허트 로커 (The Hurt Locker, 2008)
왜 그들은 그곳에 가야만했나?


제임스 카메론과 <아바타>에 관련된 영화 외적 이슈들은 너무 많이 언급이 되었으니,여기서 또 언급하지는 않겠다. 개인적으로는 <아바타>를 누르고 아카데미를 수상해서가 아니라 <폭풍 속으로> <K-19>등 이른바 '남성영화'에 탁월한 재주가 있는 여성 감독 캐서린 비글로우의 신작이라는 점에서 이 영화 <허트 로커>에 대한 관심을 갖게 되었고, 계속 미뤄지는 국내 개봉 탓에 혹시 개봉을 못하는 것이 아닐까 하는 걱정마저 들 때쯤, 아카데미 시즌이 한참 지나고나서야 겨우 극장에서 만나볼 수 있게 되었다. <폭풍 속으로>도 물론이지만 <K-19>같은 작품을 보면 도저히 이 작품을 여성 감독이 만들었을 것이라고는 쉽게 믿기 어려운 정도였는데, 그렇기 때문에 이라크 전을 다룬 영화였음에도 '제대로 묘사나 할 수 있었겠어?'라는 편견은 전혀 없이 오롯이 영화를 즐길 수 있었다.



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영화의 줄거리라기보다 배경은 이라크 전에 참전하고 있는 미군들, 그 가운데서 폭발물 제거반 (EOD)의 이야기를 담고 있다. <허트 로커>는 기승전결에 매우 충실한 작품이지만 한편으론 줄거리보다는 위의 배경만으로도 영화를 설명할 수 있는 작품이기도 하다. '폭발물 제거반'이라는 설정에서 알 수 있듯이 이 영화의 가장 큰 묘미는 스릴, 곧 긴장감이다. 과연 폭발물이 언제 터질까 혹은 제거 중에 터지는 것은 아닐까, 무사히 제거 할 수 있을까 하는 것은 이 영화의 기본적인 긴장 요소다. 그런데 캐서린 비글로우는 이 긴장 요소를 다른 극영화들처럼 더 극적으로 몰아가지는 않는다. 보통 같았으면 폭탄을 해체하는 과정에 긴박감 넘치는 음악을 삽입하고 편집과 컷을 통해 관객의 아드레날린도 조종하려 했겠지만, 이런 점에서 비글로우는 매우 담백한 방식을 사용하고 있다. 그런데 결과적으로는 더 긴장감을 느끼게 되니 그것이 이 영화에 미덕 중 하나라고 할 수 있겠다.

긴장감을 다루는 캐서린 비글로우 만의 장점이 가장 잘 나타난 장면은 주인공 제임스와 샌본이 사막에서 먼 거리의 적을 만나 오랫동안 대치하는 장면을 들 수 있겠다. 일반적인 전쟁 영화였다면 이 특화된 액션 시퀀스를 더 박진감 넘치게 그리려고 했을 텐데, <허트 로커> 속 장면은 이 긴장감 넘치는 장면을 오히려 느린 템포로 가져가고 있다. 해치웠다고 생각된 뒤에도 한참을 그 자리에서 그대로 두는 장면은 영화가 긴장감을 다루는 방식을 잘 보여준다.


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<허트 로커>가 보여주는 메시지는 오프닝에 나오는 인용구에서도 알 수 있듯이, 전쟁에 중독되어 버린 자들을 빗대어 전쟁의 무의미함을 이야기하려는 것으로 보인다. 사실 99% 전쟁 영화는 그 방식이 무엇이 되었든 전쟁이라는 것의 참혹함과 끔찍함을 통해 '왜 이런 전쟁이 아직도 세계 곳곳에서 일어나고 있는가'에 대해 비판의 목소리를 내고 있다고 볼 수 있는데,  이 작품은 그런 면에서 좀 더 스릴과 중독이라는 측면에 집중하고 있는 편이다. 하지만 적어도 개인적으로는 정치적인 측면과 더불어 미국이 일으킨 이라크 전쟁에 대해 생각해보지 않을 수 없었다.

앞서 이야기했던 것처럼 대부분의 전쟁 영화는 '왜?'라는 물음으로 귀결된다. 누가 이런 참혹한 전쟁을, 왜 일으키는가 말이다. <허트 로커>는 이런 정치적인 부분에 대해 직접적으로 드러내지 않지만 그래도 이 부분을 인식하지 않을 수 없었다. 표면적으로 보면 영화 속에서 벌어지는 사건들은 전쟁에(폭발물 해체에) 중독되어 있는 제임스로 인해 벌어진 일들이라고 볼 수 있지만, 결국은 전쟁으로 말미암아 생긴 일들이고 제임스라는 캐릭터 역시 전쟁으로 인해 탄생한 캐릭터라고 할 수 있을 것이다. 그렇기 때문에 '우린 거기 갈 필요가 없었어' 라는 엘드리지의 한 마디는 단순히 제임스의 명령으로 인한 사건에 국한 되기 보다는, 미국이 결국 이라크 전쟁을 일으킬 이유가 없었다는 것으로 받아들일 수 있었다(그래서 개인적으로는 이 대사가 가장 뇌리에 남는다).

혹 전쟁에 중독되어 버린 제임스 라는 캐릭터를 두고 '미국'으로 연관지을 수도 있겠지만, 영화는 제임스 역시 이로 인한 피해자로 그리고 있다. 집으로 돌아와 쇼핑마트에서 시리얼 하나 사지 못하는 제임스의 모습은 웃음 코드로 넣은 것이 아니라, 전쟁으로 인해 현실에서 전쟁 외에는 아무것도 할 수 없게 되어버린 인간의 모습을 현실적으로 그려내고 있는 것이다.


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캐서린 비글로우의 <허트 로커>의 첫 느낌은 조금 뻔한 전쟁 영화(그러니까 충분히 예상되었던 메시지)라고 느껴졌었는데, 곰곰히 생각할 수록 흥미로운 기법들을 통해 메시지를 은은히 전달하고 있음을 알 수 있었다. 아마도 이라크 전과 아프카니스탄 전에 관한 자각있는 미국인들의 영화는 앞으로도 계속 될 것이다. <허트 로커>는 그런 면에 있어서 '좋은 예'라 할 수 있겠다.


1. 가이 피어스, 랄프 파인즈, 데이비드 모스, 미드 <로스트>의 케이트 '에반젤린 릴리'와 역시 미드 <덱스터>의 아이스트럭 킬러 '크리스찬 카마고'까지. 까메오 분량으로 출연한 여러 배우들의 모습을 만나는 재미도 쏠쏠하더군요.

2. 현대 소나타가 비중있게(?) 나오더군요 ㅎ




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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글 : 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


매번 새로운 매체가 등장할 때마다 가장 출시를 손꼽게 되는 작품들이 있다. 따지고 보니 대부분이 시리즈 물인데, 두말 할 필요 없는 ‘스타워즈’ 시리즈가 그렇고 워쇼스키 형제의 ‘매트릭스’ 트릴로지나 스필버그의 ‘인디아나 존스’ 시리즈도 자주 거론되는 작품들이다. 아, 시리즈가 아닌 작품들 가운데는 제임스 카메론의 ‘터미네이터 2’도 빼놓을 수 없겠다. 이들과 함께 매번 상위에 랭크 되는 작품이라면 역시 피터 잭슨의 ‘반지의 제왕’ 트릴로지를 들 수 있겠다. ‘반지의 제왕’ 트릴로지는 작품 적인 측면에서는 물론 이미 DVD시절 ‘레퍼런스’로 통하는 어마어마한 확장판을 내놓은 적이 있기 때문에 더더욱 블루레이로서 가장 기대가 되는 시리즈였음은 두 말하면 잔소리. 이렇게 주목을 받았던 ‘반지의 제왕’ 트릴로지가 드디어 블루레이로 정식 발매되었다.





일단 이번에 출시된 버전은 최종 확장판이 아닌 극장판 만이 수록된 버전이다. 또한 본편 외에 부가영상 역시 예고편만 수록된 단촐한 버전이기도 하다. 이 것은 곧 언젠가는 확장판의 블루레이가 출시될 것이라는 점을 그대로 의미하기도 한다. 이런 점 때문에 블루레이 ‘반지의 제왕’을 기다렸던 많은 이들이 구매를 머뭇거리게 되는 것이 사실인데, 정답은 의외로 간단한 편이다. DVD 발매 당시와 마찬가지로 언제가 ‘반드시’ 출시될 확장판을 기다릴 수 있다면 기다리면 된다. 하지만 누구나 예상할 수 있듯이 확장판은 근 시일 내에는 발매되지 않을 것이다. 그렇기 때문에 지금 시점에서 극장판 블루레이를 구매한다고 해도 손해라고 보긴 어렵다. 확장판이 출시될 때까지 DVD와는 비교되지 않는 화질과 음질의 ‘반지의 제왕’을 먼저 즐길 수 있고, 극장판 만이 갖는 나름의 의미도 다시 한번 되새겨 볼 수 있기 때문이다.




어쨌든 ‘언젠가’ 출시될 확장판 블루레이 이전까지는 유일한 ‘반지의 제왕’ 블루레이 타이틀이 될, 극장판 트릴로지 블루레이에 대해 본격적으로 살펴보자. 작품에 대한 이야기는 DVD출시 시 DP리뷰를 통해 여러 번 다뤘으므로, DVD 리뷰를 링크하는 것으로 대신한다.

반지의 제왕 - DP 지난 리뷰들 보기 링크


Blu-ray Menu & Special Features







메뉴 구성은 1편인 ‘반지원정대’, 2편 ‘두 개의 탑’, 3편 ‘왕의 귀환’ 모두 동일한 디자인을 택하고 있으며, 언어 선택과 장면 선택 외에 스페셜 피쳐를 지원하는데 스페셜 피쳐는 각각의 예고편과 반지의 제왕 관련 게임 예고편을 수록하고 있으며, ‘왕의 귀환’에는 트릴로지 예고편이 수록되어 있다.


Blu-ray : Picture Quality


1080p 화질은 확실히 작품에 따라 편차가 있는 편이다. 2001년작인 ‘반지원정대’의 비해 1년 씩 차이를 두고 개봉한 ‘두 개의 탑’과 ‘왕의 귀환’의 화질이 조금씩 더 나은 편이다. DVD 확장판으로 출시된 ‘반지의 제왕’ 트릴로지가 워낙에 레퍼런스급 타이틀이었기에 혹자들은 ‘반지원정대’의 화질을 두고 ‘DVD랑 별 차이가 없는 것이 아니냐’라고 하지만 1:1로 같은 장면을 비교해본 결과 너무나도 당연하게 DVD와 BD와는 확연하게 큰 차이를 볼 수 있었다.


(위 - DVD / 아래 - BD. 모든 이미지는 클릭하면 원본 사이즈로 보실 수 있습니다)






논란이 되고 있는 ‘반지원정대’의 경우만 봐도 DVD와 BD사이에는 엄청난 화질 차이가 (당연히) 나고 있음을 확인할 수 있다. 본래의 색감이나 선명도, 외곽선의 표현력 등에서 월등한 차이가 나며 이런 점은 두 번째 스크린 샷처럼 배경을 다룬 장면에서 더욱 확연히 드러난다.

DVD와 비교한다면 분명 월등한 화질이지만 일반적인 블루레이의 관점에서 본다면 ‘반지원정대’의 화질은 표준에서 조금 못 미치는 정도의 화질이라고 볼 수 있겠다. 2001년 작임을 감안한다면 어느 정도 감수할 만한 부분이기도 하지만, 이것이 ‘반지의 제왕’이기에 - 그리고 아마도 나중에 확장판 출시 시 복원된 화질로 나올 확률이 높기 때문에 - 화질에 대한 아쉬움이 더 클 수 밖에는 없는 듯 하다. ‘반지원정대’의 화질은 전체적인 색감이나 특히 외곽선 표현과 선명도에 있어서 아쉬움이 남는 화질이다. 최신 블루레이를 자주 접한 유저들이라면 처음 본 순간 ‘아, 좀 아쉽다’라는 생각이 드는 화질.






‘두 개의 탑’부터는 확실히 차세대에 걸 맞는 평균적인 화질을 선보인다. ‘두 개의 탑’에서 특히 유심히 볼 것은 CG캐릭터인 골룸을 들 수 있을 텐데, DVD에서는 미처 확인할 수 없었던 요소들을 블루레이로 확인할 수 있기 때문이다. 종종 블루레이 리뷰를 하면서 CG캐릭터나 CG가 사용된 장면들이 블루레이의 선명한 화질에서는 오히려 도드라져 보이기 때문에 가끔 감상에 방해가 되는 경우도 생긴다는 이야기를 한 적이 있는데, DVD 감상 시에는 전혀 느낄 수 없었던, 그러니까 골룸이 CG캐릭터였다는 비로소 느끼게 해 준다고 할까? 이것은 장점도 단점도 될 수 있겠지만, 어쨌든 좋아진 화질 덕에 골룸이 등장하는 장면에서는 기존에는 볼 수 없었던 장면들을 보게 된다.






기존 배우들이 촬영한 화면에 CG로 추가하다 보니 외곽선 표현의 차이라던가, 각각이 태생적으로 미묘하게 갖게 될 수 밖에는 없는 화질 차이 때문에 유심히 관찰한다면 블루레이의 고화질에서는 이 미묘한 차이를 발견할 수 있게 된다. 이렇게 매의 눈으로 보기(?)가 어느 정도 익숙해 지게 되면, 골룸이 등장할 때마다 그의 뒤에는 그린 스크린이 겹쳐 보이는 효과마저 들게 되는데, 극장과 DVD로 감상할 때 ‘와, 어떻게 저렇게 CG캐릭터와 실사 캐릭터가 감쪽같이 섞여 있지!’라고 느꼈던 것이 차세대에 와서는 조금 덜해진 것만은 사실인 듯 하다. 이래서 장점도 단점도 될 수 있다는 얘기다.





‘왕의 귀환’에 와서는 정말 미세하게 이런 점이 조금 덜 부각되는데, 이건 아마도 ‘두 개의 탑’ 보다 골룸을 표현해내는 기술이 더 나아졌기 때문이라고 볼 수 있겠다. ‘왕의 귀환’ 쯤 오면 몇몇 장면에서는 최신 블루레이에서 느낄 수 있는 이른바 ‘와!’하는 우수한 화질의 장면을 종종 만나볼 수 있다. ‘반지의 제왕’ 트릴로지를 리뷰 하면서 특히 화질 면에서 가장 먼저 드는 생각은, 제작 년도를 떠나서 이 작품은 그 특성상 일반적인 트랜스퍼가 아니라 복원 수준의 작업이 필요한 것이 아닐까 하는 생각이었다. 일반 극영화의 경우는 기본 소스를 손실 없이 잘 전달하는 것만으로도 차세대의 화질을 만끽할 수 있는 경우가 많지만, ‘반지의 제왕’처럼 장면마다 엄청난 양의 컴퓨터 그래픽이 굉장히 다양한 방법으로 사용되어 많은 정보량을 담고 있는 작품의 경우에는 - 특히나 HD영상을 고려하지 않았던 시점에서 - 일반적인 방법으로 블루레이로 담아내는 것 만으로 원본 소스 각각이 지닌 퀄리티를 100% 담아내긴 어렵다는 말이다. 즉 추후 확장판이 출시될 때 복원된 수준의 화질을 또 한번 기대해 볼 수 있겠다.


Blu-ray : Sound Quality


DTS-HD Master Audio를 수록한 사운드는 레퍼런스급이라 부를 만한 사운드를 수록하고 있다. 사운드 역시 1편인 ‘반지원정대’가 2,3편에 비해 조금 약하게 느껴지긴 하지만 전체적으로는 차세대의 박력과 선명함을 모두 만나볼 수 있는 사운드를 수록하고 있다. ‘반지원정대’ 사운드의 아쉬운 점은, 간달프와 발로그와의 대결 장면을 보면 알 수 있는데, ‘반지원정대’의 수록된 사운드가 같은 장면을 수록한 ‘두 개의 탑’의 부분보다 임팩트 면에서 많이 부족한 것을 확인할 수 있다.






하지만 전체적으로는 역시 반지의 제왕이구나 할만한 만족스러운 사운드를 들려준다. ‘반지의 제왕’이 DVD시절부터 레퍼런스로 꼽혔던 이유는 사운드 퀄리티 자체가 좋았던 점도 있지만, 이런 좋은 사운드를 체감할 수 있을 만한 장면들이 가득했기 때문인데, 각 작품마다 하이라이트가 되는 전투 장면을 보는 것만으로도 차세대 사운드를 제대로 만끽할 수 있을 것이다. 사운드의 경우 DVD시절에 느꼈던 레퍼런스 사운드가 각각 블루레이의 차세대 사운드로 업그레이드 되었다고 보면 되겠다. 업그레이드 된 부분을 살펴보자면 역시 임팩트를 넘어선 디테일을 짚고 넘어갈 수 있겠는데, 아무래도 DVD에 수록되었던 사운드보다는 더 세밀하고 선명한 부가적인 소리들을 잡아낼 수 있고, 여러 소리들이 겹쳐 나올 때 어느 하나 뭉개지지 않는 것을 확인할 수 있었다.






각종 병기들이 내는 효과음들은 물론 나즈굴이 내는 그 특유의 소림 끼치는 사운드는 블루레이에 와서도 여전히 소름 끼칠 정도라 볼륨을 절로 줄이게 되며, 헬름 협곡 전투에서의 수 많은 화살 격발음 역시 선명하고, 하워드 쇼어의 스코어도 풍부한 음량으로 전달된다.




[총평] 드디어 블루레이로 출시된 ‘반지의 제왕’ 트릴로지는 반가움과 함께 분명 아쉬움도 남겼다. DVD출시 시에도 극장판과 확장판을 시간을 두고 내놓으며 팬들을 중복 구매의 늪에 빠지게 만들었던 작품답게, 블루레이에 와서도 예고편만 수록한 부가영상과 더 나아질 수 있는 화질 수록으로, 추후 언젠가 출시될 확장판 블루레이를 더욱 기대하게 만들었다. 팬이자 블루레이 유저로서 ‘반지의 제왕 = 레퍼런스’ 라는 공식답게 완벽한 스펙과 내용물로 출시될 확장판 블루레이를 더욱 기대해 본다. 아, 여러 번 언급했듯이 그것이 언제일지 모르니 그 때까지 아쉬움을 달래는 데에 극장판 블루레이 만한 것도 없을 것이다.





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공기인형 (空気人形, 2009)
외로움에 관한 위로의 판타지


<원더풀 라이프> <아무도 모른다>를 비롯해 지난해 <걸어도 걸어도>에 이르기까지, 고레에다 히로카즈 감독의 작품들은 매번 삶의 관한 깊은 통찰로 인해 보는 이로 하여금, 가슴 한 켠이 심하게 저려오는 현상을 일으키곤 했었다. 이런 그의 작품들을 함께 하다보니 자연스레 그의 팬이 되어버렸는데, 이런 그의 신작 <공기인형>에 대한 첫 인상은 사실 조금 의외라는 느낌이었다. 전작들로 미뤄 봤을 때 고레에다 히로카즈의 세계관이란, 너무나 현실적이고 평범한 것들을 다루면서도 그 속에서 쉽게 찾아내지 못하는 (하지만 누구나 알고 있는) 진리의 조각을 찾아내 성찰하고 투영해내는 것이라고 느꼈었기 때문에, '공기인형'이라는 소재와 무언가 사이버 판타지스러운 느낌의 기본 골격은 왠지 그와는 어울리지 않는다고 여겼었기 때문이었다. 하지만 결론부터 이야기하자면 역시 고레에다 히로카즈는 변하지 않았다. '공기인형'이라는 특수한 소재를 가지고 다시 한번 인간 내면을 깊게 들여다보는 시선과 더불어, 화려함 속에 감춰진 일본 사회의 외로움에 대해서도 생각해볼 수 있는 좋은 텍스트였다.



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영화는 한 남자가 성생활 보조 도구로 구매한 '공기인형' 노조미가 어느 날 마음을 갖게 되면서부터 시작된다. 인형이 마음을 갖게 되었다는 설정은 로봇이나 사이보그가 등장하는 애니메이션이나 영화 등에서 자주 볼 수 있는 설정인데, <공기인형>의 그것과는 다르다고 할 수 있겠다. <공기인형>은 노조미가 자아를 찾아가는 여정이 아니라 마음을 갖게 되어버린 공기인형 노조미를 통해 그녀를 둘러 싼 인간들의 외로움을 그린 작품이라고 할 수 있겠다.

<공기인형>에는 노조미 외에 여러 명의 인물들이 등장하는데 하나 같이 외로움과 결여됨에 힘겨워 하는 이들이다. 젊은 여성에게만 관심을 보이는 분위기 탓에 점점 나이 먹는 것을 두려워 하는 노처녀, 역시 사회와 단절되어 애니메이션과 영화에만 빠져사는 오타쿠 청년, 거식증에 먹는 것으로만 하루를 보내는 히키코모리 여자, 홀로 어린 딸 아이를 키우는 아버지, 사람의 따스한 손길을 그리워 하는 노인, 현실과는 상반된 모습을 영화로나마 풀어내려는 경찰 그리고 공기인형을 마치 사람처럼 여기며 하루를 살아가는 남자까지. 모두들 결여된 부분이 있는터라 날이 서 있는 사회 속에 차마 섞이지 못하고 외로운 삶을 살아가고 있는 인생들이다. 사실 <공기인형> 속 캐릭터들은 이런 결여된 부분을 좀 더 효과적으로 표현하기 위해 각각의 특별한 배경이 주어진 경우지만, 실제로 이들의 이야기는 대부분의 사람들에게 겹쳐보아도 크게 다르지 않게 된다. 결국 차가운 도시를 살아가는 외로운 자들에 대한 깊은 연민에서 이야기는 시작된다.


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이 외로움과 연민을 관통하는 캐릭터는 역시 노조미 (배두나)이다. 인형인 노조미가 마음을 갖게 되면서 그 갖지 말았어야할 마음으로 인해 겪게 되는 아픔들을 통해, 이미 이런 마음을 갖고 있는 인간들을 거꾸로 위로하고 있는 것이다. 고레에다 히로카즈 감독은 이런 외로움에 대한 해결책으로 끊임 없이 관계의 필요성을 역설하고 있다. 결여 혹은 결핍이라는 것은 단순히 생각하면 부족한 것으로 여길 수 있겠지만 다르게 생각해보면 '채워줄 수 있다'는 의미로 해석할 수도 있다. 고레에다 히로카즈는 결여의 테마를 '채운다'의 메시지로 이야기하고 있다. 그렇기 때문에 영화 속 공기인형인 노조미가 사고로 몸에 구멍이 나 바람이 빠진 뒤에 묘한 감정이 싹트고 있던 비디오 가게 점원인 '준이치'가 직접 바람, 아니 숨을 불어 넣은 행위는 매우 직접적인 표현 방식인 동시에 이런 '채운다'의 의미를 가장 잘 표현하는 장면이기도 하다. 이것이 단순한 바람이 아니라 '숨'이라는 점은 이 이전과 이후, 그러니까 공기가 들어 있을 때와 숨이 담긴 이후의 모습이 확연히 틀린 노조미의 모습에서 다시 한번 확인할 수 있다.

그저 펌프질을 통한 바람이 담겨있던 '공기'인형 노조미는 인형처럼 움직이고 인형처럼 행동했지만, 준이치가 '숨'을 불어넣은 노조미는 혈색도 사람다워졌고 무엇보다 이전에는 없던 '표정'이 생겼다는 점에서 관계를 통해 보다 의미있어졌다는 것을 그대로 보여준다.


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영화 속 '공기인형'이 갖는 메시지는 누군가로 인해 '대체될 수 있다'는 것에 대한 두려움이다. 인간 관계에 있어 누구나 내가 특별한 존재이길 바라지만 관계를 맺다보면 서로가 느끼는 존재감이 다를 수 있게 되고, 이런 것에서 상처를 받다보면 나중에는 영화 속 남자처럼, 새로운 인간관계를 맺는 것 자체에 대한 두려움으로 인해 스스로 홀로 되는 것에 익숙해져 버리게 된다. 여기서 고작 얻을 수 있는 위로라고는 '나 같은 이가 더 있다'라는 것 정도 뿐이다.

점점 세상을 배워가며 자신의 존재에 대해 더욱 정확히 알게 된 노조미는, 이제 용기를 얻어 자신도 무언가 능동적으로 관계를 맺는 데에 노력하고자 하는 의지가 생긴다. 하지만 노조미의 이런 의지는 그녀의 바램과는 다르게 좋지 못한 결과로 이어진다. 그녀는 자신의 숨이 왜 누군가를 더 다치게 하는지 이해하지 못하고, 이로 인해 벌어진 결과 조차 있는 그대로 받아들이지 못한다. 태생적으로 결여된 존재였던 노조미에게 세상은 너무나 가혹한 곳이었고, 그녀는 이 가혹함을 가혹함으로 받아들이지도 못한채 사그라들고 만다.


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하지만 고레에다 히로카즈 감독은 항상 희망을 이야기하던 작가였다. <공기인형> 역시 얼핏보면 너무도 슬프기만 한 판타지로 보이기도 하지만, 마지막 장면에서 알 수 있듯 노조미는 그 주변을 둘러 싸고 있던 인물들에게 새로운 희망의 홀씨를 남기는 계기가 된다. 어떠한 희생으로 인해 희망을 엿보게 된다는 것은 여전히 슬픈 일이지만, 고레에다 히로카즈는 노조미가 남긴 홀씨를 희망으로 이어가야 한다고 이야기하려 하는 듯 하다. 그래서인지 영화의 마지막 노조미가 꾸는 환상은 너무나도 슬픈 장면이었다. 이때 까지 몇번 외로움에 울컥했던 나는 이 환상 장면에서 눈물을 흘리지 않을 수 없었다. 이 장면과 마지막 장면이 없었다면 <공기인형>은 그냥 너무 슬프고 짠하기만한 판타지가 되었을 텐데, 이로 인해 영화는 그래도 위로 받게 되는 판타지가 되었다. 이 장면에 대한 감회는 사실 말이나 글로 표현하기가 너무 어렵다, 아니 불가능하다고 해야 맞을 것 같다. 고레에다 히로카즈는 매번 이런 지점을 너무나 잘 알고 있다. 그래서 그의 영화는 아무렇지도 않게 느껴지는 장면에서 갑자기 눈물이 터져나오곤 한다. <공기인형> 역시 마찬가지였다.



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개인적으로는 몇 달 전 다녀왔던 일본의 익숙한 풍경이 펼쳐진 터라 더 남다르게 다가온 작품이기도 했다. 그곳에서 느꼈던 그들의 외로움을 이 작품을 통해 다시 한번 떠올려볼 수 있었다. 그리고 좋아하는 밴드 'world's end girlfriend'가 참여한 사운드 트랙도 영화와 잘 녹아드는 모습이었다. 새로 작업한 곡들 외에 그들의 지난 앨범 'Hurtbreak Wonderland'의 수록곡도 만나볼 수 있어 더욱 좋았고. 배두나의 연기는 더 말할 것이 없더라. 확실히 아오이 유우나 미야자키 아오이 등이 할 수 없는 연기와 아우라가 배두나에게는 있다(단순히 노출만을 이야기하는 것이 아니다). 고레에다 히로카즈 감독의 작품에 출연할 수 있는 기회를 과감히 잡은 배두나의 선택은 역시 옳았다.


1. 'world's end girlfriend'가 참여한 사운드트랙은 참 좋습니다. 영화의 쓸쓸함과 위로를 모두 담아내고 있어요.

2. 사실 전혀 모르고 간 터라 조금 놀랐는데, 영화 속 노출이 생각보다 높더군요. 전 그것도 몰랐는데, 이 영화를 검색하려보니 '배두나 노출'이 연관 검색어로 뜨더군요. 여전히 작품은 보지않고 노출에만 열을 올리는 언론과 대중의 관심이 또 한번 한심스럽습니다.

3. 극중 배두나가 오다리기 죠를 찾아가는 장면에서는 <메트로 폴리스>나 <블레이드 러너>가 살짝 연상되기도 하더군요. 오다기리 죠의 기존 이미지에 많이 기댄 캐릭터는 그것 만으로도 훌륭한 캐릭터가 되더군요.

4. 마지막 노조미의 환상 부분은 <에반게리온> TV판 마지막 장면이 그대로 겹쳐지더군요. 그래서 더 왈칵 했을까요.




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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일라이 (The Book of Eli, 2010)
세상을 구하는 서부극


언제나처럼 아무런 정보 없이 보게 된 영화 <일라이 (The Book of Eli)>는 포스터에서 느껴지는 종말 후의 지구(혹은 대재앙 뒤의 지구)를 배경으로 펼쳐지는 일종의 서부극이었다. <프롬 헬>을 연출했던 휴즈 형제가 연출한 이 작품은 묵시록적이고 종교적인 색체와 서부극의 분위기, 그리고 액션의 요소까지 다루고 있는데, 결론적으로 볼 만한 작품이긴 하지만 이 세가지 중에 어떤 한 가지에 조금 더 비중을 실었다면 더 좋은 이야기가 되지 않았을까 싶은 작품이기도 하다. 반전이 있지만 (사실 후반에 드러나는 반전 외에 영화의 주된 소재인 '그 책'이 무엇인가에 관한 것은 반전이라고까지 하긴 어려울 것 같다. 이 영화에 대한 정보가 전혀 없는 나로서도, 대재앙 이후의 지구와 주인공과 이 책을 갖으려는 카네기(게리 올드만)로 미뤄보았을 때 너무 쉽게 짐작할 수 있었기 때문이다), 그리고 그것으로 무엇을 이야기하려는지는 명확하지만, 거기까지 끌고 가는 과정의 맛은 조금 덜했던 것 같다.



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영화의 줄거리를 아주 간략하게 요약하자면, 대재앙으로 인해 야외에서 활동할 때는 선그라스를 써야만 하는 그러니까 사람이 살기 어려운 환경이 되어버린 지구를 배경으로 수십년간을 떠도는 주인공 (덴젤 워싱턴)이 등장하는데, 이 주인공은 무언가 임무가 있는 듯하고 무술에도 초고수다. 그러다 만난 어떤 작은 마을의 지배자 카네기는 자신이 갖은 권력을 어떤 한 권의 책을 갖기 위해 모두 쏟고 있는데, 주인공을 만나게 되면서 이 책의 비밀에 좀 더 가까워 진다.

<일라이>를 보면 가장 먼저 떠오르는 영화는 역시 최근 보았던 <더 로드>를 들 수 있겠다. 이 작품 속 지구의 풍광은 <더 로드>의 그것과 너무나도 닮아 있으며, 몇몇 장면은 그대로 가져온 듯한 느낌이 날 정도다. 하지만 <더 로드>의 풍광이 누구도 살아남지 못할 듯한 매마름의 황폐함이라면, <일라이>의 풍광은 전체적으로 황폐하지만 서부극의 그것과도 같은 황폐함이라고 볼 수 있을 것이다. 미국 영화의 대부분은 서부극의 구성으로 풀어낼 수 있는 경우가 많은데, <일라이>는 전체적인 분위기에서 서부극의 면면을 엿볼 수 있는 작품이다. 마을의 묘사는 물론, 주인공과 악당들이 대결하는 구도 역시 서부극에서 거의 다 가져왔다고 볼 수 있다(심지어 캐릭터 중 한명은 모리꼬네의 유명한 스코어를 휘파람으로 부르기까지 한다). 또한 한 세대가 끝나고 다른 세대가 시작되는 것 역시 서부극에서 종종 만나볼 수 있었던 모티브로서, <일라이>는 전체적으로 서부극을 깔고 있는 작품이라고 볼 수 있겠다.


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그 다음으로 살펴볼 만한 요소는 역시 '포스트 묵시록'적인 종교적 색체다. 이 작품은 너무 표면적으로 종교적인 분위기를 내고 있어 오히려 종교적이지 않게 느껴질 정도인데, 덴젤 워싱턴이 맡은 캐릭터는 처음부터 무언가 '임무'에 충실한 것이 너무 역력히 드러나고(혼자 반복하는 대사들도 그렇고), 나중에 악당들과 대치했을 때의 장면 구성에서는 더더욱 그를 메시아 혹은 메신저로 여기기에 부족함이 없다. 사실 종교적 색체가 느껴지는 것은 사실이지만 엄밀히 얘기하면 종교적인 작품은 아니라고 볼 수 있다. 그러니까 앞서 이야기한 것처럼 이것은 분위기를 위한 트릭일 뿐 본연의 하고자 하는 이야기는 종교적인 것은 아닌 듯 하다. 하지만 종교적인 의미를 부여하며 보는 것도 나름 재미있는 일이다. 마지막 결말과 결부지어 이것저것 의미를 부여할 수 있는 것들도 있고, 성경의 내용들과 결부지어 생각해 볼 수 있는 점들도 없지 않기 때문이다. 어쨋든 이렇게 생각해볼 수 있는 요소가 있다는 것은 흥미로운 점이다.



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하지만 <일라이>의 아쉬운 점이라면 서두에 이야기 했던 것처럼, 종교적인 색체는 트릭으로 분위기만 흘리고, 액션과 스타일은 과하고 본래 하고자 했던 이야기는 이들에 가려 제대로 빛을 내지 못하고 있다는 점이다. 무언가 이 셋 중의 하나만 집중했더라면 영화의 호불호는 더 갈렸을지언정 적어도 지지하는 편의 힘은 더 강해졌을 터인데, 중간의 모호한 지점에 남게 된 경우다. 내가 하고 싶었던 말과 거의 비슷한 표현을 이미 한 평론가가 있어 말을 빌려오자면, 엔터테인먼트 위클리의 오웬 글라이버맨은 “이 무거운 실패작은, 카 체이스가 없는 <매드 맥스 2: 로드 워리어>이자, 휴머니티가 없는 <더 로드>이다"라고 평했는데, 정확히 맞지는 않지만 비슷한 느낌이 많은 편이었다. 어쩌면 치열했던 <더 로드>보다 더 깊은 철학은 물론 더 깊은 세계관을 품어낼 수도 있었던 그릇이었고, <매드 맥스>보다 더 세련되고 묵시록적인 액션과 분위기를 낼 수도 있었던 작품이었지만, 두 가지 모두 이들에게 한참 못 미치는 작품이 되어 버렸다.

이렇게 여러 마리의 토끼를 잡으려다보니 맨 마지막에 본래 하고자 하는 이야기를 반전으로 풀어내었을 때, 그 반전의 충격 정도를 떠나서 크게 공감대를 얻기 어려운 부분이 생겨버리는 것이다. 쓰다보니 스포일러 없이 써보자는 글이 되어버려 반전에 대해서는 언급하지 않겠지만, 만약 영화 내내 주인공의 여정에 좀 더 공감할 수 있었더라면 마지막 반전에 당연히 더욱 빠져들 수 있었을텐데, 반전은 반전대로 여정은 여정대로 심심한 부분이 없지 않았다. 그러니까 어떤 장면이 등장했을 때, 왜 저런지 머리로는 알면서도 심정으로는 '왜 저러는 거지?'라고 묻고 싶게 되는 것이다.



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어쨋든 큰 기대 없이 본다면 제법 볼만한 작품인 것은 틀림 없다. <더 로드>같은 깊이를 기대한다면 너무 쉽게 알아차릴 수 있는 (그래서 계속 그냥 '그 책'이라고만 숨기는 주인공들이 안스럽기까지 할 정도로) 책의 비밀과, 크게 놀라게 되지는 않는 반전 (고로 메시지)에 실망을 할지도 모르겠다. 하지만 그래도 관객에게 믿을 주는 덴젤 워싱턴의 연기와 오랜만에 악역으로 돌아온 게리 올드만을 볼 수 있다는 것만으로도 어느 정도는 볼 만한 작품일 듯 싶다.


1. 역시 세상이 아무리 황폐해도 인간을 구원하는 것은 음악인듯. 거의 첫 장면에서 Al Green의 'How Can You Mend A Broken Heart'가 극장 가득 울려퍼졌을 땐 소름이 돋더군요. 워낙에 좋아하는 곡이었는데 이런 황폐한 지구에서 또 만날 줄이야. 마치 <12 몽키스>의 'What a Wonderful World'를 듣는 듯한 느낌이었어요.

2. 극중 노인들만 사는 집이 그렇게 오랫동안 버틸 수 있었던 이유는 당연해요. 집주인이 무려 '덤블도어'니까요.

3. 마지막에 친절하게 '어디 버전'이라고 알려주지 않았다면 더 좋을 뻔 했어요. 그냥 그 유명한 다리와 멀리서 본 모습만으로도 어디인지 다 알 수 있었으니까요.

4. 영화가 갖고 있는 메시지 자체는 참 좋았던 것 같아요. 뻔하지만 틀린 말은 아니죠.



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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이효리 _ H-Logic
자유로워진 효리의 새 앨범


이효리의 새 앨범이 최근 발매되었다. 핑클 1집 '블루레인' 시절부터 단 한번도 한 눈 팔지 않고 좋아했던 그녀의 신보라 이번에도 역시 일단 소장하고 보자는 작정이었다. 이렇게 음악에 관계 없이 음반을 구매하는 국내 뮤지션은 몇 있는데, 서태지의 경우가 음악과 소장욕구를 모두 만족시켜 주는 경우라면 이효리의 경우는 전자의 경우의 기복이 좀 있는 경우였다. 사실 이번 앨범은 지난 앨범에 대한 평범한 평가 때문에 기대치를 많이 낮춘 편이었는데, 일다나 결론부터 이야기하자면 '만족' 스러운 앨범이다. 영화나 음반에 대해 이야기할 때마다 종종 하는 말이지만, 평가라는 것은 어차피 주관적일 수 밖에 없고 그 대상에 따라 기대하는 바가 다르기 때문에 상대 평가가 될 수 없다.




렇다면 내가 가수 이효리에게 바라는 바는 무엇일까. 아마 대부분의 대중들이 그럴 텐데 이효리에게 엄청난 수준의 음악적 결과물을 바란다던가 전 지구적으로 압도할 만한 퍼포먼스를 기대하는 이도 별로 없을 것이다. 종종 이효리의 지향점을 얘기할 때 해외로는 마돈나를 국내로는 엄정화를 거론하곤 하는데, 이 부분은 적절한 부분도 있고 살짝 맞지 않는 부분도 있다. 사실 '마돈나'라는 존재는 댄스 여자가수라면 누구나 최종 목표 정도로 거론하는 뮤지션일텐데, 마돈나의 음악을 얘기할 때 간과하지 말아야 할 점은 그녀도 분명 앨범마다 기복이 있었다는 점이다. 우리는 이미 레전드 겪인 '마돈나'라는 이름만 보고 (나중에 다시 얘기하지만 마돈나, 레이디 가가, 아무로 나미에 등등을 거론하며 따라했네, 더 못하네 얘기하는 사람들 중에 이들의 음악을 제대로 들어본 이가 몇이나 있는지 의문이다), 그 최고 수준의 결과와 우리의 스타 이효리를 비교하곤 하는데, 사실 최고 수준의 그녀가 아니더라도 현재의 이효리가 당해내기에는 벅찬 수준이다. 이것은 비단 이효리 뿐 아니라 역시 비교대상이었던 레이디 가가에게도 마찬가지다.

이효리는 종종 스스로도 엄정화에 대해 자신의 롤모델이라는 점을 밝힌 적이 있는데, 확실히 엄정화가 이뤄놓은 것들에게서는 이효리가 가야할 길이 보이는 편이다. 일단 가장 닮고 싶었던 것 중 하나는 연기자로서의 성공이 아니었을까 싶은데, 이 부분은 개인적으론 과감히 포기하고 뮤지션으로서의 모습에 더욱 힘을 써주었으면 좋겠다. 단순히 연기가 부족해서가 아니라, 이효리는 뮤지션으로서는 충분히 엄정화를 넘어설 수 있기 때문이다. 엄정화의 전성기를 이루던 곡들은 모두 흥겨웠지만 '가요'라는 트랜드에 묶여있었던 것이 사실이었다. 하지만 엄정화가 대단한 것은 나중에 현재에 머물지 않고 자신만의 음악적 색을 찾으려는 노력을 게을리 하지 않았다는 점이다. 물론 한국 대중들에게 어필할 수 있는 뽕필 댄스곡과(국내 댄스 가요의 대부분은 트롯트 풍의 멜로디 라인을 갖고 있고 그것이 대중들에게 어필한다) 발라드를 완전히 버리지는 못했지만, 8집 'Self Control' 에서 보여준 일렉트로니카는 자신 만의 색을 잘 보여준 예였다.




서론이 길어졌는데 그렇다면 뮤지션 이효리에게 바라는 것은 무엇일까. 사실 그녀의 솔로 데뷔곡 '10 Minutes'이 나오지 않았더라면 (그리고 이 곡이 타이틀이 아니었더라도) 그녀에게 음악적인 기대는 하지 않았을지도 모른다. 그냥 단순한 핑클 시절부터 팬의 입장에서 카리스마 넘치는 퍼포먼스와 적당한 곡들로 인기를 얻는 정도였어도 만족했을 것이다. 그런데 '10 Minutes'도 그렇고 종종 드러나는 그녀의 음악적 욕심과 국내 가요계에서 '이효리'라는 브랜드가 갖는 기회와 영향력을 살펴보았을 때, 그녀에게 단순히 대중들이 좋아할 만한 음악을 만들어내는 것만을 기대하는 것은 무언가 성에 차지 않는 느낌이었다.

하지만 지금까지의 이효리의 앨범들을 살펴보았을 때 그녀는 분명 개인적인 욕심과 대중적인 요구 사이에서 매우 갈팡질팡 했던 것처럼 느껴졌다. 본인이 좋아하는 힙합이나 흑인음악에 대한 비중을 높이고는 싶지만, 대중들이 원하는 것은 이런 요소가 가미된 '가요'였고 특히나 발라드라는 장르에 대한 선호도 때문에 어떤 앨범이든 전체적인 앨범 컨셉과는 무관하더라도 발라드 곡을 넣을 수 밖에는 없었다. 물론 이렇게 넣은 발라드 곡이 대 히트를 쳐서 아예 이효리라는 뮤지션의 컨셉 자체가 바뀌어버리는 결과가 생겨버릴 수도 있지만, 어쨋든 효리의 발라드 곡들은 전부 성공적인 결과는 보여주지 못했었다. 그렇다하더라도 앞선 다른 외부적 요인들 때문에 이런 것들을 포기하기가 쉽지 않았을텐데, 이번 새 앨범 'H-Logic'에서 이효리는 과감히 하나의 컨셉으로 된 앨범을 만들어냈다. 따지고보면 이런 움직임을 보일 수 있는 영향력 있는 팝가수는 국내에서 이효리 만한 이가 없다고 생각된다(너무 당연한 거지만 인기에 집착하지 않고 음악성을 중요시하는 대부분의 국내 뮤지션들은 이런 것들에서 이미 자유로운 상태다).




일단 앨범의 면면을 살펴보자면 프로듀서진에 김도현의 이름이 빠진 것이 이채롭다(오로지 Special Thank's에만 이름을 올리고 있다;). 이효리의 솔로 대표곡인 '10 Minutes'을 비롯해, 솔로 이효리와 대부분을 함께 했던 프로듀서 김도현의 곡이 하나도 없음은 물론 프로듀싱을 한 곡도 하나도 없다는 것부터가 무언가 작정한 듯 보인다. 물론 지금까지 김도현의 곡 외에도 여러 프로듀서의 곡들을 타이틀로 내세우기도 하는 등 여러 변화를 주긴 했었지만, 어쨋든 매번 핵심에 있던 그와의 작업을 제외한 것은 분명 '과감함'이 엿보인다(무언가 결심한 듯한 부분은 영어 이름 표기 - HY0RI - 에서도 눈치 챌 수 있다). 그렇다면 여러 프로듀서들의 곡을 골고루 받은 것일까 라고 생각했는데, 대부분의 곡을 'BAHNUS'라는 프로듀서의 곡으로 채워져 있었다. 이번 앨범이 전체적으로 하나의 컨셉으로 이뤄져 있는 또 다른 이유다.

그리고 가사 역시 이효리가 욕심을 버림으로서 더 나아진 결과를 나았다. 사실 국내 가수들은 어느 정도 안정기에 오르면 새 앨범에 자작곡을 수록하곤 하는데, 그저 '저, 이제 제가 직접 만든 곡과 가사도 담았습니다'라는 한 마디 이상은 보여주지 못하는 경우가 매우 많은 편임을 미뤄봤을 때, 오히려 더 자신의 이야기를 하고 싶었을 이효리의 이러한 선택은 짚고 넘어가야겠다(재밌는건 가장 효리가 썼을 법한 'Scandal'의 가사도 다른 이가 썼다. 물론 많은 이야기를 나눴겠지만, 어쨋든 작사가의 이름은 다른 이가 올렸다).





일단 말들 많은 스타일에 대해서 이야기해보자. 확실히 이효리는 아이콘이다보니 음악보다는 패션/컨셉 스타일에 더 큰 주목을 받는가 보다. 이미 티저에서부터 레이디 가가다 에이미 와인하우스다 말들 많았던 스타일은, 결국 레이디 가가로 마무리되는 모양새다. 물론 얼핏봐도 레이디 가가를 연상시키는 스타일이긴 하다. 일단 금발 머리만 봐도 그런데, 사실 정확히 레이디 가가라고 할 만한 부분은 없다. 그냥 레이디 가가스럽다 볼 수는 있어도 말이다(오히려 나는 보고서는 G-Dragon이 더 떠오르더라 ㅎ). 이효리의 스타일링이라는 것이 무에서 유를 창조한다기 보다는 국내에 막 도입되려는 시기에 놓인, 전 세계적으로 막 붐을 일으키려는 스타일을 좀 더 먼저 캐치하고 다양한 스타일의 장점들을 결합하여 만들어낸 것이라고 볼 수 있는데, 그렇기 때문에 그 안에는 여러가지 스타일이 녹아 있을 수 밖에는 없다. 다시 말해 누구를 따라했네 라고 작정하고 보면 보일 수 밖에는 없는 스타일이라는 것이다.

그런데 이런 똑같은 잣대는 누구에게나 불리함으로 작용할 수 밖에는 없다. 여기서 또 예를 들면 그 각각과 싸워야 할지도 몰라 다 언급하지는 않겠지만, 그 어떤 뮤지션도 직간접적으로 누군가에게 영향을 받을 수 밖에는 없는데, 그것을 어떻게 자신만의 것으로 표현해 내는가가 각각의 차이점이 아닐까 싶다. 이런 점들은 사실 '이효리'라서 당할 수 밖에는 없는 집중 포화라고 생각한다. 실제로 몇몇 제법 유명한 가수들은 앨범이 거의 표절이 확실시 되는 경우도 많았으나 전혀 이슈가 되지 못하고 사라져갔다. 대중이 표절이던 아니던 별로 관심이 없고, 표절이라 하더라도 이슈가 될 확률이 적기 때문에 언론도 여기에 별로 달려들지 않는 것이다. 하지만 이효리의 경우는 다르다. 작은 건수라도 터트리면 이슈가 되기 쉽다. 그렇기 때문에 악세서리 하나까지 다 누구 거네를 비교하려 들고, 더 문제는 정작 레이디 가가가 누구인지도 몰랐던 사람들 마저, '레이디 가가 따라했다며'라고 확인 절차 없이 그냥 '또 그랬구만'하고 받아들이게 된다는 것이다. 진짜 노래 가사처럼 '기가 막힌 스캔들'이 아닐 수 없다.




팬으로서는 이런 아쉬움도 있지만 한편으론 '이효리'니까 이를 압도해볼 수 있지 않을까 하는 기대를 해보기도 한다. 이효리 본인도 이효리의 스타일리스트 팀 역시, 자신들이 만들어낸 스타일이 레이디 가가를 연상시킬 것이라는 것은 너무도 잘 알았을 것이다. 그런데도 밀어 붙인 것은 앞서 이야기한 것처럼 이것은 '레이디 가가'가 아니라 여러 트랜드를 종합한 효리 스타일이라고 생각했기 때문이었을 것이다. 그런데 이효리라면 한번 그 다음 단계를 더 고민해보고 실험해보는 것도 가능하지 않을까 하는 기대가 있다. 그런데 사실 그 지점은 굉장히 어렵다. 그냥 세상에 없는 스타일을 만드는 건 어쩌면 크게 어렵지 않을지도 모른다. 그런데 트랜드를 앞서면서도 대중들이 따라올 수 있어야하고 새로운 것도 추구해야 한다. 그렇게 중간지점에 놓이다보니 표절의혹에서도 자유롭지 못하고 완전한 새로운 것에도 못미치는 게 되는 것 같다(이게 못하다는 것이 아니다. 이 정도를 해내는 아이콘은 국내에 효리 밖에 없다).

사실 뮤직비디오를 비롯해 스타일링에서는 조금 부족함이 느껴지긴 했지만, 앨범은 만족스러운 편이었다. 그 만족에 대부분은 노래의 취향을 떠나서 하나의 스타일로 끝까지 밀고간 끈기 때문이었다. 앞서 잠시 언급했지만 솔로 이효리 최악의 곡은 누가 뭐래도 '잔소리'다. 언젠가 가요의 사이클이 되어버린, 그러니까 댄스 다음 발라드 혹은 발라드 뒤 강한 댄스 아니면 요정 다음 여전사로 이어지는 컨셉 말이다. '잔소리'는 그런 풍토에서 나온 최악의 작품이었다. 이효리에게 그런 어설픈 소몰이 발라드는 정말 어울리지 않는 옷이었고, 그 가사는 국내 가요사를 통틀어 최악의 가사 후보로 꼽힐 정도다 (그 싱글 앨범을 사고 얼마나 눈물 흘렸던가 ㅠ). 그런데 이번 H-Logic에는 이런 짜맞추기 발라드가 없다. 전체적으로 컨셉에서 어긋나는 곡이 하나도 없다. 이건 사실 아주 중요한 부분인데, 가요는 '앨범'이 아닌 '곡'에 모든 촛점이 맞춰지다보니 매번 안지켜지는 부분이라 할 수 있을텐데, 효리의 새 앨범은 이런 풍토에서 자유로워지는 앨범이라 할 수 있겠다.





첫 곡 'I'm Back'은 제목에서 알 수 있듯이 '내가 돌아왔다, 다 꿇어'라는 식의 곡이다 (이번 앨범은 이런 뉘앙스의 곡들이 제법 많다;;;). 사실 개인적으로 이런 허세찬 가사를 좋아하는 편인데, 이효리나 비 정도라면 해도 되지 않나 싶기도 하다. 전체적으로 우리말 가사와 외국어 가사의 라임 결합이 자연스럽게 리듬 위에 놓여지는 구성이 인상적인 곳이다. 마이티 마우스의 '상추'가 피처링으로 참여한 'Love Sign' 같은 곡은 사실 이효리의 이전 앨범에서도 항상 있어왔던 분위기의 곡이긴 한데, 그 컨셉이나 퀄리티가 훨씬 좋아진 경우다. 이런 곡은 누구나 들어도 타이틀이 아니라는 것을 알 수 있지만, 그냥 '색이 좀 틀리다' 정도가 아니라 그 안에서 의미를 찾을 수 있는 정도의 퀄리티는 들려준다. 상추의 피처링 부분은 마이티 마우스의 곡보다도 좋았던것 같다. 그리고 타이틀곡이라 할 수 있는 'Chitty Chitty Bang Bang'은 역시 타이틀 곡 치고는 상당히 색깔이 깊은 곡이다. 색이 깊다는 얘기는 국내 가요 앨범에서 타이틀 곡으로 쓰이기에는 조금 어렵다고 느껴질 수도 있다는 점이다.

사실 이효리가 가야 할 길을 이런 스타일이 아니었나 싶다. 레이디 가가 논하며 스타일의 표절을 논하는 이들 조차, '어랏, 이거 좀 괜찮은데' 혹은 '이건 좀 의왼데' 할 정도로 기존 가요들 보다는 훨씬 더 컨셉에 충실한 곡이라 할 수 있겠다. 다음 곡 'Feel The Same' 같은 경우가 슬로우 템포의 곡, 즉 발라드가 오는 구성에 포함된 곡이라 할 수 있는데, 들어본 이들은 알겠지만 이건 발라드라기 보다는 그냥 '슬로우 템포'다. 이건 아무래도 프로듀서의 역량이라 해야할텐데, 말도 안되는 발라드 대신 이런 슬로우 템포의 퀄리티 있는 곡을 삽입한 것은 이번 앨범의 쾌거다. 곡이 좋고 덜 좋고를 떠나서 말이다.




다음 곡 'Bring It Back'도 그렇고, 이번 앨범을 쭈욱 듣다보면 이제서야 이효리가 자신의 자리를 찾아가는 듯한 모습이다. 즉 모든 대중을 다 끌어 안으려는 노력보다는 (이런 노력은 예능을 통해 필요 이상으로 하고 있지 않은가), 뮤지션 이효리로서는 좀 까칠하고 성격있는 캐릭터를 내세우려는 것이다. 사실 국내 정서상 친근한 이미지, 곡도 요정이 아니면 여전사(여기서 여전사는 요정이었기에 수긍이 된다)만 가능한 실정인데, 이 정상에 서 있는 이효리가 이른바 '껄렁한 언니' 컨셉으로 나서려는 것은 아마도 망설여졌을 것이다. 그런데 이효리가 추구하는 장르는 힙합, 블랙뮤직이다. 요정으로서는 하기 힘든 장르라는 것이다. 이번 앨범은 여러번 이야기하지만 철저히 컨셉으로 끝까지 밀고 나가는 앨범이기 때문에 좀 더 하고 싶은 음악을 하는 것에 집중할 수 있었던 것 같다. 이것이 더 많은 대중이 원하는 모습은 아닐지 몰라도, 적어도 뮤지션 이효리로서 가고 싶은 길이라면 여기에 만족하는 사람만 함께 가면 되는 것 아니겠나.

리쌍의 '게리'와 함께한 '그네'는 사실 살짝 위험한 곡이다. 뭐랄까 컨셉에서도 살짝 벗어나고 무언가 다른 모습을 보일 것을 대비해 준비한 느낌도 있는데 (더군다나 연막으로 먼저 공개하기도 했고), 여튼 살짝 위험하다. 이번 앨범에서 가장 좋아하는 곡 중 하나는 'Scandal'이다. 곡도 괜찮지만 좋아하는 건 역시 그 가사 때문이다. 이효리가 자신을 둘러 싼 스캔들에 대해 시원스럽게 이야기하는 걸 들을 수 있는데, 곡 후반부에 스킷으로 들어간 기자와의 전화 인터뷰 부분은 내가 다 후련하더라. 듣는 동안 나도 모르게 '씨익'하고 웃을 수 있었던 통쾌한 곡이었다. 그래, 이효리는 이래도 된다. 더 자유롭게 할말 하는 편이 좋다! 이번 앨범의 의외의 곡 중 하나는 대성과 함께한 'How Did We Get'이었다. 음악을 듣기전 대성이 피처링했다는 것만 보았을 때는, '야, 이거 패밀리 스타일로 웃고 즐기는 곡 아니야?' 했었는데 웬걸. 괜찮은 듀엣곡이 나왔다. 사실 많은 가수들이 앞선 분위기로 이런 관계를 이용하여 피처링 곡을 수록하곤 하는데, 이번에도 잘했다. 오히려 대성이 보컬이 빛나는 순간이다.





'Get 2 Know' 역시 효리의 앨범에서 종종 볼 수 있었던 컨셉의 곡인데, 다른 곡들도 마찬가지지만 전체적으로 업그레이드 된 느낌이다. 역시 앨범으로서 만족스러우려면 타이틀 곡 만큼이나 다른 곡들의 퀄리티가 받쳐 줘야하는데, H-Logic은 이런 점에서 충실한 앨범이다. 앨범의 마지막 곡인 'MEMORY' 역시 가장 위험할 수 있는 슬로우 템포의 곡이고 오버할 수 있는 곡이었는데, 깔끔하게 마무리 한 느낌이다. 확실히 이번에 참여한 프로듀서들은 블랙뮤직 앨범을 많이 들어본 티가 난다. 어떤 곡들을 어떻게 배치시키는 가를 봐도 말이다.

써놓고 보니 칭찬만 한 것 같지만 (워낙에 악플에 시달리는 그녀라 나라도 칭찬만 해야겠다는 일종의 '쉴드' 글이기도 하다), 칭찬 받을 만한 점이 분명한 앨범이었다. 이효리는 자신의 위치 때문에 그 동안 자유스럽지 못한 부분이 분명 있었는데, 이번 앨범 역시 100% 완벽한 것은 아니었지만 조금씩 자신에게 지워진 짐에서 해방되어 스스로 가고 싶은 길을 가고 싶은 것이 아닐까 하는 느낌을 받게 되었다. 대중가수는 (특히 이효리 같은 위치에 있다면) 대중들을 결코 무시할 수는 없겠지만 반대로 너무 의식하게 되면 좋은 결과물이 나올 수 없다고 생각한다. 그런 의미에서 이번 앨범 'H-Logic'은 그녀의 자유로움과 당당함을 엿볼 수 있어서, 팬으로서 만족스런 앨범이었다.




글 / 사진 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)







올모스트 페이머스 (Almost Famous, 2000)
카메론 크로우의 완벽한 자전적 영화

<제리 맥과이어>로 유명한 카메론 크로우 감독의 2000년작 <올모스트 페이머스 (Almost Famous)>는 개인적으로 카메론 크로우에게 조금 미안한 감이 없지 않아 있지만, 지금까지도 그렇고 앞으로도 그의 최고 작품이 될 영화다. 사실 이 유명한 작품을 이제서야 제대로 보았다는 것이 (난 왜 이리도 이전에 스치듯 본 영화들이 많았던 것일까) 이상할 정도인데, 그의 다른 작품들은 <제리 맥과이어>는 물론 2005년작 <엘리자베스타운>에 이르기까지 대부분을 즐겼으나 (그러고 보니 생각보다 오랫동안 신작에 대한 소식이 없구나), 가장 그 다운 작품이라고 할 수 있는 <올모스트 페이머스>는 왜인지, 이제서야 꺼내 들게 되었다.




앞서 이 작품을 카메론 크로우의 전무후무한 최고 작품이라고 한 까닭은, 잘 알다시피 자전적인 이야기를 그린 작품이기 때문이다. <올모스트 페이머스>는 여러모로 감독 본인의 자전적 영화이기 때문에 의미가 더욱 깊어지는 작품이다. 여기에는 단순히 자전적인 이야기라 그가 살아온 시간을 살펴볼 수 있다는 것 정도의 현실성 때문만이 아니라, 겪어온 시간들을 스스로 어떻게 그리고 있는 지에 관한 방법 때문에 더 큰 의미를 갖게 된다. 이 작품을 보기 전에도 감독 이전의 크로우의 경력에 대해 어느 정도 알고 있었지만, <올모스트 페이머스>를 보고 나면 그의 어린 시절부터 주요 경력이라 할 수 있는 음악 잡지 '롤링 스톤'지에 기고하기까지의 일들을 고스란히 만나볼 수 있다. 실제로 그는 영화 속 '윌리엄 밀러'처럼 어린 시절 월반을 통해 또래들 보다 먼저 고등학교에 들어갔으며, 13살이라는 어린 나이에 지역 음악지에 관련 글을 기고하기에 이른다.




패트릭 후짓이 연기한 '윌리엄 밀러'는 이것저것 생각할 것도 없이 바로 카메론 크로우 그 자신이다. 영화 속에서 만나게 되는 음악 평론가 '레스터 뱅스'는 실존 인물이며, 극 중 중요한 역할을 차지하는 밴드 '
스틸워터(Stillwater)'는 그가 당시 겪었던 수 많은 밴드들과 뮤지션들을 섞어 놓은 모양새를 하고 있다. 물론 '스틸워터' 외에 언급되거나 등장하는 뮤지션들은 '블랙 사바스', '밥 딜런', '데이빗 보위', '믹 재거' 등과 같이 모두 실존하는 뮤지션들이다. 사실 극중 윌리엄 밀러라는 이름 대신 '카메론 크로우'로, '스틸워터' 대신 그가 당시 가장 좋아했던 어느 한 밴드를 등장시켜도 전혀 어색하지 않을듯 한데, 굳이 새로운 캐릭터인 '윌리엄 밀러'와 '스틸워터'를 등장시킨 것은 속보여서도 아니고 밴드 명에 관한 저작권 때문도 아니라,  이를 바라보는 카메론 크로우의 시선이 달라졌기 때문이라고 할 수 있겠다.  어찌보면 당연한 이야기지만, 당시의 카메론 크로우는 몰랐던 것을 '윌리엄 밀러'는 알고 있고, 당시 그가 따라다녔던 밴드들은 미처 말해주지 못했던 것을 '스틸워터'는 들려주고 있기 때문이다.




사실 <올모스트 페이머스>는 직접 겪은 이가 들려주는 매우 실랄한 뮤직 비지니스의 어두운 면에 관한 이야기가 될 수도 있었고, 뮤지션과 팬의 관계에 관한 복잡미묘한 드라마가 될 수도 있었으며, 더 나아가 당시를 좀 더 깊게 이해할 수 있는 다큐멘터리가 될 수도 있었지만, 그보다 더 의미있는 작품이 될 수 있었던 것은 위와 같은 이유 때문이다. 물론 이 작품에는 실제 보이는 것과는 다른 뮤직 비지니스와 뮤지션들의 허상에 가까운 모습에 대해서도 이야기하고 있다. 이 업계에서 잔뼈가 굵은 매니저가 안을 숨긴 두 주먹을 보여주며, 대부분의 사람들은 무엇이 들어있는지 모르는 쪽을 택하지만 결국 그 안에는 아무것도 없다는 이야기를 해주는 것은, 이런 허상을 보여주는 좋은 예이기도 하다. 카메론 크로우는 자신이 스스로 가까이서 겪은 뮤직 비지니스와 신격화 된 밴드들의 실체를 보여주려 하는 것 같지만, 대부분의 관객들이 그렇게 느끼지 않았던 것처럼 하고자 하는 이야기는 이런 고발이나 현실의 것이 아니다.




그렇다면 뮤지션과 팬이 관계에 대한 묘사는 어떨까. 사실 당시의 문화를 조금만 관심있게 들춰본다면 '밴드 에이드' 페니 레인과 같은 인물이라던가 밴드의 투어에 항상 함께하는 팬 문화에 대해 어렵지 않게 알 수 있을 것이다. 물론 영화는 표면적으로 팬에게 진정한 팬으로서의 미덕은 무엇일까? 그리고 밴드에게 역시 자신의 팬들을 대하는 방식에 대해 메시지를 주려 하는 부분도 있지만, 더 넓게 보면 영화가 이 모든 이야기를 그리는 방식으로 진정한 팬 문화를 이해할 수 있게 된다. 자, 그러면 길었던 서두를 마치고 본격적으로 카메론 크로우가 <올모스트 페이머스>를 통해 이야기하려던 것은 진정 무엇이었는지 말해보자. 앞서 언급했던 것처럼 크로우가 겪었던 이 실화는 매우 가혹한 이야기로 그려낼 수도 있었고, 더 극적으로 그려낼 수도 있었던 소스였다. 한편으론 중간의 모호한 지점을 택한 듯도 보이지만, 시종일관 유지하고 있는 정서라면 바로 '긍정'과 '따듯함', 즉 '애증'도 아닌 그냥 순수한 '애정'을 들 수 있겠다.




영화 <올모스트 페이머스>의 몇몇 장면들은 말도 안되게 판타지적이고 긍정적인 장면들이 여럿 있다. 버스 안에서 집으로 가고 싶다는 윌리엄에게 '여기가 바로 집이야'라고 이야기하는 페니 레인의 한 마디나, 보통의 영화 같으면 위기의 상황에 갈등이 봉합되는 것과는 달리 반대로 위기의 순간에 터져나온 갈등이 너무 쉽게 눈녹듯 녹아내리는 것도 러셀과 윌리엄의 재회 장면도 역시 한편으론 너무 순진한 것 아닌가 하는 생각이 들기도 한다. 윌리엄의 어머니를 그리는 방식은 또 어떠한가. 여기에는 프란시스 맥도먼드라는 훌륭한 여배우의 공도 무시할 수 없는데, 윌리엄의 어머니는 단순히 아들이 잘못된 길로 빠지지 않게 하려는 고집스럽고 보수적인 인물로만 그려지는 것이 아니라, 그 와중에도 항상 모든 것을 다 이해하는 듯한 미소와 실제로 모든 것을 가능케 한 말과 행동들로, 성장 영화에서 흔히 등장하는 '고지식하지만 결국엔 자녀를 이해하는' 부모 캐릭터는 보여줄 수 없었던 새로운 차원의 캐릭터로 볼 수 있겠다.




이렇게 모든 배경에는 긍정과 따듯함을 기초로 하고 있는 카메론 크로우의 방식은 다시 처음으로 돌아가, 이 작품이 자전적인 이야기를 그리고 있기 때문에 가능했던 방식이라고 볼 수 있겠다. 만들어낸 이야기나 다른 사람이 겪은 이야기를 그릴 때와는 다르게, 이미 감독 스스로가 한번 겪었고 그 과정을 통해 스스로 성장했기 때문에 (성장한 것을 본인이 알고 있기 때문에) 한 걸음 더 여유있고 이해하는 방법으로 자신의 이야기를 그려낼 수 있었던 것이다. 즉 불편한 이야기를 하고는 있지만 양쪽 어느 쪽으로도 날을 세우지는 않고 있다는 얘기다. 이것은 또 영화가 그리는 팬 문화와도 직접적으로 연결이 된다. 카메론 크로우는 음악과 뮤지션을 비평하는 것을 직업으로 삼는 이였지만 (영화 속 스틸워터의 표현대로 '우리의 적'), 이런 비판은 모두 그들의 대한 애정이 있기 때문에 가능했던 것이었고 그렇기 때문에 비판을 하더라도 그 애정을 넘어서는 수준의 것은 의미 없음을 (설사 당시에는 날을 세웠다 하더라도 성장한 카메론 크로우는 윌리엄을 통해 이와 같은 방식으로 이야기하고 있다) 잘 알고 있는 것이다.




이렇게 어쩌면 바보 같아 보이기까지 하는 카메론 크로우의 따듯한 이해는 극중 윌리엄이 밴드의 프론트맨인 '러셀'을 비롯해 인터뷰마다 묻는 '음악의 어떤 면을 사랑하나요?'라는 질문에서도 잘 나타난다. 이 바보 같아 보이고 추상적이기만 한 듯한 질문을 카메론 크로우는 영화적 기교를 통해, 맨마지막에 가서는 '아, 그래. 바보 같지만 결국 본질은 이거잖아'라고 보는 이로 하여금 고개를 끄덕이게 만든다. 뭘랄까, 카메론 크로우는 자신이 만들어낸 윌리엄 밀러와 스틸워터 (더 직접적으로는 러셀)를 통해, 과거에 자신은 하지 못했던 혹은 이제야 더 넓은 마음으로 이해할 수 있게 된 음악에 대한 사랑을 아름답게 그려내고 싶었던 것이다.




이것이 <올모스트 페이머스>가 카메론 크로우의 최고 작품이라는 가장 핵심적인 이유가 되겠다. 사실 여기에는 부러움 가득한 이유도 있다. 이 영화를 보고나서 가장 먼저 들었던 생각은, 자전적인 이야기를 이렇게나 멋지게 만들어낸 크로우에 대한 부러움이었다. 영화팬이라면 누구나 감독을 꿈꾸지 않더라도 자신의 이야기를 한 편의 영화로 남기고픈 욕망이 있을텐데, <올모스트 페이머스>는 이런 면에서 가장 개인적이면서도 가장 완벽한 '자전적 영화'였기 때문이었다.




1. 음악 평론가 출신의 카메론 크로우가 직접 선곡한 곡들 답게 영화에 수록된 곡들은 모두 적절하고 아름답다. 사운드 트랙 한 장으로 한 시대를 들을 수 있다는 건 아무리 생각해도 놀라운 경험이다. 영화 없이 들어도 좋은 흔치 않은 선곡이다.

2. 카메론 크로우의 음악에 대한 애정이 120% 표현된 장면은 바로 엘튼 존의 'Tiny Dancer'를 함께 부르는 장면일 것이다. 영화 속에서 모두가 하나의 목소리로 (특히나 갑작스레, 누가 시작했는지도 모르게) 노래하는 장면은 대부분이 감동적인데, <올모스트 페이머스>의 이 장면은 그 기막힌 가사와 페니 레인의 마법 같은 대사가 곁들여져 잊지 못할 장면을 선사한다.



3. '촛불을 켜고 '토미'를 들어보렴, 네 미래를 볼 수 있을거야', 아.... 이런 대사는 음악 평론을 하던 카메론 크로우만이 쓸 수 있는 대사가 아니었나 싶다.




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)



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이누야샤 (犬夜叉, 2000~2010)
대단원의 막을 내리다

일본 애니메이션 '이누야샤 (犬夜叉)'가 지난 달 드디어 대단원의 막을 내렸다. 이누야샤를 방영 때 부터 바로 챙겨본 것은 아니었지만 그래도 이 작품과 함께한 시간은 어느덧 수년이 되었다. 물론 이 수년 가운데는 이누야샤 없는 기간이 제법 길었는데, 그렇기 때문에 사실 이렇게 제대로 된 마지막을 볼 수 있을 것이라는 기대를 하지 못했던 것도 있었다. 잘 아다시피 완결편 이전에 이누야샤의 마지막은 오랫동안 함께 해온 팬의 입장에서는 매우 힘빠지는 엔딩이었다. 무언가 아직 결말도 짓지 못한채 그저 '자, 이제부터 다시 시작이다!' 라고 하며 마무리해버리는 TV판의 엔딩은 '이걸 기다려 말어'를  고민하게 하는 동시에, 진짜 이렇게 끝나버리는가 하는 아쉬움이 컸었다. 물론 여기에는 애니메이션이 아닌 코믹스에 진행과도 연관이 있었던 듯 하지만, 개인적으로는 이누야샤를 오로지 애니메이션으로만 접해왔었기 때문에 이렇게 마무리 되어버리는 방식에는 더더욱 아쉬움이 많았었다. 그리고 나서 수년 뒤에 다시 시작된 '이누야샤 완결편'은 이번에는 제대로 완결을 내주려나보다 라는 기대에서 시작되었고, 빠른 전개와 마치 극장판과 같은 전개들로 그 대단원의 마지막을 장식했다.


(이누야샤 완결편과 마지막 회에 관한 스포일러가 있습니다)




사혼의 구슬과 함께 시작한 이야기는 결국 사혼의 구슬로 마무리 되었다. 사실 따지고 보면 이누야샤가 인간이 되길 소원으로 빈다거나 아니면 본래 계획대로 대요괴가 되도록 바란다건가 그렇지 않다면 카고메가 자신만의 소원을 빌 것이라고 생각하는 것은 너무 단순했던 것 같다. 논리적으로 따져보면 저 중 하나를 택하는 결말은 뭘 택해도 좀 뻔할 수 있기에 어느 정도 예상된 결말이긴 했으나, 그 과정을 그린 방식은 역시나 절절했다. 애니메이션을 보면서 울컥하는 경우는 매우 잦은 편인데(본래 이런 식의 문장이라면 '별로 없는 편인데' 가 되어야 맞다만;;), 이누야샤 완결편의 경우 이야기가 마지막으로 치닫다 보니 이런 장면이 더 많았던 것 같다. 특히 카고메가 기쿄우에게 '내게도 이누야샤와의 소중한 추억이 있어'라는 식으로 감정이 폭발할 때는 마치 <에반게리온 : 파>의 신지의 그것처럼, 끓어오르는 무언가가 느껴져서 찡했었고, 카구라가 바람처럼 산화할 때도 정말 찡했다. 생각해보면 카구라는 참 묘한 캐릭터였다. 무언가 자신의 이야기를 본격적으로 풀어내지 못한 부분이 있음에도 그녀의 마지막이 왜 그렇게 슬펐는지 모르겠다.

결국 카고메는 이누야샤와 함께하는 것 대신 사혼의 구슬 자체가 사라지는 것을 소원으로 빌었고, 이것은 이누야샤가 소원을 빌지 않아도 함께 할 것이라는 굳은 믿음이 있기에 가능했다. 이것 외에 이누야샤는 동료, 즉 믿을 수 있는 자의 존재를 매우 중요하게 그리고 있다. 희망이 보일 것 같지 않은 암흑 속에서도 항상 동료가 반드시 구하러 올 것이라는 믿음, 그리고 내가 아니어도 동료가 나의 일을 이어갈 것이라는 믿음, 모든 것을 이룰 수 있는 사혼의 구슬이 없어도 원하는 바를 스스로의 힘으로 이뤄낼 수 있다는 믿음. 결국 믿음에 관한 이야기가 아니었나 싶다.




에필로그 격으로 소개한 이야기를 보면, 결국 카고메는 무녀의 옷 (기쿄우의 옷)을 입고 이누야샤 곁에 남기로 하였으며, 미륵과 산고는 결혼해서 무려 아이를 셋 씩이나 나아 기르는 모습이 연출되었고, 싯포는 여우요술시험 연습으로 승급을 노리고 있으며, 코하쿠는 토우토우사이에게 무기를 받아 퇴치사로서 수행을 떠났고, 한동안 모습을 볼 수 없었던 코우가는 아야메와 결혼을!! 그리고 가장 중요한 셋쇼마루는 카고메에게 '아주버님' 소리를 듣는 동시에 링과의 묘한 관계도 계속 이어가고 있는 것으로! 사실 원작 만화를 읽지 않은 입장으로서는 셋쇼마루와 링의 관계가 살짝 모호한 부분이 있었는데, 마지막 장면에 기모노를 또 선물했다는 대사를 보면 (물어보니 일본에서 기모노를 선물하는 경우는 정인에게 선물하는 경우라고 한다) 결국 링을 좋아하는 것으로 '확정' 되었다고 볼 수 있는데, 이미 이곳저곳 커뮤니티의 반응을 보면 '역시, 셋쇼마루는 아무리 폼을 잡아도 결국은 로리였다'로 결론지어지고 있는데, 셋쇼마루를 가끔씩 이누야샤보다 더 응원했던 나로서는 좀 실망인걸 ㅎ




최근 종영한 <추노>의 경우도 그랬지만, 악한 캐릭터에게 여지를 주는 경우는 이누야샤의 경우도 마찬가지였다. 이누야샤는 극 내내 이런 분위기를 내지는 않았었지만, 사실 그 태생을 살펴보자면 나라쿠의 목적이란 것은 단순히 기쿄우의 마음을 얻기 위한 것 정도였으며 그것이 나중에는 자신도 모르는 사이에 사혼의 구슬에 힘에 이끌려 오히려 조금 이용당한 부분도 있었기 때문이다. 완결판 마지막회와 그 전회의 나라쿠의 모습은 참 안스럽게까지 느껴지는 부분이었다. 카고메가 '결국 소원을 들어주지 않았구나'라는 말을 했을 때 주저하는 나라쿠의 모습이나, 마지막에 평온함과 구원을 얻게 되는 마지막은, 이누야샤 이야기의 종결 중 가장 인상적인 부분이라고 할 수 있겠다.




어쨋든 오랜 시간 함께 해왔던 이누야샤가 완결편을 끝으로 정말 대단원의 막을 내렸다. 최근 애니메이션은 짧은 경우가 많아 종영이 되더라도 이 정도의 아쉬움은 들지 않았었는데, 이누야샤는 워낙 오랜 시간을 함께 끌고 오다보니(분명 끌고 온 뉘앙스가 있다) 막상 끝난 뒤의 허전함이란 이루 말할 수가 없다. 그 동안 TV판은 물론이고 국내에 어렵게 어린이 영화제에서만 한정 개봉했던 '홍련의 봉래도'를 보려고 수많은 어린이 속에서 관람한 추억도 있고, 극장판 DVD들도 별로 좋지 않은 사양이지만 모두 소장하고 있기도 하고, 일본가서 작은 피규어도 사왔었고, 이누야샤 덕에 Do As Infinity도 더더욱 좋아지게 되었는데, 이런 여러가지를 안겨준 이누야샤가 진짜 끝나버렸다니 아쉬움 뿐이다.

그 동안 이누야샤와 함께 할 수 있었던 시간이 벌써 그리워진다~

1. 이누야샤의 수록곡들 중에서 가장 마음에 들었던 두 곡.



Do As Infinity - 深い森




Do As Infinity - 真実の詩

2. 그리고 지난해 일본에 가서 사왔던 이누야샤 피규어도 보너스로.



글 /  아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)







시리어스 맨 (A Serious Man, 2009)
삶의 불확실성, 그래서 관조하다


코엔 형제는 천재다. 뭐 새삼스럽겠느냐만은 그들의 신작 <시리어스 맨>을 보고서는 삶을 꿰뚫는 통찰력과 이를 영화로서 어떻게 표현해 내는가에 대한 기법, 그리고 무엇보다 탁월한 이야기 꾼인 그들이 만들어낸 이야기에 혀를 내두를 수 밖에는 없었다. 그들의 작품은 사실 거의 실망한 적이 없었을 정도로 모두 인상깊게 보았었는데, 최근작인 <노인을 위한 나라는 없다>를 보고나서는 코엔 형제의 영화가 한 단계 더 성장하여 어떤 경지에 올랐음을 확인할 수 있었으며, <번 애프터 리딩>을 통해서는 녹슬지 않은 그들의 재치와 블랙코미디를 다루는 데에 있어서는 감히 따라올 자가 없음을 역시 확인시켜 주기도 했다 (많은 이들이 <번 애프터 리딩>을 보고는 코엔 형제의 쉬어가는 작품 정도로 생각했지만, 개인적으로는 코엔 형제만이 할 수 있는 블랙 코미디를 가장 잘 보여준 작품 중 하나라고 생각되는 작품이었다). 그런데 이러함에도 코엔 형제의 신작 <시리어스 맨>에 대한 기대는 사실 이 정도로 크지는 않았었다. 어쩌면 <번 애프터 리딩>을 보러 갈 때의 기대와 비슷한 정도였던 것 같다. 그런데 막상 보고난 <시리어스 맨>은, 아니 보는 내내 <시리어스 맨>은 참 대단한 작품이라는 생각이 들었다. 코엔 형제는 또 어떤 걸작을 만들고야만 것인가?


(내용에 관한 스포일러가 있습니다)



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(래리의 집 안의 구성과 디자인도 빼놓을 수 없는 체크 요소다. 이 집안의 구성원들은 모두 자신들만의 의상 컨셉이 있는데, 딸은 항상 화려한 꽃무늬 잠옷을 입고나오고, 방안의 벽지 역시 모두 다른 화려한 무늬를 가지고 있고, 집 안의 커튼 역시 방 마다 모두 다른 각각의 화려한 무늬를 하고 있다. 아내 역시 매번 다른 체크 무늬 의상을 입고 있다. 이런 이미지는 일종의 강박에 관한 암시다. 관객들에게 강박의 이미지를 전달하는 동시에 매사에 진지한 주인공과는 정반대되는 이상하고 이해되지 않는 패턴으로 뭉쳐있는 집 안의 이미지는, 보는 것만으로도 래리라는 캐릭터에 공감지수를 드높여 준다)

영화는 이상한 프롤로그로 시작한다 (이 프롤로그에 관한 개인적인 에피소드는 글 말미에 추가하도록 하겠다). 배경이나 정확히 하고자 하는 이야기가 무엇인지 확신하기 어려운 이 프롤로그는, 영화를 다 보고 난 뒤 살펴보면 상당히 의미있는 프롤로그였음을 뒤늦게 알게 해주는데, 일단 남편과 아내의 의견이 전혀 달랐다는 것 그리고 영어가 아닌 (그러니까 영어권에서 받아들이기에는 외국어로) 언어로 진행되는 시퀀스라는 점 정도만 기억해두자.

영화의 주인공인 래리 (마이클 스털바그)는 대학에서 물리학을 가르치는 교수다. 그는 곧 대학의 종신재직권 심사를 앞두고 있고, 아들은 성인식을 치룰 예정이며, 옆집 사는 남자가 자꾸 자신의 영억을 조금씩 침범하는 것 같아 신경이 쓰이고, 사회화가 부족한 동생이 조금 걱정거리이긴 하지만 표면적으로는 큰 문제는 없어보이는 한 가정의 가장이다. 그런데 영화는 래리의 소개를 다 마치기도 전에 그의 주변을 둘러싼 여러가지 문제들을 하나씩 꺼내어 놓는다. 시험에서 낙제점을 받은 한국 학생은 낙제만은 면하게 해달라며 슬쩍 돈봉투를 남기고 가버리고, 아내는 오랫동안 이웃으로 살아왔던 '싸이'와의 관계 때문에 이혼을 요구하며, 동생은 도박 혐의로 경찰들이 주목하고 있고, 큰 문제없이 해결될 것만 같았던 종신재직권 심사에 악영향을 미칠 만한 악의적 편지들이 도착하는 등 너무 갑작스러게 많은 일들에 직면하게 된다.

그런데 여기서 가장 중요한 건 정작 래리는 아무것도 '잘못 한 것'이 없는 정도가 아니라, 아무것도 '한 것'이 없다는 점이다. 래리는 가만히 있었는데 마치 그를 둘러싼 주변은 모두 래리 때문에 이 모든 일이 벌어진냥 그를 둘러싸고 조여온다. 래리는 여기서 심각해진다.



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래리가 처한 이 갑작스럽게 닥쳐온 재앙은 하나같이 쉽게 이해하기 어려운 것들이다. 아내는 '싸이'와의 관계 때문에 래리와 이혼하기를 바라지만 싸이를 사랑해서도, 싸이와의 관계가 깊어져서인 것도 아니라고 한다. 그냥 위자료를 받아내려는 속셈으로 받아들이기에도 허술하고 부족한 부분이 많다. 아내의 말을 듣고 있노라면 마치 아내 스스로도 '내 말이 말은 안되지만 이혼은 해야돼'라고 느껴질 정도다. '싸이'는 또 어떤가. 그의 태도는 더더욱 이해가 되지 않는다. 싸이는 마치 래리를 아버지처럼 감싸 안으면서 래리에게 왜 이혼을(서약서를) 해야하는지 차근차근 설명한다. 그런데 그의 목소리는 이상하게 편안하게 느껴진다. 싸이의 말을 듣고 있노라면 마치 그의 말이 다 옳은 것처럼 느껴질 정도다. 하지만 그의 말만 놓고 보자면 이건 전혀 설득이 될리 없는 그야말로 '말도 안되는' 논리들이다.

낙제점을 면하게 해달라며 돈을 놓고 갔던 한국 학생 '클라이브'의 논리도 말이 되지 않는다. 돈을 두고 간 것을 놓고 래리와 클라이브가 벌이는 대화는 그야말로 블랙 코미디다. 그런데 더 나아가 클라이브의 아버지는 자신들의 명예를 실추시켰다며 소송을 건다고 집으로 찾아온다. 이 아버지 역시 클라이브와 래리의 아내의 말처럼 스스로가 '내 말엔 논리가 없다'라는 것을 겉으로 드러내고 있다. 그런데 이 와중에 래리가 항상 불편하게 생각하던 옆 집 남자는, 클라이브의 아버지가 자신을 협박하는 것이 아니냐며 도움의 한 마디를 건낸다. 래리는 이 모든 상황이 이해가 되지 않는다. 이해가 되지 않는 것이 맞다. 래리 뿐만 아니라 모든 관객이 이 상황을 이해하기 어렵다고 볼 수 있다. 하지만 래리는 매사에 '진지한 (Serious)' 남자다. 자신에게 벌어지는 이 모든 일들을 스스로 해결할 수 없음을 인정한 래리는 랍비를 찾아가 도움을 받기도 한다.



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본래 보기로 했던 랍비가 자리를 비워서 대신 만나게 된 젊은 랍비는 래리의 말을 다 듣고는 역시 알 수 없는 말을 한다. '그럴 땐 그저 주차장을 보라' 라는 말은 얼핏 들으면 이 젊은(어린) 랍비의 능력 부족 정도로 생각할 수도 있지만, 따져보면 우문현답일 수도 있다. 이렇게 심각한 문제들을 직면했을 때 '그럴 땐 주차장을 보라'는 말은 쌩뚱맞은 말처럼 들릴 수도 있지만, 영화가 말하려는 주제인 불확실성과 다 설명할 수 없는 것들을 대할 땐 관조하는 것도 방법이라는 것을 떠올리게 한다. 하지만 이것은 영화가 다 끝난 뒤에야 생각해볼 수 있는 문제고, 래리는 여기서 자신이 원하는 답을 듣지 못하고 그 다음 다른 랍비를 찾아가게 된다.

두 번째 랍비는 이빨의 관한 이상한 이야기를 하나 들려준다. 이 이야기 역시 이상하기 짝이 없다. 무언가 거창하고 명쾌한 답을 내놓을 것만 같았던 이 '이빨' 이야기는 결국 허무하게 끝나고 만다. 무언가 답을 찾으려던 래리는 이 두 번째 랍비와의 만남에서도 이를 찾지 못하고 결국, 최고의 랍비인 마르샥과의 만남을 어렵사리 시도하게 된다. 그런데 이 결정적인 만남은 결국 이뤄지지도 않는다. 여기서 생각해볼 것은 '왜 래리는 랍비를 만나려고 했느냐'라는 점이다. 앞서 물리학자이지만 수학적인 측면을 강조하고 불확실성의 이론을 엄청나게 긴 수학적 공식으로 증명하려고 하는 래리의 성향으로 미뤄봤을 때, 래리라 랍비를 찾게 된 이유는 역시 '정답'을 얻기 위해서라고 볼 수 있겠다. 마르샥을 간절히 만나려고 했던 것은 본인 스스로 마르샥 개인을 원해서가 아니라, '마르샥 = 정답'이라는 인식이 있었기 때문이다.

보통 같았으면 영화에서 특별히 자막까지 삽입해 가며 이 랍비와의 만남의 중요성을 이끌어 갔던 구성상, 마르샥이 모두가 공감할 만한 깨우침을 주고 (그것이 허허실실, 공수레공수거 일지라도) 래리가 이로 인해 삶이 변화를 얻는 것으로 진행할 수도 있었지만, 코엔 형제는 래리에게 마르샥과의 만남조차 허락하지 않고 있다. 고대했던 정답을 마르샥이 갖고 있다 없다를 떠나서, 현실은 이렇듯 생각대로, 단계대로 진행되지 않는다는 것을 돌려 이야기하는 것이다.




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영화의 마지막 래리의 현실은 어떤가. 아내의 이혼 요구로 인해 동생과 모텔에 나와 살았었지만 싸이의 급작스런 죽음으로 어쨋든 다시금 집에 들어오게 되었으며 아들의 성인식으로 인해 아내와 다시금 화해하는 계기를 갖게 되었고, 동생의 일도 악몽을 꾼 것처럼 끔찍한 일은 당하지 않았고, 걱정하던 종신재직권 문제도 순조롭게 풀린 듯 하다. 하지만 어쩌면 더 커다란 불안요소 일지도 모르는 일의 그림자도 존재한다. 영화 초반 검사를 받았던 의사는 전화가 와서, 검사결과에 대해 직접 만나서 이야기하자고 한다. 뉘앙스로 봐서 아마도 삶과 죽음이 달린 심각한 정도일지도 모른다.

글에서는 미처 다 언급을 못했지만 래리의 아들의 이야기도 이와 비슷하다. 첫 시간에 마리화나를 산 돈 20달러와 함께 라디오를 빼았긴 아들 대니는, 영화 내내 이 돈을 값지 못해 쫓겨다녔지만 성인식 때 랍비 마르샥을 만나 조언을 듣고 라디오와 돈을 그대로 돌려받는다 (마르샥과 대니의 만남을 보면, 만약 래리가 마르샥을 만났더라면 적절한 답을 찾을 수 있지 않았을까 하는 생각을 들게 한다. 그래서 영화는 이 둘의 만남을 성사시키지 않았는지도 모르겠다). 하지만 드디어 돈을 돌려주려고 친구를 불렀을 때 그들의 앞에는 커다란 토네이도가 닥쳐온다. 여기서 토네이도가 이들 모두를 덮쳐 죽음이나 큰 사고에 이를 것인가 말 것인가는 크게 중요한 문제가 아니다. 영화가 계속 말하는 불확실성에 대한 것처럼, 저 토네이도가 이들에게 어떤 영향을 미칠지는 불확실성 그 자체에 가깝다. 내내 불편했던 돈을 드디어 값을 수 있게 된 순간에 토네이도를 만나 모두 망쳐버릴 현실에 맞닥들이게 된 것은, 역시 '정답은 없다'라는 것과 '생각한대로 되지 만은 않는다' 라는 의미로 해석할 수 있겠다.



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프롤로그에 사용된 외국어처럼, 영화는 내내 이 언어에서 오는 불확실성을 통해 주제를 직접적으로 표현하고 있다. 한국인 학생 클라이브의 너무나 외국인스러운 딱딱한 발음과 억양은 그를 이해하기 어려운 불확실성이었으며, 아들 대니가 친구들과 사용하는 언어가 대부분 욕설로 이루어져 있는 것 역시 래리와 대니의 관계의 거리를 보여주는 장치이며, 래리가 아내와의 이혼을 위해 이혼증명서라는 뜻의 랍비 언어를 매번 사람들에게 설명해야 하는 것 역시 언어의 차이에서 오는 서로간의 불확실성을 의미하고 있다. 또한 아들의 성화에 못 이겨 안테나를 바로 잡으러 올라간 지붕 위에서 옆집 부인의 나체를 보게 되는 것 역시 우연을 가장한 불확실성이다.

사실 영화는 보는 중간에는 키득 거리며 보는 시간이 더욱 길었지만 (마치 홍상수의 '잘 알지도 못하면서'를 볼 때와 비슷한 경우였다), 글로 정리하려 되돌아보니 영화 중간 중간 느껴졌던 삶의 대한 깊이가 더 와닿는 작품이었다. 영화 속 래리는 너무 진지한 사람이라 (영화가 말하는 진지함은 '잘못됨'이 아니라 오히려 지극히 '정상적임' 이다), 젊은 랍비의 말처럼 그저 관조하지 못했지만, 코엔 형제가 이 영화를 그리는 방식은 분명 관조다. 시리어스 맨인 래리를 주인공으로 두고 래리에게 '그냥 주차장을 한 번 봐!'라고 이야기하고 있는 것이다. 다시 생각해도 '주차장을 봐'라는 대사는 이 영화의 명대사다 (웃음에서나 깊이에서나 말이다).


1. 프롤로그에 관한 개인적인 에피소드가 무엇인고 하니, 상영시간에 딱 맞춰서 상영관에 입장을 해서 정신없이 앉았는데, 보신 분들은 아시겠지만 포스터에서 느껴지는 시대와는 전혀다른 시대와 배경의 프롤로그가 등장한 겁니다. 그런데 이 혼란을 더욱 부추겼던 건 바로 옆 상영관에서 카트린느 브레야 감독의 <푸른 수염>이 상영중이었다는 것이죠. 옆에 앉은 분도 저에게 '시리어스맨 보러 오신거 맞죠?''라고 물어오시고, 저도 좀 더 잠자코 있어보자 하며 떨고 있었는데, 이것 참 코엔 형제에게 보기 좋게 당했습니다. 4:3화면비라 '그래 푸른 수염은 아닐꺼야' 생각하긴 했지만, 그래도 순간 혼란스러웠다구요 ㅎ

2. 아트하우스 모모에서 보았는데 특별히 디지털 상영이라는 말은 없었던 거 같은데, 이건 분명 필름의 화질 수준이 아니었던 것 같아요. 화질이 무척이나 좋더군요.

3.


리뷰를 쓰는데 200% 도움을 주었던 사운드트랙 'Dem Milner's Trern'.
사운드트랙은 아무래도 아마존에 주문을 해야겠네요. (했습니다 -_-v)

4. 마이클 스털바그의 모습에서 은근히 톰 행크스의 모습이 연상되더군요. 아마 예전 같으면 <레이디 킬러>의 경우처럼 톰 행크스가 했을 수도 있겠죠.

5. 미드 '빅뱅이론'으로 익숙한 사이몬 헬버그의 등장에 혼자 빵 터졌네요 ㅎ




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


본문에 사용된 모든 스틸컷/포스터 이미지는 인용의 목적으로만 사용되었으며,
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1. 그 동안 할까 말까 고민 좀 했었던 텀블러(Tumblr) (http://therealfolkblues.tumblr.com)를 시작했습니다. 제 블로그는 아무래도 영화/음반 위주의 글이 주가 되다보니 다른 성격의 글을 올리기에 조금 어색한 부분도 있고, 간단하게 서브 블로그까지는 안되어도 짧은 일상이나 글들을 정리할 수 있는 공간이 있으면 좋겠다 싶었는데, 몇가지를 생각하던 중 텀블러로 최종 결정하였습니다. 트위터(Twitter)도 유용하게 쓰고 있지만 이건 내가 쓴 글만을 담아두기에는 좋지 못한 툴이기 때문이기도 하고, 글자수나 팔로워를 의식하지 않아도 되는 나만의 공간이 하나 필요했던 것 같아요. 하긴 트위터의 팔로워 개념은 이렇게 의식하면 무의미한 개념이긴한데, 의식 안할 수 없더라구요. 아, 텀블러 제목은 'We Qui Non Coin'에요. 'The Real Folk Blues'에 이은 비밥 시리즈죠.


2. 트위터 얘기가 나온 김에 사용하고 있는 비슷한 툴들을 늘어놓자면, 아무래도 가장 활발하게 쓰는 건 트위터겠고, 그 다음은 페이스북(Facebook), 사내에서 메신저처럼 쓰는건 야머(Yammer), 아이폰 초기에 많이 쓰던 건 Whats App, 여기에 최근 받아서 종종 쓰고 있는 카카오톡과 카카오수다, 그리고 성격은 좀 다르지만 Foursquare까지. 회사가 회사다보니 그렇긴 하지만 정말 이것저것 많이 쓰네요. 예전에 미투데이 접은게 다행스럽게 느껴질 정도에요 ㅎ

3. 텀블러에도 짧게 썼지만 어제 본 코엔 형제의 영화 <시리어스 맨 (A Serious Man)>은 정말 인상적인 작품이었습니다. 곧 리뷰를 쓰겠지만 별 5개에요.

4. 요즘은 시간도 많이 부족한게 대박 게임들도 넘쳐나서 버거워 하는 중입니다. <바이오 쇼크 2>를 겨우 마쳤더니 <배트맨 : 아캄 어사일럼> 새버전이 나와 초반을 진행하던 와중에, <갓 오브 워 3>가 나와서 올 만에 PS3 게임까지 하고 있는 중입니다. 틈틈히 NBA2K10 시즌도 진행하려면 무지 바뻐요 -_-;

5. 그런 이유로 최근 산 <파이트 클럽> 블루레이를 비롯한 BD/DVD는 구경도 못하고 있네요. 참, 들을 CD도 쌓여만 가고;;; 결국 방법은 잠을 줄이는것 뿐!




6. 요즘 가장 즐겨하는 아이폰 게임이라면 역시 'We Rule'을 빼놓을 수 없겠네요. 한동안 악마의 게임 비쥬얼드에 빠져있었는데 여기서 완전히 빠져나오기 전에, 또 하나의 킬러 타이틀을 만났네요. 씨뿌리고 수확하고 집짓고, 건물 짓고 알바 뛰고 바쁘네요;;

7.


본래도 좋아했지만 오늘따라 왠지 더 듣고만 싶어져 무한 루프하고 있는 조이 데샤넬의 'Sugar Town'

8. 아마 앞으로 이런 잡담들은 텀블러 쪽에서 이어갈 것 같아요~








타이탄 (Clash of the Titans, 2010)
이번엔 블록버스터 그리스 신화다

1981년작 <타이탄 족의 멸망 (Clash of the Titans)>를 원작으로한 루이스 리터리어 감독의 동명 신작 <타이탄>은, 제목과 원작에서 알 수 있듯 그리스 신화를 배경으로하고 있는 작품이다. 요 근래 개봉했던 <퍼시잭슨과 번개도둑>의 경우도 그랬지만, 이 두 작품은 그리스 신화의 기본 줄거리를 갖고 있지만 그 전개 속도 면에서는 매우 빠른 (불필요하다고 생각되는 것은 과감하게 생략 혹은 필요하다고 생각되는 것도 가끔 생략하는) 작품이라고 할 수 있겠다. 사실 '퍼시잭슨'을 리뷰하면서도 이야기했었지만, 이런 작품에게서 그리스 신화의 진수를 얻어내려는 것은 확실히 무리가 있다. 그래서 애초부터 이 작품에 거는 기대라고 한다면 극장에서만 느낄 수 있을만한 스케일과 액션의 재미 정도였을 텐데, 이런 면에서 <타이탄>은 제법 만족스러운 킬링 타임 무비였다.


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<타이탄>에는 그리스 신화의 익숙한 내용들이 가득 등장한다. 제우스와 하데스, 올림포스와 페가수스 등 우리가 이미 소설과 만화, 영화등으로 너무 많이 소비했던 내용들이다. 사실 요즘에는 그리스 신화의 정석에 포인트를 둔 작품이 거의 없는 관계로 이런 컨셉 작품들이 더 몰매를 당하는 경향도 있지만, 어쨋든 앞서 이야기했던 것처럼 이야기의 정수보다는 볼거리에 치중한 이 작품에게 그리스 신화의 깊이를 기대하는 것은 무리가 있다 (물론 여기에는 '그렇다고 해도' 라는 개인적인 이유들이 가능하다).

이렇게 부담없이 보게 된 <타이탄>은 (그런데 생각해보니 아예 부담없이 만들려고 했던 거라면 제목을 '타이탄'이 아닌 더 이 작품만에 걸맞는 걸 썼으면 좋지 않았을까 싶다. 왜냐하면 신작 '타이탄' - 원작인 '타이탄 족의 멸망'을 떠올리면 더'에는 제목을 연상시킬 만한 요소가 거의 없기 때문이다), 조금은 닭살스럽고 한편으론 오후 4~5시 시간 대에 방영하는 아동용 히어로 드라마 풍의 느낌을 주기도 하지만, 블록버스터로서 보여줄 만한 장면들은 그럭저럭 보여주고 있는 편이다. 특히 거대 전갈들과 사막에서 벌이는 전투 장면이나 후반부 크라켓 등장 장면 같은 경우는 극장에서 살짝 좌석을 움켜 쥘 정도로 스펙터클을 선사했다.


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관람가 (12세)를 벗어나지 않는 한도내에서 벌이는 액션들도 괜찮았고, 영화의 스케일의 걸맞는 로케이션의 멋진 풍광들도 좋았다. 하지만 액션에 치우친 작품이라는 점을 감안한다 하더라도 아쉬움이 전혀 없는 것은 아니다. 특히 원작이나 배경의 세계관이 깊은 작품일 수록 이런 생각이 들 수 밖에는 없는데, 등장하는 캐릭터 하나 만으로도 영화 한편은 족히 만들 수 있는 캐릭터들이 즐비한 작품이기에, 이런 캐릭터들이 자신의 이름을 한 번 알려보지도 못한채 사그라드는 빠른 전개는, 깔끔하다 보다는 서운하다 쪽이 가깝다.

최근 <퍼시잭슨과 번개도둑>을 재미있게 본 입장에서 이 작품이 연상되지 않을 수 없었는데, 이야기의 구조가 거의 같은 편이라 두 작품을 비교아닌 비교할 수 밖에는 없었다. 뭐랄까 '퍼시잭슨'이 아동용 판타지라면 '타이탄'은 액션 블록버스터 버전이라고 보면 되겠다. 짧은 기간 동안 하나의 이야기를 다룬 두 가지 버전의 작품을 보니 흥미로운 점이 있었는데, 어쨋든 두 작품의 공통점이라면 이야기보다는 컨셉에 포커스를 그리고 빠른 전개를 무엇보다 중요시한 작품이라는 점을 들 수 있겠다.


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<퍼시잭슨과 번개도둑>을 보면서 '와, 어떻게 이런(?)영화에 저런 기똥찬 캐스팅이 가능했던 것일까?라며 의아했던 적이 있는데, <타이탄> 역시 이에는 살짝 못 미치지만 크게 부족하지는 않은 캐스팅이라 할 수 있겠다. 제우스 역할의 리암 니슨의 경우 연기보다는 그 제우스의 의상 때문에 더 눈길이 갔는데, 기존 신화의 신을 그릴 때 등장 했던 일반적인 의상과는 다르게 블링블링한 갑옷을 입은 그와 신들의 모습은, 어쩌면 '퍼시잭슨'보다 더 아동스럽기도 했다. 개인적으로 이렇게 빛나는 갑옷만 보면 존 부어맨의 1981년작 <엑스칼리버>가 떠오르곤 하는데, 어쨋든 이 작품 속 신들의 묘사는 좀 아쉬운 부분이었다.

하데스 역의 랄프 파인즈는 '해리포터' 시리즈의 볼드모트(앗, 이름을 거론하면 안되는 거였는데;;) 이후 오랜 만에 또 다른 악당(?) 역할을 연기하고 있는데 캐릭터 자체의 깊이가 깊지 않다보니 한계가 있지 않았나 싶다. 하지만 이 허술한 갈등 구조를 그나마 구해낸 건 분명 리암 니슨과 랄프 파인즈라는 배우의 힘이리라. 주연을 맡은 샘 워싱턴은 이 작품을 통해 의외로(?) 작은 키가 공개된 것 같은데, 그의 얼굴과 짧게 자른 헤어스타일의 이미지는 분명 이런 액션 영화에 주인공으로서 잘 어울리는 편이다. 개인적인 바램이라면 완전히 이런 이미지로 굳어져 버리기 전에 색다른 작품을 선택해보는 것도 추천하고 싶다. 그 밖에 제법 이름 있늡 배우들이 단역에 가깝게 출연하는 경우도 많은데, 빠른 전개 탓을 해야할 듯 싶다.


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결론적으로 루이스 리터리어 감독의 <타이탄>은 그리스 신화를 전혀 기대하지 않은 상태에서 보면 그럭저럭 볼 만한 액션 영화라고 볼 수 있겠다. 여기에서 아주 조금만 더 기대해도 이 작품의 실망도는 급격한 곡선으로 커질 듯 싶다.

1. '퍼시 잭슨과 번개도둑'과 이 작품은 나중에 DVD나 블루레이가 출시되면 하나의 팩으로 판매해도 좋을 것 같아요 ㅎ
2. 영화 속 안드로메다 공주는 그 이름답게 개념이 충만하더군요.
3. 은근히 여러모로 <트랜스포머>를 떠올리게도 했어요. 사막에서 전갈들과의 전투라던가 그 '정령'의 모습이 말이죠.
4. 디지털 상영으로 보았는데 화질은 세트 촬영과 로케이션 촬영에 큰 차이가 있더군요. 세트에서 촬영한 바다 위 장면의 경우 너무 화질이 좋은 나머지 세트 촬영인게 너무 티가 나더라구요.
5. 최근 PS3 게임 '갓 오브 워 3'를 재미있게 하고 있는 중이라 그런지, 비슷한 배경이 이 게임이 연상되더군요.
6. 크라켄은 그 스케일로 겁주는 건 좋았는데, 정작 보여준건 별로 없다는 점이 '액션 블록버스터'로서 이 작품의 아쉬운 점이었습니다.




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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글 : 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


비 주연의 닌자 액션 영화

‘브이 포 벤데타’를 연출했던 제임스 맥티그 감독의 2009년작 ‘닌자 어쌔신’은 아무래도 주연을 맡은 우리 배우 ‘비’ 때문에 더 주목과 관심을 받았던 작품이었다. 이미 워쇼스키 형제가 연출한 ‘스피드 레이서’에서 비중 있는 캐릭터로 등장하며 국내 배우의 본격적인 헐리웃 진출이라는 화제를 모으기도 했던 비는, 비교적 빠른 시간 내에 단독 주연을 맡아 국내는 물론 세계 팬들을 놀라게 만들기도 했다. 사실 국내 배우의 헐리웃 진출이라는 이야기가 나올 때마다 이것이 ‘진짜’ 헐리웃 진출인가에 대해 말들이 많은데, 적어도 ‘닌자 어쌔신’의 경우는 이런 논란을 잠재울 만한 일종의 사건이라고 볼 수 있겠다.






영화의 흥행과 별개로 영화의 제작자와 스튜디오, 스텝들의 면면을 따져보자면, 비가 주연한 ‘닌자 어쌔신’은 헐리웃 진출이라는 수식어를 붙이기에 전혀 부족함이 없을 정도다. 축구로 비교하자면 EPL에 진출한 우리 선수들, 맨체스터 유나이티드에서 주전으로 뛰는 박지성 선수와 비견할 만한 수준이라는 얘기다 ? 앞서 이야기했던 것처럼 흥행 성적과는 별개로 스튜디오와 스텝들의 면면을 고려했을 때 말이다 -. 사실 예전만 하더라도 우리 배우의 헐리웃 진출이라면 ‘스피드 레이서’의 정도만 되더라도 충분히 뉴스가 되고도 남을 정도였는데 ? 스피드 레이서를 보고 나서 ‘의외로’ 많은 비의 비중에 놀랐던 적이 있다 -, ‘닌자 어쌔신’은 잘 알다시피 메이저 스튜디오인 워너 브라더스에서 제작하였고, 워너의 블록버스터 작품들을 여럿 제작한 조엘 실버가 제작자로 이름을 올리고 있으며, ‘매트릭스’의 연출자인 워쇼스키 형제 역시 제작자로 이름을 올린 작품이기 때문이다. 그리고 블루레이 수록된 서플먼트를 보면 알 수 있듯이, 이런 메이저 스텝들에게 톡톡히 인정 받고 있다는 점은 자랑스럽고 놀라운 일임을 부정할 필요가 없을 듯 하다.





영화는 ‘닌자 어쌔신’ 이라는 제목답게 시작부터 제법 고어한 액션 장면을 선사한다. 사지가 잘려나가고 여기저기 피가 낭자한 액션 시퀀스를 맨 처음 배치한 것은, 단순히 폼 잡으려는 의도보다는 영화의 전체적인 분위기를 초반부터 관객에게 빠르게 인식시키려는 시도로 볼 수 있겠다 ? 이후에는 이런 ‘절단’ 자체에 포커스를 맞춘 액션 시퀀스가 등장하지 않는 것도 그런 이유다 -. 아무래도 이 영화는 ‘닌자’라는 특수한 캐릭터에 기반한 독특한 액션을 기대하기 마련인데, 제임스 맥티그의 ‘닌자 어쌔신’은 이런 기대감을 절반 정도 해소시켜준 듯 하다. 부가영상을 통해 알 수 있듯이 이 작품의 액션 시퀀스를 위해 헐리웃 최고의 액션 팀들이 멋지고 복잡한 합(合)을 만들어 낸데 반해, 이렇게 심혈을 기울인 액션 장면이 스크린에서 오롯이 표현되지 못한 점은 조금 아쉬움으로 남는다. 이것을 ‘닌자’라는 특성에 걸맞는 액션이라고 볼 수도 있겠지만, 전체적으로 너무 어두운 배경에서 벌어지는 액션들이라 그 재미와 쾌감을 좀 더 전달되지 못한 점이 조금은 아쉬운 점이었다 (분명히 말하지만 여기서 아쉽다는 것은 헐리웃 최고 수준의 액션 스텝들이 만든 액션 시퀀스가 좀 더 빛을 발할 여지가 있었는데 그렇지 못한 데서 오는 아쉬움이다)





영화의 전체적인 줄거리나 구성에 부족함이 있는 것은 사실이지만 ? 만약 워쇼스키 형제가 직접 연출했더라면 좀 더 동양 문화에 대한 깊은 이해가 동반된 작품이 되지 않았을까 싶다 ? 닌자라는 특수한 캐릭터에 기반한 작품답게, 일반적인 액션 영화에서 보기 어려웠던 액션들을 만나볼 수 있는 것은 분명 이 영화의 장점이다. 영화 속에는 미처 다 부각되지 못했지만, 닌자 만의 무기들을 사용하는 액션 시퀀스의 경우, 현란한 CG와 안무 같은 스턴트 액션과 맞물려 쿵푸 영화와는 또 다른 액션의 재미를 선사하고 있다.


Blu-ray Menu






‘닌자 어쌔신’의 포스터들 가운데 위의 이미지가 사용된 버전을 가장 선호해서인지, 이 이미지를 그대로 사용한 메뉴 화면의 디자인은 만족스러운 편이다. 언어/자막 선택 화면과 장면 선택 화면 바에 배경이 되는 이미지의 디테일도 만족스럽다.

Blu-ray : Picture Quality

1080p 풀HD의 화질은 전반적으로 준수한 편이다. 작품 자체의 분위기나 영상이 매우 어둡다 보니 화질을 제대로 만끽할 만한 장면이 그리 많지 않은 것이 아쉽지만, 전체적으로는 크게 아쉬운 점은 없는 화질이라고 볼 수 있겠다.

(원본으로 보려면 클릭하세요)




영상의 입자 자체가 상당히 거친 편이기 때문에 선예도 높은 화질을 선호하는 이들에게는 호불호가 갈릴 수 있겠다. 하지만 전체적으로 보았을 때 CG가 가미된 화려한 액션 영상들을 큰 무리 없이 ? 이질감이나 잔상 없이 ? 보여주고 있으며, 하이라이트가 되는 마지막 액션 시퀀스에서는 타오르는 불길과 피로 물든 라이조 (비)의 상체가 비교적 뚜렷하게 표현되는 편이다. 영상의 스타일은 감독에 의해 의도된 부분이 분명하지만, 만약 좀 더 날카로운 선예도가 살아있는 영상이었다면 어땠을까 하는 기대와 궁금증도 갖게 한다.


Blu-ray : Sound Quality

DTS-HD M.A 5.1채널을 수록한 사운드 역시 최신작답게 차세대급 사운드를 들려준다. 닌자 액션의 장점을 부각시킬 블루레이적 요소는 아무래도 화질보다는 사운드라고 볼 수 있을 텐데, 다양한 닌자 특유의 무기들의 사운드는 물론이고, 초반 액션 장면에서 확인할 수 있듯이, 닌자의 모습은 보이지 않지만 사운드로는 어디로 이동하고 있는지 쉽게 체크할 수 있을 정도의 만족스러운 채널 분리도를 들려준다.





이 작품에는 칼과 닌자 무기를 이용한 액션 장면 외에 총을 비롯한 대형 무기들을 사용하는 후반 부의 액션 장면도 등장하는데, 후자의 무기들의 사운드는 조금 날카로운 맛이 떨어지지만, 전자의 액션에서의 사운드는 괜찮은 편이다. 특히 사용하는 무기의 특성상 임팩트도 중요하지만 공간감과 이동성이 중요하다고 할 수 있는데, 이런 면에서 ‘닌자 어쌔신’의 사운드는 만족스러운 편이다.

Blu-ray : Special Features





‘닌자 어쌔신’ 블루레이는 메이킹 필름 성격의 3가지 부가영상이 ‘Behind the Story’라는 메뉴 아래 수록되었으며, 추가로 삭제 장면을 만나볼 수 있다. ‘The Myth and Legend of Ninjas’에서는 실제 닌자 고수들과 전문가들의 인터뷰를 통해 닌자에 대한 상세한 역사와 배경을 들려준다. 특히 우리가 흔히 ‘닌자’하면 떠올리곤 하는 ‘비밀스런 암살자’의 이미지를 넘어서, 훨씬 더 상세한 설명을 통해 일본의 실제 역사와 닌자가 어떠한 관계를 맺고 있는지를 마치 역사책을 보듯 자세하게 설명해 준다. 여기에는 마지막 진짜 닌자인 '타카마츠'의 관한 이야기와 현재 닌자 종가를 이끌고 있는 고수의 인터뷰도 만나볼 수 있으며, 닌자들이 사용하는 다양한 무기들에 대한 자세한 설명 - 혹은 사용방법 -에 관한 이야기와 닌자가 사용하는 주요 기술들에 대해 실제 닌자 기술을 습득한 고수들의 시범을 통해 확인할 수 있다.





'The Extreme Sport of a Ninja' 에서는 익스트림 스포츠 적인 요소와 닌자 액션을 결합한 영화의 스턴트와 액션에 대한 이야기가 수록되었다. 액션 감독인 채드 스타헬스키를- 참고로 채드 스타헬스키는 워쇼스키 형제의 <매트릭스>시리즈에서 네오 역을 맡은 키에누 리브스의 스턴트 대역을 맡기도 했었다 - 비롯해 무술과 스턴트 팀 스텝들의 인터뷰를 만나볼 수 있는데, 난이도 높은 스턴트 액션을 위해 최고 수준의 팀을 꾸렸다는 것을 알 수 있다. 특히 각 장면이나 동작에 필요한 특별한 고수들 - 룹킥 고수, 파쿠르 전문가, 파워 텀블러 - 을 초빙한 사실이 흥미로웠는데, 여러 분야의 스턴트/액션 고수들은 물론 더 화려한 액션 장면을 위해 안무가 까지 참여시킨 점이 이채로웠다.





‘Training Rain’은 어쩌면 많은 한국 팬들이 가장 기다렸을(?) 부가영상이 바로 이것이 아닐까 싶다. 주인공 '라이조'를 스크린 속에서 실감나게 표현하기 위해 지옥 같은 트레이닝을 이겨낸 비의 모습을 만나볼 수 있다. 스텝들과 배우들이 처음에는 다들 '비가 누구야?' 했었지만, 나중에야 그가 아시아에서 유명한 팝스타라는 것을 유튜브를 보고서야 확인하고 놀랐다는 이야기가 재미있다. 이미 국내 여러 연예 프로에서 개봉 당시 많이 조명되었던 것처럼 '지방 0%'의 완벽한 몸을 만들기 위해 혹독한 트레이닝을 견디는 비의 모습이 가감 없이 담겨있다. 수년간 이런 트레이닝을 지도해온 이들조차 비처럼 훈련하는 사람은 처음 봤다는 이야기가 절로 나올 정도로, 그들의 표현을 빌리자면 짧은 시간 동안 '극적으로' 변한 비의 신체 변화를 보는 것도 포인트다. 헐리웃의 모든 스턴트 맨들을 통틀어서도 최고의 스턴트 능력이라는 칭찬이 나올 정도니 말 다했다.

그 밖에 세탁실에서의 짧은 회상 장면, 미카의 집에서 선배 요원과의 대화 장면, 라이조와 미카가 자동차를 훔치는 장면 등 짧은 삭제 장면들이 수록되었다.





[총평] 조엘 실버와 워쇼스키 형제가 제작하고 ‘브이 포 벤데타’의 제임스 맥티그 감독이 연출한, 그리고 무엇보다 ‘비’가 주연한 ‘닌자 어쌔신’은 우리 배우의 헐리웃 메인 스트림 주연 작품이라는 점만으로도 한 번쯤 확인해볼 만한 작품이 아닐까 싶다. 아, 다양한 요소가 결합된 스턴트 액션의 디테일도 체크 요소다.


아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)



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내게 있어 만우절이라는 날이 별다른 이벤트로 느껴졌던 적도 없었지만, 2003년 4월 1일 이후로 나에게 만우절은 오로지 한 사람을 떠올리게 하는 날이 되었다. 바로 그 장국영.

사실 되돌아보면 좋아하는 정도의 차이는 있었지만 내 곁을 훌훌 떠나갔던 사람들은 많았었는데, 누군가의 기일을 매년 떠올리게 되는 것은 장국영 외에 손가락으로 꼽을 정도인 것 같다. 죽음과 거짓말, 만우절과 충격, 이런 것들로 인해 그의 죽음은 아직까지도 실감나지 않고 매년 맴돌게 되는지도 모르겠다.

올해도 4월 1일이 되어 다들 만우절로 떠들석 할 때, 나는 자연스레 장국영만을 떠올렸다. 그리고 거짓말이라는 것에 대해 그리고 영화 속에 영원히 살아있는 배우와의 이별에 대해 다시 한번 생각해보게 되었다. 그와의 추억에 대한 글은 예전에 썼던 적도 있었고, 오늘은 그냥 그와 함께 했던 시간의 소중함을 새삼 되새겨 보는 것으로 짧게 마무리 할까 한다.



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장국영과 함께 했던 시간들. <아비정전>의 한 장면 처럼, 길고도 짧은 아니 찰나로 느껴지는 시간이었다.


I Miss You, Leslie.
2010.04.01





p.s - '월량대표아적심 (月亮代表我的心)'은 물론 등려군이 부른 것도 좋지만, 난 특히 장국영이 불렀던 1997년도 이 버전을 좋아했었다.




영화 관련 글을 쓰고 읽다보면 드는 당연한 생각은, 영화는 어차피 받아들이는 각자의 몫이라는 점이다. 사람들마다 각자의 취향이 다르기 때문에 그럴 수 밖에는 없는, 정말 당연한 일인데 가끔 영화평들을 읽고 있으면 '좋다, 나쁘다'가 아니라 '맞다, 틀리다'로 접근하는 경우를 많이 볼 수 있다. 특히 평론가의 글들에서 이런 점을 많이 살펴볼 수 있는데 (일반 관객들의 평은 어차피 개인적인 것이라는 점을 내포하고 있기도 하고, 스스로 확신하지 않는 경우가 많다), 자신의 마음에 들지 않는 영화 평들을 보면 '이건 영화도 아니다' 수준으로 혹평을 하는 경우가 다반사다.

그런데 내 개인적인 생각은 조금 다르다. 물론 앞서 이야기 한 것처럼 자신의 소신대로 자신이 옳다고 여기는 것에 대해 적극적으로 동의하고, 틀리다고 생각하는 것에 대해 적극적으로 비판하는 것은 좋지만 후자의 경우 여지를 둘 필요는 있다고 생각된다. 만약 어떤 영화가 있다고 가정해보자. A라는 사람은 이 영화를 재미있게 본 사람이다. 그런데 B라는 사람은 돈이 아깝다, 시간을 버렸다 싶을 정도로 재미 없게 본 경우다. B는 이런 감정을 실어 여지를 전혀 두지 않는 퍽퍽한 글을 남겼다. A가 이 글을 보았다. A는 당연히 기분이 좋지 않을 수 밖에는 없다. 몇몇은 자신의 영화를 과연 '제대로' 본 것인가에 대해 의문마저 갖게 된다.

그런데 과연 '제대로' 본 다는 것은 무엇을 의미하는 것일까? 아니, '제대로' 보는 것이 존재는 할까?
영화에서 얻는 재미는 여러가지가 있을 것이다. 감독이 만들어낸 이야기를 따라가며 그의 의도를 그대로 받아들이는 경우도 나름의 재미가 있고, 자신만의 방식으로 받아들여 감독의 의도와는 다르지만 또 다른 영화로 소화하는 방식도 재미있는 보기의 방식이다. 이 둘 가운데 어느 것이 맞고 틀리는 것은 없다. 예전 류승완 감독을 인터뷰하면서 나눴던 이야기 중에 이런 이야기가 있다. '영화는 프린트(필름)는 하나지만, 다 다른 영화를 본다는 것이 흥미로운 것 같다'라는 말. 비단 영화 뿐만 아니라 예술 작품이라는 것은 그것이 혼자의 힘으로 만들었을지언정 일방적인 것이 아니기 때문에 더 큰 의미를 갖는다고 볼 수 있을텐데, 감독의 의도를 모두 알아채고 감독이 주려는 재미를 100% 즐긴다면 그것 만큼 좋은 것이 없겠지만, 그렇지 않더라도 자신 만의 이야기를 전개해도 즐겼으면 그걸로 그만이라는 생각이다. 그러니까 이렇게 본 이들에 대해서 '넌 틀렸다'라고 말하는 것 자체가 아이러니 아닐까 싶은 것이다.

이 이야기를 꺼내면서 가장 하고 싶었던 말은, 결국 영화는 정답이 없는 예술, 받아들이는 자의 것이다 라는 것과 이런 영화를 가지고 누군가에게 옳고 그름을 강요하지 말자 라는 것이었다. 무언가 자신의 의견과 대비되는 의견을 접했을 때, '그럴 수도 있군요' '저는 좀 다르게 생각했습니다'라는 정도로 그쳐도 좋을 것을, '영화를 도대체 제대로 본겁니까?' '이건 논할 가치도 없네요' 등의 숨막히는 말들로 받아칠 이유는 없다는 얘기다. 그런데 나는 이런 식으로 여지를 두고 글을 쓰면서 매번 작은 딜레마에 놓이곤 하는데, 이렇게 여지를 둔 글은 여지를 두지 않은 글보다 설득력이나 힘이 떨어질 수 있다는 것 때문이다. '이렇다'와 '이럴 수도 있다'의 차이인데, 가끔은 그냥 '이렇다'라고 죄다 바꿔도 되지 않을까 싶은 경우도 있다. 확실히 여지를 둔 글에게서는 글쓴이의 확신이 부족하게 느낄 수도 있으니, 이 정도를 잘 조절하는 것이 어쩌면 글 쓰기의 가장 어려운 부분 중 하나일 듯 하다.

그리고 개인적으로 첨언하고 싶은건, 나는 영화를 보는데에 있어 무척이나 행복한 사람이라는 점이다. 영화로 만난 사람들과 비교를 해보아도 나는 대부분의 영화에 있어 무척이나 몰입을 잘하는 편이다. 영화는 일단 몰입하면 크게 실망할 일은 없다. 간혹 드라마를 평할 때 보면 오랫동안 정을 쌓았던 작품을 마지막 회 하나, 장면 하나 때문에 망쳤다며 실망하는 사람들이 있는데, 정말 오랜 기간 그 작품에 애정을 갖고 함께 했다면 '아쉽다' 정도이지 '보상해라'라고까지 할 수는 없지 않았을까. 여튼 몰입 잘하기로는 둘째 가라면 서러운 나는 참 행복한 영화 관객이다. 많은 관객들이 공감하지 못하고 실망하는 작품에게서도 주인공의 심리에 잘 빠져드니 말이다. 간혹 그래서 남들이 다 유치하다고 하는 작품에도 공감하는 경우가 많지만, 그래도 어떠랴. 영화는 어차피 개인이 즐기는 예술인데.


2010.03.31 pm 1:10





언 애듀케이션 (An Education, 2009)
교육, 과정의 중요성


어쩌다보니 연출을 맡은 론 쉐르픽 보다 각본을 쓴 닉 혼비가 더욱 유명세를 탔던 영화 <언 애듀케이션>을 지난 주말 보았다. 사실 영화를 보기 전에 감독과 주연 배우 정도만 알고 가는 나로서는 (모르면 모르고 볼 수록 최적의 조건에서 관람할 수 있다), 포스터만 보고는 '좀 샤방한 로맨스겠구나' 했는데, 물론 로맨스적인 요소가 없지는 않지만 그 이상의 성장담이었으며 가족과 교육의 굴레를 보면서 의외로 우리내 교육현실을 다시 한번 떠올리게 되는 계기도 되었다 (이 작품을 보며 이런 현실을 떠올리게 될 줄은 사실 몰랐다). 여기까지만 보면 '에이, 또 성장이야기야?' 싶은데, 사실 영화 가운데 성장담이 아닌 영화가 어디 있겠느냐만은, 매번 반복되는 성장담(그것도 소녀!)임에도 <언 애듀케이션>은 한 번쯤 또 볼만한 성장담이자, 그 외에 여러가지 요소를 조용히 들려주는 괜찮은 작품이었다.



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이 영화는 소녀의 성장담 이전에 그 소녀가 처한 현실의 상황을 먼저 살펴볼 필요가 있다. 1961년 영국을 살고 있는 17세 우등생 '제니' (캐리 멀리건)는 보수적인 부모님의 엄격한 통제 아래 옥스퍼드 대학을 목표로 하루하루를 보내고 있다. 제니는 이런 부모님의 기대와 통제 아래 열심히 공부해 매번 1등을 놓치지 않는 우등생이지만, 마음 한 켠에는
'왜 옥스포드에 꼭 가야하나?'라는 의문이 있다. 그러던 와중에 우연히 만난 연상남 '데이빗' (피터 사스가드)은 17세 소녀 제니가 동경하던 세상을 실현시켜줄 인물로 급 부상하며, 제니는 급속도로 데이빗과 이 새로운 어른의 세상에 빠져들게 된다.

일단 일탈 전 제니가 살고 있던 가정을 살펴보면, 엄격하고 보수적이며 오로지 우등생만을 목표로 하는 듯한 이 가정은 의외로(?) 그리 부유한 편은 아니다. 옥스포드를 목표로 하고 있지만 작은 레슨비 하나하나에 형편을 걱정해야 할 정도로 넉넉한 형편은 아니다. 하지만 딸의 인생을 위해 가족 모두가 제니의 교육이라는 목표로 움직이고 있다. 후반부에 좀 더 터져나오지만, 이 가족의 목표(즉 부모의 바램)는 꼭 '옥스포드'는 아니다. 바꿔 말하면 성공적인 삶이며, 그것이 옥스포드 일 뿐인 것이다.



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그런 제니가 탈출해서 만난 데이빗의 세상은 실로 어른의 세상이다. 겉보기에는 하루하루를 살기 위해 (옥스포드를 목표로 매번 압박 속에 공부하지 않아도 되는) 치열하기 보다는 유유자적 인생을 즐기며 사는 듯 한 데이빗의 그럴 듯한 삶에 제니는 단번에 빠져들게 된다. 그리고 여기에는 어른이 되고 싶은 17세 소녀 제니의 욕망도 있다. 제니는 데이빗과의 삶을 통해 단숨에 어른의 삶에 물들어 버렸고, 동경하던 삶을 너무 쉽게 이뤄버린 탓에 그 과정에서 배워야할 것들을 놓치고 만다.

그런데 중반까지 영화가 그려내는 데이빗의 삶은 정말 완벽해 보인다. 이 영화를 그냥 데이빗과 제니의 알콩달콩 로맨스로만 가져갔더라도 그럭저럭 괜찮은 영화가 되었을 것이라는 '확신'이 들 정도로, 이 둘의 묘사는 17세 소녀라는 점을 지워도 충분히 매력적이며, 피터 사스가드가 연기한 데이빗이라는 캐릭터는 느끼함과 귀여움을 고루 갖춘 매력을 선사한다. 멀쩡한 로맨스 영화를 요새 별로 못 본 것도 있지만, 이 둘의 연예를 보면서 오랜만에 그 귀여움에 웃음을 터트릴 수 밖에는 없었다.


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그런데 영화가 후반으로 갈 수록 인상 깊은 것은 알프레드 몰리나가 연기한 제니의 아버지의 이야기였다. 이 캐릭터는 여러모로 한국의 아버지를 닮아 있었다 (1960년대 영국 남자에게서 근래 한국의 아버지상을 보다니;). 앞서 이야기했던 것처럼 넉넉하지 않은 살림에도 딸의 인생은 지금의 자신보다는 나아지게 해야겠다는 일념하에, 성공적인 삶의 목표 (혹은 길)로 알려진 옥스포드 대학에 반드시 제니를 진학시키려고 한다. 하지만 나중에 데이빗과의 관계에서 드러나듯이, 아버지가 원하는 것은 궁극적으로 '딸의 성공'이나 '딸의 편안한 삶'이지 '옥스포드'가 아니다. 그런데 이를 눈치채지 못한 어린 제니는 나중의 아버지의 태도가 급변 했을 때 (사실 한 발 물러서서 보면 급변이라 보긴 어렵지만, 제니의 눈으로 보았을 땐 그렇게 느껴지기 충분했다) 몹시 당황하게 된다. 그래서 더더욱 자신의 정체성에 대해 혼란을 겪게 되고, 미래에 대해 확신을 갖지 못하게 된다.

그런데 제니는 한 여름의 꿈과도 같은 바람을 겪고 나서 다시 돌아왔을 때, 자신이 그동안 당연하다고 혹은 고리타분하다고 생각했던 것들을 다시금 되돌아 보게 된다. 결국 이런 획일적인 교육과 삶이 싫어서 일탈했던 제니가 바람을 겪고 다시 (스스로) 돌아온 곳은, 또 다시 교육이다. 그런데 이 영화를 그렇다고 '부모님 말씀 하나 틀린 것 없다' 라던지, '결국 삶에 순응하며 살아야된다'로 결론짓는 것은 위험한 발상이다. 영화가 말하려는 것은 결국 돌아왔으니 그 길이 맞는 것이었다가 아니라 교육이라는 것에 본래 의미, 즉 '과정'에서 배우는 것들에 대한 중요성을 이야기하고 있는 것이다.



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<언 애듀케이션>에 대해 이야기하면서 주연을 맡은 캐리 멀리건에 대해 이야기하지 않을 수 없을 것이다. 이 인상적인 연기를 펼친 소녀의 전작들이 무엇이 있나 찾아보았더니 <오만과 편견>과 <퍼블릭 에너미> 정도가 본 작품인데, 어쨋든 이들 작품 속에서 멀리건의 이미지는 기억이 나질 않는다. 어쨋든 이 영화는 캐리 멀리건을 위한 작품임에 틀림 없다. 그녀의 얼굴과 표정연기는 참 유니크한데, 뭐라 말로 표현하기 어려운 묘한 표정과 이미지들을 만들어 낸다. 이 작품으로 단번에 관객들과 평단에 찬사를 받은 그녀의 차기작이 기대된다.

그녀 외에 알프레드 몰리나의 연기가 몰입하는데에 많은 도움이 되었으며, '데이빗' 역할을 맡은 피터 사스가드의 그 영국식 억양이 특히 인상적이었다(배경이 영국이다 보니 다들 영국식 억양을 쓰긴 하지만, 사스가드의 그것이 가장 매력적이더라). 개인적으로 좋았던 것은 <해피 고 럭키>의 샐리 호킨스의 깜짝 출연이었는데, 전혀 다른 인상이긴 했지만, 워낙에 인상적인 페이스라 단번에 알아보겠더라. 그녀의 모습을 본 건 의외의 수확이었다.




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


본문에 사용된 모든 스틸컷/포스터 이미지는 인용의 목적으로만 사용되었으며,
모든 이미지의 권리는 BBC Films 에 있습니다.







얼마전 그저 웹상에서만 뵈었던 DP의 '쿠우'님이 쪽지를 보내어 '디스 이즈 잇' 블루레이 독일판 스틸북을 보내주셨다. 커뮤니티 내에서 마이클에 대한 애정을 유난히 밝혀왔던 것과(아바타 이미지도 MJ), 꾸준히 글을 써온 것이 무척이나 보람스러운 순간이었다. 사실 그저 웹상에서만 뵈었던 분에게 이런 과한 선물을 받게 되니, 다시 한번 커뮤니티라는 공간에 대해서, 그리고 특히 애착을 갖고 있는 DP라는 공간에 대해서 다시금 생각을 해보게 되었다. 더불어 더 열심히 부족한 글이나마 다른 분들과 나눠야 겠다는 생각도 하게 되었다. 그렇게 선물 받은 독일판 '디스 이즈 잇' 블루레이 스틸북!




라이센스와는 다르게 종이 띠지가 위 아래를 커버하는 방식이다. 내용물에 대한 추가 설명을 확인할 수 있다.





이번 독일판 블루레이 스틸북에는 라이센스 버전에는 없는 여러가지 부가물들이 있는데, 그중 가장 먼저 확인할 수 있는건 올컬러로 제공되는 북클릿이다. 라이센스판에는 별도의 북클릿이 없었기 때문에 더욱 반가울 수 밖에는 없다.






이 북클릿만으로도 소장가치가 있다고 할 수 있을 정도로, '디스 이즈 잇' 공연의 멋진 장면들을 만나볼 수 있다.




북클릿 외에 총 4장의 엽서가 포함되었다. 가끔 이렇게 엽서 형태의 아이템이 한정판에 수록되는 경우가 있는데, 이걸 진짜 엽서 본래의 기능으로 사용한 적은 없는 것 같다 ㅎ




그 외에 특별판에 걸맞게 3장의 렌티큘러 이미지가 수록되었다.




사진으로는 잘 표현이 안되지만 각도에 따라 이미지가 변하는 렌티큘러 형태를 갖추고 있다.




지난 번 구입했던 '디스 이즈 잇' 라이센스 블루레이 스틸북과 함께 한 컷.
예상치 못했던 고마운 선물이라 더욱 소장가치를 느낄 수 있었던,
'디스 이즈 잇' 독일판 블루레이 스틸북.






글 / 사진 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)






생각할 것 많았던 추노의 마지막


'선덕여왕' 이후 오랜만에 재미있게 끝까지 잘 보았던 '추노'가 드디어 오늘 막을 내렸다. '추노'에 대해서 처음부터 지금까지 다 정리하는 것은 너무 방대해질 우려가 있으니, 인상 깊었던 마지막 화에 대해서만 간단히 이야기하고 넘어가보려고 한다(사실 무언가 글로 쏟아내지 않으면 몹시도 답답할 개인적인 이유 때문이다).

(혹시 몰라 스포일러 표시합니다. 당연히 추노 마지막 회에 대한 스포일러가 있습니다)

'추노'는 구조상 처음부터 누군가가 마지막에 죽을 수 밖에는 없는 이야기였다. 단 누가 어떻게 죽을 것인지 혹은 누가 살아남을지가 관심거리였는데, '추노'는 이렇듯 '누가 죽고 사느냐'에만 몰입하고 있던 시청자들에게, '왜 살아남고' '왜 죽어야 했는지'에 대한 메시지를 담은 인상적인 엔딩을 선사했다. 어쩌면 당연한 얘기지만, 그래도 잠시나마 '누가 죽네마네'하며 손가락으로 그 경우의 수를 꼽아보았던 내 자신이 초라해지는 순간이었다.




첫 번째로 자신의 이야기를 마무리 하는 업복이 (공형진). 바로 전회에서 믿었던 그(박기웅)에게 배신 당한 뒤, 이제야 마음을 고백한 초복이를 남겨두고, 초복이를 위해 더 나은 세상을 만들고자 궁궐로 향한 업복이의 이야기는, 예상했던 것 보다 훨씬 의미있는 이야기로 마무리되었다. 사실 보통 같으면 자신들을 배신한 그에게 복수하고 자신은 장렬히 죽음을 당하는 것만으로 업복이의 이야기를 마무리 할 수 있었을텐데, 업복이의 이야기는 그 자신의 죽음으로 쓰는 메시지보다도 더 큰 메시지를 남겼다. 그것은 바로 극 내내 세상을 바꾸려는 업복이를 (적어도 겉으로는) 못마땅해 하고, 그저 주어진 노비의 삶을 살아가는데에 충실하려 했던(자신의 딸의 고통을 참아내면서까지) 반짝이 아버지에게로의 전파를 이야기할 수 있겠다. 이렇게 어긋난 세상을 그저 순응하고 받아들이고 있던 평범한 반짝이 아버지에게, 양반노비 구별 없는 세상을 만들려다가 스스로 죽음의 길을 택한 업복이의 삶은 많은 것을 깨닫게 해주었고, 꽉 쥔 주먹으로 알 수 있듯이 반짝이 아버지의 삶은 극 마지막의 내레이션을 들려주지 않았더라도, 앞으로 많이 달라졌을 것이라는 걸 알 수 있게 해준다.





'추노'는 대부분 대길(장혁)과 송태하(오지호)의 이야기에 촛점이 맞춰져 있기는 하지만, 극이 진행될 수록 황철웅(이종혁)에게 연민이 들었다. 그리고 황철웅이 사실 주인공이 아닐까 하는 생각마저 들게 했다. 어쩌면 '누가 죽을까?'라는 어리석은 질문에서 어렵지 않게 죽음을 예상했었던 황철웅이 죽지 않고 살아남은 것은 큰 의미가 있다고 생각된다. 사실 초반을 제외하고는 인간적인 면모를 거의 지워낸 듯 했던 황철웅에게, 바로 마지막 직전에 다시 한번 어머니를 등장시키며 인간적인 면모를 부각시키려 했을 때부터, 무언가 낌새를 느낄 수 있었다(그렇지 않다면 이제 거의 살인귀로 다 몰아갔던 황철웅을 다시 한번 지옥에서 구해낼 이유가 없었다). 대길과의 마지막 대결에서 대길에게 이렇게까지 자신을 막는 이유를 듣고 나서, 칼을 스스로 내린 순간 이미 황철웅은 이 싸움을 포기 한 듯 했다. 어차피 처음부터 잘못된 길을 들어섰다는걸 스스로 깨닫고 있던 황철웅은, 마지막에와서야 대길과 송태하의 집념을 새삼 느끼고서는 인정할 수 밖에 없음을 자인하게 된 것이다.

그렇게 살아남은 황철웅은 집으로 돌아가, 한 번도 거들떠보지 않았던 불편한 아내에게 기대어 눈물을 흘린다. 이는 극중 내내 터지지 않았던 유일한 황철웅의 감정의 폭발이다. 자신도 모르는 사이에 어느새 너무 깊게 잘못 되어 버린 캐릭터의 전형을 보여준 황철웅의 마지막 진솔한 눈물은, 대길과 송태하의 눈물에 버금가는 의미 있는 장면이었다.





대길과 언년이, 송태하의 마지막은 사실 앞선 이들에 비하면 어느 정도 예상되었던 바이고 전형적인 부분도 있었지만, 그래도 감정이 울컥하는건 어쩔 수 없었다(물론 여기에 가장 큰 공은 '대길'이라는 캐릭터를 완벽하게 창조해 낸 장혁이라는 배우 덕택이다). 사랑하는 여인을 위해 세상을 바꾸려 했던 남자와 세상을 바꾸려다 사랑하는 여인을 만나 또 다른 세상을 꿈꾸게 된 남자의 이야기. 그리고 이 둘 사이에서 운명을 선택해야 했던 한 여자의 이야기. 그렇게 한 세상을 살 다간 이들 이야기의 마지막은 예정되었던 대길의 죽음으로 막을 내렸다.

사실 다시 생각해봐도 대길의 죽음이 인상 깊은 것은 장혁의 연기 때문이 아닐까 싶다. 업복이와 황철웅의 마지막 보다 메시지 측면에서는 대단할 것이 없는 엔딩이었으나, 그 마지막에 끝까지 함께 할 수 있었던 것은 오롯이 장혁의 공이었다. 그리고 애초 '추노꾼 = 현상금 사냥꾼' 이라는 설정으로 와타나베 신이치로의 <카우보이 비밥>을 연상시켰던 '추노'는 엔딩 장면에서는 아예 완벽한 오마주로, 이런 논란 아닌 논란에 대해 깔끔한 마침표를 찍었다. <카우보이 비밥>의 말할 것도 없는 팬인 나로서는, 그 오마주에 소름이 돋을 수 밖에는 없었다.



(아, 이제 이 장면을 볼 때 '대길'이 겹쳐 보일지도 모르겠다 ㅠ)


어쨋든 기대했던 것보다 더 좋았던 마지막을 (특히 업복이와 황철웅 때문이었다) 선사한 추노. (아, 그리고 초복이가 해를 바라보며 이야기하는 장면은 마치 <매트릭스 3>의 마지막 장면에서 오라클이 사티에게 이야기하는 장면이 떠올랐다)

아, 이제 무슨 재미로 수요일, 목요일을 보낸다니.
이제 정녕 추노가 끝났다는 것이 말이여 당나귀여.

보너스.

광고 이후 나온 정말 '추노'의 마지막 장면.(링크를 클릭하세요)
http://spedr.com/10b6i


p.s 1. 내가 정녕 죽은것인지 아닌지 어심을 읽으시게
     2. 나는 전반적으로 맞아 죽지 않았나 싶은데
     3. 형님들, 남아로 태어났으면 블루레이 한번은 출시해봐야 하지 않겠습니까.
     4. 이히히히히, 나 천지호야, 나 마지막회 안나왔다고 잊지마, 천지호야~~~~~~~

이제 이런 성대모사 연습한거 다 어디 써먹나요 ㅠ



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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인글로리어스 바스터즈 (Inglourious Basterds, 2009)
블루레이 서플먼트 다시보기 (Blu-ray : Special Features)


본래 블루레이나 DVD를 구입하게 되면 다시 한번 썰을 쭉 풀어 놓게 되는 것이 보통인데, 쿠엔틴 타란티노의 <바스터즈>의 경우는 개봉 당시 리뷰를 통해 나름 이야기를 풀어 놓았던 기억이 얼마 되지 않은 것도 있고, 다시금 돌이켜보자니 일이 커질 것 같은 우려(?)도 있는 관계로, 간단하게 블루레이에 수록된 서플먼트들에 대한 소개를 하고 넘어가려 한다. 참고로 내가 블루레이나 DVD 리뷰를 지속적으로 쓰려고 나름의 안간힘을 쓰는 이유는, 2차 영상물이 영영 사라질 지도 모른다는 (적어도 국내에서는), 그리 멀지 만은 않은 암울한 앞날을 막기 위함이다. 그냥 내가 쓰는 블루레이나 DVD의 리뷰를 보고 몇 사람이라도, '와, 블루레이는 화질이 정말 짱이구나, 이거 나도 사고 싶은데'라던지, 'D감독의 음성해설이라는거 몹시 듣고 싶은데?' '제작영상 같은건 서플에서나 볼 수 있는건가봐'라고 관심을 갖게 되면 좋겠다는 마음에서다.

그래서 영화에 대한 리뷰는 지난 개봉 당시 썼던 글로 대체하고, 이번 글에서는 본격적으로 블루레이 서플먼트에 관한 이야기를 해보려고 한다.

바스터즈 _ 타란티노가 말하는 내 생애 최고의 걸작
http://www.realfolkblues.co.kr/1127

바스터즈 (오리지널 사운드트랙) _ 타란티노와 모리꼬네라면 아쉬울 것 없어라
http://www.realfolkblues.co.kr/1138

이번 구매한 블루레이는 프랑스판 스틸북으로서 한국어 자막이 본편과 서플먼트에 모두 지원이 된다. 참고로 국내에도 라이센스로 정식발매 되었다(스틸북이 아닌 일반판으로). 케이스를 간단하게 살펴보면;;






스틸북이라는 것은 컬렉터들을 위한 하나의 포맷으로서 블루레이로 넘어온 이후에도 계속 관심을 갖고 있는 분야이긴한데, 이 작품 <바스터즈>와 마이클 잭슨의 <디스 이즈 잇>이 현재까지 내가 소유한 유일한 스틸북이다. 스틸북의 세계는 그야말로 빠지면 모두 스틸북으로 컬렉션을 재수집 해야하는 재정적 어려움이 있으므로, 가능하면 섣불리 빠지지 않는 것이 좋다. <바스터즈> 블루레이 스틸북은 해외 배송시의 찌그러질 수 있는 위험만 넘겨낸다면 마감이나 프린팅 모두 만족스러운 수준이다.




Universal Studios. All rights reserved

유니버설을 통해 출시된 블루레이는 기존 유니버설 BD의 기본 메뉴 포맷을 역시 수록하고 있다. 앞서 언급한 것처럼 프랑스판이지만 본편과 서플먼트에 모두 한국어 자막을 지원한다.


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첫 번째로 만나볼 수 있는 서플먼트는 확장과 다른 버전의 추가 장면들인데, 쇼사나가 괴벨스와 식당에서 시사회에 대해 이야기를 나누는 시퀀스의 확장 버전을 만나볼 수 있다. 본편에 실린 버전보다 훨씬 긴 호흡의 대화들이 수록되었는데, 다른 언어가 발생시키는 장면들과 수다가 주는 흥미를 가득 담고 있는 <바스터즈>답게, 확장된 대화 시퀀스에서는 좀 더 타란티노스러움을 엿볼 수있다.


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두 번째 확장 장면은 지하 술집에서 벌어지는 카드 게임 장면이다. 위장한 주인공 들이 술집에 들어오기전 독일군 병사들이 카드 게임을 즐기고 있는 장면의 확장버전이 수록되었는데, 본편에 수록된 내용과 그리 큰 차이는 없는 편이다.


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마지막 추가 장면은 '조국의 자랑' 시사회 장의 시퀀스인데, 상영이 시작되기 바로 전부터 시작될 때까지의 추가 장면이 담겨 있다. <바스터즈>는 언어에 관한 영화인 동시에 영화에 관한 영화이기도 한데, 이 추가 장면을 보면 타란티노가 이런 부분을 얼마나 신경쓰고 있는지 다시 한번 느낄 수 있다. 히틀러를 암살하러 온 이들도, 전세의 불리함을 계몽 영화 한편으로 일으켜 보려는 히틀러도, 영화에 특별한 애정이 있던 괴벨스도, 상영관이 어두워지고 영화가 드디어 시작될 때에는 모두 하나로 집중하게 되는 시퀀스랄까.


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<바스터즈>에는 영화 속 영화가 한 편 등장하는데 바로 '조국의 자랑 (Nation's Pride)'가 그것이다. 블루레이에 수록된 서플먼트를 통해 이 '조국의 자랑'의 풀버전을 만나볼 수 있다. 풀버전이라고 해서 1시간이 넘는 긴 분량은 아니고 약 6분 분량의 작품을 만나볼 수 있다. 이 '조국의 자랑'에 관한 서플먼트는 한 가지가 더 있는데, 이 때 더 이야기를 하도록 하겠다.




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그 다음 만나볼 서플먼트는 이번 타이틀에 수록된 서플 가운데 가장 유익한 영상이라고 할 수 있을텐데, 엘비스 미첼이 진행하는 KCRW의 '트리트먼트 쇼'에 출연한 쿠엔틴 타란티노와 브래드 피트의 인터뷰가 그것이다.
약 30여분 동안 진행되는 인터뷰에서는 브래드 피트가 이 작품에 참여하게 된 계기서부터, 타란티노와 작업하며 느꼈던 그만의 작품세계에 대한 느낌, 그리고 타란티노가 말하는 브래드 피트와 이 작품에서 말하려는 것들(언어에 관한 이야기들)을 자세하게 들을 수 있다. 별도의 음성해설이 수록되지 않았기 때문에, 이 인터뷰 영상이 어느 정도 이런 부분을 해소해준다고 볼 수 있겠다. 역시나 수다스러운 타란티노는 자신의 만든 영화에 대해 더 많은 얘기를 하고 싶어 안달난 것을 얼핏 봐도 쉽게 느낄 수 있는데, 그 만큼 영화의 기획서 부터 메시지와 캐릭터에 이르기까지 다양한 이야기들을 접할 수 있다.




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앞서 이야기했던 것처럼 부가영상 가운데는 영화 속 영화 '조국의 자랑'에 관한 것이 하나 더 있는데, 다름아닌 이 작품에 메이킹 필름이다. 그런데 단순한 메이킹 필름이 아닌 일종의 페이크 다큐멘터리로서, 극중 인물들이 진지하게 이 영화에 대해 소감을 밝히고 있다. 실제 <호스텔> 등을 연출한 감독이기도한 일라이 로스는 이 메이킹 영상에서, '조국의 자랑'을 연출한 감독 '알로이스 폰 아이히베르크'로 분해 인터뷰에 응하고 있는데, 어찌보면 극중 맡은 '도니 도노윗' 역할보다 더 잘 어울리는 듯 하다. 괴벨스 역시 이 작품에 대한 자신의 견해를 전하는 한편, 주연을 맡은 졸러는 물론 괴벨스의 정부인 프란체스카 몽디노의 인터뷰도 수록되었다. 전체적으로 타란티노의 장난끼를 다시 한번 맛볼 수 있는 부가영상으로서, 보는 이도 정색하고 봐주면 되겠다. 참고로 괴벨스의 정부로 나온 여자배우는 타란티노의 전작 <킬 빌>에서 오렌 이시이의 부하로 나와 마지막까지 고생했던 그 언니가 되겠다.



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타란티노의 <바스터즈>의 직접적인 영감을 준 엔조 카스텔라리 감독의 1978년작 'Inglorious Bastards'(스펠링을 보면 타란티노의 '바스터즈'는 제목부터 언어유희를 실천하고 있다는 것을 알 수 있다)의 이야기도 만나볼 수 있다. 원작에도 출연했던 보 스벤슨은 이 작품에서도 '조국의 자랑' 속에 출연하고 있으며, 원작의 감독이었던 엔조 카스텔라리 역시 까메오로 작품에 함께 하고 있다. 1978년작 '바스터즈'에 관한 이야기들을 물론 약 4분여의 원작 영상도 만나볼 수 있다. 타란티노의 <바스터즈>를 인상 깊게 본 이들이라면 엔조 카스텔라리의 원작도 한 번쯤 관심을 가져볼 필요가 있겠다.



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다음은 극중에서 '윈스턴 처칠' 역할을 맡은 로드 테일러의 인터뷰가 비중있게 담겨 있는데, <지옥의 용병들 (1968)>, <새 (1963>) 등에 출연했던 그를 타란티노가 어떻게 설득해서 <바스터즈>에 함께 하게 되었는지는 물론, 타란티노에게 감동 받을 수 밖에는 없었던 에피소드들을 들려준다. 쿠엔틴 타란티노는 자신이 좋아하고 존경 하는 것들에 대해 오마주나 존경을 표할 때 그 방법이나 절차를 제대로 알고 있는 몇 안되는 감독이라고 생각하는데, 로드 테일러의 인터뷰를 듣고 나니, 더더욱 그의 이런 정성과 영화 팬으로서의 됨됨이가 느껴졌다. 그리하여 존경 받는 대상으로 하여금 오히려 타란티노를 존경하게 만들어 버리는 그의 정성을 새삼 확인할 수 있었다.



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그 다음 만나게 되는 서플먼트는 슬레이트 치는 장면에서의 개성있는 한 마디들을 만나볼 수 있는데, 단순히 씬넘버를 이야기하는 것이 아니라, 배우, 감독, 유명인사들의 이름은 물론, 욕설, 장소, 음식 이름 등등등 매우 다양한 종류의 것들을 나열하고 있어서, 이것들을 하나하나 듣는 것 만으로도 색다른 재미가 있다. 이후 소개할 편집에 관한 서플도 그렇지만, 영화 촬영 환경 자체를 재미와 즐거움이 가득한 곳으로 만들어내는 타란티노 월드의 모습을 또 한번 확인할 수 있다.



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'Hi, Sallys'는 타란티노의 작품을 오랫동안 편집을 맡아온 셀리 맨케에게 보내는 일종의 선물이라고 볼 수 있는 영상인데, 배우들이 대사 말미나 컷이 끝날 때마다 나중에 편집실에서 이 영상을 보게 될 셀리를 위해 한마디씩 전하는 따스한(?) 영상이라고 할 수 있겠다. 참고로 셀리 맨케 (Sally Menke)는 타란티노의 전작 <저수지의 개들 (1992)>, <펄프 픽션 (1994)>, <재키 브라운 (1997)>, <킬빌 1,2 (2003,2004)>, <데스 프루프 (2007)> 등의 편집을 맡았을 정도로 타란티노와는 오랜 기간 함께 해온 편집자이다. <바스터즈> 타이틀 외에 <킬빌>이었나 <데스 프루프>였나 DVD에서도 이와 똑같은 서플먼트를 확인할 수 있었다.



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예전 개봉 당시 이 작품을 리뷰하면서 '아, 당시 독일 영화에 관한 여러가지 재미있는 설정들과 이야기들이 담긴 것 같은데, 이를 정보가 없어서 다 알아차리지 못한 것이 못내 아쉽다'라는 이야기를 했었는데, 이 부분을 어느 정도 해소시켜줄 만한 서플먼트가 바로 'Film Poster Gallery Tour with Elvis Mitchell'이다. <바스터즈>는 영화에 관한 영화라고 해도 좋을 만큼, 특히 당시 독일 영화계에 대한 이야기들이 배경에 깊게 깔려 있는데, 타란티노는 자신의 영화광적인 지식을 동원해 영화 곳곳에 당시의 에피소드들을 끄집어 낼 수 있을 만한 장치들을 준비해 놓았다. 소샤나의 극장에 걸려 있는 영화 포스터들이 갖는 의미나 당시 독일과 괴벨스의 영화 관련 흥미로운 이야기들을 들려주는데, 영화를 보면서 100% 이해가 되지 않았던 부분들을 채워주는 느낌이다. 예를 들어 극중에서 괴벨스가 '릴리언 하비'의 이야기가 나오자 호통을 치며 화를 내는 장면이 나오는데, 이는 릴리언 하비에 대한 기본 지식이 없다면 의아할 수 밖에는 없는 장면일 것이다. 이런 사전적 정보에 대한 내용을 바로 이 서플먼트를 통해 확인할 수 있다.


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[총평] 비록 음성해설까지 수록되지는 않았지만, 몇가지 인터뷰와 부가영상을 통해 궁금증을 해소할 수 있었던 서플먼트를 수록하고 있어 만족스러운 타이틀이었다. 특히 맨마지막에 살펴본 당시 독일 영화계에 관련한 이야기들을 들려주는 'Film Poster Gallery Tour with Elvis Mitchell' 만으로도 개인적으로는 보람이 컸다.


작품 - 9.5 / 화질 - 9 / 음질 - 9 / 스페셜피쳐 - 8 / 소장가치 - 9


글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


본문에 사용된 모든 블루레이 캡쳐 이미지는 인용의 목적으로만 사용되었으며,
모든 이미지의 권리는 Universal Studios 에 있습니다.






셔터 아일랜드 (Shutter Island, 2009)
시대의 불안과 트라우마


마틴 스콜세지와 레오나르도 디카프리오 콤비의 신작 <셔터 아일랜드>는, 스콜세지 - 로버트 드니로 이후 최고의 감독과 페르소나 콤비로 작품활동을 해오고 있는 이들의 신작이라는 점만으로도 충분히 관심을 갖게 하는 작품이었다. 더군다나 <미스틱 리버>, <곤 베이비 곤>의 원작자 데니스 르헤인이 쓴 유명한 동명 소설을 원작으로 했다는 점도 주목할 만한 점이었는데, 원작을 읽지 않은 입장에서 스크린으로 먼저 만나게 된 <셔터 아일랜드>는 이미 많은 이들이 언급한 것처럼 히치콕식 스릴러 연출과 큐브릭을 연상시키는 미장센으로 담아낸, 거장 마틴 스콜세지의 수작이었다(개인적으로는 걸작이라 불러도 큰 문제는 없다고 생각한다). 요 근래 극장에서 본 작품들 가운데 가장 몰입도 있고, 가장 영화 본연의 미덕에 충실한 작품이었으며, 근래 본 연기 가운데 또 하나의 절정의 연기를 만나볼 수 있었던 매우 만족스런 작품이었다.



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영화는 연방 보안관인 테디 다니엘스(레오나르도 디카프리오)가 이날 처음 만난 자신의 파트너 척(마크 러팔로)과 함께, 셔터 아일랜드에 위치한 '애쉬클리프' 정신병원에 환자 실종사건을 조사하러 가는 것으로 시작된다. 탈출구라고는 선착장에서 배를 타는 것 외에는 없는 이 외딴 섬에서 어떻게 환자가 도망치게 혹은 실종되었는지 의문이 많은 가운데, 테디는 이 정신병원 시설과 관계자들에 대해 의문을 품게 되며, 그 안에 자신의 개인적인 조사 역시 진행하게 된다.

영화의 오프닝의 타이틀 텍스트라던지 애쉬클리프를 조명하는 카메라의 움직임이라던지, 'The Band'의 기타리스트 출신인 음악감독 로비 로버슨의 음산하고 무거운 음악 등은, 관객으로 하여금 영화의 시대적 배경이 되는 1950년대 미국의 보스턴 셔터 아일랜드로 이끈다. 이야기가 나온 김에 미장센에 대해서 먼저 이야기해보자면, <셔터 아일랜드>의 의상과 미장센은 너무도 영화적이라 매혹적이다. 당시의 코트와 의상이 가장 잘 어울린다고 생각하는 배우 중 하나인 마크 러팔로의 코스츔은 그 자체로 고증을 넘어선 매혹이 되버리고, 아내가 골라준 촌스러운 넥타이를 코트에 어울리지 않게 매치한 디카프리오의 모습 역시 영화 초반 연대를 알리는 텍스트 없이도 이 작품이 어느 시대를 그리고 있는지 가늠할 수 있게 한다(사실 몰입 잘하기로는 둘째 가라면 서러울 나는, 코트에 모자를 눌러 쓴 마크 러팔로를 보는 순간 이미 몰입되었다).


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의상과 미장센이 시대의 공기를 담으려고 애썼다면, 시종일관 긴장감을 전하는 스코어는 장르 영화로서의 장점을 부각시킨다. 그리고 시대의 불안과 트라우마라는 영화 뒷 편의 이야기를 조심스럽게 꺼내어 든다. 개인적으로는 앞서 이야기했던 것처럼 마크 러팔로의 등장만으로 몰입했던 터라 그 이후에도 심하게 몰입해 영화가 반전을 제공했을 때에도, 그 이후를 이야기했을 때에도 모두 다 함께 할 수 있었지만, 일반적으로 스코세지가 풀어낸 <셔터 아일랜드>의 구성은 혼란스럽고 불부명한 구조를 보여주는 듯 하다.

관객들은 죽었다던 테디의 아내가 등장할 때 꿈이나 환상이라는 것은 짐작할 수 있지만, 그녀가 환상 속에서 보여주는 장면과 대사, 미장센 들이 정확히 무엇을 뜻하는지는 쉽게 알아채기 어려운 것이 사실이다. 테디가 보는 아내의 환상 들은 마치 최근 보았던
찰리 카우프먼의 <시네도키 뉴욕>을 연상시킬 정도로, 어쩌면 이 작품을 더욱 모호하게(하지만 그래서 개인적으로는 더 좋았던) 만드는 역할을 하기도 했지만, 결국 영화의 결말로 되돌아 보았을 때 다시 한번 장면 하나하나의 의미를 떠올리게 하는 좋은 영화적 장치들이었다(재미있는 건 <시네도키 뉴욕>과 마찬가지로 여기에도 미셸 윌리엄스가 등장한다).


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(이하 단락에는 스포일러가 있습니다. 원치 않는 분들께서는 아래 단락으로 이동해주세요~)


아주 깊게 몰입했던 터라 결말에 보여준 반전과 그 이후에 영화가 택한 설정도 마음에 들었지만, 사실 이 영화는 반전에만 목숨건 정통 스릴러는 아니라고 볼 수 있겠다. 물론 개인적으로는 중간에 혼란스런 설정들도 매우 만족스러웠기 때문에 정통 스릴러의 범주로만 따져보아도 만족스러운 작품이었다. 레오나르도 디카프리오가 연기한 캐릭터가 결국 테디 다니엘스 인지 앤드류 레디스 인지를 따져보는 것도 흥미롭고, 맨 마지막에 선택한 삶(혹은 죽음)이 테디로서의 그것인지 앤드류 로서의 것인지를 생각해보는 것도 재미있는 경험이다.

스포일러를 표시한 김에 이 영화의 반전에 대해 이야기 해보자면, 결국 마지막 등대 위에서 들려주는 박사의 이야기처럼 앤드류는 자신의 아이들을 우울증으로 익사시켜 살해한 아내를 자신의 손으로 죽인 것과 나치 수용소의 기억 등이 트라우마가 되어 결국, 테디 다니엘스라는 가상의 인물을 만들어 냈고 수술이 아닌 진보적인 치료를 추구하던 코리 박사는 이 거대한 연극을 통해 앤드류를 치료하길 시도했으나, 결국 다시 한번 돌아오는 것에 실패한 앤드류에게 포기하고 외적인 수술을 시도할 수 밖에는 없게 된다.

원작에는 없다는 영화 만의 마지막 대사는 이 영화의 반전에 대해 다시 한번 생각하게 하는 단초가 되는데, '괴물로 살아가거나 선량한 사람으로 죽거나'라는 대사 뒤에 스스로 수술을 당하는 것을 인지하고 행동하는 앤드류(테디)의 모습은, 이런 극복할 수 없는 트라우마를 안고 앤드류(괴물)로서 살아가느니, 가상의 인물인 테디가 되어 모든 것을 잊은 채 사는 것을 (수술) 선택한 것이라고 볼 수 있겠다. 사실 결국 앤드류의 환상이었다는 이야기가 가장 수긍이 가는 부분이기는 하지만, 이 이야기를 테디 다니엘스의 이야기로 보아도 어느 정도 수긍이 가는 것이 사실이다. 조목조목 논리적인 이유를 들어가며 결국 이 모든 것이 음모를 파해치려는 연방 보안관 테디 다니엘스를 막기 위해 병원가 박사가 몰아간 것이라고 보는 설도 완전히 무시하긴 어려운 부분이다. 그 만큼 스콜세지는 각각의 이야기에 논리가 될 만한 설정들을 영화 중간 중간에 직간접적으로 뿌려 놓았다. 이것들은 <셔터 아일랜드>가 재 관람 할 때마다 다른 영화가 될 수 있는 중요한 요소 중 하나이다. 테디 다니엘스의 이야기로 믿으며 따라가느냐 아니면 앤드류 레디스의 이야기로 따라가느냐에 따라 영화는 전혀 다른 시각으로 보는 것이 가능하기 때문이다.


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어느 것이 진실인가에 대한 논란은 그 자체로 너무도 흥미로운 이야기거리 이긴 하지만, <셔터 아일랜드>가 이야기 하고자 하는 것은 '진실이 무언인가?'에 대한 것은 아니다. 만약 진실에 관해 이야기하려 했다면 이 작품은 혼란스럽게 단서를 풀어놓 되 결말이 알려지고 나서는 모두가 고개를 끄덕일 수 있어야 했고, 깊이 파고들면 들 수록 더 확고한 영화가 되었어야 할 것이다. 그렇다면 이 영화가 진정 말하고자 하는 것은 무엇일까. 그것은 바로 '트라우마' 그 자체다. 영화는 반전에 관련된 여러 단초들을 심어 놓은 것과 마찬가지로 트라우마에 대한 이야기를 시종일관 하고 있다. 테디가 이 일에 자처한 것도 자신의 집에 불을 지른 앤드류가 이곳에 있다는 정보 때문이며, 꿈만 꾸면 보이는 환상들(나치 수용소에 쌓여 있는 시체들을 구하지 못한 죄책감과 자신의 아이들을 빨리 구하지 못한 트라우마까지) 역시 모두 테디 내면의 트라우마 들이다. 영화는 한 개인이 트라우마로 인해 어떻게 잠식되어 가고 고통을 겪는지의 과정을 스릴러라는 그럴 듯한 장르에 빗대어 들려준다.

이렇게 개인적인 트라우마에 관한 이야기로 볼 수도 있지만, <셔터 아일랜드>의 트라우마는 개인적인 것 외에 당시 미국 사회의 레드 컴플렉스와 트라우마를 담고 있다. 극중 테디가 겪었던 나치 수용소 장면이 자주 등장하는 것도 이때 뿐이며, 공산주의자를 색출해 내기 위해 서로가 서로를 의심하던 당시 미국 사회내의 문제는 영화가 담고 있는 불안으로 바꿔 이야기할 수 있다. 50년대 핵과 냉전 시대의 공포와 의심은 이 영화의 배경이 되는 매우 중요한 요소라고 할 수 있는데, 이 시대의 트라우마를 개인의 트라우마에 빗대어 직간접적으로 이야기하고 있는 것이다.
극중 조지 노이스(잭키 얼 헤일리)와의 대화 중에 '수소 폭탄'에 관한 이야기가 나오는데, 이 비유는 사실 매우 직접적인 당시 미국사회에 대한 묘사이기도 하다. 내부에서부터 폭발한다는 수소 폭탄의 비유는, 냉전 시대 소련이나 다른 세계로 부터의 공포보다는 메카시즘으로 대표되는 당시 미국 사회 내의 불안과 공포가 더욱 스스로를 잠식하고 있다는 것을 말하고 있다.

이 영화를 보면서 떠올렸던 또 다른 영화는 바로 밀로스 포먼의 <뻐꾸기 둥지 위로 날아간 새>였는데, 이 작품에도 <셔터 아일랜드>와 비슷한 시대 배경과 정신병원(뇌수술)이라는 설정이 등장한다. 실제 이런 어두운 역사를 갖고 있는 미국 사회를 되돌아 보았을 때, 마치 독일이라는 나라가 '나치'라는 트라우마를 지울 수 없는 것처럼 현재의 미국 사회에서 역시 50년대 메카시즘에 대한 트라우마가 있는 것이 아닐까 싶다. 나치와 공산주의의 정반대에서서 자유를 부르짖었던 자신들에게 나치와 똑같은 어두운 과거는 분명 지워지지 않는 트라우마였을테니 말이다. 그래서 결국 이 영화는 시대의 트라우마에 대한 이야기를 개인에 빗대어 이야기한 작품이라고 볼 수 있겠다.



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레오나르도 디카프리오의 연기는 갈수록 매혹적이다. 1950년대에 빠져든 디카프리오는 당시 고전 헐리웃 영화 속 남자 배우들 처럼, 연극적인 연기를 펼친다. 스콜세지와의 호흡은 한계를 모르고 나아가고 있으며, 이젠 더이상 연기력에 대해 왈가왈부 하는 것 자체가 커다란 실례일 것이다. 앞서 이야기한 것처럼 마크 러팔로 라는 배우는 시대극에서 특히 장점을 발휘하는 것 같다. 그 자체가 미장센이 되는 연기에 있어서 마크 러팔로는 참으로 탁월한 재주가 있다. 그 밖에 벤 킹슬리와 막스 본 시도우 같은 베테랑 연기자들이 함께한 장면을 보는 것만으로도 이 작품의 무게는 깊어지며, 미쉘 윌리엄스와 잭키 얼 헤일리(아시다시피 <왓치맨>의 '로어셰크'가 바로 그다), 그리고 에밀리 모티머와 패트리시아 클락슨의 연기도 좋았다. 디카프리오가 월등한 롤을 맡고 있는 작품이기는 하지만, 조연급 연기자들의 연기를 맛보는 것도 이 작품의 또 다른 재미다.

여러가지 이유로 마틴 스콜세지의 <셔터 아일랜드>는 다시 보고 싶은 작품이다.

1. 벌써부터 얼른 블루레이가 출시되었으면 좋겠네요. 디지털 상영으로 보았는데 영상의 입자 자체가 거친 편이라 칼 같은 선예도는 아니었지만, 그래도 좋았어요. 어서 블루레이나 DVD가 출시되어 음성해설 트랙이라도 만나볼 수 있었으면 좋겠군요.

2. 마크 러팔로의 의상을 보며 자연스럽게 <조디악>을 떠올렸는데, 흥미로운건 <조디악>에서 범인으로 의심되었던 배역을 연기했던 존 캐롤 린치가 이 작품에도 소장(부소장?)으로 등장한다는 점이죠.

3. IMDB의 트라비아를 보니 파라마운트에서는 이 프로젝트를 데이빗 핀처와 브래드 피트, 마크 월버그로 진행하려고 했었다는데, 그렇다면 더더욱 <조디악>스러워졌을지도 모르겠군요 ㅎ

4. 오랜만에 스코어에 감동 받았습니다. 감정적 감동이 아닌 영화적 감동이요. 사운드 트랙도 구매해야 겠네요.

5. 글을 다 쓰고 오랜만에 관련 글들을 읽어보며 정말 희열을 느꼈습니다. 영화의 반전을 가지고 각자의 논리들로 풀어놓은 글들을 보는 재미를 이렇게 느낀게 얼마만인지 모르겠어요.

6. 아, 또 보고 싶어요.



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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모든 이미지의 권리는 Paramount Pictures 에 있습니다.





인 디 에어 (Up in the Air, 2009)
각자의 삶의 무게

제이슨 라이트먼의 최신작 <업 인 디 에어 (국내 개봉 제목 '인 디 에어')>는 그의 전작 <주노> 때문에 기대를 갖게 했던 작품이었다. 물론 <주노>로 가장 많은 스포트라이트를 받았던 것은 각본을 쓴 디아블로 코디 였지만, 어쨋든 연출을 맡은 제이슨 라이트먼의 신작은 <주노>를 매우 인상깊게 본 입장에서 몹시 기대가 되는 바였다. 여기에 조지 클루니와 베라 파미가의 캐스팅은 <주노>와는 다르게 '어른'의 이야기를 들려주겠구나 하는 기대가 있었는데, 역시나 이 '어른'의 이야기는 삶의 여러 부분에 대한 깊은 이해와 통창, 그리고 위로가 담긴 좋은 드라마였다.



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주인공인 라이언 빙햄(조지 클루니)은 해고 전문가다. 고용주가 직접 해고를 통보하지 못할 경우에 대신 사람들에게 해고를 통보하는 독특한 직업이라 할 수 있는데, 미국 전지역을 돌아다니며 1년중에 대부분을 비행기 출장으로 보내는 그에게 공항은 집보다(없는 집보다) 편안한 곳이며, 항공사의 마일리지는 훈장과도 같다. 그러던 그의 회사에 화상채팅을 통한 해고방식을 제안한 신참 나탈리(안나 켄드릭)가 주목을 받게 되고, 라이언은 나탈리와 함께 출장 길을 떠나게 된다.

먼저 라이언 빙햄에 대해 살펴볼 필요가 있다. 라이언에게는 자신만의 삶이 있다. 가족들과 멀어져서 혼자 지내지만 외로움을 느낄 새가 없을 정도로 바쁜 일에 취해있고, 자신 만의 도전과제들을 위해 하루하루를 치열하게 살아간다. 결벽증과는 좀 다른 의미지만, 라이언에게는 자신 만의 확고한 룰이 있다. 여행 가방을 챙기는 그의 모습을 빠른 편집으로 반복해서 보여주는 것은, 라이언은 이렇듯 자신의 가치관대로 살아가는데에 주저없고 확고한 사람이며 그것에 얽매여 있다기 보다는 그 안에서 행복한 사람이라는 점을 보여준다. 해고 전문가라는 불편한 직업임에도 '장인 정신'에 가까운 직업 윤리로 대하는 모습도 그렇고, 결혼과 아이에 대한 부정적인 생각도 부정적이라기 보단 오히려 긍정적으로 느껴질 정도로, 그의 삶은 여행용 캐리어 처럼 잘 정리되어 있다.



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그런 그에게 아직 꿈 많고 열정에 차 있는 청춘의 나탈리는 알게 모르게 자극이 된다. 라이언은 나탈리의 방식과 제안에 '그건 너무 이상적이다' 혹은 '나도 그런 생각 안해본 것 아니지만, 결국 현실을 직시해야 될거다' 라는 식으로 받아들이지만, 그러는 와중에도 은연 중에 자신의 현재를 돌아보게 된다. 라이언은 받아치기 어려운 자신 만의 논리로 나탈리의 희망에 찬 청춘을 보기 좋게 꺽지만, 새로운 환경과 사회에 상처를 받고 힘들어 하는 나탈리를 보며 동정심인지 아니면 그 안에서 자신을 발견한 것인지 점점 자신의 정해진 룰 밖의 세상을 기웃거리게 된다.

<인 디 에어>를 보며 초중반까지 든 생각은, 결국 자신과 다름을(틀림이 아닌) 인정하고 이해하는 가치관이었다. 라이언은 그 자체로 이런 이해가 가장 필요한 캐릭터일지도 모르겠다. 그는 남들 과는 조금 다른 가치관과 인생이 목표를 가지고 있는데, 일반적인 사람들은 인생의 목표가 결국 '목표' 자체를 이루기 위한 것이라는 점에 허무함을 느끼기도 하지만, 목표라는 것에 경중이 없듯이 라이언의 인생 목표는 그것으로 존중 받을 이유가 있다. 항공사 마일리지 천만 마일이라는 그의 목표는 깊게 생각해보자면, 천만 마일을 날아다니는 동안 얼마나 많은 이들에게 해고를 통보했으며, 얼마나 많은 삶의 연륜이 쌓였는가를 짐작할 수 있는 척도 이기도 하지만, 이런 것을 재쳐두더라도 누군가가 삶의 도전과제로 정한 목표라는 점에서 그것은 이해를 넘어 인정할 필요가 있는 것이다.



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(이하 내용에 대한 스포일러가 있습니다. 원치 않는 분들께서는 맨 아래 단락으로 이동해주세요~)


그런데 재미있는 건 이런 쿨한 삶의 자세를 갖은 듯한 라이언 조차, 결혼식 준비로 명소에서 찍은 듯한 사진을 대신 만들어 오라는 여동생의 부탁을, '도대체 이런걸 왜 찍는거지?'라며 이해하지 못한다. 그렇게 하기 싫은 이 미션을, 왠지 '그래도 나 한테 특별히 한 부탁이니 해줘야지 뭐'라는 식으로 억지로 완수하고나서, 드디어 동생에게 이 사진을 전달했을 때, 그것이 자신 뿐만 아니라 수 많은 이들에게 동시에 주어진 미션이라는 점과 형편상 신혼여행을 못가서 이렇게라도 남기려고 했다는 동생의 말에, 라이언은 여러가지 생각을 하게 된다.

일단 라이언은 자신 만 하는 것으로 당연히 알았던 이 미션이 수 많은 사람들에게 동시에 주어진 미션이라는 점에서 사뭇 당황한다. 그런데 재밌는건 가족과 친구 없이도 만나는 모든 이가 친구라서 외롭지 않다던 라이언은, '특별히' 오빠인 자신에게만 부탁한 일이 아니라는 것을 알게 되었을 때, 묘한 소외감(그러니까 자신도 결국은 수 많은 존재 중에 하나라는 것)과 동시에 서운함 마저 느끼게 된다. 그리고 형편이 어려워 신혼여행을 대신하려는 이벤트 였다는 것을 알게 되었을 때, 최고급 클래스를 도전과제로 삶고 있던 자신의 삶의 목표에 대해서도 한번 쯤 의문을 갖게 된다.



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제이슨 라이트먼의 <인 디 에어>는 삶의 아이러니를 통해, 삶의 무게에 대해 이야기하고 있다. 결혼에 대한 부정적인 생각을 갖고 살아온 라이언이 결혼식날 결혼을 망설이는 동생의 남편될 사람인 '짐'에게 결혼에 대해 설득하게 되는 점이나, 항상 타인에게 해고를 통보해오던 그가 마지막에 가서는 누군가의 입사 추천서를 쓰게 되는 것을 보여주면서, 완전한 것이 없다는 메시지를 주는 동시에 흑백논리로는 설명할 수 없는 삶의 다양성에 귀를 기울인다.

그에 앞서 라이언은 동생의 결혼식에 맞춰 고향을 오랜 만에 방문하게 된다. 앞서 이야기했듯이 공항과 비행기, 그리고 각각의 호텔을 집처럼 생각하고 살았던 그에게, 자신이 자랐던 이 고향은 이런 집을 대신하는 것들이 줄 수 없었던 것을 제공한다. 어린 시절 다녔던 학교에는 무엇보다 추억이 있고, 그 자신의 말처럼 그 추억 속에는 자신 혼자가 아닌 항상 누군가가 곁에 있었다. 이런 변화를 겪게 되면서 라이언은 이런 추억을 앞으로 함께 하고 싶은 이로, 관계를 맺어오던 알렉스 (베라 파미가)에게 마음을 고백하려 한다. 하지만 알렉스는 라이언이 항상 이야기하고 다녔던 것처럼 가볍고 쿨한 관계만을 원하던 이였고, 자신을 탈출구 정도로 생각했던 알렉스의 말에 라이언은 진심으로 대꾸하지 못한다. 라이언 조차 그런 삶을 살아왔고 그것이 옳다고 생각했었던 이었기에, 오히려 '왜 갑자기 나를 찾아 왔느냐'라는 알렉스의 큰 소리에 뭐라 할 말이 없었던 것이다.

그런데 <인 디 에어>가 주는 끝 맛은 왠일인지 개운하지 만은 않다. 혼자서도 잘해요 였던 라이언이 결국 가족과 주변의 따스함을 알게 되었고, 화상채팅으로 누군가를 해고하는 잔인한 방식은 사고로 인해 보류가 되었지만, 공항 전광판 앞에서 자신의 앞으로 삶의 행선지를 응시해보는 라이언의 모습에서는 또 다른 삶의 무게가 느껴진다. <인 디 에어>는 마냥 선하게 '자신의 삶의 짐을 여럿이 나누면 반이 된다'라는 이야기도 아니고, '결국 자신의 삶은 혼자가 다 짊어져야 한다'는 아주 우울한 이야기도 아닌, 매우 현실적인 지점에 놓여있는 작품이다. 그러고보면 다른 가방이나 짐은 다른 사람이 대신 들어줄 수 있지만, 결국은 각자가 끌고 가야 하는 여행용 캐리어 가방은 이 영화를 가장 잘 나타내고 있는 기가막힌 소품인지도 모르겠다.



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한 동안 세계에서 가장 섹시한 남자인 조지 클루니는 이 타이틀과는 조금씩 거리가 있는(그래도 섹시하지 않았던 적이 있었나 싶기도하지만) 캐릭터들을 연기해 왔었는데, <인 디 에어>의 조지 클루니는 왜 그가 '모스트 원티드 섹시스트'인지 다시금 확인시켜 준다. 이 완전한 로맨스 영화 아닌 영화 속에서 등장하는 말끔한 수트 차림의 클루니에게서야 말로 진정한 매력이 느껴진다. 베라 파미가는 어느 덧 클루니와 커플을 이뤄 '삶의 연륜'을 이야기하는 캐릭터로 나아가 버렸는데, 커리어 우먼의 매력과 별 다른 제스처 없이 표정과 미소 만으로도 설명 가능한 알렉스 라는 캐릭터를 훌륭하게 표현하고 있다. 나탈리 역의 안나 켄드릭은 <트와일라잇> 시리즈에 비하면 많이 마른 모습으로 보였는데, 이 때는 그저 주인공 친구였던 그녀가 이제는 관객의 기억에 확실히 남는 캐릭터를 연기해 낸 것을 보니, 왠지 뿌듯하기까지.

보는 중간에는 너무 평범한 드라마가 아닐까 라는 생각을 잠시하기도 했었는데, 보고나서 생각하면 할 수록 참 깊이 있는 작품이었다는 생각이 들게 되는, 무게 있는 작품이었다.


1. 라이언이 결국 기장을 만나게 되었을 때 장면 묘사가 참 인상적이었어요. 기장님의 모습이 마치 천사나 신처럼 느껴졌거든요.

2. 알려졌다시피 이 작품의 국내 제목은 '마일리지'가 될 뻔 했는데, 처음에는 너무 끔찍한 제목이라고 생각했으나 곰곰히 생각해보면, 의미 상으로는 제법 괜찮은 제목이 될 수도 있었겠다 싶네요.

3. 그런데 아예 본래 제목을 개봉하려 했다면 원제 그대로인 'Up in the Air'로 해야 했는데 라는 생각이 들더군요. 영화의 엔딩 크래딧 중간에 왜 이 영화의 제목이 '업 인 디 에어'여야 하는지를 확인시켜주는 노래 한 곡이 등장합니다.

4. 제이슨 라이트먼의 전작 <주노>는 소박한 포크 음악들이 실린 사운드트랙이 참 인상적인 작품이라 이번 작품도 음악을 많이 기대했었는데, 역시 기대를 저버리지 않더군요. 관조하는 듯한 포크 음악들이 좋았습니다. 그 와중에 신디 로퍼의 'Time After Time'도 좋았지만요 ㅎ

5, 극중 <스파이더 맨> 시리즈로 유명한 J.K.시몬스가 자신의 딸들 사진을 보여주는 장면이 나오는데, 실제 시몬스의 딸들 사진이라고 하네요.

6. 첨엔 '아, 이 영화는 적어도 최근 실직이나 해고 경험이 있으신 분들은 개인적인 이유라도 보면 안되겠다' 싶었는데, 영화를 다 보고 나니 오히려 이런 분들이 보시면 힘이 될 영화같아요. 삶의 무게는 버겁지만 나아갈 이유가 있으니까요.



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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대병소장 (大兵小將, Little Big Soldier, 2010)
성룡 후기 작품의 시작일지도


적어도 성룡 영화와 함께 유년기를 보낸 영화팬으로서 성룡 '형님'의 영화는 영화의 좋고 나쁨, 완성도를 떠나서 팬으로서 챙겨보는 몇 안되는 장르이기도 하다('성룡 영화'는 그 스스로 하나의 장르다). 그래서 최근 다른 이유로 말이 많은 작품 <대병소장>도 놓칠 수 없었다. 결론부터 이야기해보자면 이 작품을 단순히 불편한 감정이 있는 유승준의 출연 사실 만으로 거르기에는 제법 의미있는 성룡 영화라고 볼 수 있겠다. 그리고 어쩌면 우리가 흔히 얘기하는 성룡 영화의 초기, 중기 등을 넘어서 본격적인 후기 작품의 시작이라고 볼 만한 작품이 될지도 모르겠다.



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<대병소장>을 이야기할 때 반드시 언급해야 할 요소라면, 성룡 영화들의 많은 작품들이 그러하긴 했지만 그 가운데서 가장 성룡의 영향력이 영화 외적으로 가미된 작품이라는 점이다. 오프닝에 등장하는 크레딧을 보면 감독 외에는 거의 모든 주요 스텝을 성룡이 맡았다고 봐도 과언이 아닐 정도로, 프로듀서, 치프 프로듀서(?), 오리지널 스토리, 주연 등 영화의 전반에 걸쳐 자신의 이름을 내세우고 있다(사실 타이틀롤 맨 처음에 이름이 언급될 만큼, 성룡이 맡은 캐릭터가 주연은 아니라고 영화 내내 생각했었는데, 영화의 마지막을 보니 이 캐릭터가 맨 처음 이름을 올린 이유가 단지 성룡이라서는 아니라는 걸 알 수 있었다). 특히 <대병소장>은 오리지널 스토리를 비롯해 성룡이 상당히 예전부터 기획해온 작품이라고 알려져 있는데, 이 이야기와 자신이 연기한 캐릭터의 롤을 따져보니 단순히 넘길 일은 아닌 것을 알 수 있었다.

일단 영화는 마지막 시퀀스만 제외한다면 위나라 장군 역할을 맡은 왕리홍이 주연이라고 봐도 무방할 정도다. 물론 비중은 큰 차이가 없지만 우리가 흔히 생각하는 '주연'의 이미지를 떠올렸을 때 분명 주인공은 왕리홍이고 성룡이 맡은 양나라 병사는 이 버디무비 아닌 버디무비에서 어쨋든 조연에 해당한다고 볼 수 있다. 그렇기 때문에 성룡이 맡은 캐릭터는 기존 성룡 영화 속 성룡 과는 분명 차이가 있다. 그는 마치 <놈놈놈>의 송강호 처럼(그런데 <놈놈놈>의 주연은 분명 송강호다 ㅎ) 익살스럽고 양념 같은 이미지인 것에 반해, 왕리홍은 주연 다운 자신 만의 스토리를 갖고 있다. 위나라 장군인 왕리홍은 비하인드 스토리를 비롯해 영화의 전체적인 스토리에 직접적인 영향을 주는 캐릭터이지만, 성룡이 맡은 캐릭터는 이 큰 줄거리에 우연히 휘말리게 된 캐릭터라고 볼 수 있다. 그래서 영화 내내 성룡이 맡은 캐릭터는 왕리홍이 맡은 캐릭터를 알게 모르게 돕고 있다.


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성룡이 이렇게 자신의 영화에서 한 발 물러나서인지, 우리가 흔히 성룡 영화에서 기대하는 것들을 <대병소장>에서는 기대 할 수 없는 것도 사실이다. 예전 같으면 18:1이 되었어도 혼자 만의 실력으로 모두를 제압했을테지만(적어도 날쌔게 약올리며 도망은 갔을테지만), <대병소장>에서 그런 성룡의 모습은 거의 등장하지 않는다. 오히려 허무하다 싶을 정도로 다수의 적에게는 싸워볼 생각도 못한채 순순히 잡힌 다던가, 상대에게 무술로서 압도하는 모습도 거의 찾아볼 수 없다. 유머가 가미되기는 했었지만 항상 자신의 영화에서 수 많은 악당들을 일당백으로 무찌르던 성룡의 모습에 익숙한 팬들 입장에서는 이런 성룡의 변화가 낯설고 한편으론 쓸쓸하게까지 느껴지기도 한다.

그렇기 때문에 성룡 영화라면 꼭 등장하던 아크로바틱한 액션 시퀀스라던가, 도구나 장소를 적극적으로 사용한 액션 시퀀스도 그리 많지 않다(나오긴 한다). 이런 점들을 찾아볼 수 없는 것도 팬으로서 아쉬운 점이지만, 그 밖에 전체적인 이야기가 갖는 힘이 약한 것도 아쉬운 점이다. 유머는 등장하지만 예전 같은 임팩트는 아니었고 무언가 드라마로 이끌려는 시도는 알겠으나 전체적으로 진부한 느낌이 강했기 때문이다(성룡이 어떤 이야기를 하고 싶었는지는 나중에 가서 분명히 알 수 있었다).



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사실 그냥 심심하기만 하다라도 느꼈던 영화가 한순간에 바뀐 것은 마지막 장면 때문이었는데, 이것은 이야기의 반전 때문이 아니라 '아, 성룡이 이런 이야기를 하고 싶었던 거구나'라는 생각이 들었기 때문이었다. 그간 메시지보다는 영화가 주는 즐거움에 포커스를 두었던 그의 영화에 비춰봤을 때, 이번 <대병소장>은 이 마지막 메시지를 전달하기 위해 러닝타임을 끌고 온 것이 아닌가 싶을 정도였다. 마치 당의 지원을 받으며 작품 세계가 '소박'에서 '대의'로 변해버린 장예모의 작품들을 보고 당황했던 것이 떠오르기도 했는데, 이런 당황스러움과는 종류가 약간 달랐지만 성룡 역시 무언가 '대의'를 말하려고 하는 것 같았다(특히 그 일부러 마지막에 보여주려고 숨긴 티가 너무 났던 그 문구를 공개하는 장면은, 장예모의 <영웅>의 마지막이 그대로 연상되었다). 그러고보니 이 작품은 장예모의 <영웅>과 어느 정도 통하는 부분이 있다.

이 마지막 시퀀스를 대하는 관객들의 평가는 아마 저마다 다를 것이다. 개인적으로는 이런 성룡 보다는 우리에게 익숙한 기존의 성룡이 더욱 마음에 들지만, 그가 꾸는 꿈이 이런 꿈이라면 좀 더 팬으로서 지켜봐야 할 것 같다(이렇게 이야기하고나면 장예모의 그것과 완전히 같다고 이야기하는것 같은데, 그것과는 조금 다르다. <대병소장>은 '대의'와 무상함을 이야기하는 동시에 소시민 영웅이라는 기존의 모티브를 함께 갖고 있기 때문이다).



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유승준의 연기는 그리 나쁘지 않았다. 이채로운 점이라면 자신의 실제 목소리로 중국어 연기를 한다는 점이었는데, 캐릭터 자체가 살짝 모호한 감은 있었지만 그럭저럭이었던 것 같다(하지만 캐릭터의 무술 실력에 비해 그 마지막의 '팔뚝'은 좀 과했다 ㅎ). 의외로 비중있는 여자 캐릭터가 없다는 것도 이채로웠다, 두 명의 여자 캐릭터가 등장하긴 하는데 좋고 나쁨을 논하기엔 비중이 너무 적다.

성룡 팬이라면 재미 여부를 떠나서 꼭 봐야할 작품이 될지도 모르겠다. 이후 성룡 작품들(자신이 감독하고 각본쓰고 주연을 맡게 될 작품들)의 여부에 따라 중요한 지점이 될 작품이 될 수도 있으니 말이다.


1. 국내에 들어온 필름 상태가 너무 좋지 못하더군요. 디지털 상영으로 높아진 눈이 오랜만에 불편을 겪었습니다. 중간에 화면 톤이 아예 나가버리는가 하면, 톤이 나가면서 포커스도 나가버려서 마치 캠버전을 보는 듯한 느낌마저 주더군요. 사실 좀 욱하는 분들이라면 환불도 요구할 수 있는 수준이라고 생각되네요.

2. 상영관 자체도 너무 없었지만 관객들도 정말 없더군요. 오랜만에 상영관을 통째로 빌려서 관람했습니다. 정말 유승준 때문인지는 모르겠으나, 그래도 성룡 형님 영화인데 좀 너무한 것 같다는 생각도 ㅠ

3. 역시 성룡 영화 답게 엔딩 크래딧에 NG장면이 수록되었습니다. 하지만 임팩트는 확실히 이전보단 떨어지는것 같아요.

4. 연륜이 쌓이면서 다른 배우를 보조해주는 캐릭터로 물러나는 것도 좋지만, '성룡'은 계속 자신이 주인공인 영화를 만들어주었으면 좋겠어요.



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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