로 진행되는 [엑스 파일]은, 어색하고 재미없기 짝이 없었다.



이렇듯 중요한 한국어 더빙이 처음에는 수록되지 않아 많은 팬들은 구매를 고민하기 시작하였고, 결국에는 커뮤니티를 중심으로 한 서명운동으로 고집 세기로 유명한 폭스의 결정을 번복하게 만들어 냈다. 물론 그에 따른 출시일은 더 많이 지연이 되었었지만, 그만한 고통은 한국어 더빙 수록이라면 충분히 감수할 수 있는 것이었다. 그리고 이전에는 조금 미흡했던 번역을 수정하고 몇몇 부분은 재 더빙이 이루어져 TV드라마로서는 더할 나위없는 궁극의 타이틀로서 손색이 없는 완성도를 보여주었다.

화질은 TV드라마 인지라 영화 같은 영상을 기대하기는 어렵다. 사실 그러한 화질을 기대한 팬들은 아마 없었을 것이다. 음질역시 돌비 디지털 2.0의 사운드를 지원하는데, 이것 역시 최근 발매되는 영화 타이틀과 견주기에는 너무 미흡하지만, 아무도 5.1이나 DTS채널의 사운드를 기대하지는 않았을 것이다. 시즌 1 타이틀은 6장의 에피소드를 담은 디스크 외에 한 장의 서플먼트를 담은 디스크를 재공하고 있는데, 여기에는 매우 흥미로운 서플들이 담겨있다. 특히 그중에서도 감독인 크리스 카터가 말하는 시즌 1 에피소드는 [엑스 파일]의 기획 초반 의도와 감독이 그리려고 했던 시리즈의 청사진을 들여다볼 수 있는 좋은 기회가 될 것 같다.
마지막으로 좀 더 많은 사람들이 [엑스 파일 시즌 1]타이틀 구매에 힘(?)을 써서, 중단 없이 시즌 9까지 무사히 발매가 되길 바라는 마음이다.

2003.07.04
글 / 아시타카

정말 그랬다. 개봉 전 극장에서 [싸인]의 예고편을 보았을 때에는 그저, 미스테리 서클을 소재로 한 영화라는 것밖에는 짐작할 수 가 없었다. 그도 그럴 것이 그저 멜 깁슨이 출연한다는 걸 겨우 알정도 분량의 장면들과 빠른 카메라워크로 진행되는 미스테리 서클의 모습만이 담겨져 있었기 때문이다. 이러한 모든 것들은 조금 더 효과적으로 관객들의 머릿 속에서 전작 [식스센스]를 지워버리기 위한 M.나이트 샤말란 감독의 의도된 하나의 묘수였다.

[싸인]의 분위기는 조금 의외였다. 마치 알프레드 히치콕 감독의 영화를 보는 듯한 감각적이면서도 인상적인 오프닝 장면부터가 그랬다. 또한 스릴러 장르의 특성을 고스란히 가지고 있기는 하지만, 그리고 그 정도는 어느 정도 예상되었던 그림들이었지만, ‘스릴러’라기 보다는 ‘공포’로 불러도 좋을 만큼 영화 내내 심장을 조여 오는 긴장감은, 그의 전작들에서는 결코 느낄 수 없었던 부분들이었다. 또한 그가 좀 더 새로운 영화를 만들기 위해 가미한 요소는 바로 유머였다. 이것도 상당히 의외였는데, 극도로 공포스런 분위기로 몰고 이끌다가도 곧바로 웃음을 참기 어려운 장면들을 배치하여 관객의 심장박동수를 이리저리 혼란스럽게도 하였다. (심지어는 가장 공포스럽고 감동적인 장면에서도 유머스런 장치를 배치하여 웃지도 울지도 못하게 만들기도 하였다.)

이 영화는 또한 흥미로운 상황과 공간의 설정을 보여주고 있다. 영화의 주된 사건은 모두 주인공 멜 깁슨의 한 한적한 옥수수 농장을 배경으로, 그의 집안에서 이루어지지만, 그렇다고해서 영화의 주된 원인이 되는 현상들이 이곳에서만 벌어지는 것은 아니다. 오히려 전 세계의 인간들을 공포에 몰아넣을 정도의 스케일을 지니고 있지만, 다른 영화들과는 달리 커다란 스케일의 장면들은 나타나지 않는다.

하지만 주인공의 집안 TV를 통해 보여지는 뉴스만으로도, 오히려 더 두려움과 긴장감을 느끼게 한다. 이러한 설정은 또한 미디어에 대한 의존도와 고립된 공간적 상황을 설명하기도 한다. 하지만 감독은 관객들이 영화 속에서 벌어지는 상황에 스케일과 혹 지루해질 수 도 있는 부동적 공간 설정을 우려하여, 영화 중반에는 가족들이 잠시 집을 나와 읍내를 구경하며 각자의 공간에서 각자의 방식으로 상황을 인식하는 장면을 삽입하였다.

영화 [싸인]은 제작초기에는, 이미 배우로서가 아닌 감독으로서도 오스카를 수상하였던 멜 깁슨과 아직 두 편밖에는 감독하지 않았었던 M.나이트 샤말란 감독이 어느 정도 조화를 이룰 것인가 하는 것도 관심거리였다. 하지만 샤말란 감독은 멜 기습을 부담스러워 하지 않고 감독으로서 원하는 것을 100%주문했고, 멜 깁슨 또한 이를 충실하게 따르며 자신의 연기를 펼쳤다.



멜 깁슨 외에도 [글래디에이터]에서 인상깊은 연기를 펼쳤던 조와킨 피닉스도 새로운 장르에서 자연스러운 연기를 보여주었다. 할리 조엘 오스몬드의 연기가 워낙 뛰어났었던 지라 이와 비교하기에는 조금 무리가 있지만, 멜 깁슨의 아들, 딸 역할을 맡은 두 아역 배우들도, 최근에 대부분의 아역 배우들이 보여주는 어린이 답지 않은 성숙(?)한 연기를 보여주었다.
이 영화는 [식스센스]와 마찬가지로 스릴러라는 장르적 특성을 지닌 탓에 스토리에 관한 이야기는 자칫 스포일러가 될 수 있음으로 삼가도록 하겠다.

무자비한 악당 빅 보이는 지하세계의 보스 립스 맨리스와 마찰을 일으킨다. 빅보이의 다음 목표는 도시의 남은 갱들을 자신의 편으로 만들어 최고의 두목자리에 오르는 것. 이를 막기 위해 딕 트레이시는 빅보이가 관할하는 도시를 안전하게 지키기 위해 절친한 동료 펫, 샘과 함께 빅 보이와의 전면전을 시작한다. 늘 빅보이와 싸우느라 사랑하는 애인 테스와 함께 보낼 시간이 좀처럼 허락되지 않는 딕 트레이시. 일과 사랑 사이에서 고전하며 힘겨워하는 딕 트레이시 앞에 어느 날 미모의 나이트클럽 여가수 브레들리스가 나타난다.

매일 밤마다 유혹하는 브레들리스 때문에 더욱 난처해진 딕 트레이시는 결국 애인에게 들키게 되고 이 때문에 테스와의 사이는 점점 더 멀어진다. 사랑하는 여인마저 자기 곁을 떠나게 될 위기에 처해진 딕 트레이시에게 이번엔 빅 보이 보다 더한 악당이 나타난다. 진짜 얼굴과 이름은 알려지지 않고 그저 블랭크라고만 불려지는 이 악당은 딕 트레이시와 빅 보이를 모두 없애버리고 도시 전체를 장악하려는 음모를 꾸민다. 빅 보이와의 싸움으로도 늘 위협을 받는 딕 트레이시는 이제 블랭크와도 싸워야 하는 최대의 위기를 맞이하는데….

이 영화 [딕 트레이시]는 배우들의 면면을 꼭 한 번 살펴볼 필요가 있다. 그도 그럴 것이 영화를 보는 내내는 출연하는 지도 몰랐던 배우들의 이름들이 엔딩 크레딧에는 버젓이 오르고 있기 때문이다. 일단은 주인공 트레이시 역을 맡은 워렌 비티부터 살펴보자.
워렌 비티는 헐리웃에서 배우로서 또한 제작자와 감독으로서도 잘 알려진 인물이다. [초원의 빛]으로 배우로 데뷔한 그는, [우리에겐 내일은 없다]를 제작하였고, 이 영화 [딕 트레이시]를 비롯한 여러 영화를 감독하기도 했다. 위에서 말한 것과 같이 [딕 트레이시]에서는 감독과 주연을 동시에 맡고 있는데, 폼 나면서도 코믹하기 까지 한 캐릭터를 연기하며, 지금까지 그가 보여주었던 연기와는 사뭇 다른 캐릭터를 보여주고 있다.
사실 [딕 트레이시]에서 워렌 비티의 노란 바바리 차림에 변신 정도는 명함도 내밀기 힘들다. 그도 그럴 것이 심하게 분장하고 나와 얼굴조차 알아보기 힘들었던 두 배우 덕인데, 그들은 이른바 대 배우라 칭송받는 알 파치노와 더스틴 호프만이다.

멋진 역할, 카리스마 넘치는 역할만 도 맡아서 해오던 알 파치노에 극 중 ‘빅 보이’ 연기는 정말 특이한(?)케이스가 될 것 같다. 이 영화는 여러 면에서 팀 버튼의 [배트맨]과 비교되곤 하는데, 마치 잭 니콜슨이 맡았던 ‘조우커’역할과 상응하는 악당 역할이라 보면 될 것 같다. 정말로 심하게 망가져 버린 분장, 아니 변장은 알 파치노 임을 겨우 알아볼 수 있을 정도로만 나타내고 있고, 알 파치노는 이런 분장에 화답이라도 하듯, 심하게 망가지고 코믹한 악당의 캐릭터를 장난치듯 신나게 보여주고 있다. 또한 [딕 트레이시]는 영화의 분위기상 [대부]의 분위기와도 닮은 점들이 많은데, [대부]에서 넘치는 카리스마로 출연했던 알 파치노가 같은 갱 역할을 심하게(?) 다르게 연기한다는 점도 이채롭다.
그래도 알 파치노는 얼굴을 조금은 알아볼 수 있었다. 하지만 더스틴 호프만은 정말 일반인들로서는 구분이 힘들 정도로 하드 한 겹에 분장으로 출연하고 있다. 더군다나 그는 알 파치노에 비해 출연하는 러닝 타임도 길지 않으며, 대사 또한 적다(그나마 그 대사들도 웅얼웅얼 거리는 것이 대부분이다). 알 파치노나 더스틴 호프만 같은 연륜 있는 배우들은 오히려 이런 코믹하고 심하게 뒤틀린 캐릭터를 연기함에 있어 여유 있게 연기하는 듯 하다.돈나는 이 영화에서 팝 적인 요소들보다 재즈 적인 느낌이 강한 곡들을 소화해 내며, 만화적이지만 갱스터 무비에 어울리는 분위기를 잘 연출해 냈다.

브에나 비스타에서 발매된 타이틀은 조금은 아쉬움이 남는데, 그 가장 큰 이유는 서플먼트가 전무하다는 것이다. 4장짜리 서플먼트 디스크가 판치는 요즈음 이렇게 전무한 서플먼트는 확실히 마이너스로 작용할 것 같다. 하지만 본 편의 영상과 사운드의 퀄리티는 레퍼런스 급은 못 되지만, 수준급의 화질, 음질을 선보이고 있다. [딕 트레이시]는 비디오로도 절판되어 구하기가 워낙에 힘든 영화였는지라, 서플먼트의 마이너스 요인에 상관없이도 높은 소장가치가 있는 타이틀이 될 것 같다.



그리고 마돈나. 이미 언급되었던 세 명의 배우들 외에 [딕 트레이시]가 주목받은 또 한 가지 이유는 바로 마돈나의 출연이었다. 미국 팝의 여왕이라 불리며 최고의 주가를 누리고 있었고, 또한 워렌 비티와도 염문설이 있던 터라 그녀의 출연은 화제가 되기에 충분한 것이었다. 클럽의 여가수 역할을 맡은 마돈나는 역할이 역할인지라 자신의 매력을 맘껏 뽐내고 있다. 그리고 영화 내내 흐르는 그녀의 목소리는 영화 전체를 Jazzy하고 Smooth하게 만든다. 위의 소개한 이들 배우들의 출연 이유만으로도 [딕 트레이시]는 한 번 볼만한 가치가 있다고 할 수 있겠다.

이 영화에서 가장 돋보이는 것은, 정말로 눈에 확확 들어올 정도로 강렬한 원색의 색감이다. 주인공 딕 트레이시의 트레이드 마크인 샛노란 바바리코트와 중절모를 비롯하여, 갱스터 답지 않게 초록, 빨강, 연두, 노랑 등의 원색의 의상을 입고 있는 악당들, 역시 원색으로만 이루어진 자동차들은 영화 자체를 신비하고도 만화적인 분위기로 만들고 있다. 이 영화는 원래가 1931년부터 연재했던 체스터 굴드의 원작 만화를 영화화한 것이라 기존의 만화의 팬들에게도 많은 관심을 끌게 했다. 딕 트레이시가 범인과 격투를 벌이는 장면에서 집 전체가 이리저리 흔들리는 장면이라던가, 도시 전체를 비추는 앵글에서는 완벽하게 만화적이라고 해도 좋을 만큼 화려하고 장난스러운 장면들을 연출하고 있다.

이러한 신비스럽고 만화스러운 영상은 [배트맨]과 비교되는 첫 번재 요소로 꼽힌다.
두 번째 요소는 바로 음악이다. [배트맨]의 음악을 맡았던 데니 앨프먼이 음악을 맡아 신비스러운 영상에 활기를 불어넣고 있다. 영화 자체의 분위기가 비슷한 탓인지 음악 또한 분위기가 많이 흡사한 것을 느낄 수 있다. 데니 앨프먼의 음악 외에 이 영화를 더 돋보이게 하는 것은 마돈나의 노래들인데, 마돈나는 이 영화에서 팝 적인 요소들보다 재즈 적인 느낌이 강한 곡들을 소화해 내며, 만화적이지만 갱스터 무비에 어울리는 분위기를 잘 연출해 냈다.

브에나 비스타에서 발매된 타이틀은 조금은 아쉬움이 남는데, 그 가장 큰 이유는 서플먼트가 전무하다는 것이다. 4장짜리 서플먼트 디스크가 판치는 요즈음 이렇게 전무한 서플먼트는 확실히 마이너스로 작용할 것 같다. 하지만 본 편의 영상과 사운드의 퀄리티는 레퍼런스 급은 못 되지만, 수준급의 화질, 음질을 선보이고 있다. [딕 트레이시]는 비디오로도 절판되어 구하기가 워낙에 힘든 영화였는지라, 서플먼트의 마이너스 요인에 상관없이도 높은 소장가치가 있는 타이틀이 될 것 같다.

2003.05.15
글 / 아쉬타카